民艺设计是什么

一、平面设计的起源

我国最初的文字都是象形的，它们是事物的具体形象为基础，在某种程度上来说，是一种十分简便的绘画，最初的文字是由图画转化而来的。随着社会的不断发展与人类生产能力的快速提高，文字产生，印刷技术发展，最后迎来了计算机时代，计算机的使用与网络技术的发展都是在先前的探索基础上进行的。而平面设计就是这些用不同的平面因素所构成的总体拼凑起来的，它们具有一定的视觉传达规律，也可以称为视觉传达设计。所有的平面设计活动与作品的理念就在于信息的传达，目的为指导与劝说。综上所述，平面设计活动在贯穿于整个人类社会的发展，对人类文明的发展与社会的进步有着不可替代的作用。而平面设计的发展，也是从人类生产力的发展与社会进步当中得以延续的。可以说，我国原始阶段当中的绘画，是先人创造的信息符号，其中绘画的布局与整体的编排成为了平面设计当中的重要因素。埃及，作为文字的重要发源地，由于无数的平面设计作品。埃及的石壁上有大量的象形文字作品，在纸草文书当中还有许多配有图画的文字，这些无一不是进行平面设计研究的瑰宝。中国，是一个具有五千年文明历史的国家。在我国的远古陶器之上，有许多用来进行信息传递的图形。并且，中国的汉字，是唯一一种仍然在使用与公认的象形文字。中国的汉字在早期到现在，一直以文字的形式存在与出现，与埃及的文字发展有所不同。关于文字的记录与排列，我国有造纸术与印刷术等伟大的科技成果的产生，为世界的信息传播做出了卓越的贡献。特别是印刷术的出现，使欧洲的平面设计有了发展的基础，正是因为印刷术的传入，欧洲的许多平面成果才得以保存。从某种程度上来说，是中国，让平面设计不断完善与流传，中国对于世界平面设计事业的贡献是不可磨灭的，中国的科技成果对于世界平面史的发展有着极大的推动作用。西方的平面设计有其自己的特征，最大的特征之一就是西方的平面设计发展与文字有着密切的联系。古希腊是西方文明的起源地，古希望是字母体系的最早发源地。因此，希望人以自己的才智将字母文字发展成为拼音文字，不断地改进与完善。随着古罗马的发展，拼音文字得到了进一步的发展，罗马线饰体就是最好的表现。那个时期的手抄本为羊皮材质，里面还配有插图，书籍与字体的装饰都极为美观与华丽。在平面设计发展的最初阶段，世界范围内的文明开始向多元化的方向发展，每一个国家都有自己的特色，每一个民族的文化都具有自己的个性，多种文化互相影响，向更好的方向发展。

