卧室适合挂什么油画
如果表现田园、温暖、宁静、幸福生活，毕沙罗最适合不过。
如果喜欢风景中的人物，雷诺阿可以画得美轮美奂。如果表现海景、水，那么莫奈最适合。关于乡村、花卉、树木，梵高也有不少温暖的画。而星空主题最炫目，装饰效果很强。塞尚的静物画，很适合做成小幅的装饰画挂在餐厅或者门廊。而大的风景画能给整个空间带来激情。
单说作品，莫奈的《日出印象》和《睡莲》系列，但《日出印象》更适合放在客厅或书房。《睡莲》系列还算不错，适合卧室。梵高的《星月夜》，虽然画作表现的是蓬勃的生命力，但因为是在精神恍惚时期所做，颜色炫目，所以更适合放在客厅或书房。
这个可以根据个人喜好啦。
可以选大师作品，也可以小众一点自己喜欢的画作。
也可以找美院的学生或是一些年轻的画家买一些他们的画作。我觉得这样的更有趣。
还有哦，油画可以自己画，没有基础的人也是可以画出不错的油画的哦。选自己喜欢的画作，自己临摹，然后放在卧室，会更有意义，每次看到都会心情愉悦。
如果喜欢田园、温暖、宁静、幸福生活类型的，毕沙罗最适合不过。
如果喜欢风景中的人物，雷诺阿可以画得美轮美奂。
如果喜欢海景、水，那么莫奈最适合。
如果你是女生，卧室可以放一些温馨的花卉类的画作。关于乡村、花卉、树木，梵高也有不少温暖的画。而星空主题最炫目，装饰效果很强。
塞尚的静物画，很适合做成小幅的装饰画挂在餐厅或者门廊。而大的风景画能给整个空间带来激情。
单说作品，莫奈的《日出印象》和《睡莲》系列，但《日出印象》更适合放在客厅或书房。《睡莲》系列还算不错，适合卧室。
梵高的《星月夜》，虽然画作表现的是蓬勃的生命力，但因为是在精神恍惚时期所做，颜色炫目，所以更适合放在客厅或书房。
希望有帮到你，会想到在自己卧室放画作的人很有生活的态度哦，加油。
<The Yellow House>
转角那座绿窗户的房屋，是梵高在阿尔勒的住所，屋前步履匆匆的是他本人
1888年，梵高搬到法国小城阿尔勒。这是一座随处可见咖啡馆的普罗旺斯小城。“我想回归在农村时、接触印象主义前的思想”，梵高被这里和煦的田野与阳光吸引，虽只居住了15个月，却创作了200多幅画作。其中他在阿尔勒居住的房间，在现有资料里就能见到五幅。
第一版油画<Bedroom in Arles>
1888年10月，梵高开始绘制第一版《阿尔勒卧室》，还在给弟弟提奥的书信里勾勒出草图。梵高这么描述它：“颜色在这里代表一切：墙壁是淡紫罗兰色，地板是红瓷砖。木质的床和椅子，就像新鲜的黄油；床单和枕头拥有柠檬般的淡绿色…这些物件带来的，也是一场休憩、或说是梦。”
梵高给弟弟提奥书信中画下的房间草图
而在好友、画家高更来到阿尔勒之前，梵高也在给他的信件里盛情描绘了这个房间。只是高更在这待了2个月便离去。无论是否像传闻那样因二人吵架，事实是梵高在这里割下自己的左耳，并因精神失常住进当地的医院。后两幅他的房间就是在医院中画下的。似乎梵高从未"走出"这个房间，这里住着回归自我、又颠沛自我的他。
在给高更的信件里，梵高说想把这里变成艺术家群住的“画家的家”
第二版<Bedroom in Arles>，与第一版相比，墙上的画像变成了他自己和一位中尉。
第三版：墙上的画像则是梵高自画像和一位年轻女人，整体墙壁的蓝色则变得强烈。
梵高的椅子：
19世纪众多艺术家们的最爱座椅
<Vincent's Chair with his Pipe>:梵高画的阿尔勒卧室中的椅子，上面放着他的烟斗。
与此同时，梵高于阿尔勒的卧室中，里面的椅子也吸引眼球。他还专门为他的椅子画过一幅画。这把椅子的标志性特征就是梯子状的靠背和用干稻草编织的椅面。这两大特征更让我们看见了他所在时代的痕迹。
■ 梯状靠背在椅子上的应用最初起源于中世纪的欧洲，尤其在新教改革后迅速受欢迎。19世纪后叶，维多利亚式风格的家具常见拥有梯状靠背的椅子，只是椅背的阶梯减少了几层。
