装饰艺术的发展史

原始社会(远古至约4000年前)的装饰艺术，大体分为旧石器时代的装饰艺术和新石器时代的装饰艺术。旧石器时代的装饰艺术主要体现在人体装饰上，如文身、绘身和体外装饰等。新石器时代的装饰艺术则表现在玉器、彩陶及各类原始雕塑和岩画的纹饰上。从旧石器时代到新石器时代的漫长发展过程中，许多原始艺术多被历史的烟尘所淹没，保存下来的只是凭借坚硬和不易腐烂变质的物质材料为依托的艺术。

装饰艺术运动是一个装饰艺术方面的运动，但同时影响了建筑设计的风格，它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会。当其在1920年代初成为欧洲主要的艺术风格时并未在美国流行，大约1928年，快到现代主义流行的1930年代前才在美国流行。ArtDeco这个词虽然在1925年的博览会创造，但直到1960年代对其再评估时才被广泛使用，其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作。Art Deco演变自十九世纪末的Art Nouveau（新艺术）运动，当时的Art Nouveau是资产阶级追求感性（如花草动物的形体）与异文化图案（如东方的书法与工艺品）的有机线条。Art Deco则结合了因工业文化所兴起的机械美学，以较机械式的、几何的、纯綷装饰的线条来表现，如扇形辐射状的太阳光、齿轮或流线型线条、对称简洁的几何构图等等，并以明亮且对比的颜色来彩绘，例如亮丽的红色、吓人的粉红色、电器类的蓝色、警报器的黄色，到探戈的橘色、及带有金属味的金色、银白色以及古铜色等等。同时，随着欧美帝国资本主义向外扩张，远东、中东、希腊、罗马、埃及与马雅等古老文化的物品或图腾，也都成了Art Deco装饰的素材来源，如埃及古墓的陪葬品、非洲木雕、希腊建筑的古典柱式等等。这种最早出现在法国博览会临时展示馆，看似既传统又创新的建筑风格，结合了钢骨与钢筋混凝土营建技术的发展，让象征着资本主义教堂的摩天大楼成为可能，并且于资本主义中心国家的大城市里得到了实践场域。典型的例子是美国纽约曼哈顿的克赖斯勒大楼(Chrysler Building)与帝国大厦(Empire State Building)，其共同的特色是有着丰富的线条装饰与逐层退缩结构的轮廓。除了这些举世闻名的建筑物外，在其它类型的建筑物，无论是私人或公共建筑、纪念性或地域性，都可以看见Art Deco的影响，如方盒状的公寓、巨型的发电厂与工厂、流线型且充满异国色彩的电影院、金字塔状的教堂等等，都因其寓意式的装饰或花纹状的浮雕而被称作Art Deco建筑总之，Art Deco的装饰有下列几个主要的特征： 1.放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光。 2.摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物。 3.速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展。 4.几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题。 5.新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利。 6.打破常规的形式：取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等。 7.古老文化的形式：对埃及与中美洲等古老文明的想象。 8.明亮对比的色彩在20世纪20年代兴起，到30年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。 “装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20世纪开始，人们已经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。“装饰艺术”运动足装饰运动在20世纪初的最后一次尝试，它采用于工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。 “装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可费参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20、30年代的这个设计运动的风格与80年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

