装饰画的含义是什么 啊

一、表现手法不同

1、写实绘画在艺术形态上属于具象艺术。

2、装饰画分为具象题材、意象题材、花卉题材、人物肖像题材抽象题材和综合题材等。

二、起源不同

1、写实绘画源自西方，具有悠久的历史和深厚的传统。写实绘画在欧洲“文艺复兴”时期得以壮大，历经500年的辉煌，产生了许多艺术大师、巨匠和艺术史上的不朽名作。

2、装饰画的起源可以追溯到新石器时代彩陶器身上的装饰性纹样，如动物纹、人纹、几何纹，都是经过夸张变形、高度提炼的图形，确切的讲是起源于战国时期的帛画艺术。

写实绘画：

装饰画：

扩展资料

装饰画以制作方法进行划分可以分为三大类，分别是占主流的印刷品装饰画；实物装裱装饰画；和手绘作品装饰画。其中手绘装饰画，艺术价值很高，因而价格也昂贵，具有收藏价值，而那些缺乏艺术价值的手绘画现在已很少有人问津。

实物性装饰画是新兴的装饰画画种，它以一些实物作为装裱内容，其中一些以中国传统刀币、玉器或瓷器装裱起来的装饰画受到一些人的欢迎。

印刷品装饰画则是装饰画市场的主打产品，是由出版商从画家的作品中选出优秀的作品，限量出版的画作，但目前盗版装饰画就像盗版盘一样冲击着正版装饰画市场。

原作版画是在博物馆、艺术家本人或艺术家子女的授权监制下，用超高精度的立体扫描设备复制原作，再微喷输出在与原作相同的材质上、并限量制作而成。

参考资料来源：百度百科-装饰画

百度百科-写实油画

最古老的绘画形式是壁画。壁画是墙壁上的艺术，即人们直接画在墙面上的画。作为建筑物的附属部分，它的装饰和美化功能使它成为环境艺术的一个重要方面。壁画为人类历史上最早的绘画形式之一。

永乐宫壁画位于山西省芮城的永乐宫(又名大纯阳万寿宫)，其艺术价值最高的首推精美的大型壁画，它不仅是我国绘画史上的重要杰作，在世界绘画史上也是罕见的巨制。永乐宫壁画是我国古代绘画艺术的瑰宝。整个壁画共有1000平方米，分别画在无极殿、三清殿、纯阳殿和重阳殿里。其中三清殿是座主殿，殿内壁画共计403.34平方米。画面高4.26米，全长94.68米。

