什么是抽象类插画

客厅北面墙挂什么风景画好？一般来说，客厅的正北方代表着事业运，讲究的是稳重成熟，喜用色是蓝色或黑灰色。如：

李国胜国画新品创作八尺横幅山水画《旭日东升》

黄山松 李国胜新品力作八尺横幅山水画《松山祥云》

从五行属性角度讲：客厅的北方代表事业运，五行属水，适合挂 流 水 生 财 的以水为主的字画。而金生水，也可悬挂以金色为主的山水画。如：

青绿山水画 李国胜新品创作国画《源远流长》

李国胜国画山水画万里长城《中华之魂》

1，平面设计和抽象绘画都是诞生于20世纪的艺术形式，从产生背景来看，二者有着明显差异：

平面设计专业最早由包豪斯艺术学院创立，旨在用工业化生产手段结合视觉艺术原理，制造平民化的大批量的带有现代艺术气息的工业产品，其服务对象是商业及大众；

抽象绘画是现代艺术的一个绘画流派，最早的代表人物是康定斯基，虽然康定斯基对艺术构成的理念在平面设计领域得到真正的发扬光大，但画家本人的目的是为了研究视觉艺术的内在规律，通过绘画创作来记录自己的思考和认识，并不是为大众或商业服务的。抽象绘画是记录视觉艺术家思想过程的一部历史，并非所有不管何时何地什么人画的简单几何形状都可以称之为抽象绘画，有很多只是平面构成色彩构成的作业而已。

2，从艺术生产的角度来看，二者也有明显区别：

平面设计作为一种实用美术，遵循着艺术普及化大众化的理念，是通过机械化大生产实现大量复制，其产品追求的是价廉物美，比起古代工艺美术，更注重简约、实用。

抽象绘画并不是大众艺术，画家也不追求大批量和低成本，作品也无实用性，波洛克是最典型的浪费型画家，他的一幅作品所用掉的颜料够古代一个画家用一辈子的。而且抽象派画家的作品是忌讳重复拷贝的，马列维奇的《黑色方块》一经创作完成，就没有再次绘画的价值了。

3，从社会功能来看，二者也有明显区别：

平面设计、视觉传达的商业功能和审美功能都比较强，但前者更重要，要是卖不出去就白设计了，它满足的既是人们的精神需求，更是物质需求。

抽象绘画更接近于哲学和游戏，它满足的是人们的高层次精神需求。

在我国，和西方社会在文化和社会意识形态、教育水平上都有差异，所以大多数人对抽象绘画和设计，都存在一定误区。往往单纯看到抽象绘画的艺术生产方面，而看不到它的内在精神价值，会觉得它容易，它不讲理，它不值钱，认为既然有人肯出高价买，画起来又不累，不需要基本功，所以就可以大批量流水线地去生产，和印钞票一样省事。这是一种很畸形的现象，而且抄袭雷同现象比比皆是，早已经失去抽象绘画的真正价值了。