■ 以干稻草编织的椅面，早在人们掌握编织术时就诞生了，更在梵高所在的19世纪达到高潮：1860年一位制椅匠Phillip Webb用干稻草编织出四个三角纹路的椅子，更结实并适合人就坐。当时大名鼎鼎的装饰艺术运动发起人William Morris给这个椅子取名为Sussex，随后在众多艺术家中开始流行。
在梵高绘制的这幅《高更的椅子》里，也是采用同一编织方式的椅面，椅背则是另一同样流行的带有扶手的木椅。
<Night Cafe in the Place Lamartine in Arles>: 梵高笔下的阿尔勒咖啡馆，也可见带有四个三角编织痕迹的座椅
如今当我们回忆梵高，他在阿尔勒的房间更成为icon般的存在。从画像到座椅，无数艺术家用自己的方式，透过这个房间向他致敬，表达自己对梵高的理解。
著名波普大师Roy Lichtenstein画下的梵高的房间
阿姆斯特丹的梵高博物馆对他的卧室的还原
艺术家christian richter根据梵高卧室创作的作品
我觉得是雅各布·鲁伊斯达尔啊。
雅各布·鲁伊斯达尔：
雅各布·鲁伊斯达尔(1628-1682)，出生于荷兰西部邻海的哈雷姆，故乡的海、田野熏陶了他，使他对自然的美有一个特别灵敏的感悟。他在叔父所罗门的教养下成为画家，二十岁时就自成一家。
1657年起，直到1681年，他在阿姆斯特丹进行他的艺术活动。他曾去过德国，而且从青年时代起就走遍了荷兰。他对气势磅礴的大风暴、汹涌的急流、茂密的森林、低洼的沼泽、云彩变幻的天空、荷兰的田舍磨坊和风车，都进行了致力的探求，然后诗意地将它们再现在画面上。他的画最大特征是以热爱自然的真挚感情描绘自然，去表现自然的美和诗意。他的风景画以气魄雄伟的构图和精细的描写见长，笔法坚实，色彩纯朴，有时用伦勃朗的明暗法来抒发他对自然的深沉的感受。因此，他的风景画具有一种古典主义的深沉和悲剧性的激动。
鲁伊斯达尔一生约画了七百多幅风景画，其中以树为主题的占其所画之大部分。他以为强劲雄伟的参天大树，姿态纷繁的古老巨木，具有非凡的魅力。他要画出它们的个性和感情。这幅林中水塘》就是以树为主体的一首森林之曲。
且来看这幅画吧，每一棵树，树干、树叶都被精细地描绘，光影在茂密的树丛里洒落在水塘周围，幽静、细碎而又绵密。水塘十分宁静，它虽不过是一池浅水，却似乎深不可测，这是因为画家将它置于大片的树丛之中，没有一点反射的光面的缘故。而在这人迹罕至的森林里，忽然有一只白色的狗从水塘穿过，奔向远处，打破了树林的静谧。整个画面，充满诗意，好像是远离尘世的别一天地。但是，在前景上我们却见到了两棵枯萎的橡树，一株倒下的，一端被浸在水塘里；另一棵则有折断的伤痕。这一切使观众看到了没有出现的人——那破坏自然的人的“结果”。画家在这里，透过诗意的画面对破坏自然的行为进行了蕴藉的遣责。
~~期待满意啊~~
鲁伊斯达尔《埃克河边的磨坊》作品欣赏：
籍里科生于法国里昂，幼年随全家迁往巴黎。他从少年时代开始就随古典主义画家学画，常去卢浮宫临摹古代名作，并到意大利研究文艺复兴大师的作品。因笔下的人体结构严谨，富有雕塑感，他曾被誉为“法国的米开朗琪罗”。使籍里科名留青史的是他取材自一起海难灾祸的油画《梅杜萨之筏》。
自由引导人民法国德拉克罗瓦本画取材于1830年法国的“七月革命”事件。1830年7月26日，国王查理十世取消议会，巴黎市民纷纷起义。当月27—29日为推翻波旁王朝，市民与保皇党展开了战斗，并占领了王宫，在历史上称为“光荣的3天”。在这次战斗中，一位名叫克拉拉·莱辛的姑娘首先在街垒上举起了象征法兰西共和制的三色旗，少年阿莱尔把这面旗帜插到巴黎圣母院旁的一座桥头时，中弹倒下。画家德拉克洛瓦目击了这一悲壮激烈的景象，继而义愤填膺，决心为之画一幅画作为永久的纪念。 画上展示的巷战场面，是画家在上百幅“七月革命”街垒战的草图的基础上定稿的画面。图中那位在硝烟中一手高擎三色旗，一手提枪，奋勇当先，正在召唤群众前进的青年姑娘，既是起义参加者的真实写照，又是自由女神的象征。她旁边的少年鼓手正挥动着手枪，急速地向前奔跑。另一边头戴高帽的大学生正意志坚定地注视着前方。他身后有两个工人挥舞着尖刀，表情刚毅，显示出愤怒的神色。在他们后面还有许多起义群众。前景右侧有两名政府军的士兵倒毙在地上，左侧躺着一位为自由而献身的起义者。一名受了重伤的青年工人正抬头仰望自由女神的三色旗，期待着自由的来临。他的上衣、露出来的一角衬衣和腰带正好是三色旗的颜色。如果仔细观赏，还可以隐约看到北塔楼上飘扬的一面共和国旗帜。