永乐宫壁画为道教宣传画，目的在于揭示教义和感召人心，其绘制时间略早于欧洲文艺复兴，几乎和元代共始终。现存壁画面积1005.68平方米。

1.手工画

手工画是指纯手工绘画，将图案直接画在某种材料上，然后将其粘贴在墙上的画。这种手工画所用的材料可以分为两种高档类与普通类。高档类的有丝绸，金箔等，普通的有宣纸。

2.手绘画

手绘画是通过画工直接将图案描画在墙上的画，专用材料为丙烯颜料。

3.墙贴画

它是指通过先通过电脑作图，再由机器喷绘雕画，用不同颜色的墨水喷画组合成图案的一种。它是现代工业的一种完美体现，通过机器作用，加强了生产效率。

4.装饰画

装饰画通过绘制或者印刷出画心，然后用木条或者木板绷起，或者直接在木板上作画，而后直接挂墙上的画。

浅谈《装饰画》的学习

装饰画是近年来十分热门的考试专业。因而，对于装饰画的学习方法和应考对策也倍受广大考生的重视。下面简单谈一下该专业的知识、技能。

装饰画是一种介于绘画与图案之间的边缘艺术，它具有不同于一般绘画的独特艺术魅力，它具有一定的工艺性，是一种理想化的艺术形式，它所描绘的对象不受时间、空间的限制，并且可以运用多种表现手段。装饰画艺术最大的长处在于一个“变”字，他的形式、构图、造型色彩等无不从变中得来。对于这种装饰艺术，我们能在古今中外的文化历史中得到启示。中国的彩陶工艺美术早在四。五千年前就熟练掌握了装饰语言，创造了二方连续、四方连续图案及在点、线、面三者之间互相对立统一关系，开启了中国装饰绘画的先河。再如，古埃及的壁面、古希腊的装饰图案这些都是劳动人民在劳动生活中的深刻体验。如果没有这种生活，就不会有对装饰艺术如此高度的概括和如此准确的表达。所以对于每一个有志于投身装饰艺术的同学来说。首先应该有丰富的生活体验，再者也要有发展的眼光。因为世界在发展，艺术也要随之发展。如现代西方装饰画。抽象画、平面构成作品等它们都丰富了我们的装饰语言，为进行装饰绘画的学习创作打下了扎实的基础。

二、积累素材，加强修养

初学装饰画的同学，最为困难的是脑子里没有图形料，两手空空，不知如何下手。下面谈谈笔者的一点体会：

1．从临摹人手，写生为据

大量的临摹可以从其它画家对形象概括的装饰语言中吸收养分，博采众长，聚沙成丘，久而久之，就能驾轻就熟，因此我认为临摹应为学习装饰画之首要。可以临摹局部，取其精华，为我所得。也可临摹构图，记录装饰形象。总之，临摹翼根据各自的需要而定，不可千篇一律。写生是作为创造自己的独特造型最为重要的手段。它是从客观人手，对直接接触的物象进行实实在在的表现的一种重要艺术训练活动。写生是初学者必不可少的过程，是个性创造之根本。不注重对客观物象的写生训练，将来很难创作出感人的且装饰风格强烈的作品。临摹和写生其实是积累素材的过程，当你手头的资料丰富了，创作起来才能左右逢源，得心应手。

2．加强艺术修养

加强艺术修养对于提高自己的审美观和鉴赏力是非常重要的。首先同学们要学习前人为我们留下的宝贵文化遗产，从中理解其艺术风格，拿来为我所用。其次，随着自身艺术修养的提高，才能在前人的基础上创造出与前人不同的鲜明而富有时代风格的装饰画。总之，加强艺术修养与积累素材在装饰画的学习中是同等重要的，两者缺一不可。

三、装饰画的构图

看一幅装饰画，它的装饰性强不强，首要的是它的构图，其次才是形象、色彩等是否完美。装饰画的构图较其他绘画种类的构图更具有鲜明的视觉特点。装饰画构图的基本特点。首先是理想化的构图，不受景象、时间、空间、透视等限制，可以充分发挥作者的主观能动作用。其次是题材范围极广的构图，它涉及的范围极广。可以是人民日常生活的各个领域的各种用品及环境的美化。可以说装饰画构图的最大特点是自由性较强。下面介绍几种常见的装饰画构图形式

1．装饰画的平视体构图

装饰画的平视体构图一般立足于二维空间的表现，既不十分需要形象周围环境问的三维空间关系，又不太需要自身形象的立体感。它的构成方法是视点不集中，对于所描绘的景物一律平视，视线始终与物象立面的各个部位垂直，不画物体的顶面与侧面，只画最能体现物象特征和姿态最生动的一个面。因此，要特别注意影象效果，要求轮廓清晰，形象不重叠，前后不遮挡。这种构图可以向上下、左右伸展。不同时空的形象可以布置在一个画面上，画面的层次主要由形体的大小、疏密或色彩的明暗来体现。

2．装饰画的立视体构图

它的构成方法是由平视体演化而来的。即在平视体的基础上画出顶面、侧面而成。具体画法是将所描绘的房屋、家具、车船等立方体一个立面形的各个顶点向左或向右同时向左右画出45度左右倾斜的平行线，形成顶面或侧面。这种构图要求作者的视点总是高于所画之景，而且采用了没有天点的平行透视法，因而画面可以向无限高度和无限宽度延伸。既不受视点的约束。又不受时空条件的局限。这种构图与平视体构图均是采用散点的布局方法。立视体构图由于采用平行透视，因此不强调近大远小和物象的真实比例。人物的比例往往大于环境，道具的比例。