“装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20 世纪初的另外一场重要的设计运动―“装饰艺术”运动。“装饰艺术”运动的名称出自1925 年在巴黎举办的一个大型展览：“装饰艺术”展览（The exposition des Arts Decoratifs）。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从20 年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案（Jass Patterns) ，到30 年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。从思想和意识形态方面来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而“装饰艺术”运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，“装饰艺术”风格具有更加积极的时代意义。另一方面，“装饰艺术”运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把“装饰艺术”视为与现代主义对立的设计运动来看，但现在的研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与“装饰艺术”运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维( Raymond Loewy) 1937 年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·科布西耶（Le corbusier）在20 世纪20 年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。“装饰艺术”禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。西方有些设计理论家把“装饰艺术”运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为“装饰艺术”风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。20 世纪60 年代以来，开始有越来越多的设计理论家把“装饰艺术”运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”( moderne ) ，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，“装饰艺术”运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：l ）埃及等古代装饰风格的实用性借鉴英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而“装饰艺术”则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩-黑白色系列。1922 年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓-图吞哈蒙（Tutankhamun）墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3 ,300 年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250 年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106 年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。2 ）原始艺术的影响20 世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索的《亚维农的少女》 就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。3 ）简单的几何外型自19 世纪中期的“工艺美术”运动以来，大部分的设计探索都是从有机的自然形态中找寻装饰的动机。因此，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的简单几何外型自然就成为20 世纪20 年代设计家们热衷研究的中心。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化），常用的几何图案包括有阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightning zuggyrates）、曲折型、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）、埃及金字塔型等等。4 ）舞台艺术的影响20 世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要的中心之一的俄国己经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等等各个方面，俄国芭蕾舞团出国演出，也就把这种改革的影响带到外国。对于西方国家来说，影响主要是20 世纪初期来自俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）的影响。俄国芭蕾舞的改革当时并不完善，由于这个芭蕾舞团来到巴黎以后，受到西方现代艺术大改革的气氛的影响，加速了变革，而这个变革又反应回设计上，导致新的设计风格的出现。这个俄国的芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫的领导下，于1902 年前后来到巴黎演出，并且从此定巴黎为基地。1909年该团演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基的《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》，还有《蛇舞》（La nanse du Serpent）等。这些芭蕾舞的舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩计划。比如由吉色尔编导的《蛇舞》，舞台服装是由这个芭蕾舞团的服装设计师设计的，服饰紧凑贴身，古铜色，效果非常强烈。俄国芭蕾舞团的总设计师是列昂·巴克斯特（Leon Bakst) ，他的设计不但影响到各国设计师，并且导致了法国时装设计的开始：法国第一位时装设计师保罗·布瓦列特的设计就是从他的舞台设计和服装设计中得到灵感的，布瓦列特成为法国1915 年到1925 年时装设计最重要的人物。事实上，法国时装设计，特别是布瓦列特设计的个性特征，对于“装饰艺术”运动也产生了非常强烈的影响。另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。20 年代和30 年代是美国黑人爵士音乐的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。5 ）汽车的影响1898 年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20 世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20 到30 年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20 世纪文明的新象征，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。6 ）形成自己独特的色彩系列“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红（brilliant reds）、鲜黄、鲜蓝( Lighting blue）、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910 年前后开始，一直发展到1935 年前后为止，是20 世纪延续时间比较长的一个设计运动。"装饰艺术"运动是一场承上启下的运动，它既对"工艺美术"运动、"新艺术"运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，而对于单调的工业化风格也加以批评。因此，虽然在装饰趋向上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了；又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发起的现代主义也具有很大的区别。它是"新艺术"运动和现代主义运动之间的一场衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。"装饰艺术"的装饰特点，在20 世纪80 年代得到重新认识，并在后现代主义风格中再次受到重视。"装饰艺术"运动发起于法国巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品与艺术品设计上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。而当这种风格传入美国后，却比较多地应用在建筑设计、室内设计等规模比较宏大的公众性质的项目上。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对20 和30 年代的美国设计产生了巨大的影响，涵盖了汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、电影设计等各个设计领域。"装饰艺术"运动在欧洲其它国家的发展则比较微弱，并且也没有能够产生它在法国和美国那样全面的影响力。由于"装饰艺术"风格因国而异，因此，必须对各个国家的运动发展状况和风格分布进行介绍，才能对它有一个总体的认识。下面就对卷入过这场设计运动的各国进行具体阐述。小结“装饰艺术”运动在20 世纪20 年代兴起，到30 年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。“装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20 世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。“装饰艺术”运动是装饰运动在20 世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30 年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80 年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20 、30 年代的这个设计运动的风格与80 年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

装饰风格确实是非常多，有很多人在选择家居装修材料或者是装修风格的时候，都不是很了解这些特点，因此在装修的效果方面很难有保障，常常出现风格混乱，视觉效果不佳的情况。大家可以多了解装饰艺术运动风格特点以及装饰艺术运动风格发展。

装饰风格确实是非常多，有很多人在选择家居装修材料或者是装修风格的时候，都不是很了解这些特点，因此在装修的效果方面很难有保障，常常出现风格混乱，视觉效果不佳的情况。大家可以多了解装饰艺术运动风格特点以及装饰艺术运动风格发展，然后根据实际需要去选择装修的方案。

装饰艺术运动风格特点

装饰艺术运动风格其实是非常有特色的，而且也是日式风格和自然风格、歌德风格进行融合。

1、英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而装饰艺术则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩－黑白色系列。

2、1922年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓－图吞哈蒙墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3，300年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。