这幅画气势磅礴，画面结构紧凑，色调丰富炽热，用笔奔放，有着强烈的感染力。1831年5月1日在巴黎展出时，引起轰动。德国诗人海涅为此画写了赞美诗。在这以后，这幅画还有一些有趣的经历。
1831年，这幅画被法国政府收购，在卢森堡宫展出了数月。后因时局变化，还给了画家本人。
17年后，1848年法国爆发了“二月革命”，法国人民要求把此画重新在卢森堡宫展览。同年6月，巴黎工人起义，此画又被政府摘下，理由是具有煽动性。直到1874年才被送入卢浮宫。
德拉克罗瓦只要拿起画笔，他的浪漫主义激情就像火山一样迸发出来，发出巨大的叫啸。他画画就像狮子吞食猎物一样，一气呵成，所以人们把他叫做“浪漫主义的狮子”。
在表达感情的深度与力量方面，除去伦勃朗外，没有人能与他相比；在表达运动的激烈和气势方面，除鲁本斯外，很少人能达到他那样动人心弦的程度；在把抽象的冥想和寓意的东西变成艺术形象上，除米开朗琪罗外，没有人具有他那样的才能。
德拉克罗瓦是法国人民的骄傲，他的大部分作品被保存在巴黎卢浮宫博物馆，卢浮宫专为保存他的作品辟出好几间展室。代表作有《希阿岛的屠杀》、《自由领导人民》、《但丁之舟》等。
干草车英国康斯坦布尔
康斯坦布尔，英国画家。1776年6月11日生于萨福克，1837年3月31日卒于伦敦。曾受业于皇家学院，深受风景画家J.法林顿和J.T.干草车康斯坦布尔史密斯的影响。1805年制作祭坛画《基督赐福幼儿》。
成名作《干草车》轰动美术界，获当年巴黎沙龙金奖。这是一幅画面上充满阳光、充满温暖和生活气息的风景画，给青年画家很大影响。他的许多表现田园风光、描绘普通劳动人民生活的作品，摆脱了构图和色彩上的因袭规矩，摒弃了传统的棕色调子。他创造的用调色刀把未经调配的色块平铺在画布上，使湿润的画面产生无穷的闪烁着亮光的点子，被后人称之为“康斯坦布尔的雪白”。
代表作《山谷田庄》（藏于维多利亚博物馆）、《麦田》（藏于伦敦国家画廊）、《布赖顿海滩》等，表现了他对光色的大胆探索，激起了人们对大自然的热爱，预示着印象主义画家对光、色的追求。
后人为纪念他，把巴黎圣马克大街一家餐厅的一个房间命名为“康斯坦布尔沙龙”，四周悬挂着他的作品，以供人参观。
拾穗者法国米勒
《拾穗者》描写了一个农村中最普通的情景：秋天，金黄色的田野看上去一望无际，麦收后的土地上，有3个农妇正弯着身子十分细心地拾取遗落的麦穗，以补充家中的食物。她们身后那堆得像小山似的麦垛，似乎和她们毫不相关。我们虽然看不清这3个农妇的相貌及脸部的表情，但米勒却将她们的身姿描绘得具有古典雕刻一般庄重的美。3个农妇的动作，略有角度的不同，又有动作连环的美，好像是一个农妇拾穗动作的分解图。扎红色头巾的农妇正快速地拾着，另一只手握着麦穗的袋子里那一大束，看得出她已经捡了一会了，袋子里小有收获；扎蓝头巾的妇女已经被不断重复的一上一下弯腰动作累坏了，她显得疲惫不堪，将左手撑在腰后，来支撑身体的力量；画中右边的妇女，侧脸半弯着腰，手里捏着一束麦子，正仔细巡视已经拾过一遍的麦地，看是否有漏捡的麦穗。农妇们就是如此往复地劳动着，为了全家的温饱，怀着对每粒粮食的感情，耐心而不辞辛苦地拾着麦穗。
画面上，米勒使用了迷人的暖黄色调，红、蓝两块头巾那种沉稳的浓郁色彩也融化在黄色中，整个画面安静而又庄重，牧歌式地传达了米勒对农民艰难生活的深刻同情和对农村生活的特别挚爱。
米勒一生热衷于农民题材。1849年巴黎流行黑热病，他携家迁居到巴黎郊区枫丹白露附近的巴比松村，这时他已35岁。在巴比松村他结识了科罗、卢梭、特罗容等画家。在这个穷困闭塞的乡村，他一住就是27年之久。米勒对大自然和农村生活有一种特殊的深厚感情，他早起晚归，上午在田间劳动，下午就在不大通光的小屋子里作画。他的生活异常困苦，但这并没有减弱他对艺术的酷爱和追求，他常常由于没钱买颜料而自己制造木炭条画素描。他爱生活、爱劳动、爱农民，他曾说过：“无论如何，农民这个题材对于我是最合适的。”
