中式装修的中式风格设计说明

它的名字叫扁方，俗称“旗头”。“旗头’’的另一个含义即指满族妇女常用的几种民族特徵显著并具有独特风韵的发型，如“两把头”、“水葫芦”、“燕尾”、“大拉翅”、“高把头”、“架子头”、“前刘海”、“盘头翅”等等的总称。扁方是满族妇女梳两把头时的主要首饰。在载涛、郓宝惠两人合写的《清末贵族之生活》一文中，曾讲道：“满族女子平时梳两把头，式样简朴。皆以真发挽玉或翠之横‘扁方，之上。”横插於发髻之上的类似发冠一样的扁方长三十二至三十三点五厘米，宽四厘米左右，厚零点二至零点三厘米。呈尺形，一端半圆，另一端似卷轴。如一变相横簪，无论是梳两把头或是大拉翅，它都是起到连接真、假发髻之中“梁”的作用。扁方的作用类似古代男子束发时用的长簪，也许扁方就是由此而演变过来的。扁方的质地多为白玉、青玉，少数为金、银制品。清代中期，满洲贵族妇女开始盛行"旗头"，也叫"旗头板"、"大拉翅"。就是以头顶发髻为座，上面放置旗头。旗头和我们在舞台上看到的差不多，是一种扁形的冠，里面有铁架支撑，外面用青绒或青素缎等制成，正面有各种珠宝首饰的装点，侧面悬挂流苏。旗头是由"两把头"发展而来的，由于是进关以后才流行起来的，所以，人们也把它叫"大京样"。

至于她们穿的是特制的高跟鞋，鞋跟在鞋子的中间，这种鞋叫花盆底鞋，这些鞋子由于底部厚而且面积小，所以穿上的人走路必须要慢且稳当，无形中增添了从容淡定的皇家味道。

中国绘画很重要的民族特征便是其绘画的装饰性，在信息时代的今天，如何保留、发展我们民族文化特征，了解研究中国花鸟发展演变过程中，关注人们对装饰美感的审美要求是十分必要的。

在中国绘画史上，新石器时代的彩陶，战国时期的帛画上，花鸟鱼虫的生动形象多以装饰纹样的形式出现。敦煌壁画、永乐宫壁画在线条、色彩的处理方面集中体现了绘画的装饰美感。宋元时期大批富有创作精神的花鸟画家，顺应时代的审美要求，将花鸟画推向艺术高峰，这个时期的精品在风格上都体现出强烈的装饰美感。宋人名作《出水芙蓉》作者把一朵满构图的荷花花瓣脉络细致有规律的描绘出来，在神形兼备的同时，注重了形式的装饰美感。近代绘画史上任伯年的《群仙祝寿图》是其艺术成熟期的代表作，作者用强烈的装饰变形手法将整幅长卷画在金碧辉煌的泥金纸上，画面形式与纸张色泽的统一构成了和谐的装饰美感。

中国花鸟画的装饰手法，是将自然形态，转化为艺术形态的提炼处理，尤其在工笔花鸟的创作上，没有装饰性就失去了艺术性。花鸟画大师于非an 先生所作的《白玉兰》，用石青作底，衬托出白玉兰的洁白高雅，画面上两只黄鹂鸟与大片石青兰对比，，映照出“玉树临风”精神内涵。于先生善用中国民族色彩规律，用朱砂画红叶，金粉钓边，石绿点苔，体现的也是民族化的装饰美感。

改革开放后，一大批花鸟画家更新创作观念，将西方色彩学及材料技法，引进到中国花鸟画的创作中，为现代花鸟画创作开辟了更为广泛的创作空间，郭怡 宗先生的《赤道骄阳》《紫荆花》等作品用的都是装饰性色彩。尤其是《与海共舞》中的芦花，在用石绿、赭石分染后，用银色的马克笔点出阳光下的闪闪芦花，是近代花鸟画创作中装饰美的典范。

