美术楼设计说明怎么写

标志是由许多红色线条组成的汉字“新”，由佐藤可士和（KASHIWA SATO）设计。

将“开放”当成关键词, 因为该美术馆致力发挥艺术中心的功能，除了搜集信息之外，更期望能成为信息交换地。利用标志强调这种“开放场所”的特征，于是去除”新“这个文字里所有线条和弯角的封闭部分，制作独特的开放式字体。

此外，所有线条都是一边直角，另一边圆角，这个灵感源自黑川纪章先生的建筑，美术馆建筑的正面呈现海浪般的曲线，另一侧的展示空间则是直线，通过字体自然连接该建筑特征和标志，因为整间美术馆大量使用近乎黑色的木炭色，标志颜色亦配合建筑设计，采用日本传统的绯红和木炭色。

一、

美国纽约市的所罗门.R.古根海姆博物馆坐落在一条街道的拐角处，全称所罗门·R·古根海姆博物馆，是古根海姆美术馆群的总部。该建筑是纽约著名的地标建筑，由美国20世纪最著名的建筑师弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）设计，建筑坐落在纽约市一条街道的拐角处，与其他任何建筑物都迥然不同，可以说外观像一只茶杯，或者像一条巨大的白色弹簧，可能是因为螺旋线结构也有人说像海螺。

这座极其漂亮、无与伦比的建筑建成于1959年。建筑物的外部向上、向外螺旋上升，内部的曲线和斜坡则通到6层。螺旋的中部形成一个敞开的空间，从玻璃圆层顶采光。该博物馆保存了所罗门.R.古根海姆有现代艺术收藏品，因此该馆以个的名字来命名。许多展品由金属杆悬挂着，看起来似浮在空中。按照传统，博物馆在沿大厅四周的墙 上展览艺术作品。但古根海姆打破了传统的惯例。

古根海姆博物馆的外部非常朴实无华，只是将博物馆的名字装饰了一下。平滑的白色混凝土覆盖在墙上，使它们仿佛更像一座巨大的雕塑而不是建筑物。

建筑物的外部向上、向外螺旋上升，内部的曲线和斜坡则通到6层。螺旋的中部形成一个敞开的空间，从玻璃圆层顶采光。美术馆分成两个体积，大的一个是陈列厅，6层；小的是行政办公部分，4层。陈列大厅是一个倒立的螺旋形空间，高约30米，大厅顶部是一个花瓣形的玻璃顶，四周是盘旋而上的层层挑台，地面以3％的坡度缓慢上升。参观时观众先乘电梯到最上层，然后顺坡而下，参观路线共长430米。美术馆的陈列品就沿着坡道的墙壁悬挂着，观众边走边欣赏，不知不觉之中就走完了6层高的坡道，看完了展品，这显然比那种常规的一间套一间的展览室要有趣和轻松得多。

该博物馆保存了所罗门·R·古根海姆有现代艺术收藏品，许多展品由金属杆悬挂着，看起来似浮在空中。按照传统，博物馆在沿大厅四周的墙上展览艺术作品。但古根海姆打破了传统的惯例。

二、

西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆由美国加州建筑师弗兰克·盖里（FFrank O.Gehry）设计，在1997年正式落成启用，它以奇美的造型、特异的结构和崭新的材料立刻博得举世瞩目。在20世纪90年代人类建筑灿若星河的创造中，毕尔巴鄂古根海姆博物馆无疑属于最伟大之列，与悉尼歌剧院一样，它们都属于未来的建筑提前降临人世，属于不是用凡间语言写就的城市诗篇。

该博物馆全部面积占地24000平方米，陈列的空间则有11000平方米，分成十九个展示厅，其中一间还是全世界最大的艺廊之一，面积为130米乘以30米见方。整个博物馆结构体是由建筑师藉助一套为空气动力学使用的电脑软件逐步设计而成。博物馆在建材方面使用玻璃、钢和石灰岩，部分表面还包覆钛金属，与该市长久以来的造船业传统遥相呼应。