蒙特芳丹的回忆法柯罗蒙特芳丹的回忆柯罗生于巴黎卢浮宫与杜叶丽公园附近，在近80年的生涯里，留下达3000幅作品，是一位多产的艺术家。其中，风景画占大部分。“在我的生活中，只有一个梦寐以求的目的，这就是画风景。”他说，以寄于自然的坚强感情和不屈服于任何打击的忍耐力来追求自然，如果没有这样的准备，最好不要从事画家这个职业。他终生热爱自然，主张走向大自然。
柯罗一生过着独身生活，艺术占据了他整个心田。而他在画坛的成名和荣耀，是靠着每年参展巴黎的秋季沙龙所获得的。在19世纪的法国绘画史上，新古典主义、浪漫主义、写实主义和印象主义相继争辉，柯罗漫长的一生经历了所有的这些美术运动，但他均非开创这些流派的先锋人物。他受古典美术教育，曾是忠实的古典主义者。他热衷浪漫主义的自然观念，对自然的崇拜，使他成为诚挚的写实主义者。因此，批评家认为柯罗的最大成就，就在于他汇合了19世纪所有的主流，而为当时刚刚兴起的印象主义开辟了道路这一幅《孟特芳丹的回忆》，是柯罗晚期最成熟，也是最具代表性的风景杰作之一。
孟特芳丹位于巴黎以北桑利斯附近，柯罗当年曾涉足那里，感受过那一片花园景色的美。这幅画就是艺术家对这一美景的回忆。
画面展开在湖边森林的一角，晨雾初散，清新的林地与湖面的水气构成一种温暖湿润的大自然感觉。右侧一棵巨树占去画面约3/5，对面一棵小枯树与它相呼应，加强了画面的平衡感。树枝朝着一个方向倾斜，显得和谐而富有节奏。两树的中间显现平静如镜的湖面。和煦的阳光从树叶间散落到草地上，点醒了四处绽开的红色小花。一个穿红裙的妇女面朝着左侧的那棵小树，仰着头举起双手采摘着树干上的草蕈。
在整幅画上，这3个人物显得生意盎然。画家虽把他们都处理在一边，但却疏密有致。柯罗画风景，常常喜欢在前景画上几棵柔弱斜倚的树枝，来加重画面的抒情性。如这幅画中左侧的那棵小树，也属这种情况。你看那小树歪扭的姿势，显然是由于微风的长期吹拂所造成。它倾斜的枝干更显出婀娜多姿的舞蹈美，给整幅画平添了无限诗意。妇女的红裙与头巾是全景的最强音。细细品味此画，观者几乎可以听到细枝与树叶的瑟瑟声。
这种大自然的情趣绝不是梦幻却胜似梦幻。画家完全用暖色铺染画面，整个色调显得细声细语，没有激情，只有和谐。如果没有画家对自然美的强烈感受，是难以给人们留下这么多难忘的印象的。这是一幅理想的风景画，也是一幅真实的抒情画。热爱自然是画风景的首要条件。
柯罗十分热爱大自然，他曾说：艺术就是爱，当你画风景时，要先找到形，然后找到色，使色度之间很好地联系起来，这就叫做色彩。这也就是现实。但这一切要服从于你的感情。这简短的几句话，也许正是柯罗的风景画的全部秘密所在。柯罗一生还未体验过渴求订件或拼命赶制的心情。他的后半生没有卖过一件作品。一旦下雨，他就安心等待天晴之后再去写生。他喜欢明朗的晴天。在他看来，写生之作只是为在画室里创作所作的素材准备。这说明，柯罗的风景画之魅力，不是由于他面对写生，而是他从生活中提炼出他所发现的美。
油画是现代家庭居室墙面装饰的必备品，油画装饰最能显示其格调与品味。这里所指的装饰油画是临摹或创作的真正手绘的油画，而非印刷装饰油画或仿真装饰油画。根据设计师的设计经验，油画装饰的设计与布局，可以按以下方考虑：
一：油画装饰的设计与空间布局
1：空间的功能限定
居室空间的功能决定了其使用功能及方式，而使用功能和方式结合装饰艺术才是完整的室内设计美。卧室宜以人物或与人贴近的题材作情感交流； 儿童卧室则最好是儿童题材的抽象画； 客厅以风景为主，使环境更加开阔、明朗；而餐厅则可挂一些疏果鲜花类的静物，它能增进人们的食欲。
2：装饰风格的统一
