服装设计简介

服装设计是科学技术和艺术的搭配焦点，涉及到美学、 文化 学、心理学、材料学、工程学、市场学，色彩学等要素。以下是由我整理关于服装设计的基础知识的内容，希望大家喜欢!

服装设计知识一：

“设计”指的是计划、构思，设想、建立方案，也含意象、作图、制型的意思。”服装设计过程“即根据设计对象的要求进行构思，并绘制出效果图、平面图，再根据图纸进行制作，达到完成设计的全过程”。

服装设计师(Fashion Designer)直接设计的是产品，间接设计的是人品和社会。随着科学与文明的进步，人类的艺术设计手段也在不断发展。信息时代，人类的文化传播方式与以前相比有了很大变化，严格的行业之间的界限正在淡化。服装设计师的 想象力 迅速冲破意识形态的禁锢，以千姿百态的形式释放出来。新奇的、诡谲的、抽象的视觉形象，极端的色彩出现在令人诧异的对比中，于是不得不开始调整我们的眼睛以适应新的风景。服装艺术显示出来的形式越来越多，有时还比较玄奥。怎样看待服装艺术、领略并感受服装本身的语言，成为今天网络时代“注意力”经济中的“眼球之战”。服装设计既要有很强的审美观，和价值观，既然设计出来的衣服是要在生活中穿的，既要美观时尚，又要低调优雅，使服装永远不会落后，所以一个设计师在设计服装的过程中要忘掉自己是自己，而是在设计你所想表达的意向。再加上设计者的学识及个人主观观点，设计出实用、美观，及合乎穿者的衣服，使穿者充分显示本身的优点并隐藏其缺点，衬托出穿者的个性，设计者除对经济、文化、社会、穿者生理与心理及时尚有综合性之了解外，最重要的是要把握设计的原则。设计原则是说明如何使用设计要素的一些准则，乃经过多年 经验 、分析，及研究的结果，也就是美的原则在服装上的应用。

服装设计知识二：

服装设计是一个总称，根据不同的工作内容及工作性质可以分为服装造型设计，结构设计，工艺设计，设计的原意是指“针对一个特定的目标，在计划的过程中求得一种问题的解决和策略，进而满足人们的某种需求”。设计所涉及的范围十分广泛，包括社会规划、理论模型、产品设计和工程组织方案的制定等等。当然，设计的目标体现了人类文化演进的机制，是创造审美的重要手段。服装设计顾名思义是设计服装款式的一种行业，服装设计过程“即根据设计对象的要求进行构思，并绘制出效果图、平面图，再根据图纸进行制作，达到完成设计的全过程”。

设计同时具有"事实要素和“价值要素”。前者说明事态的状况，后者则用理论和审美的命题来进行表述，即是“好坏和美丑”。

不同类型的设计侧重的思维类型往往有所差异。例如，在工程设计中更重视理性分析，而在产品造型设计和工业设计则重视整体的过程，需要运用形象思维的因素，在服装设计方面则更注重“美感”等等。

设计的任务不仅仅的满足个人需求，它同时需要兼顾社会的、经济的、技术的、情感的、审美的需要。由于这些众多的需要中本身存在一定的矛盾，所以设计任务本身就包括各种需要之间的协调和对立关系。现代的设计理念在更新中，同样要遵循设计的规范，要考虑这众多的“需要”。

设计是物质生产和文化创造的首要环节。它总是以一定的文化形态为中介。例如，运用大致相同的建制材料进行建筑工程的设计，不同的社会文化会诞生不同的建筑形式运用相似的服装设计构思，不同的社会规范也会产生完全不同的设计风格。

服装设计过程

服装设计是运用各种服装知识、剪裁，及缝纫技巧等，考虑艺术及经济等因素，

一、服装设计创作过程

服装设计是一个艺术创作的过程，是艺术构思与艺术表达的统一体。设计师一般先有一个构思和设想，然后收集资料，确定设计方案。其方案主要内容包括：服装整体风格、主题、造型、色彩、面料、服饰品的配套设计等。同时对内结构设计、尺寸确定以及具体的裁剪缝制和加工工艺等等也要进行周密严谨的考虑，以确保最终完成的作品能够充分体现最初的设计意图。

服装设计的构思是一种十分活跃的思维活动，构思通常要经过一段时间的思想酝酿而逐渐形成，也可能由某一方面的触发激起灵感而突然产生。自然界的花草虫鱼、高山流水、历史古迹、文艺领域的绘画雕塑，舞蹈音乐以及民族风情等社会生活中的一切都可给设计者以无穷的灵感来源。新的材质不断涌现，不断丰富着设计师的表现风格。大千世界为服装设计构思提供了无限宽广的素材，设计师可以从各个方面挖掘题材。在构思过程中设计者可通过勾勒服装草图借以表达思维过程，通过修改补充，在考虑较成熟后，再绘制出详细的服装设计图。

二、绘制服装设计图

绘制服装效果图是表达设计构思的重要手段，因此服装设计者需要有良好的美术基础，通过各种绘画手法来体现人体的着装效果。服装效果图被看作是衡量服装设计师创作能力、设计水平和艺术修养的重要标志，越来越多地引起设计者的普遍关注和重视。

服装设计：

1、目的、效果的考察

在设计之前。必须明确设计的动机和目的，只有明确了设计的目的，才能清晰地去考虑设计效果。有五个W和一个H的规则可以学习。

谁（Who）-穿着者的年龄、性别、体形、职业、个性、肤色、发型、发色、面部色。

什么时候（When）-季节、时间。

什么地方（Where）-场所、环境。

为什么（Why）-一目的。

什么（What）-服装的种类。

多少（How）-预算、价格。

2、形态的考虑

明确目的之后，便是对服装形态的研究，使之能满足设计的目的和效果，形态设计包括服装造型的设计、材料的选择、技术工艺的研讨、色彩的配置和细节部分的设计等。

3、设计表达

设计表达是通过对市场的透彻了解，再将这些经分析处理过的信息和某个特定的企业和品牌的定位和条件相结合，然后将设计方案用视觉的渠道和方法进行表现和传达。

常用的表达方式有概念板、时装画、效果图、款式图等，不同的方式有不同的表现目的。

其应用也不同。在时装画设计、绘制的过程中，要提倡在经过平面表达后进行立体裁剪，这样能够使设计者更有效地将时装画转化成实体作品。

4、结构

设计表达步骤完成以后，要进行结构方案的实施。首先要对着装者量取尺寸，然后进行平面制图取得纸样或立体裁剪取得纸样。纸样的好坏直接影响到服装的制作和成形水平。

5、工艺

纸样完成后即是工艺制作。纸样铺到布上裁剪后，要经过假缝、补正、缝纫、熨烫完成的过程。在裁剪布料时，须注意布的纱线方向是否正确，注意布料的图案变化与规整。

6、完成

裁剪和缝纫技术的结束并不代表设计的终结，而是还要检查并纠正有错误的地方。比如，有以下一些值得注意的方面：目的和效果等条件是否解决。机能的实用性和审美是否得到满足；穿着者和服装是否协调等。

从事服装设计工作必须熟练地掌握服装画的画法，因为服装画是表现服装设计意念的必需手段。今天，服装画越来越为人们所重视，它的功能不断扩大，形式也不断增多，最初主要是作为服装的设计效果图，后来又在服装广告、宣传和插图等方面大显身手，从一种制作图发展为一种艺术形式。

服装画应该比服装本身、比着装模特更具典型，更能反映服装的风格、魅力与特征，因此更加充满生命力。好的服装画能把服装美的精髓、美的灵魂表现出来。当今国外服装画艺术大师的作品风格多样、形式新颖、艺术水平高，已具有独特的欣赏价值。

服装设计师画图时，表现的方法并不一定，有的画得很精致，或像真人一样，有的画很省略简单，必须要配合其使用目的与使用场合来决定如何作画，虽然画法可以自由，但仍要以传达衣服款式为目的，所以要受到某种程度的约束。