二、现代平面设计的国际主义风格

平面设计事业在欧洲的工业革命之后出现了一定的转机，欧洲的工业革命使得新一代的印刷技术出现，极大的推动了平面设计带来的发展。新印刷技术使得当时的印刷成本降低，使得印刷品不再奢侈，成为了大众可以接受的物资物资，这极大的扩大了平面设计产品的市场，使平面设计与印刷业共同繁荣。随着越来越多印刷品与出版物的出现，人们对于设计的需求量也在不断提升，报纸与杂志逐渐成为了人们生活当中的必须品，平面设计也因此进入了人们的日常生活当中。直到摄影技术的出现，印刷行业迎来了一次新的事业高峰，平面设计也因此得到了巨大的发展。在第二次世界大战之后，各国间的联系开始加强，市场也逐渐出现了国际化元素，市场的国际化，对平面设计行业提出了更高的要求，也带来了新的挑战。上个世界五年年代，在德国与瑞士形成了一种新的平面设计风格，并很快扩散到世界各地。这种设计风格的结构极为简单，并且有很高的信息传达与引导功能，得到平面设计行业的赞赏，更是得到了国际主义平面设计风格的美誉。在未来的几十年当中，这种风格一直被平面设计行业采用。平面设计的国际风格当中，最大的特点就是以最为简单的结构或者是版面呈现出最为丰富的内容。这样的国际风格是建立在方格网的设计基础之上，将不同的平面设计要素添加到方格网上，以非对称的方式对其进行编排。从文字到图片，标志与照片都要十分规整地添加到设计结构当中。所以，在国际风格的平面设计作品当中，多见纵横结构与无饰线体的文字，这样的平面作品所呈现的特点就是效果标准化与规范化。这样的国际化平面设计风格在信息的传达上有着绝对的优势，也正是因为如此，这种风格在最短的时间内得到了最为广泛的传播，并且流传时间很久。国际平面设计风格的设计者指出，这种设计风格不仅是出于其强大的信息传达功能，更包含了许多新时代的特色。因为第二次世界大战之后，美国与欧洲的一些国家的经济很快发展到了国际化的阶段，其经济的竞争不断激化。为了使自己国家的产品可以在国际市场当中得到头筹，更多的企业不仅开发功能完备的新产品，还将大量的精力投入于企业的包装与设计之上，广告也成为了进行产品宣传的重要手段之一。通过平面设计的支持，企业可以树立良好的社会形象，得到广大消费者的依赖，越多的消费者选择它，就意味着越高的经济效益。经济的发展与市场竞争的加剧，为平面设计的发展提供了很大的市场基础。随着世界范围内国际化的高速发展，在很长的一段时间之内，国际主义设计风格成为了一段时间内固定的设计方式，甚至各个国家关于平面设计的教学方式与内容也在趋同化。但是，平面设计不仅是为了满足国际化的需求，还要承载许多的民族文化。国际化元素的过度侵入，必将会导致民族元素的消失。因此，在世界范围内国际化趋势越来越明显的同时，建议每一个平面设计人员要注重民族元素，避免平面设计产品的趋同化。

三、现代平面设计的民族化趋势

上个世界八十年代开始，平面设计行业受到了新技术的挑战，也因此发生了很大的变化。计算机的融入，使平面设计的效率提高，避免了手工操作的诸多繁琐之处。计算机技术与互联网技术的发展给平面设计行业的发展提供了新的可能性，国际化的设计风格的垄断发展趋势被打压，另外，更促进了不同民族间文化的交流，使平面设计的多元化逐渐呈现出来。通过广泛的交流而出现的平面设计作品，少了国际化设计风格的干扰，更好地实现了信息的传达与视觉传达的目的，民族化的因素也没有减少，反而更多地出现在平面设计作品当中，特别是在体育方面，民族化的设计风格尤为增多。比如说我国2008年举办的北京奥运会，其开幕式与闭幕式当中整合了许多中华民族的文化，引发了世界性的轰动，那一年的奥运会不仅是一场精彩的体育赛事，更是一场精彩的文化盛宴。我国作为一个发展迅速的发展中国家，日益与国际接轨，使本国的平面设计水平达到国际水平也是平面设计行业奋斗的目标。但是，在追求国际化的目标之时，不忘本民族的文化特点，对民族文化进行宣传，是我国平面设计者的一项重要文化传播任务。我国是一个有着千年文化底蕴的国家，近些年来，更是出现了一批又一批平面设计人才。希望我国的平面设计者加强与国际平面设计大师的交流，探讨平面设计的民族化与国际化整合的方式，共同探索出一条有利于平面设计发展的道路。另外，要对我国的民族文化进行深入的研究，使各民族的文化融入到平面设计作品当中，使每一件平面设计作品都可以成为未来进行文化研究的宝贵资料。

四、结语

综上所述，民族文化是一个民族的宝贵财富，在平面设计工作当中实现国际化与民族化的融合，是实现文化交流的重要手段。本文以世界平面发展史为依据，对平面设计的民族化与国际化发展情况进行了分析，并对未来的是平面设计行业的发展做出了新的展望。希望我国的平面设计人员专注与平面设计事业，将中华民族的文化传播到世界各地，让世界人民更全面地了解中国。

