鸿飞设计师认为“信仰对于设计来说有很大的帮助”

设计的目的说白了就是为了达到某种感觉。没有信仰的人跟着感觉走。有信仰的人要有自知之明，不是不能怎么样？是自己修炼的功夫达到什么境界，如果已经达到无我的境界，那么室内设计方面就不用顾忌方方面面了。假如个人修行不咋样，还是老老实实从基础做起，例如：佛教徒在摆放佛像的时候要考虑位置，尽可能不要放在卧室，如果家里很小，只能放在卧室里，也要每天晚上睡觉前用东西遮挡一下以示尊重。有的人喜欢如厕时看书，很人性地在厕所的墙壁上做个小书柜，那么有关佛教的书籍是绝对不能摆放到那里，还有就是佛像的形体要全，大忌家里摆放佛头。我知道的就这么多，仅供参考。

哥特式教堂曾代表了一个时代的

最高建筑成就

宗教建筑是“实用、坚固、美观”

理性思想指导下

对形而上神学思想的阐释

它是天堂与人间、短暂与永恒的交融之所

当面对新型材料和新型工艺

教堂也展现出了

不同于其他宗教建筑的包容性

本期特别为大家整理了

20个国内外优秀新型教堂

去品味新时代的语境下教堂的圣洁与光辉

01.

无影教堂

设计：上海大椽建筑设计事务所纬图设计机构

地点: 四川 成都

“建筑是对阳光下的各种体量的精炼的、正确的和卓越的处理。这些体量所表现的形象是明确的、可触摸的、而且是不含糊的。正因如此，它们才称得起是美丽的形象，最美丽的形象。”——勒·柯布西耶

教堂的形象取自于传统西方教堂的样式，当阳光照射下来，被一束束光线贯穿而过，又幻化成了一道道光束，这一道道白色的“光束”又组成了一座可以被光穿透的教堂。光永远是教堂不可缺少的元素，这种最自然最纯净的材质成为了这座教堂的灵魂所在。

02.

秦皇岛阿那亚礼堂

设计：直向建筑

地点: 河北 秦皇岛

阿那亚礼堂位于秦皇岛，离海非常近，在涨潮的时候，底层空间甚至会被海水浸没。设计师想象这个教堂是：非常久远的曾经漂泊在海上的一艘船，岁月变迁，海水退去，留下来一处空间的构筑，依然凌空悬浮在沙滩之上。

上层属于宗教空间，人的视野里没有沙滩和嬉戏的众生，只有对面一望无际的海面。朝海大窗被压低到2 .7米的高度，更多是被一种幽暗氛围的氛围所笼罩。这里虽然没有传统教堂的祭坛与偶像化的雕塑，却可以通过人与海的联系去沐浴上帝的荣光。

03.

南非小教堂

设计：Steyn Studio

地点: 南非

教堂位于南非一处葡萄园中，白色屋顶勾勒出轻柔的曲线，契合山谷的轮廓浮动着，描绘了圣经诗篇中的画面。一片平静的池塘映射出建筑飘逸的外形，仿若轻浮于基地之上。

内部设计为简单的长方形集会空间，抛光的水磨石地板映射出内部的明亮。屋顶透过光在地板映出舞动的曲线。材料的运用，质朴的设计和远山近树的辉映描绘出令人印象深刻的视觉体验。

04.

种子教堂

设计：构诗建筑

地点: 广东 惠州

种子教堂整体上运用了一种粗犷自然、不加修饰的材料语言。所有墙体以竹模板现浇混凝土进行建造。竹模板在墙体表面留下的痕迹弱化了墙体的庞大尺度，为刚硬的混凝土加入丝丝秀气，亦和四周的自然景观相呼应。再加上朴实的玻璃门窗，和农民自做的桌椅，种子教堂以最平易近人、最贴近乡村生活的方式呈现。

05.

湖北蕲春天主 教堂

设计：上海以靠建筑

地点: 湖北 蕲春

教堂建筑表面全涂白漆，与周围绿色的环境形成呼应，带来宁静和圣洁之感。虽然周围没有窗户，屋顶却设有七个天窗，在圣经中「七」有着特殊的意义，如神创造天地用了七天，耶稣教诲门徒原谅别人七十个七次等。

06.