3．层叠式构图

这种构图的特点是将景物层层叠起，在视域上无限展开，前后景物紧密相接，并有所交错，有所对比，在每一层中有主次、轻重、虚实。装饰画中适用这种构图的很多，特别是表现风景和建筑时更能显出优势。

4．自由式构图

构成方法是以直线或曲线分割画面。在此基础上再填充各种线、形、色。可以自由地跨越分割，或者根本不用任何分割线，直接把各种线、形、色按照一定形式规律自由拼接、组合而成，这种构图根本不用考虑透视问题，远景与近景、天空与地面。实景与虚景均没有界限与区分，根据作者的想象自由发挥。除了以上几种常见的构图形式外。在装饰画中，还应注意构图的三要素，它对画面的色调、整体感、均衡感起决定性作用，这要求我们在构图中必须重视它。

四、装饰画的造型

装饰艺术的形象不是自然的再现，而是将自然形象加工处理后的艺术形象，是变化而来的。从自然形到装饰形象需要一系列的加工处理。变化的目的是为了主题需要，突出事物特征，突破自然束缚，使之理想化并激发视觉美感。因此，装饰画的造型是我们重点要练习的基本功，在这一过程中，我们要学习以下几种变化方法：

1．化繁就简

它是装饰画形象变化最为基础的方法，它是将繁杂的客观形象归纳作艺术处理，把呆板的变生动，把纷乱多余的省略，将它变为一种有规律可循的秩序和节奏。主要方法有：影绘，光影省略，线省略。

2．化写实为夸张

夸张是装饰艺术创造中一种重要方法，它是艺术的强化，情之所至。夸张不是原型的简单放大，而是在现实的基础上，对自然形态的外形，神态，习性等进行适当的夸张和强调，使其更体现形式美，更自然得体，更富生命力。如在外形处理上，可使国的更圆，方的更方等。夸张的方法有：整体夸”张，局部夸张，透视夸张等。

3．化简单为丰富

即“添加法”、指在经过简化或经过夸张等变形以后，在纹样上附加一些装饰，这种装饰，不是如实描绘取得的，而是根据图案设计的构思使其更丰富、充实，更符合理想。添加的方法有：

A、原来形象本身就有，为了全面表现对象的美感，使表面更丰富，我们就使用这种“求全”的方法，如可以把不同的果实表现在同一个画面里，让它同时生长，这样画面不仅很美，其美的含义也可得到相应的扩展。

B、根据内容或题目的谐音、寓意。中国传统图案纹样中较多使用此法，称做“花中套花”。如在经过处理后的鱼身上添加莲花，便含有“连年有余”之意。这是一种结合纹样深化构思的装饰。齐白石大师说：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。”我想，大师的话，正是夸张变形的完美写照。

五、装饰色彩

装饰画的色彩不同于写生色彩，也不同于图案色彩，其特点介于二者之间。它强调感受，是一种表现美感，为作品本身美感服务的色彩。装饰色彩是强调色彩调子、画面气氛的色彩。

1．装饰色彩的主观性

主观色彩是我们学习的主要课题。因为它对学习装饰画起直接作用。它应着重于色彩的情感表达，不依赖于光源和现实的色彩关系，而是强化作者的感受，因而，它不受客观对象的固有色限制。例如：在装饰色彩的运用中，可以把一头猪画成红色、蓝色、绿色，这主要是根据画面的需要。因为我们知道，所有颜色在绘画当中都可以被认为是最美的，关键在于充分地运用色彩间的对比，只有合理的色彩运用，才能产生最美的画面效果。

2．整体调和统一，局部加强对比

对比色配置的特点是强烈、鲜明、丰富，但也易杂乱、眩目。笔者认为，为获得好的效果，应注意以下几点：

A、色的对比面积应大小不一

B、拉大明度对比。如墨绿与粉红或淡橘红

C、减少一方彩度，即少量吸收对方的色味，如粉红与青绿

D、用无彩色或金、银等光泽间隔其色，使其强烈对比得到“缓冲”

