中西方艺术设计的观念是怎么样发展的

西方的现代艺术发展的开端是1977年，设计师协会的成立标志着设计成为一门新的学科，从工艺美术运动开始的。后来经历了新艺术运动，装饰艺术运动，现代主义运动，以及现在的后现代主义，各个时期的设计观念都不同，有的时期讲究复古，有的时期讲究几何图形，有的时候讲究曲线，但大都是为大多数人服务的，而中国的发展就要追溯到先秦，其中易经就是中国文化的发源，不知对你有没有用，，，，

现代设计流派纵横谈

设计产生以来，人们无时不刻不在探索新的设计，但在这些过程中，仅有少数人的行为或成果成为“流派”。因为它们首先意识到了社会的发展方向并作出了顺应历史潮流的探索，这样，他们的成果才被人们接受，被历史承认。所以说，设计是时代的产物。同时代的设计和建筑、绘画、音乐、甚至于人的生活方式都是环环相扣的，新思想无论从哪个方面开始突破，都是代表未来思潮和发展方向的。设计先驱首先应该是思想先锋。

当然，必须性只是一个方面。灵感迸发火花的偶然性常常为必然性开辟道路。

一般来说，东方人重感性而西方人重理性，这也是近代科学都出自西方的原因之一，西方人喜欢用统计、计算、归纳、演绎或综合来分析事理，而中国人偏爱吟诗作赋思维无边联想，以求感性收获。但是，在设计史上，西方即有重理性（例如包豪斯）也有重感性的（例如工艺美术运动）的阶段。

庄子《天地篇》有一故事曰：子贡自南方北返，路遇一农夫，以瓮取水灌田，子贡遂问他“你为何不用桔槔呢？一天可灌溉浇园上百畦，事半功倍，又很省力。”农夫答曰“我并非不知，只是使用机械必有机心，人一有机心，使会失去纯真。”这是中国古代哲学“顺其自然，天人合一”的典型体现。庄子担心人类会失去感性天性而论为机械的附庸，这与莫里斯蔑视和反对机械生产的科技理性的工艺美术运动理论何其相似，他们认为脱离了人的天性思想和手工创造的机器工业生产是不能有出路的，只有使用传统的自然材料。从大自然中汲取营养，才能将人类设计美学发扬光大。

但是，历史的车轮是滚滚向前的，“以瓮取水灌田”虽精神清高，但终究难饱肚子，西方人物文明至上，新技术的出现无疑加速了物质文明的发展。丰富了人类的需要。也逐渐被人接受。新艺术风格出现了，它并不否定工业化所带来的深远影响，但又是崇尚自然的，新艺术的最典型纹样都是从草木抽象出来的，其理想是向大众提供一种充满现代感的优雅。接受机械化并继承工艺美术运动的某些思想，新艺术终于在欧美遍地开花。

但是，西方人最大的特点就是理性。说到理性，有一个国家不能不提，那就是德国，德国文化对整个西方文化的影响是深远的，在西方文化大厦的结构中如果拆除德国，那么大厦将无法站立。要不是第二次世界大战，德语也会象英语、法语一样在世界各地生根发芽。工业设计真正在理论和实践上的突破，来自德国。

1907年成立的德国制造联盟开始探索设计与工业的有机结合，穆特修斯和威尔德都在理论上有所发展，联盟设计师贝伦斯更是在实践中将工业与艺术完美结合，成为一代设计先驱。

新技术不断震撼着古典美学的基石，终于在20世纪初诱发美术革命，产生了机器美学以适应世界的飞速发展，立体主义、未来主义，表现主义以画笔抨击了“为艺术而艺术”的信条，崇拜科技并主张基于科技来创造和理解艺术。“春雨欲来风满楼”，设计变革的春雨从哪迸发出来呢？

德国不愧为理性主义的堡垒，20世纪年代德国包豪斯学校引爆了用理性思考取代狂热梦想的设计思想的重磅炸弹。它的冲击波已经震憾了整个地球，更重要的是它冲进了人们的头脑。其理论成就获得一个高规格的称呼：“现代主义”，代表了整个古今时代设计精髓的融汇，“后现代主义”、“有机现代主义”都是以它为参照物的的反义或同义的衍生物。包象斯深奥的抽象美学所体现出来的严峻、简练、少装饰成为一种高审美水准的象征。说到德国，其国民对信念的执着可谓“高处不胜寒，无敌真寂寞”。无论世界设计思潮风云变幻，一日千里，德国理性主义思想总是“任凭风吹浪打，我自巍然不动”，即使是在高技派、高情感、反设计、交织错落的当今“后工业社会”，理性主义仍在设计风云录上占有一席之地。其典型代表就是德国电器巨擎布劳恩公司，1951年Artur Braun和Erwin Braun兄弟接管了父亲的公司，自从聘请了拉姆斯（Dieter Rams）等年轻设计师成立设计部以来，“秩序、和谐、经济”的设计法则一直沿用到今天，布劳恩不盲从奇异的所谓“时尚设计”，而认为设计的深化应该是有技术根据并是逐渐的。布劳恩的产品售价比同类的日本、香港货高出数倍却仍倍受到欢迎，是因为它给人的是出色的质量和高品位、严谨的艺术象征。