苌庄教堂

设计：房子和诗建筑设计工作室

地点: 山东 济南

苌庄教堂位于一片树林及田野中央，距离村庄建筑群有一定距离，保持了一种天然的独立性。摒弃了传统教堂的白色主题，用古典、对称、富有韵律的结构设计和深色的立面，使这个乡村教堂可以呈现出一种单纯、沉稳、静谧、神圣的空间氛围。让建筑空间回归至朴素、基本、自然的状态。

主堂室内的材料以清水混凝土柱与红砖墙来主导呈现，砖墙的凹凸处理并非只是对于墙面肌理的追求，更主要是希望让砖块的孔隙更多的暴露出来，能起到一定程度的吸音效果。

主堂的照明设计也是该教堂建筑设计的重点。设计师采取了较为克制而不失理性的做法。主堂内尽量不设可见灯具，仅在教堂两侧砖墙上侧设置了灯带。夜晚时分，两侧的灯光会照亮整个屋顶，进而照亮整个主堂空间。在白天，室内的采光可以完全通过天窗采光得到满足。

07.

约翰-保罗二世教堂

设计：KRobert Gutowski Architects

地点: 匈牙利

保罗二世教堂是对近代礼拜仪式变化的有意识的回应，项目的核心理念旨在鼓励当地居民积极参与到宗教活动中。这种理念同时是设计的灵感源泉。

教堂内部，钢筋混凝土穹顶的表面被聚光灯和漫射灯照亮，增强了教堂的神圣感。自然光线透过穹顶上的天窗，洒落在圣坛的中心，营造出恰如其分的亲切氛围，引发人们对生命的反思。

08.

京都威斯汀酒店教堂

设计：KATORI archi+design associates

地点: 日本 京都

设计团队尽可能地利用了既有的建筑框架，并在此基础上融入了传统寺庙建筑的元素。新置入的木质天花格栅结合了间接照明，营造出阳光从枝叶间透过般的光影和渐变效果。

重新设计的窗户移除了竖框，提高了通透性，从而增强了教堂与后方树林的联系。明亮的光线照在天然的石墙上，使外部环境与室内空间进一步融合。

09.

乡恋-信仰—滩涂边上的教堂

设计：CWXD建筑事务所

地点: 福建 福州

“海乃百川，有容乃大”，这是向海而生建筑应有的气度。宗教建筑去符号化，以平和的姿态融入村民的生活。在这里不论教派，只谈信仰的真善美。建筑企图通过构建场所精神来表达自我根源的肯定。

不从众、不随流，让根源性价值观这颗种子在村民心中扎根，它不是不具备生命力，而是在各种炫目刺激下显得“无力”。建筑所构建的场所精神能够唤起村民、访客的共鸣与思考。

10.

湘南基督教堂

设计：Takeshi Hosaka Architects

地点: 日本  湘南

为了让教堂更好地融入周围低层住宅的建筑环境，建筑师将其设计为了一个单层的建筑体量。六个不同高度的曲面屋顶创造出了一个祷告和礼拜的空间，这六个屋顶有深层次的象征意义：在圣经中，万能的主用了六天来创造万物，并在第七天通过弥撒来庆祝这个世界的诞生。

建筑师通过电脑软件以30分钟为间隔，准确地模拟了一天当中的太阳光，并以这个模拟的太阳光为依据对屋顶的位置和形态进行了调整，从而确保了教堂室内空间永远处于一种柔和的光环境之中。

当礼拜活动接近尾声的时候，直射的阳光便开始在室内的墙壁上投射出光带。正午的时候，室内只会有一束直射的阳光，而随着时间的推移和太阳位置的变化，到了下午三点左右，一系列光带便会充满整个教堂空间，营造出一个极具动感的光环境。

11.