我过去从事工艺美术设计工作，对中国民间艺术品，包括年画、刺绣、陶瓷、漆器乃至古建筑，体现出的装饰品味，尤为关注。这几年在花鸟画的创作实践中，一直思考如何把中国传统的装饰美感融汇到现代重彩的创作理念中，感到只画出自然状态下的植物、花鸟形态的式样，画面缺乏张力，缺乏现代设计的理念。为此，在最近创作的重彩画系列时作了一点尝试，《艳阳天》中为了突出正午阳光下牡丹花饱满挺拨的姿态，画面采用了几何形的构图方式，用直线分割画面增加力度；《三月雪》用银箔贴出大片几何形图式的枝杆，布满画面；《漂逝的白云》则强调了方形瓦片肌理；三幅画都采用了无机形与有机形的对比，衬托出花朵的生命力。在对比关系中加强具有现代意味的装饰美感。

中央美院郭怡 宗花鸟画创作高研班一年的学习，时间很短，留给我们的研究课题却是很多，我们的探索研究实验，都是为了在保留中国花鸟画民族精神的同时，运用更为广泛多样的手段，使现在花鸟画的样式，更为饱满，更为丰富，更具时代感。

中国工笔花鸟画源远流长，色彩与线形结构是工笔画的主要构成之一，现代工笔花鸟画的语言形式在近几年随着我国对外联系的日益增长，在各国与我国的文化艺术的交流频繁中已经不可避免的受到西洋绘画的冲击。如何较好的与中国传统绘画结合，吸取优良传统而发展自己的独立个性已经成为了现代画家们为之努力和创新的首要目标。画家们不仅要延续古代优秀传统，也要对这一画种进行创新与开拓，赋予其色彩与形式的独立审美价值和表现性功能。这些问题使得现代工笔花鸟画画家，在对传统的继承突破中形成了现代工笔花鸟画的多元形，为以后的工笔花鸟画的发展提供了坚实的祭奠。

绘画中的主要表现语言就是色彩和线条，它们是构成绘画艺术风格的基本要素，它一直是给人视觉冲击力首要手段。无论是传统还是现代，无论是东方还是西方的绘画，色彩与线条在画面中一直扮演着重要角色，始终是重要的构成因素。在中国工笔画中更是成为了重要表现手段。在现代西方的油画、水彩等各种绘画冲击下，中国工笔花鸟画不再拘泥于传统的有限色彩和构图形式，开始结合中国的成熟墨色，融会西方色彩运用找寻现中国现代工笔花鸟画的独立语言。

在构图上，全景式的作品日益见多，许多作品不再把花鸟从环境中抽离出来，而是将其置于它应有的生态环境之中。作品内容丰富，场面宏大，构图饱满，给人以强烈的视觉冲击力。受西画透视画的影响，许多作品着力于实现纵深的层次。而另一些作品，则从工艺美术及民间艺术中汲取营养，追求一种带有构成因素的抽象意味，在写实与装饰之间求平衡。

色彩上来看，现代工笔花鸟画家开始努力避免色彩的单一性和模式化，更新了“随类赋彩”的观念，改变了以“分染”、“罩染”为基本手段的“三矾九染”的过程，开始吸收西洋画的用色方法，以统一色调处理画面，注意黑白关系，色相对比，冷暖对比等关系，使画面丰富又不失统一。与传统工笔画家不同，现代的画家大多都经过美术院校的学习，汲取了许多西方的绘画营养，有着坚实的造型基础和色彩修养，获得了前所未有的写实再现能力，提高了工笔画汲取现实生活的视觉能力。再加上对色彩的感悟，促使传统工笔画的色彩向现代发展

随着时代的转变,现代的工笔花鸟画画家更新了自己的创作观念,拓宽了创作题材,榕树、杂花、田野、蔬菜、水果、珊瑚等在传统绘画中不曾出现的对象也成了创作的题材。还有一些画家从自己画面装饰性的要求出发，大胆夸张变形，不受物象自然形态的束缚，如：陈之佛的《月雁图》，陈新华的《乡土》等都极具个性。