该博物馆选址于城市门户之地——旧城区边缘、内维隆河南岸的艺术区域，一条进入毕市的主要高架通道穿越基地一角，是从北部进入城市的必经之路。

从内维隆河北岸眺望城市，该博物馆是最醒目的第一层滨水景观。面对如此重要而富于挑战性的地段，盖里给出了一个迄今为止建筑史上最大胆的解答：整个建筑由一群外覆钛合金板的不规则双曲面体量组合而成，其形式与人类建筑的既往实践均无关涉，超离任何习惯的建筑经验之外。在盖里魔术般的指挥下，建筑，这一章已凝固了数千年的音乐又重新流动起来，奏出令人瞠目结舌的声响。

在邻水的北侧，盖里以较长的横向波动的三层展厅来呼应河水的水平流动感及较大的尺度关系。因为北向逆光的原因，建筑的主立面终日将处于阴影中，盖里聪明地将建筑表皮处理成向各个方向弯曲的双曲面，这样，随着日光入射角的变化，建筑的各个表面都会产生不断变动的光影效果，避免了大尺度建筑在北向的沉闷感。

在南侧主入口处，由于与19世纪的旧区建筑只有一街之隔，故采取打碎建筑体量过渡尺度的方法与之协调。更妙的是，盖里为解决高架桥与其下的博物馆建筑冲突的问题，将建筑穿越高架路下部，并在桥的另一端设计了一座高塔，使建筑对高架桥形成抱揽、涵纳之势，进而与城市融为一体。以高架路为纽带，盖里将这栋建筑沛然莫御的旺盛生命活力辐射入城市的深处。

博物馆的室内设计极为精彩，尤其是入口处的中庭设计，被盖里称为“将帽子扔向空中的一声欢呼”，它创造出以往任何高直空间都不具备的、打破简单几何秩序性的强悍冲击力，曲面层叠起伏、奔涌向上，光影倾泻而下，直透人心，使人目不暇给，百不能指其一。在此中庭下，人们被调动起全部参与艺术狂欢的心理准备，踏上与庸常经验告别的渡口。有鉴于赖特在纽约古根海姆博物馆设计中对艺术展品不够尊重的教训，盖里的展厅设计简洁静素，为艺术品创造一个安逸的栖所。

个人经验交流一下：先构草图，多构一些，好坏不用管。可以找一些书，看一下，有喜欢的图就构几笔。不要有什么细节。只是大轮廓。然后，全部放在一边。过多一天，再拿起这些草图，看一下，有哪几个觉得有感觉，就开始深化一下，把外轮廓加深一下。然后，订在墙上，看一下。第三天，比较一下昨天画的东西，应该有点感觉了。可以静下来深入了。在深化的工程中，有一个最有效的方法，（现在用的不多了），做小模型。用一些卡纸，简单粘一下，然后看一下整体关系。这样的模型比在电脑里的SU或MAX都直观。这样，在图纸，CAD、SU、小模型的综合辅助下，应该能做的出自己满意的东西了。