3、古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。

装饰艺术运动风格发展

1、装饰艺术与现代主义几乎同时诞生，与现代主义的发展一样，也有许多事件影响着装饰艺术的发展。立体主义、后印象派、未来派及野兽派与壮观的俄国芭蕾艺术一起，为装饰艺术的形成起了推波助澜的作用。1922年发现的杜唐卡蒙（Tutankhamen）墓葬和墨西哥台阶式的玛雅神庙，对装饰艺术的成形也起着重要作用。

2、现代主义和装饰艺术都强调几何造形，但其区别在于工艺。装饰艺术运用传统橱柜制作技术，使其代表作被现代派标榜为精萃，只有富人才买得起手工如此精湛的作品。

3、法国在新艺术消亡后，经过一段时间的空白才出现了新的风格。法国人对包括理查德·利莫切米德（RichardRiemerschmid）在内的慕尼黑设计师于1910年举行的展览印象深刻，他们所展示的室内作品融合了美术与实用美术，并将目标指向更广泛的观众群，所有设计作品的机器制造具有很高水准。

从此一些法国设计师开始追循现代派的路线，而其他设计师吸纳了美术与实用美术综合使用产生和谐的室内设计思想，并在当时的几何风格基础上运用传统的手工艺技术。

以上的内容是装饰艺术运动风格特点以及装饰艺术运动风格发展，其实现在的装饰风格是多种多样的，只不过有些家居主人只是看到生活中的几种，但是对一些新型的艺术风格却不甚了解。大家可以多关心现在家装的装修风格，然后再对比清楚各种不同的类型，根据自己的需求去考虑。

装饰艺术与现代主义几乎同时诞生，与现代主义的发展一样，也有许多事件影响着装饰艺术的发展。立体主义、后印象派、未来派及野兽派与壮观的俄国芭蕾艺术一起，为装饰艺术的形成起了推波助澜的作用。1922年发现的杜唐卡蒙（Tutankhamen）墓葬和墨西哥台阶式的玛雅神庙，对装饰艺术的成形也起着重要作用。

现代主义和装饰艺术都强调几何造形，但其区别在于工艺。装饰艺术运用传统橱柜制作技术，使其代表作被现代派标榜为精萃，只有富人才买得起手工如此精湛的作品。

法国在新艺术消亡后，经过一段时间的空白才出现了新的风格。法国人对包括理查德·利莫切米德（Richard Riemerschmid）在内的慕尼黑设计师于1910年举行的展览印象深刻，他们所展示的室内作品融合了美术与实用美术，并将目标指向更广泛的观众群，所有设计作品的机器制造具有很高水准。从此一些法国设计师开始追循现代派的路线，而其他设计师吸纳了美术与实用美术综合使用产生和谐的室内设计思想，并在当时的几何风格基础上运用传统的手工艺技术。

这个阶段的一个主要人物之一就是建筑师安德烈维拉(And r6 Ve ra）。他认为法国应继承路易十六的风格，并将之与20世纪的简练和18世纪的图案结合起来。而此时与传统的燃烧的火炬和弓箭图案不同，基本图案变成花朵、果篮和垂花饰。

1925年巴黎装饰艺术与现代工业国际展是这种法国风格（后称装饰艺术）向世界展示的一个轴心点。这个展览原定于1912年，但延期到了1925年才展出。

美国设计师虽受到参展邀请，却因自认为没有“现代”的作品而谢绝前往。但后来到美国的各个博物馆的一次巡回展以及各家商店自办的展览皆为美国公众带来了这种新风格，从而促进美国开始探索自己的风格。他们与未来派一样，受到机器、汽车和飞机的启发，设计是几何形的，但美国设计关键的因素是流线造型。

科技对于设计产生了不可估量的影响。由于空气动力学的发展，汽车及飞机皆具流线特点，那么何不将其他物品也设计成流线型呢?当时几乎家家有电用，收音机是新鲜事物，家用电器处在蓬勃兴起的变革当中，加上摩天大楼，你会看到美国装饰艺术的多面性。

与现代主义设计师不同，装饰艺术的成员倡导装饰。他们虽然使用抽象，但并不致力于纯几何形，他们也不追求人造材料的革新，而偏好使用诸如象牙和鲨鱼皮这样旧的欧洲殖民地才有的材料。 装饰艺术运动是在20世纪20到30年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，装饰艺术运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在装饰艺术运动中发生过。装饰艺术，特别是法国的装饰艺术运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于装饰艺术运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。20世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的工艺美术运动和产生于法国，影响到西方各国的新艺术运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20世纪初的另外一场重要的设计运动―装饰艺术运动。装饰艺术运动的名称出自1925年在巴黎举办的一个大型展览：装饰艺术展览。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，装饰艺术这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和新艺术运动一样，它包括的范围相当广泛，从20年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案，到30年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把装饰艺术单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。