E、注意色彩层次的处理和色调的处理

总之，要在对比中求调和，采取“大调和，小对比”的方法。

3．画面色彩要为主体服务

装饰画的色彩具有很强的寓意性，具有传达情感的强烈作用。因此，装饰画色彩的运用首先要考虑的是与内容的关系。例如：表现“春韵”和“秋实”的意境，就应该以明快的淡绿和金黄色调为基调。

历史

一、史前绘画

已知最古老的绘画位于法国肖维岩洞（Grotte Chauvet），部分历史学家认为它可以追溯至32000年前。那些画经由红赭石（red ochre）和黑色颜料作雕刻及绘画，主题有马、犀牛、狮子、水牛、猛犸象或是打猎归来的人类。

石洞壁画在世界各地均十分常见，例如法国、西班牙、葡萄牙、中国、澳大利亚及印度等。这些绘画的发现对其存在目的引起了众多不同的猜测，有些假设指出那些绘画是当时的人认为绘画可以捕捉动物的灵魂，令他们狩猎更为顺利。

一些假设则认为那是泛灵论的一种现象，表达他们对自然的尊敬；亦有另一假设指人类与生俱来已有自我表达的需要，而那些绘画正是其结果；此外亦有那是作为应用资讯的传播的观点。

二、东西方传统

西方文化主要是以油画及水彩画为主，在形式及主题上都有丰富的传统。东方主要是以墨及矿物颜料的画为主，在形式及主题上都有同様丰富的传统。

三、近代至今

摄影的发明对绘画有很大的冲击，第一张照片在1829年问世，在数十年后，摄影技术持续改进且广为使用，因此绘画原来用来记录真实世界的功能也受到挑战。

19世纪末和20世纪初的一连串艺术活动，包括印象派、后印象派、野兽派、表现主义、立体主义及达达主义，挑战文艺复兴时代对艺术的观点。不过东方艺术及非洲艺术仍维持以往的风格，未受到摄影的影响。

现代艺术和当代艺术的观点和传统艺术的历史价值及概念有不少差异。因此在1960年曾有人说严谨的绘画型式已死。不过这没有阻止大多数的画家继续以绘画作为其创作的部分或是全部。

二十一世纪绘画的活力及多变性盖过了之前曾有人提出严谨艺术已死的宣告。在以文化多元性为特点的时代，对于时代性的代表风格没有共识。艺术家继续以不同的风格及美学气质进行创作，而其成就则留待市场的评价。

在二十一世纪初，仍在继续的绘画派别有单色画、硬边绘画、几何抽象主义、挪用、超写真主义、照相写实主义、表现主义、极简主义、抒情抽象、普普艺术；

奥普艺术、抽象表现主义、色域绘画、新表现主义、珂拉琪、Intermedia绘画、集合艺术绘画、电脑艺术绘画、后现代绘画、新达达绘画、立体画布绘画、环境壁画、传统的人物画、风景画、肖像画及玻璃绘画动画。

扩展资料：

一、元素

1、亮度

亮度的意思就是色彩明暗的程度（深浅的程度）比较浅 就是明度高 比较深 就是明度低，绘画中的一个元素是亮度的感受及效果。空间中的每一个点都有不同的亮度，在绘画中可以用黑色、白色及中间各种的灰色表示。

在实务上，画家可以用并列不同亮度的点来表达物体的形状，相对的，若只用相同亮度的不同颜色，可能只能表示图像的形状而已。绘画的基本手法会包括几何图案、许多不同的观点及组织（透视法）及符号。

例如画家在看某一片特定的白墙时，因为阴影及周围物体反射的影响，每一个点都会有不同的亮度，但在理想上，即使在一个全黑无光的房间中，白墙仍然是白色的。因为即使房间中没有光，是黑暗的，物体依然存在，并没有消失不见，所以可证明其理论是正确的。