局部风格应协调并服从于整体风格。油画是室内装饰中点睛之笔，它应该具有与室内装饰整体和谐之美。抽象派和现代派的简明快捷，较适宜于宽敞明亮、装饰风格新派、用材新颖的空间； 而写实、古典的风格适应于豪华、典雅的装饰风格；印象派画风，不管是走廊上还是书柜上，都能体现其色彩斑斓、光色效果好的特色，具有极强的装饰性。
3：注意色彩的沟通
油画能在室内起到画龙点睛的作用。 色块鲜艳的房间可选色彩对比较强的油画；温馨淡雅的房间须考虑色彩柔和的作品。油画的色调和房间色调呈对比色，更能体现油画的装饰性意味， 但画的颜色还要与家具、软饰品相呼应，具有同色系的节奏。
4：考虑季节、环境和气候
湿度大的地区，宜多选颜色明快，画面明朗的油画，而干燥地区则考虑"水"多分一些。冬天选择色调鲜艳活泼，夏天则柔和恬静，也是一个调节的办法。
5：装饰画的布置
其位置宜以距地面1.5～2米为宜，光线尽量从左上方投射，这样符合画家作画时的光线位置，但不能镶玻璃，挂钉在画板后，长宽应根据家具考虑。 画框跟图幅大小按比例选定，画框色与家俱色呼应，或与画色调相近。黄金分割点是最佳挂画视点，可以解决挂画犹豫不决的问题。
6：如果条件允许，可建议客户考虑装饰与投资兼顾
原创油画是一个投资稳定，收益较快的收藏品。原创油画的收藏是身份、品位和修养的体现。能够在专家推荐下选取有升值潜力的作品，真可谓一举两得。
二：家居软装配饰选油画
1：选油画先看装修风格
选择油画首先要根据装修风格来定。
偏欧式风格的房间适合搭配油的画作品：纯欧式风格适合西方古典油画，别墅等高档住宅可以考虑选择一些肖像油画；简欧式房屋可以选译一些印象派油画，田园装修风格则可配花卉题材的油画。
偏中式风格的房间最好选择中国题材油画、风景油画或者花鸟鱼虫为主的油画。也可以选择用特殊效果的油画，如刀画、厚涂的油画、梦幻和写意的油画等，因为这些油画多数带有强烈的传统民俗色彩，和中式装修风格十分契合，另外，这类油画也很适合那些追求个性爱好的朋友。
偏现代的装修适合搭配一些印象、抽象类油画，后现代等前卫时尚的装修风格则特别适合搭配一些具现代抽象题材的装饰油画，也可选用个性十足的装饰油画，如抽象化了的个人形象海报油画等。
居室内最好选择同种风格的装饰油画，也可以偶尔使用一两幅风格截然不同的装饰油画做点缀,但不可眼花缭乱。另外，如装饰油画特别显眼，同时风格十分明显，具有强烈的视觉冲击力，那您最好按其风格来搭配家具、靠垫等。
2：不同区域选不同题材
油画摆放的空间也是影响装饰效果的重要因素。
不同空间适合摆放油画的题材有很大差别，例如，在客厅摆放一幅静物水果油画就会让人觉得很奇怪。
A:客厅是平常活动的主要场所，所以油画的配饰往往成为视觉重点，可以选择以风景、人物、聚会活动等为题材的油画，或让人联想丰富的抽象油画、印象油画。色彩沉郁的油画，能形成一定的视觉冲击力。如果是别墅等高档住宅，也可根据整体装修风格选择一些肖像油画或者特殊装效果的油画，彰显主人的身份和地位。
B:在餐厅内配挂明快欢乐的油画，能带来愉悦心情，增加进食欲望。水果、花卉和餐具等与吃有关的油画是不错的选择，把明亮色块组成的抽象油画挂在餐厅内也是近来颇为流行的一种搭配手法。
C:卧室是休息的场所，讲求温馨浪漫和优雅舒适。选择挂放一些风景、花卉等题材的暖色饰画，营造一种温馨的家庭感觉。
D:纯中式的书房选择山水油画作为装饰，可以凸显整体装修风格；欧式、地中海、现代简约等装修风格的书房则可以选择一些风景油画作为装饰。
3:看墙面选装饰画
如果墙面刷的是墙漆， 色调平淡的墙面宜选择具像油画，而深色或者色调明亮的墙面可选用抽象油画或者大色块的油画。如果墙面贴壁纸，则中式壁纸选择瀑布或高山流水一类的油画，欧式风格壁纸选择传统油画，简欧风格选择无框油画；如果墙面大面积采用了特殊材料，则根据材料的特性来选油画，木质材料宜选花梨木、樱桃木等带有木制画框的油画，金属等材料就要选择有银色金属色画框的抽象或者印象派油画。
4:采光影响选画色调
光线不好的房间尽量不要选择黑白颜色或者或单色调的油画，会让空间显得更加阴暗。相反，如果房间光线太过明亮，就不宜再选择暖色调和色彩明亮的油画，会让视觉没有重点或眼花缭乱。