从思想和意识形态方面来看，装饰艺术运动是对矫饰的新艺术运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而装饰艺术运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，装饰艺术风格具有更加积极的时代意义。另一方面，装饰艺术运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把装饰艺术视为与现代主义对立的设计运动来看，但研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与装饰艺术运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维1937年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是装饰艺术风格；法国现代主义大师勒·科布西耶在20世纪20年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：装饰艺术与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。装饰艺术禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。

西方有些设计理论家把装饰艺术运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为装饰艺术风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。

20世纪60年代以来，开始有越来越多的设计理论家把装饰艺术运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，装饰艺术运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。

装饰艺术运动纺的织品、墙纸图案其线条大多取自花梗、花蕾、藤蔓等自然界优美、具有曲线的形体。 从人类艺术的诞生时，就没有离开过“装饰”这个名词。人类的艺术起源与原始的装饰有着某种不可割舍的关系。著名的美术史学者沃尔夫林就认为“美术史主要是一部装饰史”。装饰在原始社会是人们所创造的艺术的审美核心。各种彩陶纹样成为各种装饰美、形式美的标本。装饰是一种有意味的形式。它不但是审美的形式，而且有更深层次的含义。它包含着特定的社会感情和文化意识。它不仅是“装饰性”的，从秩序、线条、形式、色彩等方面带给人们以审美愉悦，而且是“文化性”的，从文化、理想、象征、历史等方面满足人们更深层次的需要。沃林格在《抽象与移情》中说到：装饰艺术的本质特征在于：一个民族的艺术意志在装饰艺术中得到了最纯真的表现。……装饰艺术必然构成了所有对艺术进行美学研究的出发点和基础，装饰对于现代设计同样具有十分重要的研究意义。从装饰的角度出发，可以清晰的看到现代设计的发展脉络。

贡布里希在其著作《秩序感》第二版序言中写有这样的句子：“大胆地说，我的目的是为了解释。本书到副标题中宣布的‘装饰艺术的心理学研究’是为了建立和检验主标题中宣称的理论：有一种‘秩序感’的存在，它表现在所有的设计风格中，而且，我相信它的根在人类的‘生物遗传之中’”。现代设计是工业化文明的产物。现代设计是为现代人、以及现代经济、现代社会的生活方式提供服务的艺术活动。在现代主义设计运动的过程中，有一些重要的设计运动，这些设计运动每次都与装饰的扬弃有一定关系。或者是运用装饰，或者是抛弃装饰，很大程度上都是围绕装饰对现代设计作新的发展。 ⑴“新手工艺美术运动”与装饰

从18世纪工业革命开始，直到19世纪末期，工业技术改变着人们的生活方式，产品设计在这种变革与混乱中发展。人们在生活习惯与心理上对旧有产品的形式与风格有很顽固的留恋，这反映在设计上表现为装饰化的特点，注重传统装饰趣味。装饰与机械生产的要求之间的矛盾不可避免地产生。许多设计师不愿意参与对工业产品进行设计，而大多数工业产品单方面追求标准化、批量化生产，对产品本身却忽略了装饰美、形式美的因素，造型粗糙、丑陋，产品的审美品味与格调不高。

1851年，在英国伦敦海德公园内举行的世界工业博览会上，集中暴露了一些矛盾。展品以工业产品居多，外型粗陋。许多产品上加了些不伦不类的纹样为装饰，想以装饰弥补其形式上的丑陋。但事实证明，其结果更加糟糕。因此，以约翰·拉斯金和威廉·莫里斯为首的一批有识之士进行了一场名为“新手工艺美术运动”的设计风格改革运动，主张艺术家走入生活，创造为大众理解和接受的作品，它反对维多利亚矫饰之风，倡导中世纪的纯朴装饰，并吸收日本的装饰，从自然中汲取素材，创出新的设计风格，这是一种可贵的探索。它的影响遍及欧洲多国，使“新艺术运动”在欧洲蓬勃兴起，从这个意义上来讲，“新手工艺美术运动”以新的装饰反对矫饰，主张精致、合理的设计，并保存了手工艺，对现代设计思想的形成有重要影响。