服装设计图的内容包括服装效果图、平面结构图以及相关的文字说明三个方面。

1．服装效果图的内容和表达方式服装效果图一般采用写实的方法准确表现人体着装效果。依索思服装设计采用的是10头长，以取得优美的形态感。设计的新意要点要在图中进行强调以吸引人的注目，细节部分要仔细刻画。服装效果图的模特采用的姿态以最利于体现设计构思和穿着效果的角度和动态为标准。

2．平面结构图 一幅完美的时装画除了给人以美的享受外，最终还是要通过裁剪、缝制成成衣。服装画的特殊性在于表达款式造型设计的同时，要明确提示整体及各个关键部位结构线、装饰线裁剪与工艺制作要点。平面结构图即画出服装的平面形态，包括具体的各部位详细比例，服装内结构设计或特别的装饰，一些服饰品的设计也可通过平面图加以刻画。平面结构图应准确工整，各部位比例形态要符合服装的尺寸规格，一般以单色线勾勒，线条流畅整洁，以利于服装结构的表达。

3．文字说明 在服装效果图和平面结构图完成后还应附上必要的文字说明，例如设计意图、主题、工艺制作要点、面辅料及配件的选用要求以及装饰方面的具体问题等，要使文字与图画相结合，全面而准确地表达出设计构思的效果。

2.传统服装设计就业的主要方向为品牌公司、外贸公司和加工企业。

以品牌公司为主(包括内外合资及档口经营等各种品牌化经营企业)，设计师主要针对国内市场进行设计开发，目前仍然是设计人员接收的主要方向。相对就业机会多，就业岗位类型丰富，地域分布广泛，人员流动率相对较高。外贸公司和加工企业类似，都是针对国外或国内订单进行指向型的设计开发。虽然这样的企业对设计人员需求不是很大，但基于我国庞大的外贸公司和加工厂的数量，也提供了很大的岗位空缺。但是工种相对较为单一，流动性较低，比较集中在沿海外贸进出口发达区域。

3.看到这个问题，首先浮现在脑海的就是许多人说过“没钱就不要学设计！”

大家普遍认为，设计是一个需要较多资金支持的专业，服装设计也同样不例外。

【家境一般，是否应该坚持学服装设计?】这一问，重点应该是是否应该！

坚持去学习某样东西，家境会是阻碍你去坚持的原因吗？

你真的足够热爱某样东西，家境会是你踌躇不前的原因吗？

更何况，你的家境只是一般般、普普通通，而不是穷到家徒四壁，举步维艰。

设计的原意是指针对一个特定的目标,在计划的过程中求得一种问 题的解决和策略,进而满足人们的某种需求。在进行服装设计时应该要 遵守一定的原则。下面是服装设计五大基本原则:

1.统一与调和的意义相似。

服装设计时，往往以调和为手段，达到统一的目的。

良好的设计中，服装上的部分与部分间，部分与整体间各要素：

2.质料、色彩、线条等的安排，应有一致性。

这些要素的变化太多则破坏了一致的效果。

3.加重

加重亦即「强调」或「重点设计」。虽然服装设计中注重统一的原则，但是过分统一的结果。

4.往往使设计趋于平淡，某一部分特别醒目以造成设计上的趣味中心。

这种重点的设计： 可以利用色彩的对照（如黑色洋装系上红色腰带） 质料的搭配（如毛呢大衣配以毛皮领子） 线条的安排（如洋装上自领口至底边的开口）剪裁的特色（如肩轭布及公主线的设计） 及饰物的使用（如黑色丝绒旗袍上配戴金色项链）

但是不宜数法同时并用，强调的部位也不能过多，并应选择穿者。

5.身体上美好的部分，做为强调的中心。

平衡:平衡可分对称的平衡，及非对称的平衡两种。前者以人体中心为想象线，左右两部分完全相同。

“设计指的是计划、构想、设立方案，也含意象、作图、制型的意思。”服装设计过程“即根据设计对象的要求进行构思，并绘制出效果图、平面图，再根据图纸进行制作，达到完成设计的全过程”。

但大多的服装设计师集中在法国、英国…在亚洲著名的服装设计师集中在日本,日本特别在八、九十年代甚至在二十一世纪初在服装方面都有很大的成功,在中国建有很多的大型服装加工厂!

中国虽然也有很多的服装设计师,但大多成名度的范围只局限于中国本土之内!服装设计专业相关服装艺术设计培养目标：培养能在企事业部门、学校、科研单位从事服装、服饰设计工作以及教学与研究工作的德才兼备的高级专门人才。

服装艺术设计培养要求：学生应掌握马克思主义的基本原理；熟悉与我国服装纺织工业发展有关的方针、政策和法规；具有系统的服装和服饰设计的理论知识；了解服装眼用性能的测试方法，善于借鉴我国传统服饰文化、掌握和利用现代国内外服装信息；有较高的设计水平和较强的工艺制作能力以及初步的科研能力，了解本学科的新成就、新发展；有较高的文化修养，并具备一定的企业管理能力；在掌握外语工具方面，应具有较强的阅读本专业书刊的能力，一定的听的能力，初步的写和说的能力。

服装艺术设计主要专业课程：中外服装史、中国民族服装史、服装造型工艺学、服装服饰设计基础、 时装画技法、发型与化妆、人体工程学、服装材料工艺学、服装概论、计算机应用、服装眼用性能测试、服装设计、服饰设计等。

实践环节：结合教学，组织学生参加社会调查、业务实习等实践活动。

修业年限：四年。

毕业生适宜在轻工、纺织、商业、外贸等部门的服装工厂或服装设计单位从事服装、服饰设计、研究工作，亦可从事服装、服饰设计的教学工作。

授予学位：文学学士。 如何成为服装设计师要想成为一名服装设计师不是一件容易的事，不仅需要有一定的天赋，而且更需要懂得学习方法并为之付出辛勤的努力，才能学有所成。

一、要重视专业资料和各类信息的收集和整理

服装中再生服装的设计方法，尽管很实用，但从更高要求来看，它很难摆脱他人构思的影响，难以获得创新和超越。因此，我们需要更广泛地获取专业以外的各种信息，比如科技发展的成果、文化的发展动态、各种艺术门类的作品以及存在于文学、哲学、音乐中的反映意识形态的各种思潮和观念等，以此来拓宽知识面，增长见闻，博采众长，从中获得更多的启迪进而产生更好的想法。

二、要善于在模仿中学习提高

模仿行为是高级生命共有的本性特征。记得美国心理学家称：作为人行为模式之一，模仿是学习的结果。在学习过程中使用模仿手段，从行为本身来看，应该算是一种抄袭，是创造的反义词，它不能表现出自己的技术或能力有多好，但是，应该看到，许多成功的发明或创造都是从模仿开始的，模仿应该视为一种很好的学习方法。

三、要不断提高审美能力，树立起自我的审美观

审美能力，也称“审美鉴赏力”。是指人们认识与评价美、美的事物与各种审美特征的能力，也就是说，人们在对自然界和社会生活的各种事物和现象作出审美分析和评价时所必须具备的感受力、判断力、想象力和创造力。作为设计师，培养和提高审美能力是非常重要的，审美能力强的人，能迅速地发现美、捕捉住蕴藏在审美对象深处的本质性东西，并从感性认识上升为理性认识，只有这样才能去创造美和设计美。单凭一时感觉的灵性而缺少后天的艺术素养的培植，是难以形成非凡的才情底蕴的。

四、 要尽快让自己变得敏感起来

设计创作的最初灵感和线索往往来自于生活中的方方面面，有些事物看似平凡或者微不足道，但其中也许就蕴含着许多闪光之处，如果设计师对此熟视无睹，不能发现它们的存在，就不能及时地去捕捉它们和利用它们，那么，许多有用的设计素材就会失之交臂。