在产品设计领域，或许有人认为已经到了成熟阶段，已没有太多空间进行创新。 但事实上，由于品牌需要新鲜的东西持续吸引用户的注意力，新的设计或者对旧设计的改造依旧层出不穷。那些真正实用和有价值的想法最终会沉淀下来，成为一种设计趋势。 最近，我们越来越多地看到很多品牌和设计师在尝试一种有机设计和几何设计的组合。比起注重对概念的精确描述，开始更注重整体的形象和感觉。这便是一种“抽象设计”的回归。 像圆形、长方形和多边形这种几何图形在产品设计领域已经出现已久，一直效果不错：通过创造出结构层次，它们让内容的组织更清晰；在插画中，它们代表着一种“极简”作风，留给用户想象的空间。 现在，这种简洁的几何风格继续进化：有更自然和自由的形状。 波浪线、多样的曲线、有力的拱形、跟更偏功能性的几何风格相比，创造出更加独特、更具吸引力的组合。这样的设计更具象征意义，而没有太多描述性，因此留下足够的空间让用户发掘和演绎。当然，这可能同时是优势和缺点，设计师要具体情况具体分析。 这种抽象化、有机化的几何风格倾向会深刻影响2018年设计方向。比起以往，能理解图形背后的意义和其对感官的冲击力愈加重要。  几何图形 几何图形具有平衡感和高辨识度，通常暗示着结构、顺序和效率。 正方形和长方形是最常见的，它们能制造出一种平等和一致的感觉，代表着稳定和可靠的品质。 圆形和椭圆是最友好的，有着统一、完整、以及无限的感觉，代表着爱护、和谐和感激。   三角形是最具矛盾感的，有时代表着一种不稳定，给人一种紧张、矛盾、侵犯性的感受；有时也代表着一种稳定，象征着法律、科学和宗教。 漩涡形状是最有创新性的，代表着成长和进化，传递着变化、生活和神秘的意念。顺时针的漩涡暗示着专注和目的，逆时针的漩涡则暗示着圆满。   十字形状是最富精神层面意义的，代表着平衡、治愈、智慧、希望和信心。重心偏垂直方向的十字暗示着强壮，而偏水平方向的十字代表着平和。  有机图形 有机图形是指那些不规范、随意、并不怎么对称的形状，经常是对大自然的模拟。因此有机图形的内涵常来自它们模仿的自然物体。 尖刺图形是最具有反叛意义的，代表着自然流露、玩世不恭、难以预测、常能吸引人的注意力。  云朵形状是最让人愉悦的，代表着友好、温暖、舒适、和善良。 波浪型是最“凉爽”的，代表着放松、平稳，有时候因难以预测而增添扣人心弦的感觉。  抽象图形 抽象图形就是常见元素或形状的简化版，大多是基于几何图形和有机图形。 抽象图形通常是随意的，因为它们的外在形式可以有多种。根据它们的形状和细节可以传递不同的想法和情绪。抽象图形可以非常有趣，非常独特，可以代表前沿，代表玩趣，代表神秘，或者放松，迷惑等等，可塑性超强。  现在我们了解了抽象风格的一些基本元素，现在来看看在这基础上的后期修饰。通过在颜色、渐变色、重复图案、纹理、字体和图片层面的设计，我们可以额外为设计增添深度、个性和趣味。 

颜色 颜色能够表达和影响情绪和想法，跟我们对世界的认知息息相关。 白色-安全：纯真 纯洁 干净黑色-神秘：正式 神秘 睿智红色-活力： 危险 有力 激情橘色-温暖：创意 热情 鼓励黄色-乐观：活力 忠诚 开心绿色-和谐：新鲜 自然 安全蓝色-信任：自信 智慧 明智紫色-神圣：奢华 明智 雄心粉色-魅力：甜蜜 温柔 玩趣 颜色是复杂的，不同的色度和色调，不同的颜色搭配，都会产生不同的感官体验。而且对于不同的人来说，还会传递不同的情绪和意义。年龄、种族、文化、性别、甚至心情都会影响感知。因此我们不能单纯依赖颜色来传递信息或行为，而要首先考虑设计目标和用户。  渐变色  渐变色是两种颜色或一种颜色不同色调的渐进式混合。大自然中到处都能看到渐变色，因为渐变色看上去有熟悉感和愉悦感。使用渐变色能为设计元素带来深度和维度，从而增添摩登、新鲜和独特感。 我们可以用浅色调的组合吸引用户注意力，或者使用深色调组合为设计增添深度。使用色轮里相近的颜色，能创造出平滑、明亮的渐变；使用色轮里距离较远的颜色，就会产生一个更加“中性”的中间色，视觉效果一般，此时可以尝试增加第三种更亮的颜色。 通过调整透明度、旋转度等，我们可以让渐变色更富创意一些。大自然完全可以是我们获取渐变色灵感的来源。  重复图案

 重复图案是指一个或多个视觉元素的重复，能给设计带来统一感、质感，丰富细节，加强视觉冲击力。不过重复图案同时也会增加视觉上的负担，因此简约和细腻是关键。 重复图案能够给我们的抽象组合增添节奏和移动感，在视觉上有五种节奏：随意、规律、交替、流动、渐进。每一种都能提供无限的组合和可能。我们既可以在简单的图形里，也可以在背景中使用重复图案。 