⑵“新艺术运动”与装饰

在英国“新手工艺美术运动”的感召下，19世纪末20世纪初，在欧洲和美国产生和发展了规模宏大、影响广泛的“新艺术运动”具体地在建筑、家具、工业品、服装、首饰、书籍插图等，甚至雕塑与绘画的纯艺术领域内部也出现一种新的设计风格与艺术面貌。它涉及了法国、荷兰、比利时、西班牙、美国等十几个国家和地区，直到1910年左右，才逐渐被“装饰艺术运动” 和“现代主义运动”取代。这场运动反对矫饰风格，主张回归自然，极大地发展了植物、动物纹样在图案设计上的运用，创出一种唯美主义装饰风格。

法国家具设计师萨穆尔·宾在1895年开办了名为“新艺术之家”的工作室及设计事务所，主张设计师创造新风格。1900年，他们展出了“新艺术之家”的家具作品，获得很大成功，“新艺术”之名从此传开。展出的作品有强烈的自然主义倾向。模仿植物形态和结构。这与萨穆尔·宾的“回到自然去”的口号相一致。“新艺术运动”创造了非常特殊的装饰风格。“从亨利·凡德威尔德的室内，到基玛德的巴黎地下铁入口设计，从安东尼·高蒂的建筑，到穆卡的大张海报，都呈现出从来没有过的非历史主义的新装饰风格探索力量。” 这场设计运动运用了装饰、自然主义风格把艺术和手工艺与产品设计结合，造就了在19世纪和20世纪之交时期的典型设计风格，成为现代主义时代即将来临的前奏。

⑶“装饰艺术”运动与装饰

“装饰艺术”运动是在20世纪20－30年代在法国、英国、美国等国家展开的设计运动，它与欧洲的现代主义运动几乎同时发生，彼此都有一定的影响。

随着现代化与工业化逐渐改变了人们的生活方式，艺术家们也尝试着寻找一种新的装饰使产品形式符合现代生活特征。1925年在巴黎举办了大型展览“装饰艺术展览”，该展览向人们展示了“新艺术”运动后的建筑与装饰风格，在思想与形式上是对“新艺术”运动的矫饰的反动，它反对古典主义与自然主义及单纯手工艺形态，而主张机械之美，从现代设计发展历程看，它是具有积极的时代意义的。“装饰艺术”运动并非单纯的一种风格式样运动，它在很大程度上还属于传统的设计运动。即以新的装饰替代旧的装饰，其主要贡献是在造型与色彩上表现现代内容，显出时代特征。

无论是“新手工艺美术”运动、“新艺术”运动，还是“装饰艺术”运动，它们都是从装饰出发去发展新的、合理的、完善的设计风格，也从而扩展了“装饰”的艺术价值。这其中对装饰的肯定与发扬直接形成现代设计改革的动力因素。 我们都知道，现代主义设计风格是受到现代艺术运动以及“新建筑”运动的影响发展起来的，它具有一定的社会民主主义色彩，强调机械美、功能美、主张理性化的设计，主张简洁、实用，否定装饰的作用，把形式与功能的关系对立起来，从而发展出与以前不同的设计风格。

早在1892年，美国芝加哥学派的建筑师沙利文便提出：“如果我们能在一段时期内完全放弃装饰，以使我们的思想敏锐地集中于形式完美的建筑和漂亮的裸体上，这对我们的审美情趣一定大有好处。”他提出的“形式服从功能”这一提法，成为功能主义的宣言和核心的思想。“新艺术”运动的核心人物之一，--凡?德?威尔德于1894年在他的《为艺术清除障碍》一文中，提出“美的第一条件是，根据理性法则和合理结构造出来的符合功能的作品。” 这些思想成为机械美学的先声。奥地利建筑师阿道夫?卢斯极端主张功能的重要性。他对装饰极为反感。1898年他在一篇文章中写道：“只在形式中求美而不依靠装饰，这是整个人类希望达到的目标”。他还说“文明的进步等于从有用的东西上揭去装饰”。他将装饰归于“落后的”、“色情的”、“浪费的”的范畴。“装饰是一种精力的浪费，因此也就浪费了们的健康，历来如此。但在今天它还意味着材料的浪费，这两者合在一起就意味着资产的浪费。” 1908年，卢斯发表了《装饰与罪恶》，其文的内容可以用“装饰即犯罪”这一口号来概括。这些理论在一定程度上充当现代主义运动的指导思想，也把现代主义设计推向功能主义的设计方向。