世界上每个民族，由于不同的自然条件和社会条件的制约必须形成自己独特的语言、习惯、道德、思维、价值和审美观念，因而形成民族特有的文化。设计的民族性主要表现在设计文化的观念层面上，它能直接反映整个民族的心理共性，不同的民族、不同的环境造成不同的文化观念，直接或间接地影响到他们的设计风格特征。设计既是民族的，又是时代的。在一个民族历史发展的不同阶段，该民族的设计会表现出明显的时代特征，这是因为设计首先是一个历史发展的过程，是该民族各个时期的设计文化的叠合及承接，是以该时代的现实的物质社会为基础，是传统设计文化的积淀和不断扬弃的对立统一，历史性与现实性的对立统一。设计作为一项创造活动，联系于一个特定的时空和人群，于是不可避免带有这两个特性：民族性与时代性。将设计置于一个内向的纬度来看待其民族性与时代性，则意味着设计活动必须面对的身份认同问题及其与设计主题的关系。将设计置于一个外向的纬度来看待其民族性与时代性，则意味着设计活动必须面对它的商业、社会、文化价值。所以我们不妨就从这两个角度粗浅地来谈一谈设计的民族性和时代性。内向纬度的民族性与时代性民族性这个概念本来就是大而空的，甚至离开了一定的参照物就如同不存在了一样。试想如果没有一个外国来作为参照，哪里有中国这个概念，如果没有西方文明作为参照，东方文明也就弥散了。民族性就是建立在一个互相对照、区分、交流的基础上的一个国家、民族和人群所拥有的一些特性。同样，时代性即是以时间为参照来独立出一个历史阶段的一些特性。从一个内向的角度来说，民族性和时代性对于设计来说，是与生俱来、水到渠成的一个过程。因为作为一个设计师，必然生活于一个特定的文化环境和历史环境之中，民族性和时代性就是他无法回避的命运。然而，这并不意味着，设计的终极使命是要表现一定的民族性和时代性，恰恰相反，一旦将民族性和时代性作为对象分离出设计师这个主体，就离开了与生俱来的“天然”状态。举个例子来说，我是一个生活在二十一世纪的中国人，这一点从我的相貌，我使用的语言，我的生活习惯，我的价值观念，等等细节中无一不渗透出来，然而这并不意味着我需要在我的脑门上另写上“中国”，或是“后现代”来标榜我的民族性和时代性。在设计活动中，将民族性和时代性作为一个孤立的对象来表现的，往往就是这样一个可笑的下场，那些零零碎碎的符号，就是写在脑门上的大字，唯恐他人看不见，故而用足了力气来描画一番。除了设计师主动将民族性和时代性孤立开来作为主题来表现外，更多的时候，设计师本身被动地生活于一个民族和时代环境之中。民族和时代的群体特性不仅是以一种自然而然的方式影响设计师这样一个个体，有时强大的民族和时代潮流甚至是一种强权，让设计师作为一个个体无法反抗。从这个角度来说，设计作为设计师的个人性的创造还包含有反民族性和反时代性的特征。总的来说，设计作为内向的创造活动，确实包含着无限的可能性，在各种可能性的探索之中，需要一些反思，需要返本溯源。外向纬度的民族性与时代性设计终究不是纯粹内向的精神创造活动，设计更多的立足点是与外部的互动过程，即设计需要考虑其商业、社会和文化的价值。这其中尤其以商业价值为要紧。民族性和时代性的符号常常为市场提供卖点，设计师不过是最大程度上实现这些卖点，实现设计的商业价值。比如现在流行复古风，那设计中就多用些古典元素，若流行国际主义，那么不妨摆出一个国际公民的派头。设计师常常抱怨“身不由己”，即便自己认为恶俗的设计，只是因为有客户喜欢，也就由不得自己的喜好品味了。从设计的商业价值来说，一度流行的“中式”设计，未必出于设计师本身的身份认同问题，而是简单地出于市场的需求。中国的中产阶层正在日益壮大，有大量的消费者需要这样的身份认同，恢复一种作为中国人的民族自豪，无可厚非。又有一度流行北欧风格，尤其受到小资品味的消费者追捧，于是“IKEA”，“北欧风情”这些家具品牌引领了白领阶层的消费和审美取向。作为设计师，不能舍这些潮流动向于不顾，总是在这些商业消费的潮流中不断调整自己的方向。可见，一个国家的设计水平的提高，不仅仅依赖于设计师这个群体的努力，更有赖于这个国家整体审美素养的提高。我们可以看到，设计师本身就是在内外两个方向的张力中获得一定的平衡，民族性和时代性之于设计师，既是他自己天然的特性，也可能成为他刻意表现的对象，或是他追赶市场潮流的标竿。无论如何，设计师既要维护他自身创造的尊严，又要维护设计的商业价值，这其中有坚持，有妥协，总之不是一件轻松的事情。当然我们乐于看到的将来，不是设计师卑微地屈从于强大的市场潮流，也不是设计师为了获得民族认同感而蒙蔽了对美的追求，而是设计师和整个社会之间的良性互动，真正地充满尊严地从事美化生活的工作。

浅谈?

