word怎么设计古书

书籍排版设计技巧：

1、留白

进行排版设计不一定非要排布得满满当当的，留一些空白，才不会显得拥挤。

2、字体

首先是注意字体的选择，其次是注意字体不要过多。对于杂志排版设计，一定要注意英文字体与中文字体的搭配。中英文字体一定要高调保持一致的风格，粗宋体的英文与中等线的中文是无法组合。面中的字体最好少于三种，大小起码要三种，背景颜色最好少于三种。

3、分栏

文字部分多的。可以先分栏。分栏会让人很轻松的看完整篇文字。其次，注意字号、行距、字间要保持一样，但不要做的过于拥挤。就算删减文字也要如此。

4、版式

版面设计中要有隐形矩形框、隐形对齐线条。

5、排版

排版设计中的统一、均衡、韵律。

6、色块

版面设计中的色块运用，往往选取图形中的颜色。

7、阅读习惯

注意人们看图习惯于从上至下，从走至右。

8、图片布局

当图片多了就把他们格起来。图片要保持原有的形状，切记不可把有静物的图片随意拉伸缩放，除非你是在做抽象的东西。否则物体变形了会非常的难看。

书籍封面设计要素 ：

图书的封面设计主要考虑到的有三要素：书名、作者名、出版社。

一般来说，书名的位置居于封面的正中偏上，字体最大。如果有副书名，那么必须紧跟着主书名，字体一般来说比主书名小1~2号。

如果书名为竖排，装订方向为从左至右的话，则通常将书名排至左侧上方，紧贴书脊位置。装订方向从左至右，则反之。

作者名一般较小，书名横排的图书，作者名应置于书名的右下方或者书名的下方正中。作者名的字号应小于主书名和副书名。

出版社名称之前，通常有社标。出版社名称位于图书正中最下方，距离封面最下方的成品线0.5cm以上。出版社名称的字号，通常由出版社规定，若无具体规定，则根据图书开本尺寸进行合理调整。

中国古代书籍并没有“装帧”一词，而是装订，即艺术设计和工艺制作的总称。明代藏书家孙庆增在《藏书纪要》中论述了装订艺术：“装订书籍，不在华美饰观，而应护帙有道，款式古雅，厚薄得宜,精致端正,方为第一。”即书籍装帧的原则是保护书籍完好，使阅读功能和审美要求辩证地统一起来，而绝不是单纯的装饰华丽。这一原则对于现代的书籍装帧仍然有着现实意义。

1、简策形式（简牍）

简策，中国最早的书籍形式。始于周代（公元前11世纪）、盛于秦汉（公元前 3 世纪至 2 世纪） 用竹做的书，古人称为简策,用木做的书，称为版牍 。

帛书装帧的三种方法

帛书的装帧目前已知的有三种：折叠，这种方法主要使用在面积较大的帛图帛画上；装盒，这种帛书的书叶面积基本相同，呈长方形，写好以后，按顺序将书叶排列好，然后装进一个方盒中。这种装帧的意义，在于完全脱离了竹木简编连成册、卷起收藏的传统习惯，为中国古籍逐渐向册叶制过渡，创造了条件。卷装，这种帛书还是模仿简册将所有书叶连接成一个长条，再卷收起来。由于帛书较软,直接卷起来不太方便, 人们就用一根小板条或小棍粘在帛书的左端，以此为轴将帛书卷起收藏。有些帛画为了观赏，就在帛画上端粘上一根苇杆作轴，中间拴上一根线，以便悬挂。

2、卷轴形式

出现于六朝，广布于隋唐（公元4世纪至10世纪）,卷是用帛或纸做的。四个主要部分：卷、轴、镖、带

3、经折装和旋风装（卷轴装到册页装的过渡形式）

唐代后期（公元 9 世纪）

经折装，将长的卷子折成相连的许多长方形。

旋风装，将经折装的书前后用木板相夹。

宋元两代有的折装佛经与明清时代的折装佛经书皮的装法明显不同：宋代装在卷首、元代装在卷尾，书皮宽度是书宽的两倍还多，从左右两个方向分别包裹整册书籍。日本学者岛田翰在其著作《古文旧书考》中讲到的类似日本“囊草子”的大概就是这种装帧。他以为这就是宋人张邦基在《墨庄漫录》中提到的“旋风叶”。由于他叙述得不太清楚，以至后人根据他对旋风叶的解释，认定用一张整张书皮包裹经折装书籍右侧、把书籍首、尾粘在一起的装帧就是中国古书旋风装。