五、要尽快让自己变得时尚起来

虽然，有时时尚的东西不见得都好、都美，但设计师必须要有接纳的胸怀，对待新观念、新现象不能带有先入为主的惯性思维，要学会把自己放进去，去接受，去思考，这样才可能使设计作品能与时代同步，甚至引领时尚。

六、要主动为自己创造实践的机会

服装设计是一门实践性很强的学科，只有通过不断的实践才能真正认识服装，才能获有更多的直接经验，才能做出真正好的有用的设计。

七、要学会与人沟通、交流和合作

作为设计师，必须树立起团队合作意识，要学会与人沟通、交流和合作。这方面的能力，需要在校学习期间就开始注意锻炼和培养，并努力使之成为一种工作习惯，这对今后开展工作会十分有益

1、从学习画人体开始熟悉人体

2、学习了人体画后就学习基本的色彩关系

3、开始学习一些服装专业的知识，从画款式图开始

4、经过上述学习，基本掌握了人体、色彩、款式，下面进行人体着衣的效果图学习。

5、推荐〈经典美国时装画技法〉基础篇和提高篇两本，按照上面的课程进行练习，相信经过自己的努力一定能熟练地绘画时装画。

6、学习一些制版方面的内容，确保自己知道自己设计的服装的工艺

下面推荐部分比较有用的书籍：

余强著 服装设计概论 第一版 西南师范大学出版社 2002.1

庞琦著 服装色彩 第一版 中国轻工业出版社 2001.9

徐雯著 服饰图案基础 第一版 北京工艺美术出版社 2002.6

李丽婷著 色彩构成 第一版 湖北美术出版社 2001.10

苏石民 包昌法 李青著 服装结构设计 第一版 中国纺织出版社 2003.3

朱秀丽 鲍卫青著 服装制作工艺 第一版 中国纺织出版社 2003.3

（日）文化服装学院 范树林 文家琴译 文化服装讲座-原理篇 中国轻工业出版社 2000.4

王受之著 世界服装史 第一版 中国青年出版社

成为一个好的服装设计师：

第一：对服装有较高的造诣，把握流行敏锐力洞察力强！

第二：适合市场需求，市场占有率高！

第三：好的设计师能独力完成从一套创作设计到成衣的打板制作流程！

第四：对面料熟识，能用不同方式进行组合搭配！

第五 ：拥有一个舒适并有想象空间的工作环境！

服装设计师首先要热爱艺术、把握流行，再次要有深厚的艺术造诣，扎实地绘画功底。又要有一种理想——创造自己独有的艺术世界，希望美梦成真，敢为人先的时尚理念，是时尚的探险者、弄潮儿，对服装情有独钟，对普通的面、辅料有一种独特的欣赏。

那么做为一名服装设计师应具备哪些技能，应掌握哪些知识呢？有人认为，服装设计很简单，翻翻画报、杂志，这儿找一个领子，哪儿找一只袖子，东拼西凑，如此而已；有的人则认为只要会做衣服就可以搞服装设计了；还有人认为只要会画时装画，就可以当设计师了。事实上，第一种“设计师”的作品往往是各种毫无关联的服饰部件堆砌在一起的“大杂烩”；第二种“设计师”往往被束缚于自己那一点制作工艺技能中，无法应变于飞速发展的市场需求；第三种“设计师”往往只会画作品，由于不大懂如何才能做出来，所以，画的作品中无法实现的居多。可见以上三种观点均有些偏颇。

搞服装设计要经常借鉴前人的成功之作，要从优秀的作品汲取营养和设计灵感，但绝不等于拼凑和照搬。裁剪、制作技术是服装设计的重要基础，是表达设计意图的重要手段，但并不等于学会裁剪和制作衣服就是学会设计了，正像学会演奏钢琴的技巧并不等于会作曲，学会砌墙并不等于会建筑设计一样。会画时装画只是掌握了一种表达设计意图的工具而已。从上述服装设计的过程中可以看出，在整个设计过程中，画设计图仅仅是设计的开始。不懂得如何实现自己的设计意图，只会“纸上谈兵”者，是无法在激烈的市场竞争中生存的，事实上，现在只会画时装画的“设计师”是找不到工作的。

但是，上述三种观点分别从一个侧面说明了服装设计所需掌握的知识和技能。一、设计师的知识结构1、借鉴的本领

原始借鉴又称模仿，如：虔诚地模仿（敬畏他人）、竞争地模仿（超人一等）、忧虑地模仿（与别人相同而不落伍，过时）、三位一体地模仿：直接模仿（小孩模仿大人，猴子学吸烟）、间接模仿（积累、总结、比较、记忆等）、创造性模仿（取优创新、批叛的继承）。其实服装设计就是敢为人先的创造与发明、大胆设计、大胆改造，大胆实用新工艺，新材料、新科技的全过程。

服装设计的构思阶段，在某种程度上，实际上是在头脑中进行样式的选择。设计是一种创造，但不是发明，前无古人后无来者的设计是不存在的。因此，设计就必须要借鉴前人。

服装设计更是如此，因为服装的变迁过程是连续的，不间断的，每一种服装都处于人类服装文化史的变迁途中，都是承前启后的。要借鉴前人，就必须虚心地学习和研究前人的成就和经验。就服装设计来讲，首先必须学习的是服装史，因为要想在设计中准确地把握现在的流行，就必须了解服装过去的变迁过程，掌握变迁规律。要想在设计中超越前人，就必须先学习前人的历史经验和传统技巧。不仅要学习中国服装史，而且还要学习西方的服装史，还要研究世界各地现存的民族服装。特别是对我们中国人来讲，为了在设计上赶超世界先进国家，真正与国际接轨，不仅要了解我们自己的历史，更要花力气去了解西方服装的变迁经过（因为现在国际服装的流行与西方服装的变迁一脉相承）。这样，面对形形色色的国际流行，在吸收和借鉴时，才会有自己的见解和主张，而不是盲目地照搬和抄袭。

另外，借鉴还要注意广度，除了古今中外的服装文化外，其他领域也要尽量去涉猎和学习。因为服装是一种综合性的文化现象，涉及到社会科学和自然科学的各个领域。设计师的工作内容又是复合型的，既要能把握当时当地的历史潮流和市场变化，又要对自己和竞争对手的实力了如指掌，还要有能力和实力组织生产，实现自己的设计意图，为企业带来利润。因此，设计师要有广博的修养和丰富的经历，要热爱生活，对一切事物都很感兴趣，要有强烈的好奇心。这样在设计构思时，才能广开思路，广泛借鉴。只有“站在巨人的肩膀上”，才能设计出高于前人的作品。这就是借鉴的重要性。

2、 设计的能力

预测→收集信息→策划→开发计划→设计与制作→销售→信息反馈→总结。（往返进行）设计是一种造物的过程，有了好的构思后，接着就是如何来完成和实现这个构思，把设计构思画在纸上，不能说是设计的完成，那仅仅是设计的开始。服装设计效果图是设计构思的视觉性表达手段之一，而这个设计构思能否实现，还有待于运用具体的衣料，通过一定技巧的裁剪、制作工艺来探索其实现的可能性。因此，作为设计师，如果衣料的性能、裁剪方法和制作技术等实际操作技能一无所知的话，其构思肯定是不着边际的，经常看到许多设计效果图画得挺美，但实际上不可能做出来的，或者即使勉强做出来也无法穿用（或因没有考虑开口而穿不进去，或穿上根本动不了，迈不开步，抬不起胳膊，弯不下腰）。