德国式的理性也有德国人试图打破，其中就有“设计怪杰”科拉尼，他的设计造型自由，具有强烈的仿生意味和变化意识。其实，科拉尼本身就是空气动力学专家，他的许多运输工具设计看似怪诞却是有其空气动力学的理论依据的。

现代主义设计是以批量销售的市场为前提的，设计师逐渐意识到从个人主观的艺术感受出发的设计并不能满足大众的需要，为了适应各类消费者的需要，设计师个体的狂热个性逐渐被克制住了，设计演化成一项集体的活动，变成美学、人体工程学、心理学、生理学等科学互相妥协的结晶，这就是理性主义与“无名性”设计。

设计的发展终究跳不出“辩证法”这一如来佛的手掌，否定之否定规律，螺旋上升规律对设计风格的变迁仍是十分贴切的，现代主义的冷漠被人厌倦之后，20世纪50年代以斯堪的纳维亚设计为代表的“有机现代主义”以其非正规化、人情味和轻便、灵活开始兴盛。60年代的“新现代主义”似乎为设计界吹进了新鲜空气，其实也是20~30年代现代主义的换汤不换药地继承发展，它推崇几何形式和机器风格，与现代主义不同的是新现代主义更注重几何形式的抽象美和高品位。当然，从社会变迁的角度看，商业办公机构的发展对秩序、冷漠、严肃格调的要求也为它推波助澜。

与新现代齐头并进的还有“高技术风格”。它不仅仅是理性科学的体现，而且在感性的美学理论上大胆地夸张高新技术。高技术派对采用日新月异，一日千里的高新技术表现出极高的乐观和崇拜。有机现代主义是探索如何使现代主义的冷漠刻板更具情趣和人情味以使其更适于有血有肉的人。而高技派则认为人应该抱着对高新技术无比乐观的态度去适应高新技术及其深远的社会影响。1976年，英国建筑师皮阿诺和罗杰斯的设计的蓬皮杜国家艺术与文化中心震动世界，它不仅坦率地暴露了结构，而且把电梯、水电空调系统的管理都装在幕墙之外，并且涂上鲜明的颜色加以区分，造成一种令人嗔目结舌的视觉感受。当时的高技术风格的家电的技术含量被大大夸张了，面板上控制键和显示仪表密布，看上去象尖端科研使用的专业仪器。高技风格在反传统，纯技术方面走向了“根限主义”。

物极必反，高技风格产生的同时，POP风格闪亮登场。POP以追求形式异化。风格鱼龙混杂，同时强调视幻效果和光怪陆离，讲究趣味恢谐奇异，甚至借用风格牛马不相及的人和物品形状来进行设计，终于走向了形式主义的极端。但是，它们出现又预示着设计史上的狂风暴雨即将来临。

1966年，美国建筑师文丘里出版了《建筑的复杂性与矛盾性》一书，是后现代主义的战斗檄文。它用“少就是乏味”代替“少就是多”的现代主义名言，它与现代主义绝非一脉相承因而最直观的名称应该叫“反现代主义”。后现代试图用文脉主义、引喻主义、装饰主义来重建被现代主义湮没了历史和传统。

就象理性的包豪斯只可能在德国出现一样，激进的后现代设计组织“孟菲斯”只可能在意大利出现。这正如严谨、高质量、高性能的奔驰房车出生在德国而意大利则是“新奇、刺激、高品味”的法拉利跑车的故乡。激进设计（Radical designs）把理性主义设计观当作发挥个性风格的障碍抛到了九霄云外。自称“反设计”（Anti-Design）。激进的“孟菲斯”的出现虽然与意大利当时的工业现代化程度和经济状况有关，但最重要的还是意大利富有激情的民族特性。意大利拥有世界上最火爆的足球市场,足球及相关产业已占到意大利整个经济馅饼的十分之一，这与意大利球迷乃至整个民族的强烈激情分不开的。60年代开始，激进设计组织开始涌现。但风格不够鲜明，影响不大，尚未形成气候，1976年成立于米兰的阿契米亚画廊又将激进设计向前推进了一大步，其成员有索特萨斯（Ettore sottsass）曼地尼(Alessandro Mendini) 等，可谓人才济济。但它仅停留在“画廊”的文化活动层次，没有产品设计实践。真正功成名就的是1981年成立的孟菲斯设计集团。它的设计准则是所谓的“Kitch”,kitch是德语词汇，其含义大致指浅薄、新奇、时髦、眩烂等。孟菲斯是从感性的人文角度出发而不是从科学的理性开始设计。无论从材料、形态，色彩上都故意打破常规，以乐观、喧闹的态度直面人生，同时它又不仅象看上去那样天真滑稽，许多孟菲斯作品中暗含着动物、人形的隐喻。设计师的设计不是肤浅随意的，孟菲斯作品常常被试图赋予于某种生命的灵性。