这方面还是详细点比较好吧!

室内设计是建筑创作的一部分,因此,也必然反映到室内设计的方方面面。这些年来设计界广泛谈论的传统与现代结合的话题也成了人们研究的中心课题,因此,创造具有中国特色的现代室内设计既能体现传统文化和民族特色,又能体现设计的多元化和个性化,避免了设计形式上的趋同。一、民族化是时代的要求评价一个室内设计的优劣,除去物质层面的使用功能外,就精神层面的审美因素而言,在于其艺术风格与样式的个性化,千人一面从来就是艺术创造的大忌。在现代社会活动中,信息交流与人际交往频繁,人们愈来愈多地接受着外来生活方式的影响。商业气息的蔓延,使人们往往注重对求,而忽视了环境对于文化方面的意义,这一现象应引起人们的反思。设计的民族化是一种文化的积淀。世界各民族受地理、社会环境的影响,在其漫长的生活演变中逐渐形成了本身的审美情趣,创造出生动多变的造型样式,这种由历史文化形成的风格,具有相当强的个性生命力,外界力量很难将其同化。欧洲各国的室内设计较好地体现了民族化的特色。

对了,本人也是学室内设计的,菜鸟一个``

一 艺术设计原理要坚持自然法则

尖端科技发展突飞猛进的20世纪,人类征服自然的宏愿似乎即将实现,却在蓦然回首时惊觉,如此发达的现代科技和艺术文化早已经在自然界中存在了。人类不得不承认自己的渺小,并且还要回过头效法自然。从自然中学习、模仿从而获得启示,用于科技、设计、文化,从而更进一步师法自然的基本概念。人类本属于自然,自然的准绳就如这个世界的律法,做艺术设计如果能从自然中取法,体会天地之间所蕴含的自然之美,必然可以增加成功的机会。其实人类在很早的时候就在自然中发现规则,例如黄金比例、七等身已经广泛地运用于艺术设计之中。于此同时,神奇的配色、岩石的肌理、叶脉的纹路、蜂巢的六角几何形、贝壳的涡线等等,相似的例子不一而足。这让人类不由得感叹自然造物的神奇和美妙。

就拿“黄金比例”来说,人们往往特别偏好这个比例,那么为什么人会本能地感觉到这一比例是美的呢?其实这个很简单,因为它与人的正常发育结构比例有密切的关系。据相关数据统计,人体结构中有很多比例接近0.618,人体本身就存在着“黄金比”之美。在人体躯干和身高的比例上,肚脐就是所谓的“黄金比例”。生活中黄金比已经应用广泛,例如在明信片、邮票、名片、照片等设计上,都利用了黄金比例。在自然界的深层结构蕴含着适当的比例,融会贯通于艺术设计之中,就自然会得到美感。在中国艺术范畴内,恐怕不得不提对称秩序,这可能是对中国人来说最为亲切的设计法则。以中国式的厅堂为例,一眼即望出有门、椅、茶几、宫灯等等多种对称的关系,这种例子数不胜数。中国文字结构之所以上密下疏,也是受先辈们对人体结构上密下疏的耳濡目染而渐渐得来的对美的感知。中国自古以来就讲究“天人合一”、“物我无二”、“万物一太极,物物一太极”的说法。讲求人和自然的和谐统一,艺术设计原理要遵循自然的法则毋容置疑。

但是,要懂得师法自然,并不是简单地临摹自然物象,我们强调的是原理的解构和运用。想做好艺术设计,一方面要体会自然结构中的精义,一方面要严密把握艺术设计本身的条理。模仿大自然固然是一个窍门,设计出为人们所用的作品也是很重要的。不违背自然规律,便不会有来自自然的抗拒之力,艺术便也自得其法。