纹理  纹理是指表面的品质特点，对于抽象设计来说，是很好的增加视觉丰富性、深度和趣味的方式。纹理既能展现表面的视觉形象，也能传递情感。质感可以是粗砺的、平滑的、柔软的、丝滑的、闪亮的、毛绒感的、液态的等等。可以体现自然感或者人为感，厚重感或轻薄感，固体或流动感。  字体排版  字体排版是选择和安排字体的艺术和技巧。要选择字体时，我们首先要确定设计的目标和受众。我们想传达什么信息？ 想要传递什么情绪？我们想要吸引谁？挑战谁？说服谁？告知谁？ 字体排版是为我们设计奠定情绪、风格的关键。每一种字体都有它自己的性格。字体可以是友好的、花哨的、严肃的、侵略性的、玩趣的等等。字体的个性会影响我们对文字内容的感受，也会影响我们接受信息的效果。 有时我们需要走出舒适区，加以探索，使用不同的字体来创造视觉上的对比效果，比如使用不同风格的字体、字体大小、字重和颜色。当然要适量而行，太多的字体变化在视觉上也会造成迷惑。  照片 使用照片，我们同样可以为设计增添深度、附加情绪、突出风格。因此选择合适的照片至关重要，照片要跟设计的整体主题和风格相协调。 根据主题、技巧和风格的不同，照片可以分为很多类别，比如风景照、人像、静物、黑白照、时尚、美女、自然、天空、概念照等等。我们还可以再后期编辑，比如把颜色调淡，或者调亮、调深，或者改变颜色、剪裁、模糊、变形等等，后期的可能性无穷无尽。 如何使用图片也是发挥创造的一方面，可以将图片设为背景，或者加蒙版；可以整体应用，也可以只用一部分，甚至可以将其作为纹理。我们还能在图片上写字、变色、打碎、加边框等。  视觉层次&对比&平衡  所以，我们应该如何组合不同的视觉元素呢？ 层次、 对比和平衡，这三点能助我们设计出吸引人而且容易阅读的作品。以下是一些设计原则： 尺寸：增加某个元素的尺寸是最直接的增加其视觉重要性的方法。使用不同尺寸的元素，自然会引导用户理解元素的层次。 颜色：我们会本能地被颜色吸引。明亮的颜色抓人眼球，但是如果颜色过多，就很难突出一种来。有目的地节制地使用吸引人的颜色才是关键。我们可以调整不同的色温、色度、色调、饱和度等；也可以策略性地使用明亮色或哑光色，创造出高对比度和低对比度的设计。 留白：空白处可以起到引导用户视线的作用，切割不同的视觉元素，创作一种视觉层次。留白处可以让眼睛得以休憩，并舒适地定位到焦点位置。移动： 我们的眼球会自然被动的物体吸引，增加移动效果可以让某些元素轻易地突出。 对称和非对称：视觉上的对称设计可以带来和谐和秩序感，如果用非对称元素干扰平衡性，则会增添一份趣味性和强烈度。 *其他还有一些可以考虑的设计方法，比如运用具备自然平衡美感的黄金分割定律，运用格式塔原理设计组合和布局，或者利用“视觉三角形”突出强调，以及“三分法”制造一个具有强烈感的构图。  善用抽象设计 一些抽象设计佳作  现在，你大概已经理解了能实现抽象设计的各种基本元素，以及一些策略方法。 不过也要记得，一千个人眼中有一千个哈姆雷特，不同的用户可能对这种“任意”的设计有“任意”的解读。因此使用抽象设计风格要谨慎，如果你的信息传达不够准确，或者信息本身非常依赖视觉元素，就要避免使用这种风格。

抽象画的设计说明，通过抽象画表现出人物的面部表情与角色特征。

1、自己的想法和创意写出来。

2、采用了什么技法和手法比如涂色，点，构线。

3、表达的内容和目是什么画的主题和内容。

素描设计指的是用素描的形式来表达个人的设计构想，设计素描不仅仅指的是绘画，更要求把素描形态的基本要素用设计语言表达出来。在画设计素描之前，需要具备基础的素描知识和水平。设计素描注重构图、透视、光感以及角度的基础知识的把握。多做一些对于事物从不同的角度的进行观察物体的透视、结构、光感来进行绘画，而且要尝试不同的构图来尝试，锻炼自己的基本功。