20世纪以来，由于科技的突飞猛进，经济发展一日千里，所以尽管也有人宣扬核恐怖或机器奴役人类的技术悲观主义思潮，但技术乐观主义还明显地占了上风。但是，从60年代起，科技的负效应日益显露，因而又引起人们的关注。1962年，《寂静的春天》出版，描绘了污染使春天的死一般沉寂的景象，深深地震憾了人们的思想。1972年联和国人类环境会议发表《人类环境宣言》。人们开始意识到正确处理人与科技的关系，保护环境的迫切性。

“高技派”一味炫耀技术的伟大，认为技术是至高无上的，它的缺点逐渐被人们认识，人们开始通过人本思想来正视科技，有的前卫设计师甚至开始批判对科技的盲目乐观态度。于是，所谓的“超高技设计”应运而生，“超高技”是与“高技派”对立的异化物，将技术当作一种符号加以嘲弄和挖苦。伦敦的“独体集团”(one off)的骨干分子隆?阿拉特(Ron Arad)于1980年设计了一套“混凝土音响”将现代高保真电器装置在从废弃工地上捡来的混凝土块上，以颓废的形式来讥讽对高技术的盲目崇拜。“超高技”的技术悲观思想注定了它是短命的。它的作品与生活距离太远，但它的意义不在于它的作品，而在于它的精神为盲从科技的人们敲响了警钟。

同时，在设计风格上，后现代主义“宁可丰盛过度，也不要简单贫乏”理论同样受到了责难，朴素的美学观又在对繁复设计的批评声中开始成长。但是，这一次提倡简洁的设计思潮其实质不象包豪斯那样“非常理性”，其中包含了强烈的感性因素，正如《易经》认为朴素的自贲是复归于平淡，是最高境界的美，平淡素静比华丽繁缛更加崇高。江南才子郑板桥有诗云“一两三枝竹竿，四五六片竹叶，自然疏疏落落，何必重重叠叠”。体现了“少就是多”，“少能胜多”的高雅审美价值观。20世纪80年代后期以来，极少主义（Minimalism）从近乎混沌的众多流派中脱颖而出，它较之现代主义表现出更为强烈的感性精神追求，它不仅是一种设计风格，而是一种生活方式，物质享受为中心的价值观被抛弃了，物欲被淡化了。极少主义追求清心寡欲以换取精神上的高雅与富足。这种思想与靠消费支撑起来的资本主义经济秩序是格格不入的。“节约是美德”仅出现在战后经济复苏期。然后以“消费是美德”振兴经济。在产品大量积压，经济停滞时期，有人甚至提出“浪费是美德”。实际上，极少主义是一种极端的形式主义，崇拜“干净利落”到了不惜代价的程度，比如说室内设计没有门框，没有踢脚线和地板，一切必要的细部均毫不留情地“枪毙”。这样的极端思想反而大大增加了施工难度以及对高性能材料的要求，变成一种“浪费”。极少主义的思想家有英国的波森和赫斯特等。毕竟，极少主义思想过于“超凡脱俗。”响应者为数甚微。

无独有偶，以迈克?格雷夫斯（Michacl Graves）和迈耶（R?Meier）为代表的“白色派”（The whiter）也是这种思潮的代言人。但它以极少的直线语言来表现丰富的空间形式。它与“兼收并蓄”的后现代主义仍是水火不相容。工业设计产生以来不变的话题“简洁美”又有了一个新的诠释。

在设计形式，设计风格上，多元化的格局已经形成，没有哪一种流派能够一统天下，也没有什么权威去剥夺某些流派存在的权力。理性与感性是天平的两端，它们谁也不能压倒谁而趋向于某种平衡。最近出现在汽车设计上的“新锋锐”风格就将符合空气动力学的流线型与刚挺有力度的“硬线条”结合在一起。实现了感性认识、理性推理的协谐。成为造型设计形式的新引导趋势。总之，当今时代多元化的形式之间只有主流和非主流之分。“高科技”转化为“高情感”，“改造自然”转变为“适应自然”才是未来设计的主题。