阿朵小镇-月空礼堂

设计：庄子玉

地点: 山东 青岛

深秋的清晨，山野间笼罩着一层淡淡的白雾，万类霜天。侧耳倾听，风声低沉掠过，在舒缓的白噪音中，一座纯白色的礼堂于山谷中矗立，纯粹而唯美，仿佛凝固了时空，成为一个通往永恒的精神地标。

月空·婚礼堂外部形象是纯粹的白色，白色有一种“出尘之意”，它不仅仅是一种颜色，更是光与影、空与实达到融合的最佳媒介。整个婚礼堂以抽象切片的形式加以叠加还原，当人们从不同角度观察时会呈现不同的视觉画面。婚礼堂内部，用圆弧状的穹顶，凝造“回归”的意境，流线感的运用，包裹成一个轻柔的腔体结构，仿佛婴儿蜷缩在母亲的怀抱。

12.

神圣雷迪斯图塔教堂

设计：Atelier Štěpán

地点: 捷克

设计师用了30年的时间断断续续调整着对这座教堂的设计与构思。整个建筑由教堂、高塔、和宗教中心三部分构成。教堂基于一个圆形的平面而建，下面环绕着一圈彩色玻璃窗，独特的构造象征着天堂与永恒。

教堂的内部空间构成了一个内在的宇宙，作为一个与上帝沟通的器官。这是一个简单、镇定和冷静的空间，身在其中的人将收获到安全、平衡且不受外界打扰的体验。只留一个三角形的窗户作为空间的撕裂，作为对撕裂的耶路撒冷圣殿帷幕的引用。

13.

维奇教堂

设计：JKMM Architects

地点: 芬兰 赫尔基辛

教堂展现在森林中成形的空间观，希望用建筑学唤醒人们对芬兰森林的印象：一种神性和普遍的自然。建筑师构想的密集木梁柱结构理念，最终给整个项目定了基调。外墙木瓦细节也是回应了整体概念设计，体现了设计理念对全木质氛围的追求，虔诚而向上。

这座教堂将现代与古老的建造技艺、精工与粗琢的表面、区位与目标、时间性与永恒性结合在一起。每当进入室内，天花板升起成轩敞的高顶大厅，建筑的戏剧性就毕现无遗。大厅底部的列窗向室外景观开放，光线从木构之间弥漫进整个室内。

14.

泰山九女峰-故乡的月礼堂

设计：袈蓝建筑

地点: 山东 泰安

礼堂被赋予了“月亮”的意义，一轮“永不落幕的月亮”由此而来。“云月是同，溪山各异。”能勾起怀乡之情的触媒，可以与地点无关；关于“月亮”的建筑诗，可以与符号无关。

建筑师希望摒弃关于传统的具象表达，运用抽象的几何形体和简单的材料，创造简单、纯粹的空间，穿透表层的视觉矫饰，直击观者的灵魂。

15.

网格教堂

设计：Edoardo Tresoldi

地点: 意大利

项目由金属网线组成，重新阐释了早期巴西利卡式基督教堂，该形式比位于一边的罗马式教堂早600年。装置在视觉和体量上对原本建筑进行了大幅度消解，呈现出一种富有空气感的半透明状态，承载着场所的记忆，将人们与历史连接在一起。

16.

意大利圣保罗教堂

设计：福克萨斯建筑事务所

地点: 意大利

“巨大的方形体量悬浮在另一个方形体量之内。人们从混凝土的缝隙间仰望着蓝天，视线也随着移动，在室内外间穿行。” －Massimiliano Fuksas

从外侧看，教堂体量似乎平凡无奇。但在其

英伟达显卡。

英伟达每代只少量出自己贴牌的显卡，属于信仰充值系列，性能差不多但贵得多，买的人是看中英伟达的外观设计和信仰收藏价值，市面上绝大多数仍然是下游板卡厂商生产出品，毕竟大多数用户买来用的，看重实际价格和性能，而非信仰。

英伟达是GPU设计公司，设计的GPU交给台积电和三星代工生产GPU芯片，然后下游的显卡厂商从英伟达买GPU芯片，再组装生产出显卡成品。

中国是一个农业大国，民间文化是中国文化的基础和血脉。那些分布地域广阔、涉及人口众多、表现形式丰富多样的民间艺术，正是中国文化具有鲜明的民族性和审美特征的表现。

民间艺术不是浮在传统文化主流层面的部分，它在传统文化中深埋，它孕育了文化的主流又在其演进的过程中不断地给以滋补；反之，民间艺术自身也在漫长的历史岁月中不断地吸收其他各种文化资源。民间文化之所以能历经千年流传下来，表明其具有很重要的社会功能和文化功能。在社会大变革、大转型、文化多元化的今天，我们将视线投向它，这对于重新认识中国传统文化是很有必要的。