展示设计就是一门综合艺术，在既定的时间和空间范围内，运用艺术设计语言，通过对空间与平面的精心创造，使其产生独特的空间氛围，不仅含有解释展品、宣传主题的意图，并使观众能参与其中，达到完美沟通的目的。简单一点说，就是在一定的空间里，用图片、模型、灯光等等形式展示展品。这里所说的展品不单单指的是产品，还包括企业形象、企业文化等等元素。同时随着科学技术的不断进步，展示设计也融入了大量的科技手段，展示设计亦是技术含量很高的艺术行为；我们最常见展示设计的有4种：1. 企业展厅，主要服务于企业，展示企业文化、品牌文化、企业特色等，向参观者传达企业精神力、企业优势来提高企业的魅力。企业展厅展示的具体内容有企业文化、企业发展历程、企业品牌、企业产品、企业荣誉、企业规划、企业愿景、企业风格多样内容。能帮助客户更全面的了解企业，直观展示产品特性，快速全面的了解企业发展历程和实力。2. 政府主题馆，以丰富的展示内容，生动翔实的介绍了相关单位的历史变迁、建设成就、相关职责和未来规划，有利于加强公示工作，便于公众参与、带领社会遵守规则。是领导视察的汇报圣台，宣传和教育的重要阵地，也是让市民了解单位、监督单位的阳光平台。3. 商业营销中心展厅，集宣传、营销为一体。主要功能是提升企业品牌形象、展示商品、宣传公司整体实力，发展前景、提升客户体验、关注客户和商品。对产品特性进行关键点设计构思，并根据独立展示柜台的应用和灯光效果吸引观众，以增强商品在客户记忆中的印象，从而达到合作的目的。同时对客户群体进行深度分析，在设计展厅时，用场景、多媒体系统的互动体验、体感游戏设备、实物模型等展示方式进行装饰，而不是单一的平面展示，便于客户进行全面的深入体验以达到提升客户粘性。4.未来智慧产品展示，是集各种多媒体数字展览展示系统为一体的综合展示平台，包括全息投影、数字沙盘、环幕/弧幕/球幕、电子翻书、互动地面及触摸屏、VR/AR互动系统等等各种高新科技技术，让展厅极具魄力和吸引力。通过对视频、声音、动画等媒体加以组合应用，深度挖掘展览陈列对象所蕴含的背景、意义，带给观众高科技的视觉震撼感以及沉浸式的体验，大大提升品牌的感染力以及影响力。展示设计其实是一种”配合演出”的设计，展品就是“主演”，所以设计的展示装置本身是否精彩并不是重点，而是这展示具、展示装置完成后，“被展示的物件或概念”是否因此而精彩，才是重点。

作为普通人，参观美术馆，想要更有意义：

首先，要找准什么是值得一去的美术馆，不要浪费自己的时间和钱。

并不是所有的美术馆，博物馆都值得一去，也不是一个美术馆里的所有作品都值得看，都是最好的作品。那怎么能知道哪些是好美术馆，不妨问问身边了解艺术行业的朋友，或者上网搜寻一下此类的信息。像我2017年一月就去了一次北京的国家博物馆，完全刷新了我的三观，在我理解的应该出现在“中国国家博物馆”里的东西基本都没有出现，而不该出现的东西出现了一大堆。而如果你要去纽约就一定不要错过了大都会艺术博物馆，芝加哥的话就一定要去芝加哥艺术学院，或是去费城就不要错过了费城美术馆，若是去旧金山就不能不去SFMoMA——总之，去专业的大美术馆看知名艺术家的作品，一般来说不会浪费时间。

Edward Hopper的油画，在惠特尼美国艺术馆

第二，明确自己的参观目的。

什么是“更有意义”的参观，也许每个人的理解和要求也不一样。遇见一个神奇的人工景色，成为拍照的神器，回来可以发朋友圈，这是一种参观的模式；“有意义”的观看，也可以是近距离的参观大师的作品，看到原作的细节，启发自己的创作；“有意义”的逛美术馆，也可以是看看艺术界的最新花样，看看有哪些新的视觉传达方案，有哪些新的艺术议题。

这三种“目标”的指导下的获得的参观体验都是不同层面上的“有意义”，你在选择美术馆和展览的时候就可以根据自己的“有意义”要求来选。

举个例子，如果你喜欢拍照，希望刷新朋友圈的逼格，不如去看看最近有什么新媒体艺术展和装置艺术作品，例如龙美术馆的James Terrell的灯光装置展，就很适合拍照，或是北京Pace Gallery的日本新媒体团体TeamLab的展览，也是营造了一种人工数码美景，或是纽约的New Museum去年上演的Pipilotti Rist的大新展览“数码森林”（Pixel Forest）也能充分满足你拍照的需要。这些大型装置艺术，新媒体的“沉浸式”的展览，都很好看也很好玩，参观作品基本不需要任何专业艺术史知识，艺术家会给你制造好一个梦境，你去感受，去做梦就好了。