可见，掌握裁、制作的基本技能对于设计师不仅十分必要，而且必不可少。事实上，许多设计的技巧，设计的感觉，不在纸面上，而在实际制板、裁剪和缝制的过程中。服装上所谓的“线条”和“造型”，也绝不是纸面上的线和形，而是立体上的三维空间中的线和形，这种感觉只有在三维空间的实际训练中才能提高。无论是巴黎的高级时装设计师，还是一般成衣企业的设计师，除了用绘画的形式表达自己的设计意图外，主要是在立体的衣服造型上来把握设计的。因此，无论是巴黎的高级时装店协会附属服装学校，还是纽约的FIT（纽约时装工科学院）以及日本的文化服装学院，在培养设计人才时，制板、裁剪和制作技术都是学员们必修的一门主要课程。

3、深厚的艺术造诣

服装设计即是一种产品设计，也是一种艺术创作。因此，广泛的艺术修养对于服装设计师就显得至关重要。曾被誉为“时装之王”的法国高级时装设计大师克里斯羌�6�1迪奥尔就是具备了建筑、绘画、音乐等多方面知识的一位时装界的巨匠，他的弟子伊夫�6�1圣�6�1洛朗也是一位艺术才华横溢的天才，从圣�6�1洛朗的作品中，可以看到他设计灵感来源之广，可以感受到当代艺术大师们的影响：热情奔放的西班牙风格，华美多姿的俄罗斯情调，单纯豪放的非洲风格，端庄鲜明的中国风格，还有那古典味浓郁的委拉斯凯兹式的婚礼服、色彩明朗的毕加索风格，简洁明快的蒙德里安冷抽象艺术和波普艺术等，都在其作品中有着独特的运用和发挥。现在活跃于国际时装舞台上的设计大师三宅一生、戈尔齐埃、谬葛莱等，也都是一些艺术才华出众的艺术家。深厚的艺术造诣决定了设计师们无穷的创造力。

4、丰富的市场经验，如：面、辅料市场：本地区内、外面料与辅料的市场。

资料信息市场：时装信息、流行趋势、设计师手稿资料。成衣市场：品牌、批发与零售。服饰市场：首饰、配饰、美容护肤等。生产一线市场：制作、洗水、制衣、整染、印花等。

作为一种产品设计，服装设计效果的优劣不是靠某位专家来评说的，而是由市场来检验的。因此，设计师如果对自己所服务的目标市场一无所知，那将非常危险，因为其设计投产后很可能不被市场认可而造成积压，给企业带来巨大的经济损失，甚至使之倒闭。设计师应保持自己的个性和独特的设计风格，但这并不等于无视市场的需求。设计师与画家不同，不能孤芳自赏，一定要时刻注意把握市场的新动向，在保持自己的设计风格的基础上，一定要站在消费者的立场上，每个细部都经营到位，这样才能在激烈的市场竞争中立于不败之地。　1、 绘画基础与造型能力

绘画基础与造型能力是服装设计师的基本技能之一。当然，以前的设计大师也有个别不会画画的，但他需要在其他方面有更杰出的表现。但有些人即使通过在学校系统地学习和培训，仍然不能很好地用绘画方式表达设计意念的话，那将为自己的创作带来很大的困难。

只有具备了良好的绘画基础才能通过设计的造型表现能力以绘画的形式准确地表达设计师的创作理念，另一方面在设计图的过程当中也更能体会到服装造型重的节奏和韵律之美，从而激发设计师的灵感。

20世纪初包豪斯曾经提出“设计的目的是人而不是产品”，特别是服装，本身就是人体的外部覆盖物，与人体有着密切的关系，作为设计师只有对人体比例结构有准确、全面的认识，才能更好地、立体地表达人体之美，这是设计的基础。

2、丰富的想象力

独创性和想象力是服装设计师的翅膀，没有丰富想象力的设计师技能再好也只能称为工匠或裁缝，而不能称之为真正的设计市。设计的本质是创造，涉及本身就包含了创新、独特之意。自然界中的花鸟树木、我们身边的装饰器物/丰富的民族和民俗题材，音乐、舞蹈、诗歌、文学甚至现代的生活方式都可以给我们很好的启迪和设计灵感。千百年来，服装的历史长河中正是由于前人丰富的想象力和独创的精神才给我们留下了丰厚的宝贵财富。

在西方服装设计史上，那些备受瞩目的署名服装设计师们均以其独特的创造力和想象力再设计上出其巧思。特别是20世纪30年代颇具影响力的意大利女设计师——夏波瑞莉竟将鞋子设计成帽子扣在头顶，将口袋设计成抽屉状，其丰富的想象力及形象幽默、大胆别致的设计风格备受后人推崇。

3、对款式、色彩和面料的掌握

服装的款式、色彩和面料是服装设计的三大基本要素。

服装的款式是服装的外部轮廓造型和部件细节造型，是设计变化的基础。外部轮廓造型由服装的长度和纬度构成，包括腰线、衣裙长度、肩部宽窄、下摆松度等要素。最常见的轮廓造型有“A"型、“X"型、T型、H型、O型等。服装的外部轮廓造型形成了服装的线条，并直接决定了款式的流行与否。部件细节的造型是指领型、袖型、口袋、裁剪结构甚至衣褶、拉练、扣子的设计。

服装的色彩变化是设计中最醒目的部分。服装的色彩最容易表达设计情怀，同时易于被消费者接受。火热的红、爽朗的黄、沉静的蓝、圣洁的摆、平实的灰、坚硬的黑，服装的每一种色彩都有着丰富的情感表征，给人以丰富的内涵联想。除此之外，色彩还有轻重、强弱、冷暖和软硬之感等，当然，色彩还可以让我们在味觉和嗅觉上浮想联翩。

熟练掌握和运用服装面料特质是以未成熟的设计师所应具备的重要条件，设计师首先要体会面料的厚薄、软硬、光滑粗涩、立体平滑之间的差异，通过面料不同的悬垂感、光泽感、清透感、厚重感和不同的弹力、垂感等，来悉心体会其间风格和品牌的迥异，并在设计中加以灵活运用.

不同质地、肌理的面料完美搭配，更能显现设计师的艺术功底和品位。服装款式上的各种造型并不仅仅表现在设计图纸上，而是用各种不同的面料和裁剪技术共同达成的，熟练地掌握和运用面料设计才会得心应手。

服装的款式、色彩和面料这三部分缺一不可，是设计师必须掌握的基础知识。对款式、色彩、面料基础知识的掌握和运用也一定程度能反映出一个设计师的审美情趣、品位和艺术功底。

4、对结构设计、裁剪和缝制的理解

对结构设计、裁剪技术的学习，也是服装设计师必须掌握的基础知识。结构设计是款式设计的一部分，服装的各种造型其实就是通过裁剪和尺寸本身的变化来完成的。如果不懂面料、结构和裁剪，设计只能是“纸上谈兵”。不要以为在公司里结构设计、裁剪是打版师傅的事情，只会画图、不懂打版的设计师肯定不是一个完美、成熟的设计师。不懂纸样和结构变化，设计就会不合理、不成熟，甚至无法实现。

学校里的学生经常会遇到这样的问题，由于自己还不会打版，参加大赛的服装只能请师傅打版，但自己画的是一种效果，做出来完全走了型，没有达到想要的效果。由此可见，打板本身直接决定了服装的造型和整体效果。20世纪里有许多大师都是直接从服装的裁剪和结构入手，并把这些作为十分重要的设计语言，如巴伦夏卡、朗曼、威奥内特、三本耀司等。仔系研究大师们的作品我们可以看到，服装的结构设计深富内涵、表现力独特，其深沉、含蓄而不张扬的风格非常值得细细品味。如果不精通裁剪和结构设计，我们对作品的欣赏只会停留于肤浅的表面，设计也只能是一个空架子、经不起推敲和考验。

缝制也是服装设计的关键，不懂的各种缝制技巧和方法，也会影响我们对结构设计和裁剪的学习。缝制的方式和效果本身也是设计的一部分，不同的缝制方式能产生不同的外观效果，甚至是特别的肌理效果。有的设计师借助“缝纫效果”作为设计语言来尝试新的效果，这种手法在诚意设计中非常普及。这就要求设计师要熟知服装行业中的各种加工设备及服装缝制专用机件，对针织、梭织的加工工艺了如指掌，才能在设计运用中得心应手.