在当今工业社会的大背景下，随着经济变革的发展，民间艺术这种根植于传统农耕经济基础下的手工形态，注定不可能成为物质文化的主流。无论我们再怎样的保护、挽救，它依旧一天天不可避免地走向衰落和失传。因为我们无法改变民艺日渐稀少的使用和需求这一事实。但是，民间艺术不但面临着保护与传承的问题，还面临着如何开发利用、延续与演进的问题。如何将民间艺术与现代设计结合起来，把传统民间文化精神和时代精神结合起来，寻找具有现代意义的切入点，是非常值得我们认真思考并付诸实践的一个迫切问题。

二、民间艺术在现代生活中的地位 当下的中国正处于历史上重要的转型期，在经济全球化、国家现代化的大背景下，民间艺术正在面临前所未有的冲击，其生存环境发生了急剧深刻的变化。乡村城镇化和农民进城务工所带来的农村人口大移动，农民从生产方式、生活方式到生活习惯、审美趣味的变化，电视，电讯、电脑等媒体和旅游事业的飞速发展，使民间艺术原有的封闭性受到了严重的冲击，其赖以发生、传承、传播、延续的生态环境发生了巨变，老一辈的传承人相继亡故，新的传承人难以为继，从而使民间艺术面临着传统中断或局部中断的危机。这一切表明，民间艺术自发传承时代的结束。 当今民间艺术面临的危机，一方面有现代化冲击的因素，一方面也有其生活功能减弱的原因。民间文化在社会发展中有些内容不可避免地为现代文明所淘汰，但还有许多内容仍然具有很强的生活功能，有的则具有精神文化的功能，要区分对待，采取不同保护措施。 民间艺术不但面临着保护与传承的问题，还面临着如何开发利用、延续与演进的问题。将民艺与现代设计结合起来，重新寻找民艺在现代生活中的定位，是社会发展的需要。民间艺术在现代生活中的概念，仍然应该是劳动者基于自身生活的直接需要和审美表现能力而创作，并能在民众之中广泛应用和流传的作品。 对于民间艺术来说，最好的保护应该是充分强化和利用它在当代社会和人们日常生活中的生活功能和使用功能，而不仅限于收集、研究和展示。民间艺术要保持其生活、使用功能，就应该参与到现代人的生活中去，参与到设计领域，参与到创作领域，参与到教育领域。也就是说，有些民间艺术不能将其文物化，而更应该生活化。民间艺术的源泉和生命活力本来就来自于人民生活，同时在使用中对社会政治、经济的方方面面和人本身发生潜移默化的影响。因此，越是生活功能强的民间艺术，越具有生命力。 例如，潘鲁生开发的“传统年画雕版再造工艺”，克服了传统的木版年画手工制版工艺复杂、成本高、使用寿命短、保存难的问题，把传统木版年画工艺与现代材料相结合，运用激光技术、橡胶及硫化工艺使年画雕版制作批量化，与民间年画雕版既有异曲同工的原始纯朴风韵，还加入了各种装饰技艺视觉效果，显现出现代人的审美格调。运用该工艺制作的年画雕版不仅有传统年画雕版的外形和功能，本身还是独具中国民间特色的艺术饰品。这一工艺通过专家鉴定，已经被列入2008年北京奥运会纪念品项目名录。 中国民间艺术中包含着充满智慧的处世哲学、强调善恶分辨的道德诉求和圆融自然的信仰体系，值得我们重新审视其价值，并在现代社会生活中适当发挥其功能。例如，民间信仰的内在动力就在于“趋福避祸”，它与现代生活中民众对各种“福祉”追求相吻合。同时也在一定程度上成为人们追求美好生活的内在动力。中国民众所追求的“福如东海”、“寿比南山”、“光宗耀祖”等等，哪一项与现代生活有抵触呢?