第三，我觉得“好奇心”和“包容心”在参观艺术展览时是非常重要的。

对于任何人来说，一种open-minded，开放性的对话是理解一件艺术作品中最重要的工具。在面对我们的不理解的作品时，不要有抵触和诋毁的心态，而是用一种好奇和包容去打开对话。很多时候，一件作品的确会于你的个人审美，个人趣味，甚至是与你的价值观和信仰产生冲突，但是这不是你去质疑这件艺术品是好还是坏的标准。

对一件当代艺术的作品抱有不满和不理解很正常，我们要记得它的功能是反思，那么这件作品点燃的你的不满和不爽、不喜欢与不解，也许都是让你提出问题，进行讨论和激发辩论的一种手段。

我觉得提出问题可能是欣赏和解读艺术作品的第一步。不要因为一秒钟的看不懂就放弃，就蔑视，也许多看几次，瞅一眼做的说明，读一读艺术家的文字，可以引发出你的思考，也许还能激发出很强烈的反应。

第四，请在遵循美术馆的规定和艺术家的指导下，尽情享受这件艺术品。

一般来说，美术馆的基本守则是：不要触碰展品，不要大声喧哗。在这两项基本原则之下，请你尽情观察。同时，你也知道，现在的一些作品是可以被触碰，甚至可以参与其中的。所以美术馆里，在面对一件作品时，你还可以咨询或者观察一下周围的人，或者最好去阅读一下这个作品的信息，看看这个作品是否是可以触碰和互动。

如果是交互式和参与式的作品，就请大胆使用，融入作品环境，然后动用你的一切感官，调动你的眼睛，你的耳朵，你的鼻子，如果可以触碰，也请放心地按照指示去触摸这些作品。然后用你的身体感官所收集到的信息告诉自己这是一个什么体验。

它是否可以启发你的一些联想？或者是让你丧失一些感觉，从而掉入艺术家设计好的圈套？例如那些利用烟雾和光色让你丧失方向感的装置艺术。

作为观众，我们在构建一件艺术作品意义的过程中发挥着非常重要的作用。罗兰·巴特早就用他的书《作者之死》告诉我们，艺术的意义现在归于观众了，而事实证明，观众的想法和参与很多时候真的会影响到一些艺术家的作品。

观众通过提供他或她的个人反思，经验，意见和解释来完成一件艺术作品所期待的对话。而例如像是互动性的艺术作品，没有了参与者，没有了观众，这个作品就不完整，甚至不成立了。

品牌型号：华为MateBook D15

系统：Windows 11

软件版本:

展示设计属于三维设计。展示设计是一门综合艺术设计，它的主体为商品。

展示设计以“展示具”为标的物的设计，更广泛的说，是以“说明”、“展示具”、“灯光”为间接的标的物，来烘托出“展示物”这个主角的一种设计。换句话说，展示设计的标的物具有配角的性格。展示设计从范围上可以大到博览会场、博物馆、美术馆，中到商场、卖场、临时庆典会场，小到橱窗及展示柜台（样品柜），不过都以具说服力的展示为主要概念。就展示设计所处理的内容而言，主要有展示物的规划、展示主题的发展、展示具、灯光、说明、标指示及附属空间（如大型展示空间就该包括典藏、消毒、厕所、茶水、休息等等空间）。

从某个角度看，展示设计是新兴行业，以往较大规模与较固定性的展示设计即归属于建筑设计，较小规模的展示设计就归属于室内设计，较临时性的展示设计就归属于美术工艺或室内设计。那么，是什么因素让“从大到博览会场”、博物馆、美术馆，中到商场、卖场、临时庆典会场，小到橱窗及展示柜台（样品柜）都会重新以“展示设计”这样的行业来理解呢？这是由于第一方面，可能是前述的以“展示”为主要概念；第二方面，可能是，短时间的博览会或工商展览会，在十九世纪末二十世纪初兴起；第三方面，可能是二次大战后“卖场或商场”的大规模化与精致化、专业化等等所致。