二 艺术设计的根源仍是民族精神

西方学者拉图勒说过:“假如艺术为民族灵魂之体现,假如一国文化之纲领,可以一切求之于审美形式,则中国文化乃最为多方面的。譬如中国人之帝国思想的豪壮气魄,可见于京城宫墙及大殿的空间设计中其保持疆土、斥除夷狄的奋斗毅力,可见之于长城建筑设计中其儒家哲学所鼓吹之节度,可见于其整齐之宫室房屋的设计观念中其与天人合一的愿望,可见之于宋人山水中其对于来生的见解,可见之于佛教之绘画雕刻中而华夏民族之精细的女性的灵敏性,又可见之于花草动物画与其他雕刻工艺设计之中。”拉图勒上述简单的评论,可以说将我国艺术、设计的优点详尽备述了。华夏五千年民族文化迥异西方文化,中国曾被欧洲乃至世界推崇为神妙富庶的东方乐土,他们向往中国并推崇中国的事物,然而近百年来中国珍贵的民族遗产和文化,却常常被子孙们鄙夷甚至遗弃。而今要落实艺术设计的民族化,就不能不从中国的民族化精神出发,对民族的根源进行深刻而细致的了解。

曾设计陕西法门寺合十舍利塔、台湾中台禅寺、101大楼及四川峨眉金顶等具有民族特色的李祖原曾在阐释他的理念时说,他的功劳完全归功于中国传统哲学的精神。李祖原跟中国的其他设计师一样,在西方艺术教育体制之下,曾在设计创作中遭遇过迷茫和不安。在植根于民族精神的同时,寻找到了一条属于中国设计人的康庄大道。李祖原从传统文化中汲取养分并且懂得分解、消化、吸收,由此树立了强烈的自我风格,也创造了一个新的中国人的人文世界。

中国传统文化讲求包裹宇宙、包罗万象、百家争鸣、百花齐放,所谓博大精深可以说是长期兼收并蓄积累而成的结果。一边是对外来文化与艺术的吸收和融合的过程,一边是国内各族文化与艺术的一体化过程。例如:敦煌莫高窟“卷草纹(又称唐纹)”,实际上就是在汉魏时期,由西域传入的忍冬草的基础上创作出来的。而唐代典型的“宝相花”,则是以我国原有的莲花为母体,融合了牡丹花和由波斯传人的海石榴花纹样的特点,而逐渐形成的传统民族纹样。而今我们生活在这个越来越自我的空间里,如果我们不在艺术设计中切入自我的民族符码,融会贯通并注重新意,那么我们就无法在这个东西方文化冲撞的艺术之林中寻找到中国艺术设计的出路。

三 艺术设计过程中要讲究科学方法

当西方快餐文化以其连贯作业、卫生科学、讲求效率的优越性进入中国,一直引以为傲的中国美食不得不退避三舍,说到底,就是中国的美食文化虽然底蕴深厚,但却忽视了科学方法的重要作用。“不科学”是让我们今天成为弱势文化的重要原因之一。同样,如果中国艺术设计在当代化的进程中不以科学方法为手段,也是前途堪忧。李约瑟曾多次探讨中国近代科学发展的问题,他归纳出经济的、地理的和社会的三影大响因素,不过他说过的几大因素在中国已经成为过去。实际上,在今日中国,妨碍科学成长的一个重要的因素,就是中国缺乏一个理性独立的传统。理性精神是科学方法中不可或缺的精神,正是因为艺术设计是一个有计划的过程,所以其行为必须建立在理性精神的基石之上,才能得到长远的发展。

那么何谓理性?理性是指认识理解能力,它不是把事情看作为单独孤立的,是从总体上、相互关系上,把各个事物看作为一个整体,从这种系统的、广泛的、有秩序的原理来理解一个个事情。理性是感性的最终阶段,所有的感性都最终上升为理性。从事艺术设计创作的实践者,常常在不知不自觉中陷入一种非理性的思维,并且并不认为这原本属于一种不科学的思维方式。中国艺术设计创作者往往流于经验之说和教条主义,很少有人深入钻研一个艺术设计过程中应该讲求的科学方法。中国艺术设计的这种现状令人十分担忧。现代主义大师格罗佩斯曾说过:“任何理性的形态,均只能在于使生命丰富的时候才能产生真正的价值。”这就要求艺术设计工作者在进行创作之前要仔细考量,一件艺术设计作品它的市场效应、消费心理、效用、价值、经济性、人因工程、色彩需要、美学价值以及艺术价值等等因素。特别要考虑的是人性化的需要,这就是我们所说的后现代设计中所强调的重点。一切设计行为的原始动机要为人类所用。