中国的传统绘画一直追寻的是求得人们在情感上的共鸣和满足，而不是追求绘画对象的现实性。这就与西方的追求写实性绘画相反，中国绘画的色彩被赋予了更多的主观意识，希望从中得到的是精神领域的愉悦。由于现代工笔花鸟画在题材内容、表现手法以及工具材料等的方面的新拓展，使得新的审美境界逐渐形成。以扩展空间来扩大花鸟画的感染力与表现力；变小情趣为感人意境，通过视觉冲击力触动心灵；画面内容的丰富提升自身的艺术感染力；抽象装饰性作品恰当的传达了现代人的审美趣味。

在中国传统文化下，在代代相传的艺术实践中，工笔花鸟画取像单纯，多为主体描写。造诣诗情化，借助联想与想象构筑充满感情色彩的诗境，以求“画外有情”。表现手法格式化，运用程式化手法造型、上色、布局、体现一定的装饰性。在追求“似”与“真”的前提下，表现对象的生命与特质，令其吁吁如生。反对被动的描绘花鸟，强调观察对象时内心的触动，创作则是对事物的感性寄托，唤起观众对生活的内心感受。发扬培养高尚情操与生活理想的高级艺术。

中国花鸟画在宋朝就已经成熟了“黄荃”父子便是工笔重彩花鸟画成熟时期的代表。到宋朝和元朝，不仅“勾勒着色” 一体为主流，而且又出现了纯以彩色的“没骨”和纯粹的“白描”体格。现代的工笔花鸟画不仅继承了优秀的传统，并得到了创新。很少有人再拘泥于传统的“折枝”“丛卉”，却取资于山水画或使用半截断开、不露天地。但画面并没有忽视花鸟作为主体的地位，明显的以大观小，使对象处于应有的生态环境中。依然重视造诣诗情，不再依赖花姿鸟态来引起观众的感兴

画家开始注重表现晨光、月色、露气、风雨下的花鸟情态。如李魁正的《晨露》、《春情》等。而且绘画技法不再单纯，结合中西，包孕古今。有的还借鉴日本画的精致雅淡。传统的勾勒、设色、白描等被许多画家综合运用。云母、日本色、广告色、炳烯等，以及撒盐、冲水、做纸等也都变成了一种表现手法，也以写意为旨，写实为体，以装饰为用，谋求全新的气氛与肌理感。工具材料的革新使现代工笔花鸟画的表现技法不断得到丰富，扩展了花鸟画的意境。

北京的于非阁、江南的陈之佛和巴蜀的张大千。于非阁的“勾勒着色”得法于两宋。陈之佛的工笔花鸟画也以“双钩着色”为主，受到日本绘画的影响，元代钱舜举的“疏淡含精匀”宁静淡雅的风格。张大千则自成一体，善于继承古人的好传统。田世光和俞致贞又受教于于非阁与张大千

陈之佛在工笔花鸟画领域的独到之处，在于他能在古旧里出新，他继承了宋朝时期的传统，借鉴传统中的造型、意识，造型以工整写实为主，在传统技法的基础上将图案的装饰手法和日本的绘画设色特点相结合。画面追求唯美，表现雅静与淡泊之美。如：《雪雏图》、《月雁图》等。他的画依照不同的物象,不同季节,不同感受,采用不同手法.画树杆,有的用皱檫渲染,显得挺拔.有的用水渍法,运用水渍色彩的浓淡变化,显见苍润.陈之佛的工笔花鸟画带有明显的装饰性。在描绘花鸟的客观基础上，恰当的运用了意象、夸张、变形的装饰手法。由于他在画面上运用了许多的装饰性手法，使他体现出了自己独到的个性与现代特征。中国画中的积水法，在其之前已经有很多画家运用，但他将这一“特技”普遍化，灵活去运用。自然流淌而渗化的水渍痕，具有着现代设计的肌理感，将要表现的内容与画面情调统一起来，既有了物象的质感又有了材料的表现。陈之佛的花鸟画色彩运用微妙，他在传统基础上吸收了许多外来的影响，清淡典雅而十分统一，在设色方法上，保持了传统的“三矾九染”，又能根据实际画面需要灵活运用。以色彩的淡薄来表现对象的远近、虚实，以及对象所处背景。