参考书目: 何人可 <<工业设计史>>

1995~1999年 <<设计新潮>>

王受之 <<工业设计史>>

(美)汤姆沃尔伏 <<从包豪斯到现在>>

中西方设计文化建筑材料、建筑布局、设计理念上存在差异。具体如下：

1、建筑材料不同

我国古典建筑是以木材来做房屋的主要构架，属于木结构系统，因而被誉为“木头的史书”。西方建筑则是石材为主，西方建筑的“基本词汇”是柱子，即那些垂直向上、顶天立地的石头。中西方的建筑对于材料的选择，除由于自然因素不同外，更重要的是由不同文化，不同理念导致的结果，是不同心性在建筑中的普遍反映。

2、 建筑布局不同

从建筑的空间布局来看，中国建筑是封闭的群体的空间格局，在地面平面铺开。中国无论何种建筑，从住宅到宫殿，几乎都是一个格局，类似于“四合院”模式。中国建筑的美又是一种“集体”的美。

与中国相反，西方建筑是开放的单体的空间格局向高空发展。以相近年代建造、扩建的北京故宫和巴黎卢浮宫比较，前者是由数以千计的单个房屋组成的波澜壮阔，气势恢宏的建筑群体，围绕轴线形成一系列院落，平面铺展异常庞大；后者则采用“体量”的向上扩展和垂直叠加，由巨大而富于变化的形体，形成巍然耸立、雄伟壮观的整体。

3、 设计理念不同

中西方设计文化的区别反映了中西方制度文化、性格特征的区别，体现了中西方物质文化、哲学理念的差异。中国建筑强调的“天人合一”是对人与自然关系的揭示，自然与人乃息息相通的整体，人是自然界的一个环节；西方人强调的是，在人与自然的关系中强调人是世界的主人，人的力量和智慧能够战胜一切。

以我不专业的角度来看

西方人的思维活跃跳脱，比如广告设计，他们会把广告做得比电视剧还有趣，需要打广告的产品有可能只变成一个配角（在我们看来），很多人喜欢看。而中国广告可能经常就会觉得大同小异，因为多数人的设计思维都从产品出发，怎么样赞美商品、使观众喜欢上这件东西、对这件产品有信心是设计者的目标。其实我觉得这样也符合我过国情吧，要提高销售与生产……

西方人思维想法都很活泼大胆，有挑战性，有激情。东方人则注重神韵，喜欢严谨细腻，但我们现在距离“水墨画”的时代已经渐渐的远了（当然大家还是不要忘了国学啊~），距离真正的神韵与内涵也远了，于是有时候就两边都碰不着----神韵不足又不够创意。东方设计者的思维要更大胆跳跃又不失自己独有的细腻，还需要时间。。

后现代主义源自现代主义但又反叛现代主义，是对现代化过程中出现的剥夺人的主体性和感觉丰富性的整体性、中心性、同一性等思维方式的批判与解构，也是对西方传统哲学的本质主义、基础主义、“形而上学的在场”、“逻各斯中心主义”等的批判与解构。代表人物主要有美国的理查德·罗蒂（1931-2007）、法国的雅克·德里达（1930--2004）和让-弗郎索瓦·利奥塔（1924-1998）。 后现代主义（Postmodernism）是上世纪七十年代后被神学家和社会学家开始经常使用的一个词。起初出现于二、三十年代，用于表达“要有必要意识到思想和行动需超越启蒙时代范畴”。后现代主义认为对给定的一个文本、表征和符号有无限多层面的解释可能性。这样，字面意思和传统解释就要让位给作者意图和读者反映。

额 我考研 的资料 花钱买的..... 具体书名和作者 我就不透露了

艺术设计讲义

第一讲 艺术设计的定义

20世纪 美国设计师罗维创立艺术设计中的流线型风格。飞机、汽车、舰艇等

美国艺术设计师德雷福斯1937年设计的现代电话机原型

环绕我们生活的美也包括造物的美。造物世界是艺术设计的世界……

一、 艺术设计观念的历史发展

艺术设计（design），并不是对象的全部设计，而只是对象的艺术方面的设计。

艺术设计是现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐的结合起来的设计。作为一种职业，它在20世纪初期诞生和形成。其理论的基本问题是生产和艺术、效用和美的关系问题。