4 、册页形式

发端于五代，沿至明清（公元 10 世纪至 20 世纪初）在我国的四大发明中，造纸术和印刷术是促进书籍发展的重要条件。

5、蝴蝶装，一个版印就是一页，书页反折，使版心朝里，单口向外，并将折口一起粘在一张包背的硬纸上，有时用丝织品做为封面面料，翻动时像蝴蝶展翅，因而得名。

6、包背装，近似与现在的平装书。

线装，不用整纸裹书，而是前后分为封面和封底，不包书脊，用刀将上下及书脊切齐，打孔穿线，订成一册。

7、现代书籍形态

平装、精装和多媒体光盘。

书籍装帧是书籍生产过程中的装潢设计工作。又称书籍艺术。书籍装帧是在书籍生产过程中将材料和工艺、思想和艺术、外观和内容、局部和整体等组成和谐、美观的整体艺术。

书籍装帧设计是书籍造型设计的总称。一般包括选择纸张、封面材料、确定开本、字体、字号，设计版式，决定装订方法以及印刷和制作方法等。

书籍装帧设计是指书籍的整体设计。它包括的内容很多，其中封面，扉页和插图设计是其中的三大主体设计要素。

用蓝色（准确说是靛青）跟当时的染色工艺水平有关。

与内容表达之类的关系不大，所谓的”色彩象征“推断更是牵强。（想想瓷器的纹饰？）

植物染料也是我国古代染色工艺的主流[1]，布料和纸张染色一般使用的也是植物染料，最常见的是用蓼蓝做成藏青或靛青染色[2]。

因为书籍装帧用的胶水（即化学合成类胶）是现代才出现的。

线装是明朝中叶出现于明朝中叶，其实更早时候的包背装、蝴蝶装、册页装（旋风装经折装都算是它的过度）才是主流。之所以你看到的都是线状，除了更易保存之外，跟明清时期书籍印刷数量大幅增长也有关。

[1]另外常见的还有：赤——茜草 红花 苏枋；黄——槐花 姜黄 栀子 黄檗；黑——五倍子、苏木等等，青赤黄白黑共同构成的中国原色称为「五色」，是中国传统色彩体系的根基。

[2]「终朝采蓝，不盈一詹。——《诗经•小雅•采蓝》」和「蓝，染青草也。《说文》」中所说的「蓝」，就是指的蓼蓝。

但是新文化运动以后，受到西方影响，中国人开始吸纳外国人的阅读方式。西方古代的卷轴通常是把文字图画绘制在羊皮、树皮上，从上到下展开，文字横排，从左至右。因此，在装订纸张时也沿袭了这个习惯。

我个人还是比较喜欢中国的古书竖排方式的，因为更加方便！你看古人在阅读书籍的时候，一只手把书一卷，就可以从上至下一行行地阅读了，另一只手可以背在身后、或者伏案、或者摇扇，从中更能体会书中的意境！！这是何等的享受啊！！

一、纹饰对现代设计的启示

（1）饕餮纹（兽面纹），夔纹

饕餮纹又称兽面纹，是传说中猛兽的形象，凶猛恐怖。饕餮纹的使用，增强了整个青铜器的神秘感和恐怖气氛，特别是一些青铜礼器，这种装饰纹样不仅可以震慑奴隶，维护和巩固统治阶级的地位和利益，同时也体现了商人“先鬼而后礼”的思想。饕餮纹的造型是许多回形纹和型似猛兽的眼睛组成的纹饰，许多直线遇到边界皆卷曲回还形成勾状。而兽面纹基本上是对称的饕餮纹，夔纹的勾折从中央成上下左右反向对称，形似躺倒的S，上下各有一柄利刃。整体看去形制锋利，棱角分明。从纹饰上看，他们都具有鲜明的象征性，可以说象征性是中国传统文化在图案上显示最具特色的特征，包含了不同文化方面的象征。都是对自然神明力量的崇拜，既是力量的象征，也是权力的象征。而且纹饰常分布在器物的腿部，或布满这种纹饰，彼此紧密并有界格。青铜装饰根据浇铸工艺的特点，形成利用浅浮雕形块和线刻相结合的装饰手法，有的还运用多层次的装饰。这种多层次的装饰被称为“三层花”。并且在装饰上也有一定的比例权衡，并非是简单的排列，而是根据器形富有生理比例的美感进行安排的。