金鸿钧的花鸟画多方面收益于田世光、俞致贞、李苦禅和王雪涛等人，使金鸿钧在创作中深入领会了工笔重彩花鸟画的传统，继承了观察生活，把握大自然的认真、严肃的创作精神。在他的画面中虽是工笔画，但有着大写意的气势。用线，特别是白描同线，是工笔花鸟画中必不可少的造型手段和主要技法之一。在工笔花鸟画中，线要表现物象的结构和轮廓，要表现质感，要表现光色，要表现意境。前三者是客观表象，后者是主观情态。缺了前三者之一，便会失去视觉形象的完整，而缺了后者，便会失去艺术的感染力。从而用线表现情意是尤为重要和必不可少的。杨悦浦在为《金鸿钧新作选》所写的序言中称赞他的用线：“《牵牛》中的线的功力令我着迷，那用水分充足的深灰黑色勾出的铁蒺藜，我曾把全画面的每一根线都看了一遍，想搜索出一处败笔，结果没有找到，反到为在运笔用线之轻松、随意、流畅，以准确地表现了铁丝之质感和弯折、剪断、连接种种变化这种深甚功力而惊叹不已。”说明了金鸿钧的观物的细致和用笔的精微。《万紫千红》一画以偏冷的红色调统一整个画面，几组花分为曙红、紫红、玫瑰红、等色，而少用朱镖、橘黄。在画面的层次表现上依靠了色彩的轻重虚实变化和双勾、没骨两种画法的穿插结合解决。

《牵牛》、《红满香山路》、《枫叶白鸽》等作品都是赋予生活现代气息的作品，在摄取形象和表现手法上都显示着深刻的创作观念。前代画家在花鸟形象的择取上有一种规范化了的审美习惯：“凡花入画者，皆剪裁培植而成者”而《牵牛》、《红满香山路》等则是打破了传统审美习惯，截取生活环境中的一角，经过创造的新意象、新审美表现，就连原不给人美感的铁丝网，与白色的牵牛花，等组合在一起，也形成了有节奏的画面、和韵律。《牵牛》中墨绿的花用积水冲色法画出，最后用金色勾出叶脉，使画面有了装饰性的光泽，《枫叶白鸽》中的水泥地很难用传统技法来表现，金鸿钧用撕碎的泡沫塑料蘸上色彩在底子上拍打出斑点状，而后用统染方法来表现。

李魁正受教于俞致贞和田世光，俞致贞和田世光的花鸟画重在传统，善于提炼，传神，讲笔法，浓色泽。然而这种风格的确立，即没有艺术表现上的特长，也同时带来一些局限性。李魁正在跟随他们学习的同时在自己的风格方面摆脱了法式的束缚，树立了自家的艺术个性。在《金秋烁烁》中闪烁光芒的老干，把变形有序的果实映照得硕实累累，构图为平面分布，屏弃了大背景，冲破了古法的禁忌，由于加强了绘画效果，而更能使观众进入绘画的主题，感受灵光普照的精神世界。他弱化用线，强化色彩，形成他自己的“新工笔画”，孕育着“现代没骨画”的诞生。以新工笔画为主的《清气》，实际上已经是“现代没骨”了，它彻底扬弃了用线勾勒，在渍染中表现对象，甚至不乏水墨大写意气势。并且还充分发挥了色彩冷暖对比转换的精制表现力，由此李魁正倡扬并推出了“现代没骨画”，这一推出的风格随源于传统工笔没骨，但更丰富了色彩，加强了统调增加了光感以新工笔花鸟画中层层渍染、冲染、接染喷流等新技法，新语言技巧，使光色形韵进一步从双钩墨线中解放出来，在造诣抒情上取得了幽雅自然的效果。从《皎洁》、《生命》、《秋艳》、《晨露》，可以看出，他的现代没骨法中兼工带写，无线有骨，色调同一和谐，光感强烈而柔和，肌理丰富而别致，情韵精而圣洁，发挥了没骨花鸟画的特点。从“新工笔”到“现代没骨”，李魁正通过线的隐没和光色的发挥，更新了花鸟画视觉效果。