三、现代设计对民间艺术的借鉴 我们对于民间艺术的珍视，并不是一味的沉溺于审美的情感体验，我们所期望的中国现代设计是在理性秩序下借助西学之风，熔铸民间文化传统，培育中国现代设计的文化生命力，而不是盲目裁切古代图形的优秀片段，将其凭空移植到外来文化中去。因此，通过发掘、提炼民艺中的精华，使之成为中国现代设计的新活力源泉之一，是民间艺术对中国现代设计最好的启示。 1.民间艺术中蕴涵的中国本源文化精神的传承 中华民族的本源哲学，在先秦诸子百家哲学体系之前就早已形成。阴阳相合生万物，万物永生不息的观念，是中国本源哲学体系的核心，是认识宇宙间一切事物的总观念。中国民间艺术体系是以生命、生殖崇拜为中心的，是由中国原始阴阳哲学为观念所决定的。

“观念题材”、“观念主题”、“观念造型”、“观念色彩”相统一的体系，构成一个完整的民间艺术体系。民间艺术中蕴涵的中国本源文化精神，是民间艺术哲学观念的本体，其表象符号和内涵超越了时代，至今仍有生命活力。这种天人合一的哲学思维方法，是把自然形态的男女、天地、日月转化为观念形态的阴阳辨证关系，而不是把人和自然对立起来。 比较以阴阳哲学为基础的中国民间艺术和以古希腊哲学自然观和美学模仿论为基础的西方传统艺术，可以清晰地说明中国民间艺术的哲学基础。以鱼为例：西方的传统，作为自然形态的鱼，要研究它的生理结构特征，它的固有色和条件色、质感、量感，艺术的标准在于模仿自然的艺术技巧。中国民间艺术的鱼，多是“阴阳色”、“八卦鱼”、“鸡头鱼”、“虎头鱼尾”、“龙头鱼尾”、“鱼戏莲”等，表现了双鱼相交而生万物的宇宙观和子孙繁衍万世的生殖崇拜。它并非反映自然生活现象，而是阴阳万物交感、生存繁衍观念的隐语符号。 设计以人为本的原则，要求设计为人的生存需要、更深层的心理和自我实现的需要服务。未来设计的导向将会是更多的观念意义和自我表达的设计天地，这与民艺的观念性和手艺性相类似。这两个特征使得现代设计与民间艺术更为紧密地联系在一起。例如，抓髻娃娃是陕北民间剪纸中一种传统主题的吉祥娃娃纹样，是劳动人民富有创意、寄托意愿的精神载体，具有很强的观念性。它一方面象征生命繁衍，祈盼生育招子；另一方面寓意招魂纳祥，保子平安。吕胜中的“小红人”系列作品，就是对其的借鉴与创新。它不是什么具体的剪纸娃娃，它是一种概括的形，代表着作者的某种观念，象征着人类自我寻源、灵魂复兴的精神。其中，最具原创意义的是，吕盛中利用剪纸本身正负影像的对立共生，以及由此而来的“图——地”观念的变革，去发现和转换民间艺术中的剪纸符号和精神。他的独特，不是在现代艺术中吸取传统的技法，而是将民间艺术的思想、民间文化的实质内容在现代艺术领域里展现出来。

现代工业文明为人类带来了巨大的物质财富，同时也带来了诸如个性的丧失、人性的淡漠、精神的焦虑等一系列社会问题，把人类推到了环境污染、资源枯竭的危险境地。现代设计以市场为价值取向，牺牲了人对自然与生俱来的联系，使人成为陷于城市孤岛的可怜虫。人们不免会产生怀念传统工艺中自然和谐的韵味。现代设计的发展历程，就是在找寻一个历史与文化与可持续发展相统一的切入点。鉴于民艺的传承性，尤其是取材、自然、单纯亲切的性格，使得正在复兴的“师法自然”和“天人合一”的哲理得以寄托。而恰好当代设计也希望能在后现代社会中摆脱高科技的负面效应。由此分析，拥有良好传统文化背景的中国设计必然应该向民艺取经，调整节奏，摆脱盲从，发掘本民族的优秀文化．使中国的设计成为国家发展的创造力之源。