5、对服装设计理论及历史的了解

服装设计的初级阶段是对一些基础技法和技能的掌握，而成功的服装设计师更重要的是应具备设计的头脑和敏锐的创作思维，只掌握基础技能、能画漂亮的效果图是远远不够的。现在的艺术院校服装设计专业都开设有服饰理论课程，学生通过这些课程可以了解中外艺术史、设计史、服装史和服饰美学等理论知识，同时还能开阔学生的眼界、拓宽设计思路，启发他们的设计灵感。

特别是学习中外服装发展史，其源远流长的服饰演变能为我们提供诸多的设计灵感，古埃及风格、古希腊风格、哥特风格、巴洛克、洛可可风格这些在现代服装大师的作品中随处可见。只有了解中西服装发展的历史，理解现代服饰的演变，才能在设计史立足于现代并预测未来。了解中西服装发展史的变化，也会使你更深地体会中西服饰的差异，市自己明白身为东方的服装设计师应该如何面对西方服饰、如何在设计中体现民族风格、如何在世界服饰舞台中赢得一席之地。

6、对20世纪服装发展史和大师风格的掌握

了解和掌握2世纪服装发展史及大师的风格是成为服装设计师的一条快捷之路。从20世纪初期的CHANNEL到本世纪初的加里亚诺，每一位设计大师都为我们在服装史上留下了恒美的一笔：20、30年代优雅浪漫的低腰露背装；50年代典雅富贵的高级时装；60、70年代叛逆怪异的嬉皮士/朋克服饰；80年代宽肩、松身男性化职业女装；90年代型甘迷人的蕾丝、透视服饰……只有深入学习20世纪服装的发展历史，才能理解那个时代大师们的设计风格和艺术表现，从而借鉴到自己的服装设计当中。

20世纪80至90年代，德国的设计大师卡尔�6�1拉格费尔任CHANNEL公司的首席设计师，为了扭转CHANNEL公司当时的困境、为其注入新的活力，卡尔�6�1拉格费尔首先从熟悉夏耐尔品牌的设计风格开始着手，以致于对CHANNEL几十年历史中的每一个款式，他都可以一边默写一款一边讲解。在充分了解CHANNEL风格和设计历史之后，卡尔�6�1拉格费尔一改CHANNEL套装的沉闷和单调，推出了90年代粉彩、性感的CHANNEL套装，使CHANNEL服饰重振旗鼓，再次赢得年轻女性的喜爱，从而恢复了CHANNEL品牌往日的活力。

可见，每一位设计师都要付出相当的努力，方能使设计的作品获得认可和成功。

7、了解市场营销学与消费心理学

一名成功的设计师首先应在市场上取得成功，要根据企业的品牌定位规范自己的设计风格和路线。卡尔�6�1拉格费尔曾同时兼任夏耐尔、芬蒂、克罗耶等三家国际著名品牌的首席设计师，在为每个品牌策划设计时，都以该品牌的定位为准则，张扬了3种不同品牌风格，被誉为“天才设计师”。

服装设计师最终要在市场中体现其价值。只有真正了解市场、了解消费者的购买心理，掌握真正的市场流行（而不是时装杂志上颁布的理性趋势）。并将设计与工艺构成完美的结合，配合适当的行销途径，将服装通过销售转化为商品被消费者接受，真正体现其价值，才算成功完成了服装设计的全部过程。

刚刚跨出学校大门的青年设计师和成熟的服装设计师之间的差异就在于前者对市场缺乏足够的认识和经验不足。作为新手的你，在临近毕业或毕业之后要在最短的时间里熟悉各项工作，包括品牌的风格、市场定位、竞争品牌的概况、每季不同定位的服装设计风格的转变、不同城市流行的差异、所针对消费群对时尚和流行的接受能力等，还要清楚应该何时推出新产品、如何推出、以何种价格推出等问题，经过这些实践和经历，你才能成为服装设计一名“熟手”。

作为培养服装专业人才的服装院校应该更新观念、解放思想、开门办学。设计师可以与企业界和，教学更要与企业结合，与市场和品牌结合，从而锻炼学生的实际操作能力。为了达到这个目的，本人将所执教的深圳大学艺术学院服装专业第四年的设计课程做了很大的调整，课上的内容完全是服装公司设计师的工作要求，从品牌调研、定位分析、设计计划书到款式推出、价格定位、营销方案的提出等等方面，使同学们提前熟悉服装公司的每个工作细节，将学生毕业后参加社会工作时所面临的“磨合期”提前在学校来完成，这样做能使学生在毕业时积累更多的实践经验，为大多数企业欢迎。

同时，设计师作为一种时尚的职业为大多数人所向往，设计师与企业的签约、各种发布会和博览会的讯息更是倍受媒体关注。但是在这种繁荣的背后，也导致一些青年设计师有一些误解，认为这是服装设计师成功的唯一途径，认为设计师的工作就是做时装秀，站在T型台上手捧鲜花接受祝贺。其实，设计师的工作更多时候要紧盯市场变化、不断研究和预测市场流行，准确地把握公司品牌的定位和风格，因为，他们关系到整个服装公司的前途与发展，甚至是命运。

服装的设计知识，你知道多少？

服装设计的三大要素以及服装的整体美概念，造型、色彩、材质是服装设计的三大要素。

(一)型与服装设计

服装的造型可分为外造型和内造型，其外造型主要是指服装的轮廓剪影，内造型指服装内部的款式，包括结构线、省道、领型、袋型等等。

服装的外型是设计的主体，内造型设计要符合整体外观的风格特征，内外造型应相辅相承。要避免抛开外型风格一味追求内造型的精雕细刻，因为这将会起到喧宾夺主、支离破碎的反面效果。

　 　1.服装的外造型设计　服装设计作为一门视觉艺术，外型轮廓能给人们深刻的印象，在服装整体设计中造型设计属于首要的地位。 服装的外轮廓剪影可归纳成A、H、X、Y四个基本型。在基本型基础上稍作变化修饰又可产生出多种的变化造型来，以A型为基础能变化出帐篷线、喇叭线等造型，对H、Y、X型进行修饰也能产生更富情趣的轮廓型。

轮廓线的变化是流行款式演变的鲜明特点，例如20世纪50年代流行的帐篷形，60年代的酒杯形，70年代的倒三角形，70年代末、80年代初的长方形以及近年来流行的宽肩、低腰、圆润的倒三角形等等，见图1-9。设计师应对型有敏锐的观察能力和分析能力，从而预测出或引导未来的流行趋势。纵然服装的外造型千变万化，但都离不开人体的基本形态，决定外形线变化的主要部分是肩、腰和底边。例如腰部是服装造型中举足轻重的部位，其中腰部的松紧度和腰线的高低，是影响造型的主要因素。腰部从宽松到束紧的变化可以直接影响到服装造型从H型向X型的改变，H型自由简洁而X型纤细、窈窕。腰节线高度的不同变化可形成高腰式、中腰式、低腰式等服装，腰线的高低变化可直接改变服装的分割比例关系，表达出迥异的着装情趣。