（一） 中国艺术设计观念的形成

1、春秋时代的文献中，有很多记载涉及到艺术设计的观念。《老子》、《论语》、《大学》

2、战国时期的《考工记》是我国第一部论述手工艺技术的著作，是我国古代技术史最重要的文献。在我国器物制作史上产生了重大影响。1、它总结了我国古代的器物制作经验，制定了器物制作的基本原则。2、它包含着丰富的艺术设计观念。以车为例，它关于车轮、车厢、车盖和其他部件的制作原则都充分体现了形式遵循功能的观念。车轮的制作要使使用者感到舒适，用现代术语说，要考虑到人体工程学因素。木车的制作还要考虑到文化象征意义。

3、明朝宋应星《天工开物》集中国传统文化和科学技术于一身，“天工开物”史“天然界靠人工技巧开发出有用之物”这四个字集中体现了中国传统的造物思想。

4清朝康熙年间李渔《闲情偶寄•器玩部》中的艺术设计观念。他把器物看做感情的寄托。他善于通过排列布置，使无情之物变为有情之物。这样看待器物，就是造物在手而臻化境矣。

（二） 西方艺术设计观念的

1、 古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工业、农业、医药、骑射、烹调等。艺术和技术是不同的然而相互补充的活动。

2、 苏格拉底 产生了美和效用的关系问题，苏格拉底把美和效用联系起来，认为没必定是有用的，衡量美的标准就是效用，有用就美。有害就丑。

3、 柏拉图 区分了绝对美和相对美。他称现实事物的美是相对美，而抽象形式如直线、圆平面和立体的美就是绝对美，是永远的美和为美而美的美。

4、 西塞罗继承了苏格拉底关于美取决于功用的观点，认为有用的事物就是美的事物，并把这种观点运用到动植物和艺术中。区分出有用的美和装饰的美。

5、 古罗马维特鲁威《建筑十书》论述了造物活动中没和功用的关系。提出了建筑的主要原则是“坚固、适用、美观的原则”。形式美和功能美要保持某种平衡。

6、 奥古斯丁 区分出自在之美和自为之美。自在之美是是事物本身的美，自为之美是一个事物适宜其他事物的美，包含着效用和合目的性的因素。对艺术设计的启示是艺术设计都是有对象的设计，他应该针对消费者的实际需要。

7、 达芬奇 文艺复兴时期的设计的一些产品，体现出艺术和技术的内在的统一。

8、 18世纪西方美学家看到美和效用之间的联系。

9、 19世纪，随着艺术家对生产过程的介入，器物的设计和制作也被看作是一种艺术。

二、 设计活动中的艺术设计

设计作为一种人类有意义的活动，其含义是在正式做某项工作之前，根据一定的目的要求，预先制定方法图样等。

设计的两种表现形态：1 他只是生产过程的内部因素，没有从生产中脱离出来，产品的原型保留在生产这儿的头脑中，生产者也就是设计者。2 设计是相对独立的活动，生产者根据设计师预先设计的图纸进行加工。

设计和生产的关系：1 设计和生产相适应，他们是一种统一的行为 2 设计适应生产 3 设计独立于生产，但对生产的影响很小，4 设计独立于生产，并对生产产生重大影响，以至于生产服从于设计

艺术设计

三 艺术设计和自主创新

（一）艺术设计的复杂性和变易性

艺术设计的复杂性表现为，它具有多种类型和模式。类型的多样性，既取决于各国社会经济结构和工业发展水平的差异，又取决于艺术设计对象的差异。艺术设计活动的复杂性和综合性，决定了艺术设计理论的复杂性和综合性，涉及哲学、社会学、美学、艺术学、经济学、文化学、人体工程学、工艺学等领域。

艺术设计的变易性也很明显。最初它作为建筑的一部分，最有代表性的是“包豪斯”（意即“建筑之家”）的成立。后从欧洲移植到美国，20世纪30－40年代，独立于建筑而得到发展。美国的艺术设计主要是商业性艺术设计，以追求商业利润为目的。在风格上，它同式样主义处在密不可分的统一中，但游离于功能之外改变产品形式。50－60年代，德国乌尔木高等造型学校尖锐地批评了美国艺术设计的式样主义，使艺术设计摆脱式样主义。艺术设计逐步成为既不依赖建筑、又不依赖式样主义的一种独立的活动。

（二）艺术设计是企业集成创新的重要途径

2005年12月举行的中央经济工作会议指出：“要把增强自主创新能力作为科学技术发展的战略基点和调整产业结构、转变增长方式的中心环节。” 自主创新有三种方式：原始创新，集成创新，引进消化吸收以后再创新。基于艺术设计的以上特点，我们认为，艺术设计是企业集成创新的重要途径。