（2）鸟纹，凤纹

随着时代的推移，除了形似兽面的纹路，鸟纹和凤纹也是青铜器物装饰纹样之一，并被越来越频繁的应用于青铜器。凤纹被发现早在红山文化时期已经出现雏形，是猪首蛇身，鬃毛飘逸翻卷。鸟纹则是对鸟的象征性概括。凤纹在春秋晚期开始，就在具象和抽象之间反复演变，极尽变化之能，融合了自然美和抽象美，结合了现实性和浪漫性于一体的经典图形。经历几千年的变迁很生动的显示出“再造想象”的能力，而这种再造想象的能力就是传统图形可以演变的生动例子。从上面提到的夔纹上来看，就有对于鸟纹和凤纹的融合，他们之间的关系是很紧密的。躺倒的S形的演变不是一蹴而就的，从时间上看，凤纹的表达多种多样，也有抽象为卷曲的涡形，也有较为几何的双勾形，形状和夔纹的很类似。因此从凤纹的演变中，可以看出纹饰的变法方法有具象形，变象形以及高度抽象形。（1）具象形是以比较写实的手法模仿现实的禽鸟，从战国中晚时期凤鸟的特点看，昂首，矫健，飞扬，具有高贵的特点；（2）变象形是从具象的基础上进一步简化，保留凤头，尾部逐渐简化成勾状；（3）抽象形则是更加高度概括后的图形，甚至完全几何化，变化趋近于云纹。这些变化手法是图案创意的方法之一，对应用传统图案的现在设计来说，也是借鉴的方法之一。

（3）纹饰对现代设计的启示

这些图案具有中国的特征，但对现代设计来说应该创造出什么新的中国图案呢？传统图案充满着古代劳动人们的智慧，他们之所以可以一眼被望之具有中国特色，更深层次的是思想，但也说明他们有共同的相通的特征。虽然时代不同，民族不同，但必然有其独特之处，这就在于中国人要求完整性，求全，求平衡性上。中国的设计思想自认知思想起就是辩证的，所以必然是内敛，考虑全面的。传统图形只是一种借鉴的形式，他们的笔法，纹路是一种表达形式而已，但这种形式不应局限于在现在设计中割裂的运用。对于信息社会来说，到处充斥的是复杂无序的文化符号，设计师也急于在其中找寻自己的表达符号，因此更多的结果是忽略了民族符号的传达，并没有植根于中国的文化背景下。当然，中国的设计领域正意识到这个问题，香港一批设计师靳埭强，陈幼坚等等都在努力的探索，北京奥运会的一系列标志和标识也传达出了对传统文化的理解和运用。

二、先秦思想对现代设计的启示

方圆的形态可以说贯穿着中国古代的器物设计，同样，这种古老智慧的认知方式也体现着它作为符号的力量。在中国工商银行的标志中，陈汉民教授的设计整体上采用了一个隐形的圆形方孔钱币，中间是一个“工”字，这个工是对古代钱币中方形的一种变化，整体上还是方圆的结合。所以，图形的再创造是最直观和直接的。在香港设计师靳埭强的个人标志中，用的是一只做兰花状的手形捏着一枚茶叶，手的图形包含了禅宗中手的表达风格，简单，温婉，有力；而茶道也是他本人很喜欢的一项文化，也是个人修养的一种表达，是很成功的一项个人标志设计。从简单的标志中不难看出对中国思想文化的传达，整个图形给人的感受是深厚和信任。设计不仅是设计师自己的事，它必须是符合设计的目的的，在信息化的时代背景下，不得不承认，设计的形式越来越多样化，信息的交流方式也翻天覆地，但是古代的设计思想的先进性在于，任何设计都要审时度势，设计需要创造，就需要吸收新的元素。特别在汉字的设计上，中国举行的方正汉字设计大赛，就是对传统汉字的再创造。

一、引言

自从人类发明了文字，书就应运而生，即文字与文字载体的集合体。书是人类文明的浩瀚天际中最耀眼的一颗星。古人云，书中自有颜如玉，书中自有黄金屋。中国古代的读书人以能够著书立说为荣，以读万卷书，行万里路为志，可见书在我国发展中的地位之高。从商代先人将符号刻画在龟甲、兽骨之上，到西周人们将铭文刻在器皿内壁或背面，将战争、典礼等历史事件刻于金石之上，再到竹简、木牍、皋书，在东汉蔡伦发明造纸之后发明了卷轴书，到发明了经折装书开始出现封面和封底，继而旋风装、蝴蝶装、背包装、线装书一一登上历史舞台。随着现代印刷、美术技术越来越发达，如今图书出版业的书籍设计已经百花齐放。