　 　2. 服装的内造型设计　服装的内造型设计主要包括：结构线、领型、袖型和零部件的设计。

服装的结构线具有塑造服装外型，适合人体体型和方便加工的特点，在服装结构设计中具有重要的意义，服装结构设计在一定意义上来说即是结构线的设计。

服装的结构线即是指体现在服装各个拼接部位，构成服装整体形态的线，主要包括省道线、褶 裥 和剪辑线及装饰线等。结构线不论繁简都可归纳为直线、弧线和曲线三种。由于人体是由起伏不平的曲面组成的立体，因而要在平面的面料上表现出立体的效果，必须收去多余的部分，除了利用面料的可塑性对其进行湿热定型外，一般主要是通过省道与 裥 的设置来实现这一目的。省是缝合固定的，根据所设的不同的位置，分为胸省、腰省、肩省、后背省、臀位省等等。其中胸省是女式服装中最为关键而重要的因素。胸省根据款式的变化具有不同的形式，主要可用原型倾倒和剪开折叠两种方法将胸省进行转移，见图1-10。例如利用剪开折叠法先从收省的地方朝胸省剪开，以胸省点为圆点，在折叠腋下省的同时，省道就转移切开线的位置，完成了胸省的转移。

裥 是在静态时收扰，而在人体运动时张开，比省更富于变化和动感， 裥 的设计主要以装饰为主，一般有褶 裥 、细绉褶和自然褶三类。

剪辑线的作用是从造型美出发，把衣服分割成几个部分，然后缝制成衣，以求适体美观。剪辑线可分为六种基本形式：垂直分割、水平分割、斜线分割、弧线分割、弧线的变化分割和非对称分割。

服装结构设计中根据不同的款式风格和体态特征，巧妙地运用省道褶 裥 和剪辑线，充分考虑内外结构线的统一与协调，才能使服装造型更为丰富多姿。

服装的结构设计中还包括领、袖的设计。衣领是服装上至关重要的一个部分，它不仅有功能性，而且具有装饰情趣，其构成因素主要有：领线形状，领座高低，翻折线的形态，领轮廓线的形状及领尖修饰等。领型是最富于变化的一个部件，主要有立领、褶领、平领和驳领四种类型。肩袖造型也是及其丰富的，其造型包括袖窿与袖子两个部分，常见的袖型可分为：插肩袖、装袖和连裁袖三类，领和袖的设计都要符合服装的整体形态及人的气质特征。服装结构中的零部件设计主要包括口袋设计、钮扣设计、装饰设计等，其中装饰设计常用的装饰手法有绣花、镶、嵌、滚、荡、盘等。

(二)色彩与服装设计

科学家研究指出，人对色的敏感度远远超过对形的敏感度，因此色彩在服装设计中的地位是至关重要的。在研究服装设计中色彩应用问题时，我们首先要了解一些色彩的基础知识。

　 　1.色彩的基础知识　 色彩世界五彩缤纷，通过颜色来表达却离不开红、黄、青三种基本色的调配，这三种颜色不能由别的颜色调合而成，因此被称为"原色"。两种原色进行调合后产生的一种色称为"间色"，例如红加黄调合成橙色、黄和青调合成绿色。两种“间色”或原色与间色调合又形成复色。

千变万化的颜色可分为彩色系和无彩色系两大类。黑色、白色及黑白色调合而成的各级灰色属于无彩色系。白色是亮度的最高级，黑色是亮度的最低级。无彩色系之外的所有颜色都属于彩色系。彩色系的色彩由色相、明度、纯度三大要素构成。

色相：不同颜色的名称称为色相，如大红、湖蓝、中黄等，色相是颜色最重要的特征。按色相的顺序，可以循环排列成色相环。变幻无穷的色彩世界，色相的千差万别是首要的因素。

明度：是色彩明暗变化的属性，由各种有色物体反射光量的程度区别所造成。

纯度：又称彩度、饱和度，是一种颜色包含色彩的纯净程度。从光谱上分析得出的红、橙、黄、绿、青、紫是标准的.纯色。纯度越高色彩感越艳丽明媚。

　 　2.色彩与服装设计　 人们对色彩的反映是强烈的，但并非对色彩的感受都所见略同。因此在服装设计中对于色彩的选择与搭配要充分考虑到不同对象的年龄、性格、修养、兴趣与气质等相关因素，还要考虑到在不同的社会、政治、经济、文化、艺术、风俗和传统生活习惯的影响下人们对色彩的不同情感反映。例如，我国历代皇朝崇尚黄色，认为黄色是天地的象征，使黄色赋予威严华贵、神圣的联想。而黄色在信仰基督教的国家里却被认为是叛徒犹大服装的颜色，是卑劣可耻的象征。因此，服装的色彩设计应该是有针对性的定位设计。

在设计中，色彩的搭配组合的形式直接关系到服装整体风格的塑造。设计师可以采用一组纯度较高的对比色组合来表达热情奔放的热带风情也可通过一组彩度较低的同类色组合体现服装典雅质朴的格调，在服装设计中最常用的配色方法有：同类色配合、近似色配合、对比色配合、相对色配合四种。

问题二：服装设计都有哪些方面 人体结构,服装绘画,服装色彩,服装款式风格,服装饰品,服装结构,服装板型,服装制作.服装工艺.服装心理

问题三：服装设计师需要的是什么样的风格？ 一般的设计师都是按照流行的趋势去设计，只要市场销售得好那么就是好设计，好作品。少有部分厉害的设计师能把自己的风格融入潮流里面，这样的作品往往有很大的风险，成则风靡一时，败则默默无闻……

问题四：服装设计中有哪些风格以及流派 服装风格指一个时代、一个民族、一个流派或一个人的服装在形式和内容方面所显示出来的价值取向、内在品格和艺术特色。服装设计追求的境界说到底是风格的定位和设计，服装风格表现了设计师独特的创作思想，艺术追求，也反映了鲜明的时代特色。 经典风格,前卫风格,运动风格,休闲风格,优雅风格,都市风格,田园风格,古典风格. 具体风格包括：百搭、嘻皮、淑女、韩版、民族、欧美、学院、通勤、中性、嘻哈、田园、朋克、OL、洛丽塔、街头、简约、波西米亚等18种

问题五：衣服设计风格主要有哪些 洛丽塔、街头、简约、波西米亚、瑞丽、嘻皮、百搭、通勤、中性、嘻哈、淑女、日风、韩版、民族、欧美、学院、田园、朋克、OL等。

服装风格所反映的客观内容，主要包括三个方面，一是时代特色、社会面貌及民族传统：二是材料、技术的最新特点和它们审美的可能性；三是服装的功能性与艺术性的结合。服装风格应该反映时代的社会面貌，在一个时代的潮流下，设计师们各有独特的创作天地，能够造成百花齐放的繁荣局面。

问题六：服装设计有那些主题风格 1314^_-

问题七：服装设计的最基本课程有哪些 素描基础训练 ・ 形体认识、线条表现、立体感塑造、光影造型、结构分析、基础素描、空间透视法则、绘画与美感

・ 设计线条的表现技巧、线的美感、线的情感、白描花卉装饰、线描图案、 线条的组织运用及其艺术形式

・ 人体结构、比例关系、动态表现、重心把握、运动规律、理想人体与设计效果图基础

・ 人体动态速写、人体与服装的关系、服饰衣纹表现速写技法

・ 练手练眼、提高观察能力、动手表现能力、分析能力、掌握普遍的美学法则、提高审美能力

・ 认识色彩、色彩概念、色彩要素、色彩物理、心理、生理，色彩基础理论

・ 调色、配色、推移练习（色相、纯度、明度、色性、色调、混合等）

・ 色彩的调色运用和表现技法

服装色彩学 ・ 服装色彩的特征、对比、调和、分割与调整、单色、多色服装色彩搭配、色彩美感

・ 四季色彩基础理论、个人风格与服饰风格的搭配关系、服饰款式风格搭配法则

・ 流行色的概念与规律、流行趋势分析、流行色的运用

服装材料学 ・ 针织类、梭织类、天然、人造纤维、棉、毛、丝、麻、皮革、其它织物、新型材料的性能、特征、分析

・ 服装辅料的特点与选择，服装的保养和整理，国内外服装材料的流行趋势分析

・ 两万块常用面料实样鉴别

时装效果图技法 ・ 服装款式平面图、人体着装立体效果、彩色铅笔、迈克笔、淡彩、特技等表现手段、时装画着色方法技巧、服装面料不同的材质表现技法

・ 写实风格时装画表现与技巧、夸张风格时装画表现与技巧、装饰风格时装画表现与技巧、时尚风格时装画表现与技巧、趣味性时装画表现与技巧、民族风情时装画表现与技巧等个性风格表现技法、技巧