艺术设计作为集成创新，有如下特点：

1．艺术设计具有原型或原生材料，也就是说，它具有供集成的客体。而供集成的客体，不仅可以是同一种类或者相近种类的物体和现象，而且可以是比较疏远的种类的物体和现象。不同领域的客体可以组合，甚至不是整个客体、而只是客体的一部分、或者作用原则、功能特征、知觉特征也可以集成为新的统一体。

2．艺术设计具有明确的目的性和强烈的功利性。发明与此不同，它往往是意想不到地产生的，或者是长期实验的结果。如：苏格兰人贝尔发明电话是原始创新，美国人德雷福斯设计了电话机的现代款式是集成创新。

3．艺术设计起着进步的加速器的作用，起着某种技术催化剂和社会催化剂的作用。它把科学家和发明家所获得的发现、规律、原则、材料用于具体的现实，使它们进入工业、技术和日常生活中。

4．艺术设计在集成创新时产生出质量效果。如：赋予产品以美和舒适的属性。

第二讲早期工业时期的艺术设计

艺术设计作为一种职业，产生于20世纪初期。英国人威廉•莫里斯和罗斯金被后人追溯为艺术设计的先驱者。在19世纪末期发生的手工艺设计向工业艺术设计的过渡中，德国建筑家泽姆佩尔起到重要作用，德国艺术工业联盟则实现了这种过渡。受到德国艺术工业联盟的影响，英国和法国早期的艺术设计也得到发展。

罗斯金是英国艺术理论家、画家、诗人和政论家，属于英国浪漫主义晚近的一代。

他提倡复兴“富有创造精神的”中世纪手工艺。作品《建筑的七盏明灯》论述了建筑和装饰的设计原理，肯定“装饰是建筑的首要部分”，呼吁工业化的英国回到中世纪。

作为一位道德学家，罗斯金关注艺术和技术相互作用的伦理方面，从道德主义立场批判资产阶级社会。

英国19世纪中期形成的两种审美思潮——道德主义和唯美主义中，罗斯金作为道德主义的代表，认为审美和伦理是同一的，强调美的道德性；要求艺术具有高尚的道德内容，认为作品的艺术价值直接依赖于它所体现的思想的意义；丧失了美就同时意味着丧失了道德。罗斯金主张，倒退到手工生产中去。他并不反对技术本身，而是反对伴随技术所产生的资源严重消耗和自然环境的破坏。基于这个原因，罗斯金严肃批评了当时著名的建筑“水晶宫”，认为它的固定，彻底破坏了自然景观。

罗斯金以文化学态度看待艺术现象，强调像阅读弥尔顿或但丁那样“阅读”过去时代的建筑。他在手工劳动中看到创造因素，并把这种劳动诗化。他是第一个始终不渝地把艺术、劳动和道德因素联成整体的人。

威廉•莫里斯是罗斯金的观点的最早支持者之一。

关于19世纪下半叶建筑和实用艺术发生衰落，莫里斯总结了两点：首先，资本主义只承认带来商业利润的产品是唯一的价值，制造商由于采用机器，因而能够用同样的工时和成本生产多得多的廉价产品，导致产品艺术质量下降；其次，追逐利润的物质生产的增长导致劳动分工，丧失了劳动的创造性。他认为，每个历史时代艺术性质的决定因素是作为该时代基础的劳动的性质。

莫里斯把罗斯金的思想付诸了实践。莫里斯的结婚新居“红房子”力求接近中世纪后期的风格。如采用了某些哥特式细部――尖拱顶、高坡度屋顶等。“红房子”不仅影响了私人住宅的设计，而且成为对人栖居的环境进行整体安排的范例。

莫里斯参与创办手工艺研究同业行会――英国最早的设计协会之一。他主张把手工生产和机器生产相对立，同时他对产品结构十分关注。

莫里斯把当时英国人不喜欢公开谈论的私人住宅和居住环境问题变成讨论的对象。他建议采用风格轻盈的室内装璜、明亮和色彩鲜明的墙纸、新的灯具和家具。1866年展出的“绿客厅”是未来室内装璜的实验设计，和“红房子”一样获得广泛的知名度。莫里斯以此表明艺术家参与环境设计的可能性。

在艺术理论上，莫里斯重新评价装饰实用艺术和手工艺在整个艺术体系中的地位。如果说罗斯金注意过去时代建筑的历史方面和艺术方面，那么，莫里斯则把手工艺确定为艺术的基础。在他看来，其他各种造型艺术是从手工艺中产生和发展起来的。莫里斯认为，任何人都能够从事艺术创作，就像能说话一样，虽然造型艺术创作要求特殊的技能，要求学习艺术语言。所有的人都应该被吸引到艺术创造的活动中来。