很多人喜欢把灯光打到画面，认为这样能够让画面看起来更加柔和，增强装饰效果，在此提醒一下，最好选择斜射的灯光，瓦数不宜过大，因为灯光长期直射产生的热量容易导致画面颜料龟裂和褪色。
5：规格决定挂画数量
由于画框可以更换，因此现在市场上所说的长度和宽度多是画本身的长宽，并不包括画框在内，大家买画之前一定要测量好墙面的长度和宽度、挂放装饰画的数量，计算好所需油画的规格。此外，还要注意油画的整体形状和墙面搭配，一般来说，狭长的墙面适合挂放狭长、多幅组合或者小幅的画，方形的墙面适合挂放横幅、方形或是小幅画
三：如何挂画才完美
挂画，与中国园林营造法中的借景有异曲同工之妙。在园林营造中，为避免围墙或廊道墙的沉滞、阻隔，创造出墙上开洞门、漏窗的做法。这些框景让视线穿透，贯通多个园林空间，并且提示人们前进的动向。
《园冶》一书上作者曾就透过框窗看到的景致做过描绘："触景生奇，含情多致，轻纱环碧，弱柳窥青。伟石迎人，别有一壶天地……"足见由开窗来取景的丰富点缀性。将它应用于现代居家环境的挂画上，能将天地胜景化大为小，再造意境，从而开阔有限的室内空间。那么，如何挂画才算是真正有效的"开窗"？
1：艺术性：挂画主在取其艺术性之潜移默化，进而对人们产生性情、美感等的陶冶，而绝非只是"补墙"之用。提供一个单纯独立的空间挂画，并兼顾及画作与实际生活的契合，让艺术彻底生活化。
2：视觉性：挂画高度对观赏效果有很大影响。人的正常水平之视，其视线范围是在上下约六十度的圆锥体之内。所以，最适合挂画的高度是离地1.5到2米的墙 面为宜。墙上的画面应该向地面微倾。放置于柜橱上低于人眼的画面，则应以仰倾向天花的角度摆置，方便观赏到最完整的画面。
3：空间性：挂画牵涉到美学的涵养；小小一幅，却与色彩、家具、饰品、质感、气氛营造、空间等有着互为影响的关系。挂画宜权衡保留墙面？空白美感，切忌填鸭式地挂了满墙面。挂画时，应注意画框的线条与空间中线条的延伸、呼应与互补，才不致使画位突兀。
4：挑选画作：由家具材质来选择搭配。例如，优雅高贵的皮质沙发，适合古典作品加金属色框；温馨的布艺沙发，幽静风景作品加木框较适合；木藤类的沙发，不妨来幅具有宽阔视野或海景的画作。
5:挂画位置：最好等家具定位后再做考量。悬挂高度须以家具高度为依据，主要画面中线最好不要高过人的平视线。挂画也有改变屋子高度比例的效果，若室内天花板低矮，最好选直向画作，反之则适合横向画作。
6:悬挂画作，最简单的方法就是挂在室内最大面积或最醒目的主墙上，或像欧美居家那样，用多张小幅画或照片，以同心或同边方式悬挂，也颇具特色。别忘了在装潢前，预留投射灯电源。不少家庭偏好油画，油画最好不要被阳光直射，以免颜料变色。一般画作应避免湿气重或油烟多的地方，更不要用手直接触摸，以免沾染污渍。清理时，用毛扫轻扫灰尘即可，可别用水擦拭。
四：挂画的几种方式
1组合式：装饰中心是一幅主画，两边围绕着装点，物品可以多种多样，有主次分明的视觉效果。
2错落式：以错落式画框来装饰墙面
3平行式：以平行排列方式的图案来起到装饰效果，简洁明了，爽利干脆。
4架子式：做一个现代博古架安装在墙面上，强化墙面的装饰作用。
几点忌讳
1：客厅墙面是家庭装饰的重地，切忌挂放年历、贴一些印刷品海报等。
2：主题墙面装饰以满为佳，这样能起到艺术馆的效果。当然有人不愿意挂太多的艺术品，偌大的墙面就挂一件，也可，但这件艺术品必须上档次，稍稍大一点，否则用整个墙面抬举一幅蹩脚的画，太过分了。
3：墙面装饰挂线尽量统一色调，否则挂绳花花绿绿，破坏了艺术品本身的美感画作题材，最好依不同居室有所选择。例如，儿童房最好不要挂人物画，免得小孩害怕；卧室或玄关，以人物、风景和花卉为宜；餐厅适合水果或花卉的静物画；书房以让人静下心的画作为佳，雪景、树林、草原或高山都是不错的搭配；客厅是家的灵魂，也是外人第一眼接触及待得最久的地方，山水风景或人物画，较能呈现主人的气势。
罗列吴冠中画作价格的变化或拍卖成交率无疑会令读者厌烦。概言之，他是中国在世画家中画价最高的。毋庸讳言，大多数人是因为他画价的惊人而引起对他画作的兴趣。