电脑时装设计表现 ・ 专业服装电脑设计的功能介绍、专业软件的操作运用、服装款式构成、款式设计

・ photoshop 、coreldraw、painter软件操作与运用、特效滤镜的运用、面料设计、款式图

服饰图案设计 ・ 服装设计图案的基本规律、图案造型设计、图案临摹

・ 二方连续设计、四方连续设计、构成；单独纹样、适合纹样在服装、服饰品中的运用

・ 成花工艺（绣花、珠片、扎蜡染、着旧等）

服饰手工艺制作 ・ 棒针织技法、钩织技法、编织、绳结、抽纱、立体花饰制作、服装二次创意设计

服饰风格搭配 ・ 服饰艺术风格的种类、个人形象风格的分类、个人形象风格的分析方法、个人形象风格与服饰艺术风格的搭配关系

服装创意设计学 ・ 服装设计概论、设计流程、设计原则、设计思维方法、服装设计方法

・ 人体与服装、人体比例、动态与服装、点线面体的运用、外廓形与内分割

・ 服装分类设计（各种典型款式设计）、装饰手法、设计与工艺

・ 装系列设计、图案、色彩、手工、后整理、服装信息、设计效果图、款式结构图、

・ 品牌服装设计的整体策划、服装营销

服装造型结构设计 ・ 服装号型基础、标准与应用

・ 各类裙、裤的结构变化设计、服装原型与应用、不同款式的结构变化

・ 品牌时装、晚装、艺术装、表演装的造型结构设计

服装裁剪 ・ 日本文化式原型裁剪、服装号型基础

・ 各类衬衣、裙、裤、大衣、风衣、时装等的裁剪及款式变化技巧

・ 讲述比例分配法、原型、基型、短寸等国内外裁剪方法的特性与区别

・ 了解面辅料的基础知识、工艺流程设计

服装缝制工艺 ・ 车缝基础、细部制作、工艺流程、衬衣、裙、裤的制作

・ 面辅料的基础知识、生产工艺流程

・ 时装、男女西装、大衣、风衣、旗袍等服装制作、缝制工艺从......>>

问题八：服装设计主要分哪几种风格？ 风格不是这么分的，也不是这么叫的，每个国情不同，民俗不同服装的特点都不同，所有有的时候说韩国风、欧美风、非洲风、日本风、中东风、法国风……。其实指的是民俗不同的特点而言。但是针对于某些时段，流行过一些有标志性特性的风格可以说，有哥特建筑、英伦校园、巴洛克、洛可可、日本解构、罗马风、自然风、现代简洁风……等等之类

比如说：哥特 是一种以黑色为主 结构很强 没有多余的装饰、就好哥特建筑一样、有造型、很低调的颜色……

日本解构 是一种拆开的结构重新组合 混搭在一起，层层叠叠 相呼应……

英伦校园 制服啦 格子啦 小衬衫啦……

洛可可 蕾丝啦 花边啦 马裤啦……

……等等，

如果你想了解的很详细，需要你大量的阅读书籍~三言两语是说不完的。以上仅供参考的是可以单独拿出来的关键词，它可以适合各种国情，身材，只是作为一种元素使用

问题九：服装店设计风格有哪些 看你自己喜欢呀 一个人一个风格

问题十：服装设计的主题有哪些？ 第一系列：男装 主题：简洁

本系列来源于 弘扬中华民族服饰文化，引导青年时尚潮流发展，倡导传统文化与现代时尚的融合，喁艺术来源于生活与生活情调相结合，体现年轻的时尚。。。。。。

第二系列：男装 主题：无彩印象

灰色轨迹蕴籍了深度，厚度，兼收并畜，游刃于色彩与比例之间。华贵2的织物交织在一起，前卫的解构主义与传统的结合，弥漫着数逆的先锋精神，演义着现代男性的时尚魅力。

第三系列：男装 主题：真我年代

就做我自己，生活没有什么不可以，不断挖掘自己，留下的是足迹，带走的四经历。

本系列加入了明克。媳皮元素，却演绎时尚，经典，舒适的生活主题，采用皮，柳丁，针织，以及卡其面料。释放身体。释放个性做真我自己。

第四系列：男装 主题：men时代

男权社会的文明与暴力，用精密而复杂的结构体现后工业时代的严谨与机械文明的进步，钢铁般的质地，凶器般类结肢动物的肆掳构成方式，象征科学被暴力绑架对立而又统一的表现了科学文明与人类 *** 的冲突与妥协，黑与白，善与恶，战争与和平是人类永恒的主题。

第五系列：男装 主题：袋行天下

本系列的灵感来源与袋，男装不局限与正袋那种形式，它可以通过袋子的不同变化，来展现80后男子的不同风格。

第六系列： 男装 主题：祥云风暴

让设计回归中国，体现中国的风味，又不失时尚之气在面料上绘制中国传统详云图案，对面料进行分割组合，辑明线等组合服装，彰显男性阳刚之气。

第七系列：男装 主题：forever y

简约而非简单。想象一下最基本的廓形和通过出其不意的结构处理内敛而低调的廓形更加显现出肩部造型的强壮，具有80年代感的长裤套装是最具趋势性的回归，当太阳从水平线上升起，夜晚与白昼交替，生生不息，弥漫在空气中，重新伪装而成的极简主义。

工艺说明；灰色调成为主流，始终游走在黑，白，灰的自由，沉重，出境状态中。寻觅精心搭配的程试化主题。不同面料的组合使连体的它看上去恰恰不那么‘连体’

第八系列：童装 主题：炫动star

本系列服装主要是口袋的设计和运用。袖子设计的表现为口袋的设计形式，裤管也运用口袋的形式设计，运用镶拼法，注重细节设计，功能设计，个性化表现，体现了舒适，大方，简单，运动的效果。

设计理念；本系列童装设计灵感来源于中国奥运会，充满活力，色彩运用于‘豆’田园色调，增添了童年的那份活跃。设计的简约性，演绎了一个缤纷的儿童世界。

第九系列：童装 主题：跳跃08

本系列灵感来源于2008年中国面临的挑战和考验。08年对中国来说，充满了严重的考验，作为21世纪的儿童，我们要更加坚强和独立，让自己的梦想随着时代的进步，随着不断的世界不断的飞跃，让自己的希望随着坚定的步伐，随着心灵的寄托不断的坚强。本系列是酒红色和白色组合，白色代表纯洁透明，而酒红色更突出了坚强与稳定。搭配银色佩饰，更符合小孩子天真活泼的性格，在衣服上采用分割，镶边层次等手法，款式上有圆领，方领和荷叶边等变化更加突出小孩子的可爱。

第十系列：童装 主题：瓜瓜和虫虫

灵感来源与大自然的奇妙世界，那可爱的小动物，小植物，小瓜瓜呀，小虫虫呀，是我要表达的主题。在面料上的用填充物[珍珠棉]表达到膨胀的效果！

第十一系列：童装 主题：未来之星

本系列主体；未来之星。本系列灵感来源于童装的梦想，经过年轻幼年的童装他们面带灿烂的笑脸心里充满了坚强和对未来的希望。当四川，512发生后，他们从来没有放弃心中的梦想，而是看见可希望，走到了坚强。这种坚强是来自于祖国的力量，我把这童年的梦想送给灾区的美国遇难的孩子们，告诉他们一定要坚强。

第十......>>

服装设计方法有哪些

服装设计属于工艺美术范畴，是实用性和艺术性相结合的一种艺术形式。服装设计方法有哪些呢?下面我来给大家分享，希望对大家有帮助!