在美学理论上，莫里斯主张，每一代人都把人类所积累的文化当作遗产来接受他们知觉美和在劳动中体现美的艺术才能差不多是相等的。而各代人之间的差异在于表现他们才能的形式。例如，在中世纪很多人都从事艺术创作，因为他们生活在自然经济中，要为自己和周围的环境制造物品、建筑房屋。

新艺术运动

“如同英国的艺术与手工艺运动一样，欧洲大陆的新艺术运动具有复兴手工艺与装饰艺术的优点。毫无疑问，艺术与手工艺运动在追求质量坚实可靠和形式简练朴素之外，还追求比新艺术运动更高的道德价值。艺术与手工艺运动代表一种为社会尽职的行为，而新艺术运动在本质上是为艺术而艺术。”

如果艺术与手工艺运动热衷于复兴中世纪艺术，那么，新艺术运动从大自然中吸取创作灵感。他们以日常生活作为艺术的对象，观察自然中昆虫、植物、动物的外在形态，从中提取设计元素，发展曲线美的设计。

新艺术运动深受王尔德唯美主义美学的影响。唯美主义者按照“纯美”的原则安排生活，主张为了美的体验而对美进行体验。如：巴黎一个地铁入口采用金属铸造技术，模仿扭曲的树木枝干和蜿蜒的藤蔓，显得典雅而浪漫。

二 德国艺术工业联盟

（一）泽姆佩尔

20世纪初，泽姆佩尔“对同样也重视物品纯粹目的的德国应用艺术运动有强烈的影

德国的泽姆佩尔在《科学，工业和艺术》一书中阐述了工业生产领域中艺术创作的衰落，主张通过改革艺术、研究和普及器物世界的美来改变现存状况。泽姆佩尔专门研究了科技进步成果和这些成果的审美利用之间的中间环节。他认为，这种中间环节就是形式，它形成了物质文化领域中艺术活动的特征。器物形式既取决于它所由制作的材料，也取决于体现原初构思的手段，以及影响某些形式形成的生产因素。

《技术艺术和结构艺术中的风格，或实践美学》：研究了艺术中造型的历史规律，阐述了形式对功能、材料和制造工艺的依赖。泽姆佩尔的实践美学是19世纪中期欧洲文化的一部分，带有明显的实证主义色彩。借助风格的概念，泽姆佩尔指出了消融在艺术史中的原初形式和经常变化的象征形式之间的关系。而原初形式的决定因素有两点：一是器物的物质用途，二是器物制作所使用的材料。他的风格理论成为19世纪中期欧洲创立新建筑语言最有效的工具之一，这种语言的特征就是强调建筑基本结构符合社会任务的功能。

（二）德国艺术工业联盟

德国艺术工业联盟成立于1907年，它的成立和反对青春风格等艺术流派有关。

德国的青春风格与奥地利分离派的观点一致。青春风格源于希尔特于1896年1月1日在慕尼黑创办的《青春》杂志。该杂志声称“摆脱任何狭隘的观念，研究艺术问题和生活问题”。杂志封面饰以奇异的波形线条和花鸟图案，图案中间一些半裸的美女头发松散，姿态娇纵。杂志的波形装饰字体成为新风格的特征。

在青春风格和分离派的影响下，德国和奥地利的大量建筑都装饰了奇异的自然图案。这派艺术家制作的家具中，腿和靠背的线条明显弯曲，吊灯和台灯的金属部分和灯罩使人想起植物的图案。他们十分注意原材料的美，强调原材料加工的高超工艺，直接模仿自然界——大地、水、风、飞禽、走兽、植物的那些结构原则和形式原则。

在批评装饰和否定青春风格、分离派观点的背景中，为了讨论技术产品形式的审美本质和标准化对艺术发展的影响，德国一些建筑家、艺术家和工业家把艺术兴趣和研究对象相同的人联合起来，这种想法得到德国官方机构的支持，于是，德国艺术工业联盟成立。它是艺术和工业、艺术家和工业家的联盟，基本目的是追求产品的质量以及最好地体现这种质量的形式。

德国艺术工业联盟受到罗斯金和莫里斯的影响。其章程指出：“艺术工业联盟的目的是通过艺术、工业和手工艺的共同努力，提高工业产品的质量，并且宣传和全面地研究这个问题。艺术家、工业家、生产问题专家、以及‘候补会员’可以成为联盟的会员，整个团体和机构可以被接受为‘候补会员’。”艺术工业联盟首先在德国产生与当时德国产生了世界上第一批大型垄断组织有关。在垄断组织中，形成了艺术家和工业家的牢固联盟，展示艺术任务和生产任务新型的相互关系。由于许多著名企业家的加入，艺术工业联盟影响极大。它吸引了大批有才能的艺术家从事工业工作。