包豪斯是现代设计运动的摇篮，也预示现代主义设计高潮的到来。包豪斯于1919年由格罗佩斯创办于德国魏玛，在短暂的14年（1919－1933年）的办学历程中形成了整套的设计教学体系。提倡艺术与技术的结合，形成了现代主义设计风格。它标志着原来的装饰形态中的设计被现代主义理性设计取代。

包豪斯被纳粹关闭后，其主要教学骨干和学生流散到欧美各国，使理性设计思想在全世界范围内传播。二十世纪四、五十年代的“国际风格”正是包豪斯的设计风格普及化的结果。“国际主义风格”完全排斥装饰，把功能至上的理性精神奉为准绳。现代主义设计大师、机械美学的代表人物勒·柯布西埃提出“房屋是居住的机器”。是经典的机械化和功能化的设计思想。

1958年，密斯·凡德罗和菲利普·约翰逊设计的纽约西格莱姆大厦是国际主义风格的标志性建筑，同时也是密斯·凡德罗“少即多”的设计思想的产物，这种过分强调理性、功能，简洁的设计越来越缺乏个性与人情味，越来越使人们感到厌倦。

现代主义设计对装饰的排斥并不意味装饰的消失。相反，装饰又以新的形式出现。英国学者彼得柯林斯在《现代建筑设计思想的演变》一书中写道：“是否的确由于19世纪过分运用装饰而导致了废弃装饰，还是装饰只不过改换了打扮？”他认为，“装饰并未来亡，它仅仅是不知不觉地融合于结构之中了”。现代主义设计是把装饰与结构同化，创造出了“无装饰的装饰”。 随着人们对国际主义风格的厌倦，到了60年代，设计师们推出了“波普设计（pop Design），满足大众的审美趣味。追求雅俗共赏的目的。色彩与装饰因此被重新运用。并且在70年代里兴起了多种“后现代主义”风格，反对国际主义设计的单调形式。

“后现代主义”设计指的是“在现代主义、国际主义设计上大量利用历史装饰动机进行折衷主义式的装饰的一种设计风格” ⑽它有明确的时间段，从70年代持续到90年代初，之后便开始衰退。

后现代主义设计是对现代主义设计的挑战，是对现代主义、国际主义设计的一种装饰性的发展，反对设计中的国际主义、极少主义风格，主张以装饰手法达到视觉上的审美愉悦，注重消费者心理的满足。在设计上大量运用了各种的历史装饰符号，但又不是简单的复古，采取的是折衷的手法，把传统的文化脉络与现代设计结合起来，开创了装饰艺术的新阶段。

从本质上讲，后现代主义设计并非对现代主义设计进行推翻与否定，而是在肯定其实用功能因素的基础上，在形式上赋予其人格化，情感化的装饰效果，后现代主义设计理论的权威、美国评论家、建筑家和作家查尔斯詹克斯自己也说：后现代主义是现代主义加上一些什么别的。

后现代主义设计中采用大量历史风格，比如哥特式、巴洛克式。从古典到文艺复兴，无所不包，进行装饰符号的挪用，戏谑、调侃、夸张和象征的描述，以多种历史风格的整合拼接达到装饰化的效果，它是折衷主义的，许多作品都反映了这种特征。比如查尔斯?穆尔设计的美国新奥尔良的意大利广场。菲力普·约翰逊的AT&T大厦等。

装饰在后现代主义设计中的复兴，在很大的程度上在于为了摆脱严肃的、冷漠的、单调的现代主义与国际主义设计风格带来的压抑，最早在建筑上提出明确的后现代主张的美国建筑师罗伯特?文丘里认为现代主义、国际主义风格是丑陋的、平庸的，对于“少即多”的教条，他诙谐地将其改为“少即厌烦”。1969年，文丘里利用历史建筑符号，用戏谑的方法设计了在宾夕法尼亚的胡桃山的“文丘里住宅”。是具有完整后现代主义特征的最早建筑。随着后现代主义设计的发展，装饰在设计中的地位重新回归。彼得·霍夫曼在《八十年代的美国建筑》一文中说：“再也不把装饰视为邪端。几乎所有这些建筑都充分展示出一种对‘修饰’的新兴趣，表现一种建筑的趣味性”。⑾在产品设计领域，意大利的索特萨斯等人组成的“孟菲斯”设计小组成为代表，设计作品造型独特、色彩艳丽，装饰化、波普化和娱乐化。后现代主义设计的显著的特点在于其历史主义、装饰主义、折衷主义和娱乐性。这些手法的运用适应了人们各方面需要，使人们在视觉与心理上都逐渐扫除了对工业产品中由现代主义、国际主义风格造成的理性与冷漠的感觉。