　 　1加减法

在追求奢华的年代中，加法用的较多，在追求简洁的时尚中减法用的较多，无论是加法还是减法设计，恰当和适度是非常重要的。在利用基本素材的基础上，不过多变化形体，而是运用原有素材的形态进行大小不同的组合。注重素材在设计上的增减，讲求素材在设计上的形式美感，在整体的造型表现上能依然清晰地见到原有素材形态的存在。

　 　2拆解组合法

选择一种或几种不同素材，在此基础上拆解或打破原有的素材形态，在某个设计主题中组合变化为一个有机的整体，创造出新的设计形象，采用拆解组合方法要注意避免刻板机械的设计组合，组合并不是将所有的素材元素进行堆砌，而是利用素材的精华要素，根据设计主题的需要，巧妙地进行拆解组合造型，才能达到出奇制胜的设计效果。

3自然摹仿法

采用摹仿自然形态的手法进行设计在许多表演服装中常可看见。尤其在主题性极其明确的歌舞剧服饰表现中比较普遍。自然摹仿法要着重于突出设计的写实性，它能直接表现出某种素材在服装上的外在形象，拉近人与素材的距离，烘托出设计主题的气氛。自然摹仿的设计要集中体现素材的自然美感，去掉多余的纯制作意识，使作品自上而下流露出朴实自然的形象。

4转移法

它是将一种事物转化到另外的事物中使用，这可以使在本领域难以解决的问题，通过移位，产生新的实破，它主要表现在按照设计意图将不同风格品种，功能的服装相互渗透，相互置换，从而形成新的服装品种，如：将正装转移到休闲装，将时装转移到休闲装，转移过程中由于双方所分配的比例不同，会碰撞出很多种可能，主要属性就倾向于谁是根据市场消费欲求选择的。

5变异法

在改变原有素材形态的基础上，注重服装设计作品中象征的意义。变异并不是刻意强调变形，而是突出素材的内在涵义，因为它给我们的感受是富有更多的象征性。采用变异方法，可以借助一幅画、一块颜色、一些线条等，把设计师对物的感受用抽象和象征的手法表现出来。

　 　6夸张法

这是一种常见的设计方法，也是一种化平淡为奇异的设计方法，在服装设计中，夸张的手法常用于服装的整体，局部造型，夸张不但是把本来的状态和特性放大，也包括缩小，从而造成视觉上的强化与弱化。夸张需要一个尺度，这是根据设计目的决定的。在趋向极端的夸张设计过程中有无数个型态，选择截取最合适的状态应用在设计中，是设计服装训练的关键，夸张法除造型外，还可以对面料、装饰细节进行夸张，采用重叠、组合、变换、移动、分解等手法，从位置高低、长短、粗细、轻重、厚薄、软硬等多方面进行极限夸张，此法较适合于时装表演。自然的形态是最富有美感的。但是艺术设计离不开再创造，夸张的表现手法在设计是比较常见。夸张的手法就是利用素材特点，通过艺术的`夸张手法使原有的形态变化，使之符合设计主题的定位，同时也达到一种形式美的效果。

　 　7同形异想法

利用服装上可变的设计要素，使一种服装外形衍生出很多种设计、色彩、面料结构、配件、装饰、搭配等时装设计要素都可以进行异想变化。如可以在其内部进行不同的分割设计，当然需要充分把握好服装款式的结构特征。线条分割应合理、有序，使之与整体外形协调统一，或基本上不改变整体效果的前想下，对有关局部进行改进与处理。这种设计非常适合职业装、男装系列服装的设计，尤其在设计构思阶段，这种设计方法可以快速提示多处设计构想。

　 　8整体法

是从整体出发逐步推进到局部的设计方法，它是由整体到局部再由局部到整体,完成全设计过程。可以从宏观上把握设计效果，要注意局部造型与局部造型之间的关系，整体法可以根据风格要求，从造型角度考虑，然后确定服装的内部结构。也可根据设计主题要求先确定整体色调或面料，之后深入探讨细部的色彩配置，面料的组合。

　 　9局部法

这是一种以点带面的服装设计方法，从服装的某一个局部入手，再对服装整体和其它部位展开设计，日常生活中，要善于发现美的精致的细节，从而引发设计的灵感，将其经过一定的改进，用于设计新的服装，而其它部位都会依据细节型特点的感觉进行顺势设计。

10反面法

从相反的角度去拓展设计思维是一个极好的办法。反面法就是在相反或对立的位置上看待事物，寻求异化和突变结果的设计方法突破常规思维所带来的设计结果往往是意想不到的，反面法可以是题材风格上的，也可以是理念，型态上的反对,色彩搭配的无序，面料的随意拼拢，矛盾的造型设计都是设计观念的反对，男女老少的逆向，前面与后面的反对，上装与下装的反对，内衣与外衣的反对，都是设计形态的反对，要注意不可生搬硬套，要协调好各设计要素，否则就会使设计显得生硬牵强。

11组合法

将两种性质、形态、功能不同的服装组合起来，产生新的造型，形成新的服装样式，这种设计方法，可以集中两者的优点，避免两者的不是，组合法用于不同功能零部件的组合，使新样式服装具是有两种功能，组合，可以使新样式服装兼具两重性质，如果是女性化的设计，由于组合过程中比例不同，新造型的效果也不同，组合不仅表现在形态上，也表现在对质的汲取上。

　 　12变更法

是通过对已有服装的形、色、质及其它组合形式进行有选择的改变，形成新的设计方法。采用变更法进行设计，易产生别出心栽，富有创意的设计，在成衣设计中，有时往往只需要改变某一因素便可成为畅销的产品。

　 　13追寻法

是以某一原型为基础追踪寻找所有相关事物进行筛选整理，当一个新的造型设计出来后，是应该顺着原来的设计思路继续下去，把相关的造型尽可能多地开发出来，然后从中选择一个最佳方案，这种设计方法适合大量快速的设计。

14限定法

就是围绕某一目标在某些要素限定情况进行设计的方法，在服装设计中有价格限定、用途功能的限定等尺寸的限定等、还设计要素的限定、也有造型、色彩、面料结构、工艺上的限定。

1、掌握时装画基本技法。

学习服装设计是要求我们具有一定的绘画基础的。

关于手绘技法，手绘材料最常见的就是水彩、彩铅、马克笔，这三种你有一种擅长便可。

手绘的好处就是快速、画出来的设计稿更有感觉。

如果没有手绘基础你最好是去找机构培训，不建议自学。

2、积累时尚知识与提高审美能力

这个是要慢慢来的，什么中西服装史、时装品牌、秀场时尚趋势你都要在平时就刻意去了解、去记。

平时多逛街逛淘宝和Vouge之类的时尚网站，多见识一下好看的服装款式、面料、色彩搭配，以及注意你自己的穿搭。

这些都是你日后设计服装时用得到的。

3、缝纫和手工

作为一个合格的设计师，不但要懂得人体工程学和制版、还要有熟练的缝纫技术和灵活的手工。能够从无到有的将一件凭空想象的衣服，完完整整的做出来，才能算得上是一个合格的设计师。

人体工程学是必修课，只有熟悉人体构造才能设计出合理的衣服，服装制版同理，这两样技能你可以不用做到非常专业，但必须要懂。

缝纫技术和手工，这个尤为重要，设计师通常在设计一件衣服的过程中需要反复的修改确认，不断的改善最终才能设计出一件完美的服装。那么在这过程中是需要不断的对衣服进行修改的，所以，缝纫技术和手工是重中之重。

……

想要当一个合格的服装设计师，不是一件容易的事情，要学的内容有很多，如果是0基础的话，建议找个培训班跟着老师学习比较好，自学是没啥用的。