具有反讽意味的是，大众所关心的画价变化，恰恰是他最不关心的。画价价值连城，他本人却生活简朴，不尚虚华。
在吴冠中先生眼里，艺术市场受到人际关系、利益包装、经济沉浮等人们无法回避的因素影响。市场价格高了，不一定就是好事。同样，价格低了，也没必要沮丧。艺术品的优劣，能否经受住历史的考验，后人往往更清楚，更准确。
庄子曾谓“凡外重者内拙”。吴冠中则如是说：艺术是自然形成的，时代一定会有真诚的挽留和无情的淘汰。艺术市场是一面镜子。但上帝只会关照一心去创作的画家，而不是光照镜子的人。智者所见略同。
一以贯之的认真
早就听说吴冠中先生是较真儿的人：1991年9月，吴冠中整理家中藏画时，将不满意的几百幅作品全部毁掉，此番被海外人士称为“烧豪华房子”的毁画行动，目的只有一个：保留让明天的行家挑不出毛病的画！
不久，笔者便亲身领略了吴冠中的认真劲儿。1993年初，人民日报海外版、解放军报与香港东方艺术中心联合举办“东方杯”国际水墨画大赛，邀请吴冠中，张仃、刘迅、刘勃舒、朱乃正、邓林、袁运甫、王明明、李松为评委。评奖的当天上午，七十多岁的吴先生准时来到人民日报社，穿一身休闲的西服，脚着运动鞋。
第一轮，淘汰不佳的作品。礼堂四壁挂满画作，有的只能放在地上。粗劣不堪的作品自然遭淘汰，但形式不错的也会有同样的命运。每每见到模仿评委画风的作品，评委们都会会心一笑：拿下！所有模仿作品一概落选。模仿妨碍艺术家的真情流露。担任评委会主任的吴冠中给大赛的题词是：“自家真情，勿效东施。”
第二轮，评一、二、三等奖及优秀奖。吴先生认真地审视每一幅作品，远看近观，有时屈膝下蹲审视作品，不时在小本子上认真记录，整整忙碌了一整天。
再后来，我们和公众一起领略了这位艺术家的认真劲儿。对簿公堂恐怕是吴冠中抗争最激烈的方式了。1993年11月，74岁的吴冠中状告两家拍卖公司拍卖假冒他名义的伪作《毛泽东炮打司令部》侵权，要求对方停止侵害、消除影响、公开赔礼道歉，同时赔偿经济损失。最终，吴冠中胜诉。
为何眼里揉不进沙子？艺术家应对历史负责、对未来负责。“骗得了今天的人，骗不了明天的人，”吴冠中告诫人们说。
出入与拖鞋
中国书画之道，深不可测。历代名家非常注重处理好入与出的关系。入，方能领略前人用心处之妙；出，则能运用得透脱。
吴先生曾经形象地概括了处理出入关系的诀窍。他曾这样为青年画家指点迷津：“你一定要穿着大师的拖鞋走一走，然后把拖鞋扔了，在穿和脱的过程中，你就会找到自己。我就是这么走过来的。”哪吒太子析骨还父、析肉还母，方有自我，信然！
喝茶与喝酒
吴冠中先生曾在一次演讲中谈到，如果清朝画家虚谷活到现在的话，他很想请他喝茶。而若张大千、任伯年请他喝酒，他却不愿意去，因为跟他们没什么话好说。以笔者的粗浅理解，虚谷的灵魂在略显生拙的画作中显现了；而张大千、任伯年们却因技术的纯熟而泯灭了自我太多的东西。
变则通，通则久
解读吴冠中无疑是一种徒劳。画家像是一个喜欢玩捉迷藏的顽童，当所有的艺术评论家拿着绳子要把他捆个结实，却发现难以措手：他总在不断地变、动！因为结论往往产生于终点，而吴冠中的艺术追求却没有终点。所有的标签都不适用。如果勉强要下一个结论，只能说，变，不断寻觅表达内心情感的最佳手段，就是他的主线。
吴冠中对非此即彼的思维方式提出了挑战，当他的艺术观点被断章取义为“笔墨等于零”时，有的人期待吴冠中挑起全盘西化的大纛，出乎意料的是，吴冠中强调起当代水墨画与传统文化必要的联系，甚至对西方油画也产生了怀疑，他说，今天他对西洋现代美术的爱好与崇拜之心念全动摇了……
这种变是真诚的，不是投机，是郑板桥所谓的灵苗自探的漫长过程。最终他得出结论：艺术的学习不在欧洲，不在巴黎，不在大师们的画室；在祖国，在故乡，在家园，在自己的心底……
吴先生曾经直率地表示，他所做的就是尽最大的力量把作品创作出来，把自己的感情表达出来。至于是否把不跟外国人走，实行民族化，建立中国自己的面貌等作为中国人创作的标准，都不是重要的。太多的选择会带来太多的负担，无所适从才会最痛苦。他是不管用什么工具，也不会有意搞中西结合，艺术就是不择手段，百无禁忌，一切自有后人评价。真可谓大象无形，大艺无疆！