设计素描的绘画大多是培养绘画者对于绘画对象的结构、透视以及对其设计感的表现。现如今大多画室或培训机构，都选择这种方式来培育学生的设计思维，打破素描的僵硬和局限，不同的角度或拟人化等来表现事物。设计素描的画法主要有对物体的造型、透视、结构和光感等基础进行练习绘画。针对性的进行从简到繁的设计练习，累积设计素材和对于不同情况下的绘画设计；除了以上两种，还需要将所学习的知识的掌握住，进行默写的练习。

现如今大多艺术类院校对于设计素描的考试题目不会给你图片只会给一段文字，如江南大学设计素描考题螺丝刀和螺丝。这种情况比比皆是，所以需要掌握不同的大小场景、各种视角、各种光源的投放等物体所产生的的效果进行默写的训练，默是对于技艺的一种掌握，而不是盲目的去背画。传统素描旨在练习观察力，造型能力等，侧重于虚实、规律、空间、造型，设计素描更偏向主观。设计素描有主题思想，是根据人的意识需要去画的素描，侧重于创意、创造、变形。

扩展资料：

注意事项

这是不少初学者和考生共同的毛病，由于他们缺乏长期性的作业训练，在考试中不能在整体观念的指导下全面推进，往往是急于求成，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，造成局部相互之间关系无法很好地衔接。让整体的美感不能更好的体现出来，局部的构造已经很突出了，而其他地方做的不足，这样的一幅画，怎么能得到好评呢？一幅画的整体是由若干个局部组成的，没有局部的一幅画是不真实的；然而，一幅画只有局部，没有整体，就算再精彩、再深入也是毫无意义的。

素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“意境”和如何观察事物的“想法”。离开了这两点，素描练习也就失去了它的本质意义。既然整体是关系到一幅素描画的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得十分重要。如何解决这种关系，就要靠比较的方法，比较色调的深浅，比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较，画出来的作品，才是客观对象真实存在的一面。

世上所有的人，没有绝对相同的面孔，即使是双胞胎也不例外，他（她）们也都有别人不易察觉的差异。素描训练的根本任务是，捕捉对象的特征和独具个性的差异，但是在素描写生的过程中，常常看到有的学生不管画谁，不管对象的长相如何，气质怎样，都画得像一个人，模特儿似乎成了摆设，成了他们胡编乱造的参照物。这里有初学时期老师指导上的失误，还有考生自己认识上的误区。

有的考生错误地认为：模特儿像不像没有关系，只要画面效果好就行，反正评分的老师也不知模特儿什么样。像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的标准之一，但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。如果一个学生长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。具体到素描写生中的表现就是千人一面。这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。

无疑，这样的试卷是无法得到高分的。而这些毛病一旦形成就很难纠正。所以学生们要特别注意老师讲到的每一个细节。在最后画面调整时，最容易出现画面灰、效果对比不强烈和画面锁碎的问题。为什么会出现这些问题呢？这是因为画面的黑、白、灰层次缺乏完整统一的对比和变化规律,，画面的层次就不清晰，画面的效果就不响亮，至于哪一种成分多点，哪一种成分少点，都要给你的感受而定。自身的关系是非常重大的，但不管怎样的比例关系，三大基本色调都不应缺少其中的一个。

造成画面灰的原因很多。比如模特儿的面部大部分都处在亮部里，于是，画面上基本都是亮和灰的色调；如果处理不当，很容易造成画面灰。这时，就体现深灰的作用，尽量拉开深灰和浅灰的距离，使之保持画面的层次感。还有一种情况：模特儿的皮肤比较深，黑和深灰色调占其面部的大部分面积，而浅灰和亮面所占的面积很少。处理不好也容易造成画面灰暗、沉闷，影响作业成绩。对此，考生应主动减少中间色调的深度，提高画面（脸部）的亮度，保持画面的层次感。