透视现代主义设计发展的历程，我们看到了装饰的重要意义。那么，作为一种艺术符号，“装饰”在未来的设计中也不会消失。它是艺术的符号，又是文化的符号。而且，装饰满足人的心理需要。正如赫伯特?里德在《工业艺术的历史与理论》中认为的那样：“装饰品的必要性是心理上的。人们身上还存在着某种被称作恐惧的情感--无法忍受寂寥的空间”。他还说“对于装饰品唯一的评价就是，它应在某种程度上突出形式。我避免使用‘增加’这个常用的词，因为，如果形式是恰当的，就不能再给它增加什么” ⑿他强调合理的装饰会使作品更加美丽。意大利孟菲斯集团的设计师索特萨斯说过，设计应该是对生活方式的设计。确实，未来的设计本质上就是对生活方式的设计，而适宜的装饰正是设计美好的生活方式的重要手段，是以“宜饰而饰”达到“宜人”的目标，它会让人们走向的艺术化的、充满诗意的生活。

任何事物都有起源和发展，比如人类起源于猿类，然后慢慢进化，发展成为智人，再进化发展为现代人。装饰也是一样，从最原始的祭祀慢慢发展到如今的装饰装修，从祭司慢慢发展到现在的装修公司，装修队伍。在这发展的中间还蕴藏着很多不为人知的故事和情节，今天新津装修公司就为大家讲述装饰装修的起源于发展。　装饰，作为艺术范畴内经常使用的一个专用词汇，有名词性和动词的双重属。在作为名词使用时，它是以艺术形式或艺术形态出现的，表述着装饰的静态结构性，是人们所喜爱、欣赏和接受的具有秩序化、理想化和规律化、程式化并凝聚着丰富文化内涵的物化形态。在作为动词使用时，则体现为艺术方法或手段，传达着装饰的动态属性，表现为以特定的工艺和技巧或制作方法，将事先的设想、计划付诸实施。前者指艺术活动的留存结果，后者指艺术活动的整体过程。 《辞海》中把装饰解释为修饰一和打扮，只表述了装饰一词的动一态属性。《现代汉语词典》对装饰一所作的解释为: (1)在身体或物一体的表面加些附属的东西，使美观。 (2)装饰品(专指增加美观而没有使用价值的物品)。 这里虽包含了装饰的动态和静态两种属性生，但仍不够全面，没有对艺术设计中装饰的全部含义予以准确的诊释。其实，从广义上讲的装饰具有极其普遍和宽泛的适应性，它统合于绘画、雕塑、艺术设计、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、诗歌等一切艺术行为或艺术现象之中，规定或制约着其特定的形式结构和意象本质。　装饰起源 当人类还处在茹毛饮血、洞一居穴处·衣不蔽体、食不果腹的蒙一昧状态时，就不仅仅满足于工具一的使用。在能够制造和使用工具，之后，开始在工具上施加纹饰，并以浪漫的想象和奇异的图案装饰自身和环境。千万年来人类的这一装饰行为历经历史的沧桑巨变而从未间断，并且演变发展、日臻完善，创造出浩如烟森般的工艺品和丰富多彩的装饰图案。　这是一部人类对美的恒久不变追求的历史，是从自然到社会，从模仿到创造的装饰美化的历史。可以说装饰是非语言所说明的世界观，装饰的历史微妙而独特的反映了人类及其艺术的历史。　装饰的功能 装饰的艺术形式和风格千变万化，这是充分利用各种材料和工艺带来的结果，而材料的选择和处理手法的定位，又是由不同的实际用途和功能决定的。装饰艺术的终极目的，就是要通过特定的材料和工艺体现特定的功能要求，从而实现实用与美观的结合。　纵观艺术发展的历史，装饰艺术是与人类文明的发展同步共生的，它的产生正是特定功能的要求，它的发展也正是由不同功能的需要决定的。不论是中国的原始彩陶、商周的青铜器、两汉的画像砖和画像石、唐代的石刻、金银器，还是古希腊的陶瓶、古埃及的壁画以及欧洲的建筑装饰，其装饰造型和装饰图案都反映着特定的时期、特定的环境、特定的背景下装饰的特定功能。　装饰艺术的功能不同于其他艺术形式，物质实用功能和精神欣赏功能的双重功能性，是装饰艺术的基本特征。装饰功能的这一特殊性质，决定了它在使用方面分为两大类:一类体现实用性和依附性，另一类则体现纯欣赏性和独立。 融实用性和欣赏性为一体的装饰艺术，依附于特定的产品和材料，起着美化物品、美化环境的作用。装饰在现代人们的生活中应用极为广泛，如陶瓷装饰、城市雕塑、织绣图案以及书籍装帧、商品装饰、金属器具装饰、漆艺装饰等。同时具有纯粹审美功能的、体现独立性和纯欣赏性的装饰艺术，以独特的形式和价值，装点着人们的生存空间，大到广场、候机大厅、候车室，小到会议室和家庭居室，装饰艺术都无所不在。纯欣赏性的装饰艺术，也是根据功能和创意设计，充分利用工艺和材料的特点，追求完美的视觉效果，如剪纸艺术、艺术陶瓷以及各种工艺材料的壁画、壁饰等。　俗话有说：读诗书气自华，读历史名古今确实，只有了解一个行业的历史与发展才能最好的把握这个行业的一些关键。如今的装修公司是先祖们一步一进步取得的成果。相信，在未来，装饰会越来越旺盛，越来越高新!现在，就让我们多多了解装修过程，了解装修知识，了解发展与起源！