去年，吴冠中曾在文章中写道：“从艺以来，如猎人生涯，深山追虎豹，弯弓射大雕。不获猎物则如丧家之犬，心魂失尽依托。在猎取中，亦即创造中，耗尽生命，但生命之花年年璀璨，人虽瘦，心胸是肥硕壮实的。”自评新作道：“反刍之草，沧桑味苦，却更接近人生真味。思往事，往往更概括，更突出了某处眉眼，画面随之而呈现简约，强调创痛，呈现无奈——人生之曲，不凭音色悦耳，当亦有未老、将老或老之知音。”吴先生曾说过“一切艺术不止于音乐，而进于诗，诗更蕴人情”。观其近作，令人不禁想起晚年的八大山人，可谓异代同心、一脉相通！
·其他
吴冠中是学贯中西的艺术大师，几十年来，他一直探索着将中西绘画艺术结合在一起，被国际艺坛认定的20世纪现代中国画的代表画家。他提出"风筝不断线"的创作原则，坚持有自然根据的感觉抽象和油彩墨彩的轮转间作，尝试西方形式结构同中国意境韵味的有机结合，构成了独特的"自然--形韵"新体系。
“大嘴事件”老人讲了真话
年高89岁的画家吴冠中近日开讲，他说：美术界大部分画家的文化水平都不高，他们的作品情怀和境界上不来；美协和画院就是一个衙门，养了许多官僚……从中央到地方，养了一大群不下蛋的鸡；(人事派别之争)导致几十年里中国美术实际上没有什么发展和创见，美术成了政治的工具，艺术活动就跟妓院一样；在这样一个泥沙俱下、垃圾箱式的环境里，艺术家泛滥，空头美术家、流氓美术家很多，好的艺术却出不来了；现在的问题，不光是艺术教育，还有艺术场馆、大赛评奖、市场，全方位都有问题，而问题的背后，其实就是一个体制问题；中国当代美术水准落后于非洲……(《南方周末》1月10日)
这些带刺的话语，响亮地激荡着耳鼓。老先生真是敢言，敢言人之心中或许都有却未必能够说出来的话。美术家的情怀问题、美术团体有否必要存在的问题、艺术的身价问题、创新问题、艺术家的命运问题——问题意识在艺术家渐渐老去的时候，真实地浮现出来，并以这样的一种强烈的措辞方式表达出来，让人感佩，让人叹息。
不谈具体的作品，也不论其是不是懂得中国文化，仅就吴老先生上边谈到的诸多问题，我相信，这些问题确实是困扰并将继续阻挠中国美术发展的桎梏。也可能，老先生的某些见解有些偏颇，比如把画院美协统统比做妓院，说得有些痛快有些过火。但某些见解的激烈掩盖不了思想的光芒，或者干脆说，很多话之所以强调到极致，就是要以这样的“过度表达”来引起注意。从什么时候开始，我们的耳朵变得娇嫩起来，不再能够听得了“不一致”的意见？艺术云者，不就是在不断地坚持与抗争中生发、成熟起来的？如果连允许质疑的勇气都没有，最多只配做一个独裁式的“艺术家”。
观诸吴冠中“大嘴事件”，我尤其感兴趣的是，为什么像这样应该成为常识的大实话，要一个已经89岁的老人来激烈地表达？而且老人在表达时，不自觉地表现出壮怀激烈的意味。那些青年才俊哪里去了？那些中年精英哪里去了？大家既然已经投身艺术，为什么不能同时投入一份热忱、投入一份责任在其中呢？联想 2006年、2007年陈丹青先生关于美术教育方面措辞激烈的批评，我们这些平凡的人激动之余，往往也看到了这个领域的空泛和苍白。
其实，诸如上边的提问，也不过是聊以自慰的说辞而已。大家都在利益的局中，真正愿意打破平衡的，只能是无所顾忌的那些人，不再打算在这里混的那些人。陈丹青，原本就是海归，与国内美术圈子若即若离；而吴冠中，一是“我都这个年纪了！”二是人家本身就是法兰西院士，跨国的。
几乎可以想见，吴冠中的这些言论会使他招致如何猛烈的还击——那样的情形，在他此前抨击美协画院的时候，实际上已经预演过一次了。尽管那一次美协领导人的回击过于拙劣，居然以如果取消了美协，政府安排的大画将何以组织来应对，但毕竟表明了态度。这一次，可能因为话语打击面更大，因而招致的回应可能更大更激烈。也好，早就应该撕破这样的一团和气了，吴冠中说得好，创新不能讲和谐。不然，如何发展？