在过去的2008年北京奥运会的会徽设计上,中国的艺术设计师还是不负众望的。在“国印・舞动的北京”会徽设计中,就将具有5000年历史的书法和印章等艺术形式,与体育运动特征结合起来,巧妙地幻化成一个向前奔跑、迎接胜利的运动人形。这一设计不但凝结了中华民族优秀传统文化的神韵,标示了举办地的名称,同时也体现了奥林匹克精神,表达了13亿中国人对奥林匹克运动的美好愿望和对世界人民真诚的迎客态度。这就是一个科学方法理性精神在艺术设计中成功应用的例子。

总而言之,科学方法和艺术设计是密不可分的。科学方法指导着艺术设计的表现形式,而艺术设计的创造思维又推动和刺激了科学方法的不断更新。所以,应该以科学方法为过程是艺术设计工作者不可忽视的问题,要明白把科学方法运用到日常设计之中,并作用于我们的生活。

四 艺术设计的目标要坚持创新发展

艺术设计要以创新为目标,海根曾对创新下过这样的定义:“创新是把现实之所有加以组织,所造成之关系包含新的精神的审美观念。”创新是一种将腐朽化为神奇的奇妙力量,人类的创造不可能无中生有,不过是将已经陈腐的事物唤醒,并加以组合和运用。因为人类的思想就如一座冰山潜伏在水中,能够用于思考活动的细胞不到10%,潜力是巨大的,需要人的开掘和努力。一个艺术设计者如果想要在设计工作中做到源源不断的创新,就要坚持本身的阅历深广,培养良好的创意思维。创意思维是众多思维方式中的一种,但创意思维不同于其他思维方式。创意思维是一种类似于特异或打破常规的思维方式,其目的是传达标新立异的创造欲望。创意思维是人类智力活动中最有创新精神,最具奇特性和最富创造力的部分。“一个伟大创意是美丽而且高度智慧与疯狂的结合,一个伟大的创意能改变我们的语言,使默默无名的品牌一夜之间闻名全球”。现代创意学大师奥格威这样评价创意的重要性。在艺术设计中,创意思维无疑占有举足轻重的地位,新颖独特的创意设计是一件艺术设计作品成功的关键,也是艺术设计作品的核心和灵魂。

那么要如何打破常规的思考模式呢?艺术设计工作者尝试使用“水平思考”的思考方式是十分重要的。水平思考就是打破思考的框架,站在另一个角度创造出崭新的方法和观点,而所谓的水平思考即指面的广阔,这有别于垂直思考。在选好水平思考的点时,再进行垂直的深度思考,简而言之,水平思考是跳跃式的思考,而垂直思考是渐进式的思考。通过水平思考和垂直思考的反复过程,创意便也蕴含其中,自得答案。

但是,在创新的过程中,我们一定要认清“创新”与“传统”的关系,提倡创新不是抛弃传统,保持传统也不是避讳创新,二者的关系相辅相成密不可分。一件具有创意性的艺术设计作品一定是被历史所接受的。被历史所接受的艺术设计作品,才能成为被传承下去的传统文化。由此一来,创新才具有它真正的意义。我们需要知道的是,创新和传统在历史的过程中,从来是要不断相互整合消长,互为彰显的过程。正如米开朗基罗的出现使得希腊雕塑艺术获得了新的生命力,罗丹的作品又在米开朗基罗的基础上,赋予了雕塑更大的艺术张力,使其更接近去印象主义。鲁本斯的巴洛克艺术是由于其后的德拉克洛瓦的重新诠释使之达到更高的成就,都是一样的道理。

综上所述,可说是今天我们追寻中国艺术设计民族化和当代化应该遵循的基本原则,以及不可或缺的精神和态度。我们要时刻谨记,民族风格是民族气质和精神的表现,它的形成往往取决于由来已久的历史沉淀和观念的凝聚。但是民族风格一定要顺应历史的进程,时代的精神,并敢于融入更新和调整的因子。如此一来才能协调好中国艺术设计创作中的民族化和当代化的关系。