越窑青瓷的装饰艺术得到高度发展，装饰方法有刻花、划花、印花和堆塑等。刻花和划花是用流利的线条在胎上釉下刻划出生动活泼的纹样，有龙、狮子、凤鸟、仙鹤、鹦鹉、双鱼、牡丹、莲花、宝相花、卷草和人物、山水等纹样，生动活泼。堆塑方法的代表作是上面提到的“凤首龙柄壶”和“青瓷堆花壶”，腹部堆贴胡人、骑士打马球等图案，生动逼真。

美国的“装饰艺术”运动比较集中在建筑设计和与建筑相关的室内设计、家具设计、家居用品设计上，其“装饰艺术”，比如雕塑、壁画等等，也都基本依附于建筑，可以说是建筑引导型的设计运动，这与法国比较集中于豪华、奢侈的消待用品的设计重点形成鲜明的对照。这场设计运动开始于纽约和东海岸，逐渐向中西部和西海岸扩展，到达洛杉矶以后，开始出现了美国本土的诠释，出现了适合美国通俗文化的所谓加利福尼亚装饰艺术风格，也出现了为电影院设计特别发展出来的好莱坞风格。

装饰艺术运动是20世纪二三十年代在法国、美国和英国等国家展开的一场设计艺术运动，它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会，当其在19世纪二十年代成为欧洲主要艺术风格，但是并未在美国流行，直到现代主义流行的19世纪30年代才在美国流行。装饰艺术并不局限于某一设计艺术领域，而是和新艺术运动一样，波及范围非常广泛，从20世纪20年代的所谓“爵士”图案到30年代在美国广泛流行的流线型设计样式，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑装饰，都属于装饰艺术运动的范畴，在法国主要表现在家具、玻璃、产品装饰、图案、书籍装祯上，而在这种风格传到美国后则主要应用于建筑装饰、产品造型设计、汽车设计、平面设计等广泛领域，各国的装饰艺术风格都有一定的共同性，但各国风格又各有千秋。Art Deco这个词虽然在1925年世博会创造但直到1960年才被广泛应用，其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作，它被认为是折中的，被各种各样的风格影响的，它还被其了各种名字：俄国芭蕾、装饰性的立体派和未来派、动物国家和形状、像无线电与摩天大楼一样的现代技术等等。从1960年左右开始发展起来的装饰艺术运动在设计史上位于承前启后的重要环节，在它之前是几千年的手工艺术世界，在它之后是轰轰烈烈发展至今的一系列现代主义运动和工业 文明。几千年的艺术和传统在18世纪成为唯美主义运动所代表的唯美情节，并渗透了工艺美术运动和新艺术运动，最终在装饰艺术运动中得到了最后的、也是最完美的凝结。初初萌芽的现代设计意识在装饰艺术运动中也时有体现，然而正是传统与现代这种矛盾的调和形成了装饰艺术独特的风格，使它至今仍是设计史上备受瞩目的一个亮点。