走进书店或图书馆，书架上琳琅满目的书籍常常让人无所适从，不知该从哪一本读起。我们选择拿起一本书，一个原因可能是被书的名字所吸引，另一个原因则是被书籍的封面、装帧所吸引。从一本书的设计风格就可以看出这本书和买书的人是不是气味相投，有时候选择买一本书，很大程度上是因为喜欢它的封面。可以说，现代书籍设计艺术已经从传统典雅纯净的审美观转变为强调视觉效应的纯粹艺术表达，从实用、经济、美观的装帧原则演变为一种独立的艺术表现形式。一本书的设计是一个漫长的过程，有人说书籍设计是“一张纸开始的故事”。从最初的纸张选择，到封面、封底、书脊、扉页、目录、内页、页码页眉等的设计，插图的选择和绘制，印刷的完成，特殊印刷工艺的选择，以及适合装订形式的选用，确实经历了一个漫长的过程。在这个过程中每一个环节都是非常重要，与书呈现的最终效果息息相关。所以研究中间的任何一个环节都是很有必要的。封面旧称“书衣”、“书皮”、“书面”。书籍装帧包括多道工序，涉及多个美术领域，但封面是一本书最要紧的装帧。封面艺术包含了书籍装帧艺术家强烈的艺术情感，而这种情感是与文字所承载的情感相吻合的，即形式和内容的高度统一。好的封面艺术能够调动读者阅读的兴趣，“感人心者，莫先乎情”。图案形式比语言传达示意更强，它可以使不同民族、不同文化、不同语言的人，对事物和感情进行交流。

二、古代线装书

汉代虽然发明了纸，但当时的书写材料，竹、木仍为大宗，其次是帛。纸写书，从文献记载和考古发现中都没有充分的根据说明在汉代(特别是西汉)就已普及。线装书出现在包背装盛行的公元14世纪的明朝中叶，是我国装订技术史上第一次将零散页张集中起来，用订线方式穿联成册的装订方法。

著名学者邓云乡在谈到线装书时说：“中国传统文化的根本，首先在于它的载体线装书，没有线装书，无处看线装书，不会看线装书，那就差不多失去了中国传统文化的根本。”可以说线装书上蕴含了浓厚典雅的文化气息。

线装书的美感藏在简单的封面里：泛黄的宣纸、最右端多种样式整齐的装订线、刻书工匠的字挺劲有力，间隔匀称，书法或浑厚雄伟或秀雅清逸，墨浓黑而光亮，，整个封面还体现着黄金分割比的美感。而印在封面上的或大或小或圆或方的印章为简单的封面点缀了一抹亮色。

古朴、简洁、庄重、典雅、实用，这种风格也与中国古代踏实治学，注重修身和精神层面的追求紧密联系。不同的时代地区的线装书会有不同风格的字体、板式，穿越古老的书籍设计艺术，我们仿佛是在昏黄的灯光下与不同时代不同年龄的古人邂逅交心，流转与历史时光之间，对历史产生了浓重的敬畏。

三、民国时期书刊设计文化

随着西方文化逐渐渗透进国门，我国文学文艺类书刊发生了很大的风格上的转变。

书刊封面的设计不再是简单的标题和作者，而是通过艺术形象设计的形式来反映书刊的内容，图形、色彩、文字是封面设计的三个要素。装订也由单一的线装书转变为32开本成为书刊开本的主流。

这一时期封面设计出现了集中不同的题材。第一种是传统文字题材。民国时期以体汉字书法或者美术字体为主的封面有行书、隶书、篆体等。这些字体既有传统的审美意蕴，又富含形式感和体积感的时尚元素。

第二种是“鸳鸯蝴蝶派”文人们带来的题材。他们最早颠覆了一成不变的素面朝天的古书书衣的样式，将才子佳人搬上了封面。上世纪一二十年代的“鸳蝴派”书刊大都是请名画家专门画封面画，不用现成的照片作封面。在摄影技术还没有大普及之前，手工绘画仍是封面装帧最主要的技术手段。而在照相封面泛滥的今日，更加感觉手绘封面的可贵。手绘封面在今天可称之为“失忆的影像”。这一类书籍主要以消遣为主，封面追求时髦，板式注重美观，封面女郎的照片充满整个封面，刊名等文字信息标记与照片之上，能够清晰反映标题和主要出版信息，整体具有很强的视觉冲击力。