2、色彩和色调

色彩和色调是绘画的基础，正如音乐中的音高和节奏一様。颜色是高度主观的，但其带来的心理效果是可以观测的，只是其效果可能会随文化不同而不同，例如在西方文化中，黑色表示死亡及哀悼，但在东方文化中则是用白色表示 。

有些画家、理论家、作家及科学家（包括歌德、瓦西里·康丁斯基及牛顿）都提出了他们的色彩理论。而且其中的语言也只能表示一种抽象的颜色，例如红这个字可以表示可见光谱中在纯红光附近一个范围内的光。

像在音乐上，不同的音乐家对于中央C或是C♯4有共同的定义，但不同的画家对于颜色没有一个公认的定义。对画家而言，颜色不止是分为基本色或衍生色（如红色、蓝色、绿色、咖啡色等）而已。

在绘画时，画家是用颜料上色，因此画家的“蓝色”可能是以下颜色中的一种：午夜蓝、靛色、钴蓝色、群青等。颜色在心理上及符号上的含意不一定和绘画上的手法有关。颜色可以增加一些潜在的、衍生的意义，因此对于一幅画的感觉是非常主观的。

这部分可以用音乐来类比．音乐中的音高（例如中央C）类似绘画中的光，阴影类似强弱，颜色则类似不同乐器的音色，虽然这些不一定可以形成旋律，但可以在音乐中加入一些不同的内容。

3、非传统元素

现代的画家已经将绘画加以延伸，例如由立体主义衍生的珂拉琪，严格来说不算是绘画。有些现代画家会因为材料的纹理而整合不同的材料，例如砂、水、稻草或是木材等。

像让·杜布菲及安塞尔姆·基弗的作品就属于这一类。也有越来越多的艺术家社群利用电脑及Adobe Photoshop或Corel Painter等软件将颜色画在数位的画布上，若有需要也可以印在真正的画布上。

4、节奏

绘画中的节奏和音乐中的节奏一样重要，若节奏定义为“结合到一个序列中的暂停”，则绘画中也有其节奏。这样的暂停可以让想像力参与在其中，产生新的创作，型式、旋律及上色等。

这些形式（或是任何种类资讯）的分布在艺术工作上相当重要，会直接影响作品的审美价值。在审美价值上，感知的自由流动即视为是美。不但在艺术或是科学中，能量的自由流动会提升其审美价值。

二、审美与理论

美学是有关艺术和美的研究，是康德或黑格尔等十八世纪及十九世纪的哲学家探讨的主题之一。像柏拉图及亚里斯多德等希腊哲学家也对艺术及绘画有特别的探讨。

在柏拉图的哲学系统中，画家和雕刻家的地位不高，他认为绘画无法描述真理，绘画只是复制实际事物，其中除了工艺，没有其他的成分在内，就像鞋匠及铸铁一様。

不过在达芬奇的时期，对绘画的认知和柏拉图的认知不同，当时认为“La Pittura è cosa mentale”（绘画是心灵的事物）。

康德区分美和壮美两种概念，分析两者的相同处及不同处。虽然他没有提到绘画，但像约瑟夫·玛罗德·威廉·透纳及卡斯帕·弗里德里希等画家将其概念延伸到绘画上。

黑格尔认为无法对美给予一个共通性的定义，在他的美学研究中认为绘画、诗歌和音乐是三项“浪漫”的艺术，其中有符号化，高度智力的目的。

三、绘画风格

绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式，它及其参与者的数量同样地为数众多。绘画的本质可以是自然及具像派的（如静物画（still life）或风景画）、影像绘画（photographic painting）、抽象画、有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。

历史上有一大部分的绘画被灵性主题及概念所主导，这些绘画形式由陶器上的神话角色到西丝汀教堂的内壁及天花板上的圣经故事场景都有，它们会透过人类身体本身去表达灵性的主题。

参考资料：百度百科-绘画