写生的过程当中，在整体尊重客观对象的前提下，允许对局部的色调进行调整、或减弱、或加强的艺术处理。素描写生的对象，或明或暗，或强或弱，或虚或实，都有着它的规律和秩序。写生时如果打乱了这种客观秩序，就会出现零乱琐碎，因而影响画面的整体感。还有一种情况，每个局部都画得很好很完整，但局部和局部之间没有联系，互不统属，互不相让，像一盘散沙。一个物体在一个固定光源的照射下，必然会出现强弱、远近和虚实的物象。

因而就产生了物象主次关系———秩序感。把握不好，这样的一幅作品也不能说是一幅好的作品的！在素描的练习过程中，素描必须着重光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。所以，素描需培养自己的观察力。另外，素描也可以解释为“存在”与“绘画”之间一切的努力，亦即所谓“绘画之描写力”。

例如，描绘桌上的静物，除了可以发现静物上不同的色彩外，亦可发现放在桌上的安全感，和背景间的协调性，这些存在的形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态……等等复杂的因素，互相交织，构成一个美的秩序。绘画就是要将那些自然的秩序，导换成美的、入画的秩序，这也是素描的意义和目的。素描是绘画的基础,是最能体现人的绘画水平的画种。因此，在学习中要踏踏实实，持之以衡，不可浮躁。

参考资料来源：百度百科-素描

抽象艺术在二十世纪初期，以抽离与表象世界之关连为诉求，藉非具象 的表现形式，揭示事物的本质。这样的诉求，虽提供艺术界新的美感经验，但也加深了观者与创作者之间的距离。然而这种贴近创作者内在情境且深具自我表徵的独特创作方式，未必会被后续仍以抽象语汇创作的艺术家们放弃。但随著知识建构的强势趋力，八零年代后现代主义时期的抽象艺术家们，也开始警觉抽象艺术已成为具象的另一个代名词的事实。换句话说，当观者毫不犹豫地针对一张不具形象的作品，以分类的方式，将此作品快速的归属在抽象艺术的范畴，并以过往对抽象艺术的识加以诠释时，他们已视抽象艺术为具象的形式语言。鉴於此，当代抽象艺术创作者试图扩大抽象艺术的定义，关切知识建构体系中具象与非具象的分界点，也关切信念本身的意义。

所谓的抽象，有两种：抽象的抽象和具体的抽象。从此概念的划分来讲，康定斯基是一位彻底的抽象派画家和创始者，纯粹的抽象派画家。从他的理论上的研究，如颜色心理学、对于点、线、面的分析，足以证明他的作品绝不是简单的形式上的表现而是在深刻理论指导下、有目的、有价值的创作，因此作品本身是具有丰富内涵和艺术理论支撑的。

当一幅完全抽象的作品展现在你的眼前的时候，你或许会被某些色彩本身所吸引，或许是某些抽象的形态让你产生了联想，或许是你从预见过的材料的运用，在你第一次看见它的时候，你的反应也许是惊讶，也许是茫然。当你睁大了双眼，想努力从画中看出些什么，可结果并不另人满意，你仍然是一无所获。对于涉足于艺术专业的我都曾有过类似的体验，在圈外人士看来更是难以理解和接受的，更何况是普通的大众呢？于是，我开始怀疑艺术的初衷到底是什么？难道不是为大众服务吗？（这也曾是包豪斯的领军人物纳吉的最主要的观点）；但是，从另一个角度来理解抽象艺术，抽象艺术家们也不能为了“讨好”大众而改变自身作品的表现形式而降低了作品本身的价值，否则抽象艺术也将无法生存下去了甚至变得毫无意义了。如果大众能够完全理解抽象作品并接受抽象的表现形式，“那么艺术家也就能够放弃各种自然的形式和色彩，直接使用纯粹的艺术语言了。”

在欣赏抽象艺术作品时，努力尝试探寻画中所要传达的画家本人的思想，以及他所要展现给观赏者的意图究竟是什么，或者说这些作品究竟要对我们说明什么。诸如此类的想法多次在我的脑海中闪现，挥之不去。有时对某抽象作品困惑之极，便凭主观臆断，自圆其说地给予画本身一个勉强的解释。

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本人认为:艺术的本质是生活通过大脑活动被反映出来.因此一切都是艺术,一切都是抽象.