王广华从事花鸟画接近二十年，他的作品在意境上也相对传统有所变化。有的作品比较华丽，像海棠小鸟、山茶双鸽、曹洲牡丹一类。有的则比较清雅明快，如《白玉点韵》的昙花、《散点绿地》的荷花等。画面比较开阔，注意环境的衬托，意境清幽深远，《生生不息》，作者把握住了较大场景，处理多种树木花卉，都能繁简、疏密得益，大体与局部关系恰当，并无杂乱堆积之感。

在现代工笔花鸟画的探索中，已经不可避免的受到西洋绘画的冲击，如何较好的与中国传统绘画结合，吸取优良传统而发展自己的独立个性已经成为了现代画家们为之努力和创新的首要目标。现代工笔花鸟画画家的对传统的继承与突破形成了现代工笔花鸟画的多元形，为以后的工笔花鸟画的发展提供了坚实的祭奠。

参考书目：《美术》、《国画家》、《李魁正泼墨》、《美术史》、《金鸿钧新作选》、《陈之佛画集》

1、 一般装修都是从泥水工开始的，泥水工方面唯一能省钱的就是瓷砖的钱了。省钱的购砖原则是：据我所

知，现在最便宜的墙砖就是规格200x300mm的釉面砖，当然瓷砖的密度还是要有所要求的，否则会有水泥从后

面渗透至面层的恐怖后果。地砖是300x300的防滑砖，这种砖一般很少出问题。当然，客厅卧室这些地方你是没理由采用防滑砖，我建议是采用防污能力较强的玻化砖，这点钱是不能省的，否则后患无穷。

2、 如果你的木工采用混油，你可以采用白木饰面板和线条，这是一种非常便宜的材料，虽然其表面比较粗糙，但也算是一种风格嘛。省多少？白木比红榉要便宜一半。这种省钱法比你不知道的情况下跑断腿到处"淘金"省的钱多得去了。

3、 买乳胶漆别管它什么五合一还是三合一，不管二代还是三代。你就买比较著名的品牌的普通货就行了。为什么这么说？因为我觉得它们实在差别不大，如果要看几年后的耐用性，不如这几年努力赚钱，然后再装算了。现在很多乳胶漆出问题，都是过分掺水所致，再好的材料掺多点水，性质就比普通货都要差了。

4、 买木地板的话，我觉得很多时候是一种心态问题，如果我自己用木地板，我就偏喜欢有色差的木地板，又便宜又有自然纹理。从省钱的角度来讲，买300x300的杂木地板并不会比760x95x18的地板在使用上差不了多少，而价格就得差几倍了。

从购料的途径中省钱

1、 有一些人说货比三家，是的，但比货也得要时间，时间就是金钱啊。所以如何比法是要讲究的，否则你跑来跑去，满头大汗可能省不了多少钱。我觉得你要比，只需要比两家即可，例如选择一家有规模的品牌建材超市和一些组合式的建材城比一下即可。但千万不要在小商店买货，被坑的机率太大，同一品牌的货在小商店虽然会卖得便宜点，但极可能等级会差很多。我就曾经有这么一种经历：有一次我到一条建材街的一家商店买乳胶漆，店小二从货架中拿出了一桶漆，我一看是假的就跟小二说：拿真的给我吧。那人瞧了瞧我，（**句话：我在建材城逛，一般人都看不出我是做装修的。）很爽快地说：行！于是从商店的里间拿了一桶新漆给我。我一看，还是假的。于是很不耐烦地跟店主说：要拿就拿真的给我，别浪费我的时间。店主马上赔笑说：行行！立即去仓库拿。店小二踩着单车出去了，隔了十几分钟才返回来，并提来了几桶新漆，还是假的！

2、 利用价格战，价格战的最后羸家从来都是消费者。现在一些厂家经常动不动就打价格战，这正中咱的下怀。例如笔者撰稿时，空调正在大打价格战，这时候正中入货的好时机，我们不能期望他们打到血本无归地咱们才进货，因为那时候你家装修可能已经完了，最主要的是我们能省就省，目前能省多少就省多少。