德国艺术工业联盟的颠峰之作是1927年在斯图加特举行的怀森霍夫住宅展览会，形成了新的住宅概念，从房屋到咖啡杯的一切物品，都处在统一的风格中。

德国艺术工业联盟公开追求商业目的，它的活动提高了工业产品的质量，增强了德国工业产品在世界市场上的竞争力。

三 英法早期的艺术设计

（一）英国早期的艺术设计

英国于1915年成立了艺术设计和工业协会。它的成员有艺术设计师、工业家和商人。它的工作包括举办展览，争取订货，制定艺术设计工作评价标准等。它编辑、出版有影响的报刊，这些报刊详细研究了英国艺术设计实践；组织讨论艺术设计和建筑著作的书评。

英国工业艺术家协会成立于1930年。最初是由若干艺术经理和所选举的委员会领导的团体。它的作用在于协调与客户和其他创作团体的联系，这些创作团体包括：英国皇家艺术协会、广告艺术家协会、国际艺术家协会、英国建筑家协会。它没有自己的杂志，在各种专门的和一般的艺术刊物上发表文章，阐述自己的立场。

英国20世纪上半叶最重要的艺术设计理论家里德，其代表作《艺术和工业》对英国艺术设计界当时最关心的艺术和工业的关系问题作出总结。

该书分为“问题的提出：历史方面和理论方面”，“形式”，“色彩和图案”以及“工业时代的艺术教育”四个部分。全书的主要观点为：（1）近百年来，人们一直试图赋予工业产品以审美外观。这通常会提高产品的造价，对劳动生产率产生负面影响。装饰成为一种奢侈。不应该使工业产品适应过去手工艺的审美标准，而应该制定符合现代生产方法的新的审美标准。（2）艺术在其历史发展中是完整的，但其具体形式不断变化。为了消除艺术和工业之间的矛盾，不仅要考虑到现代生产的要求，而且要理解艺术创作的本质。艺术赋予材料这样一种形式，它在情感上或理智上吸引人的注意，并激起人的感情。这表明艺术形式的作用具有普遍性。（3）新材料的运用，建筑的革命，交通和通讯的更新，这一切提出了生活环境改造的许多问题。生活环境应该具有统一的风格。有人也许会认为美和艺术完善的问题会花费过多的精力和时间。（4）能否以艺术创作的尺度看待工业产品？为了回答这个问题，里德主张把艺术分为两种：人的艺术和抽象艺术。在人的艺术中，人的意义占主导地位，艺术形式是理想和情感的传播者。在抽象艺术中，注意力不集中在理想上，而集中在形式上，形式直接诉诸人的审美体验。

（二）法国早期的艺术设计

法国20世纪前期艺术设计最重要的代表是柯布西埃，美学家苏里奥则是一位重要的艺术设计理论家。

柯布西埃出生于瑞士一个钟表雕刻工家庭，在法国接受过艺术教育。他把现代技术成就同形式和造型结合起来，在住宅和公共设施中展示了现代设计的各种可能性。自1917年起定居巴黎。1918年他和法国画家奥藏方一起制定了纯粹主义理论，试图把经济和机器时代的规则引人绘画，简化地勾画日常生活用品（多为家庭用具）的线条轮廓。他认为，人栖居的现代环境包括城市建设、建筑和产品世界。

在《城市建设》中，柯布西埃描绘了理想城市的图景。摩天大楼创造了垂直的城市，直指苍穹，阳光灿烂，空气充足。摩天大楼巨大的几何图形正面，全部用玻璃建造，大楼像水晶一样清澈透明。楼群的底部建造公园，使整个城市连成一个巨大的花园。柯布西埃把工业

化时代的住宅理解为现代城市总结构的基元。他为1925年巴黎世博会设计的“新精神”展馆，就是这种基元同等规模的模型。每一套公寓是一个立方体，660套公寓可以建在一起，形成一种社区。

柯布西埃的创作重新思考了结构功能因素在艺术形象设计创造中的作用，在许多方面决定了20世纪建筑和艺术设计的风格。他认为“现代装饰艺术没有装饰”，他把重点转椅到纯粹比例和简单几何图形的和谐上，制定了以人体比例为基础的各种尺寸和谐的系统，并在著作《人的三种规定》中对此作了论证。

苏里奥倡导理性主义美学，论证理性美。所谓论证理性美，就是寻求客观的、甚至国际上通行的美的技术形式。与当时非常流行的实验美学“自下而上地”寻找美的客观规律相反，苏里奥“自上而下地”从哲学上论证这些规律。他还把理性主义原则运用到艺术创作和趣味问题上，反对印象派观点，强调趣味判断中感情和理智的共同作用。