2．民间艺术造型对现代设计的启示 民间艺术有着自己独特的造型体系。这种造型体系不是取法自然的真实形象去表达作者的某种观念，而是用观念去看待和描述某种事物，借以使作者的观念暗寓其中。民间艺人在创作时往往不受特定时间、空间观念的束缚，他们或者把不同时间的事情放在同一个画面，例如陕西君宜王秀清的农民画《马吃草》，牧童的“三张脸”表示放牧的表情随着时间的变化，是以静写动；或者把屋里屋外不同空间的东西放在同一个画面，彼此平面铺开，互不遮挡，完整的表现作者观念中的事物而不是客观现象。例如陕北安塞民间艺人白凤莲的民间剪纸《喂蚕》，就是这种全方位空间的展示，是“面面俱到”的观念造型法的表现。 民间艺术还表现出神奇的想象力和联想力。如民间流传普遍的《老鼠闹云子》剪纸，十民间传说中“鼠咬天开”的联想表现，几只小老鼠在卷云中寻寻觅觅，企图咬开混沌，创造大地万物。该剪纸造型对称、规律，又简洁生动，富有故事内容，给人以联想的空间。 此外，民间艺术造型还是民间艺人“托物言志、借物抒情”的典型例证。例如陕西千阳布老虎造型没有同意的规格式样，心灵手巧的妇女们因手头材料的不同，用自己的审美观念创造出了形态迥异的布老虎。她们不按真老虎“照葫芦画瓢”，而是抓住老虎的外形和想象特征：有神的大眼、刚劲的长须、象征“百兽之王”的“王”字等等，可以说，她们懂得艺术的真实不同于生活的真实。这些造型的共同特点是以夸张、变形为基础，加以恰当的大胆想象，用不同的方式对老虎的外形进行处理，从一针针、一线线的缝制中，将满腔的爱意缝入其中，体现着老一辈对新一代的期望与祝福。 现代设计中吉祥物的设计制作，是将创意精神通过设计转变为物化的产品，再通过销售转变为和老百姓生活息息相关的商品。吉祥物的设计可以借鉴民艺中强烈的吉祥观念和吉祥造型，其三维造型讲究浑圆饱满，简洁流畅又带有野趣。设计吉祥物时对民艺中的某些原型不可追求得太具体，而应该有一个“超乎象外，得以环中”的抽象过程，以保持其最本质的精神气质。用齐白石老人的话来说就是“妙在似与不似之间”。我们应该清楚地认识到这种借鉴不是对民间的模仿和复制，而是以新技术、新的方式对民艺的设计创新，创造出具有当下国际风格、时尚风格的吉祥物来。 3.对民间艺术色彩的吸取与借鉴

对于现代设计的理解，还要从现代主义设计运动说起。现代主义设计运动是指一批建筑师、设计师和理论家开始探求20世纪的新的审美观的运动。对大多数持这一审美观的实践者来说，它不单是风格，而是一种信仰。现代主义的主要特点是理性主义，以及从19世纪突然崛起的客观精神。除此之外现代主义另外一个关键的含义是：‘形式服从功能’。这一口号反映了此项运动理性的、有秩序的现代设计方式。进行现代运动的设计师想通过大规模的生产最终得出反对装饰风格的纯几何形式。最鲜明的代表就是包豪斯设计学校。他们致力于从事最新观念和最先进的设计，他们强调一种单一的现代运动的设计方法，即利用现代材料和工业生产技术，以原色红、蓝、黄和圆形以及方形为基础形成纯几何形式。在后来的发展中，现代设计也被称为国际风格。这是因为这一新方向产生的巨大影响而予以的美称。在现代设计运动中有一部分人是服从现代设计的规则的。而在同时期还有部分人并不愿意完全的服从这一当前比较流行的规则。服从规则的突出的代表有荷兰的风格派，俄罗斯构成派，斯堪的那维亚的阿尔多和阿斯普朗德的设计，还有 美国的流线型设计。尽管这些设计和制作展示出了复杂和多变性，但是他们其中始终有着共同的联系。例如，荷兰艺术和设计运动中的风格派，提倡严格的审美观，在创作中使用原色，平面和立体的造型都严格按照几何的式样。此次运动中法国和意大利也有杰出的代表。意大利未来派把自己和左翼法西斯意识形态联系在一起，要利用工业文化建立一个全新的现代国家。法国勒.柯布西埃的建筑设计艺术也是把纯粹的现代主义精神具体化的杰出代表。其他国家的设计没有完全服从这一规则。例如瑞典和美国，创造了一种为一般民众所接受的流行的现代风格。斯堪的那维亚和英国更是不大喜欢走极端的方式，在材料的选择上，他们一般更喜欢使用天然的材料而不大喜欢过于几何形的。由于20年代后期的经济大萧条，美国出现的一小批工业设计先锋，把机械时代的设计应用到诸如火车、冰箱、真空吸尘器和汽车这样一批的产品上。虽然装饰的概念是现代设计运动极力反对的，但是在这段时期里装饰仍然起着重要的作用。