3、 利用淡季概念进行装修。不同的地区，装修的淡季的时间是不同的，例如东南沿海地区，装修的淡季一向是梅雨季节的时候，这时候装修，往往无论是材料和工钱都是较低，正是入市好时机。至于梅雨对装修影响是否真的很大，说实话，从技术上来说，这些影响除了油漆干透时间较慢外，没有太大的影响。

4、 集中采购，争取优惠。如果你把一些同类的货品东家买点，西家买点，那么你可能连最基本的优惠都拿不到。从商业的角度来讲，商家不管卖不卖货，成本都是存在的，所以赚多赚少不会差多少，关键还是要卖得多，他们大部分都愿意给大宗客户给予更多的优惠措施。

从设计的优化中省钱

1、 好的设计，能让你首先把钱花在点子上。在有限的预算情况下，只有控制着花钱，才能达到主次分明的用钱目标。另一方面，设计中的对比处理，可以使部分项目使用一些极为便宜的材料。

2、 好的设计，能使花钱计划得到保证，避免不必要的错误而引起的返工费用。例如没经过设计就随便用色，最后又发现这样很难看，不得不返工修正，这就会无形中造成材料和人工的重复。

3、 好的设计师，还会为你提供用料方面的建议，分析不同材料的利弊，避免选材错误造成的直接和间接损失。

省钱的大忌

1、 不要一边省钱一边洒钱。有一些人瓷砖这省省，那省省，另一方面又大洒金钱地买了一台几千元一个的马桶。说实在话，我觉得现在一千左右的马桶和五千元的马桶在质量上实在差别不大。要省钱，首先就要克服自己的欲望。

2、 严格控制预算。合同中应该附加一条条款：合同内的项目决算时不得超过x元。这条条款是针对一些不良商人低预算高决算的损招的。

一般认为，北宋风俗画《清明上河图》描绘的是春天的景象。

《清明上河图》是北宋时期画家张择端创作的作品，从诞生至今，一般都认为该画所描绘的是北宋徽宗时代东京汴梁以及汴河两岸在清明时节的繁华热闹景象和自然风光。这幅画最早的收藏者是宋徽宗赵佶，画上不仅有宋徽宗亲笔的瘦金体题签“清明上河图”和双龙小印，还有宋徽宗的题诗，诗中有“水在上河春”一句。研究者认为，根据《东京梦华录》对清明节的相关记载，北宋时期清明时节不但要祭扫亡灵，还要举行盛大的郊游活动，这也与画中所描绘的景致相吻合。

既然《清明上河图》描绘的并非清明时节，那么为什么又以“清明”为名呢？《诗经·大雅》中有“肆伐大商，会朝清明”的说法，《毛传》称“不崇朝而天下清明”，《后汉书·班固传》也有“固幸得生于清明之世”之句，这里的“清明”都有政治开明有度、人民安居乐业之意。从这个意义上理解，画中题款“清明”语，应是作者张择端进献此画、期待获得皇帝赏识所作的颂扬之辞。金人在画面上留下的跋文说：“当日翰林呈画本，承产风物正堪传。”点明此画主题正是在于表现承平风物。根据画幅后面张著的一段题记介绍：“翰林张择端，字正道，东武(今山东诸城)人也。幼读书，游学于京师，后习绘事，本工其‘界画’，尤嗜于舟车市桥郭径，别成家教也。”从中可知张择端是北宋时期的宫廷画家，这些服务于皇室的画家们都要经过严格的专业训练并忠心为朝廷服务，描绘这种带有吉祥征兆、歌颂太平盛世的作品应该是他们分内的政治任务。了解了这个历史背景，画中“清明”一词所代表的准确涵义就不难理解了。

张择端简介：

张择端（1085—1145），字正道，琅邪东武（今山东诸城）人。北宋著名画家。风俗画《清明上河图》，是世界名画之一，也是他的代表作。自幼好学，早年游学汴京(今河南开封)，后习绘画。宋徽宗时供职翰林图画院，专攻界画宫室，尤擅绘舟车、市肆、桥梁、街道、城郭。后“以失位家居，卖画为生，写有《西湖争标图》、《清明上河图》”。他是北宋末年杰出的现实主义画家，其作品大都失传，存世《清明上河图》、《金明池争标图》，为中国古代的艺术珍品。