第三种是中西杂糅图文并茂的题材。有洗练、朴实、静雅的传统风格，也有受到西方艺术风格和现代的构成形式主义设计观念影响的“学院派”，表现形态抽象很富于想象。

这一阶段出于新文化运动时期，闻一多、鲁迅、沈从文、丰子恺等人一改鸳蝴派的风格，老舍这样描述理想中文学期刊的封面：“素的与花的相间，半年素，半年花。素的是浅黄色或乳白色，由有名的书家题字，只题刊名也好，再写上一首诗或几句散文也好。

一回一换，永不重复。花的是由名画家绘图，中西画都可以，不要图案画。一面一换，永不重复。封面外套玻璃纸，以免摸脏了字画，每期封面能使人至少出神地看上几分钟，有的人甚至于专收藏它们，裱起来当册页看。”

在这个中西碰撞、新旧更迭的时代，这些艺术中体现出了一种气韵之美，也体现了设计者极高的修养——对诗歌、书籍、绘画、工字都有深厚的祭奠，使这一时期的图书开始形神兼备，既有强烈的创新精神，又有对传统文化的坚持。

四、现代的书籍设计

随着现代文化的多元性和科技的进步，艺术设计的技巧更多，对现代美术、心理学、自然科学的结合更加广泛和深入。到如今，我们已经不能简单地给我国现代书籍设计概括出特点，如果有的话一定是多元化。

封面艺术创造过程中所涉及的诸如书的开本大小、字体选择、空间组织、色彩配置、层次关系的划分等，均要求其形式结构的严谨性、形态的可视性与美感的合规律性。有些书籍通过强烈的对比产生冲击力，有些则强调和谐统一的画面感，有些设计富于动感，有些则严谨庄重。有不同的装饰纹样、有特定的表现意象、可以运用抽象、留白……

当今世界图书装帧设计界的最高荣誉是“世界最美的书”，这评选的标准有四：一是形式与内容的统一，文字图像之间的和谐；二是书籍的物化之美，对质感与印制水平的高标准；三是原创新，鼓励想象力和个性；四是注重历史的累积，体现文化传承。可以说这一世界级评判标准也是现今我国图书出版所应该追求的最高目标。

有趣的是，我国获得“世界最美的书”奖的图书多数都与传统文化有关。比如《诗经》，虽然《诗经》采用的是西式装订法，但在设计上特别加入了中国传统线装书的神采，封面是用刨毛的牛皮纸做成，手感粗糙，简单的黑白色调，右下角画有几片竹叶，两只小鸟展翅欲飞，“详解”“精译”字样做成印章形状置于封面空白处以平衡画面。既有现代书籍包装的简洁灵动，又传递出中国文化的传统韵味。再如《曹雪芹风筝艺术》，运用了线装书的古朴典雅的风格，画面虚线使风筝有了飞翔的感觉，再加上风筝亮丽的颜色，使整体效果简单却不失却灵动。《梅兰芳戏曲史料图画集》

也也是烫金线装书样式。

当然，还有一类书则更多凭借其设计创意取胜，如《蚁呓》，为读者提供了充分的互动空间，留白更体现一种禅意，《不裁》设计上用毛边纸，没有裁切过，读者必须通过裁书才能完成阅读。 当然这类书的封面设计也有其独到之处。

看了很多很多书的封面之后，最后总结出了一个规律：其实最好的东西总是最简单的，不需要过于绚烂繁华的色彩，不需要太多图画，简单，鲜明，和其思想性才是最弥足珍贵的。也是在如今纷繁的图书中最可以脱颖而出的设计，能让行走在钢筋水泥间的人们感受到与商业社会普遍的浮躁不同的气息。此外，民族的，就是世界的，我们也需要通过创新和坚持，使得带有我国传统文化元素的设计能够保持其活力和魅力。

封面书衣是文学艺术的百花园，是记忆的化石，是文化的遗珍，是历史的剪影，是人世的片段,是藏家的珍爱。莫道是，看尽了人间的繁华起落，灯火阑珊，光影掩映，还存有书的衣裳这样的艺术形态；这样的一抹风景令人留恋。