流行设计经常使用建筑上的几何形式语言，创造了一种取得高度成功的风格。（如纽约克莱斯勒大厦）因为1925年巴黎的一个名字为‘装饰艺术展’的展览，这一风格被命名为装饰艺术。虽然评论家对次褒贬不一，但这并不影响装饰艺术在30年代的风行。但，即使是这样，现代主义者还是把它开除在外，并给它起了另外一个名称：Moderne 。Moderne指的是介乎艺术装饰风与现代主义之间的一种风格。在这个时期中，现代设计的思想已经成为了设计师的一种思维模式。这种思维体现在一切的生产和生活中。但随着时间的流逝，当一个事物或一种思想不适合于当时的时代背景或是经济环境的时候。那么它就要被时代所遗弃了。所以，到了战后，被视为理所当然的现代主义和它的价值受到严峻的挑战。现代主义使用的方法太有限了，以至无法设计，它对机械的崇拜压制了人类思想的发明创造力。同时它忽略了给予物体个人的感情和复杂的意义，认为只有一种设计方法是对的和适当的，这种观念无疑是错误的。由于战后经济的停滞和人们需求的变化，在战争的压力下英国出现了实用主义。实用主义设计意味着给每个人相同的选择，按严格控制的定量计划消费。而欧洲其他地方则受到了纳粹和意大利法西斯提倡的古典风格的影响。纳粹分子把现代运动和同犹太人和公产主义象征联系起来，所以 现代运动在此时是不可接受的。与此同时为了恢复经济，各国都制定了相应的计划。在这些恢复经济的计划中，关键的战略是设计，是它在增加出口、促进贸易和生产中的作用。50年代的设计受到战争的影响，人们还处于物质短缺和定量配给的状态，但此时的设计观念却发生了全新的变化。人们把变化后的设计称为‘当代风格’，它不仅是一种新设计风格，更代表着未来的图景。战争给人们留下了重建未来的共同目标和事业，所以这种‘当代风格’并不是一种时髦的设计风格，而是实实在在为人服务的设计。同时这种设计也因为其形式借鉴于美术的发展而被称为‘有机设计’。这样的设计形式呈现出了新的面貌，变得灵活多变，由曲线装饰，而且具有表现意味。50年代设计的另外一个重要的变化是重新出现明亮的色彩和粗犷的构图，这是对战争带来的物质短缺，定量供给以及束缚限制的自然反映。另外，科学的作用以及战后新的审美和新技术的应用也有不可忽略的重要作用。设计师们被科技进步带来的崭新的未来景象所打动，这种对技术新个态度促使了新材料和新技术的采用，也使设计从科学中吸取了营养得到了动力。此时，在20世纪初期支配国际设计局面的国家，如法国、德国，到了如今逐渐被意大利、美国和斯堪的那维亚国家代替了。斯堪的那维亚和意大利的设计有飞速的发展，取得了很大的成就，但相比之下美国的成就更为突出。在50年代末期的美国一种异样的文化力量开始滋生，波普文化将推翻50年代设计的价值。

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