早期的中世纪西欧建筑风格是什么样的

西欧简约装修风格一听名字就觉得是很高端上档次的装修方式。以目前市场来看呢，这个装修风格还是很受欢迎的，受到许多大众的喜欢和追求。那西欧简约装修风格是什么样的一种装修风格呢？来看看这种装修风格方式以及它的装修设计说明。

这种装修风格有着很强类的文化风韵，往往表达这西方的文化风格。虽然这样风格的房子第一印象给人们带来的是豪华奢侈般的感觉，然而它的很重要的一个特点却是简洁，它的装修都是简约的，白色调为主的装修方式，线条感很强，整个房子看着很明了。在简洁的同时还会掺杂着古典的感觉，给人以美妙般的感受。同时呢，这种风格还带有些许的浪漫气息，还有很舒适的惬意感。

那么西欧简约装修风格在装修的时候注重被人们带来是什么感觉的呢？地中海装修风格的房子啊，就是西欧简约装修风格的一个很普遍的代表作风格。在装修的时候一般会选择大理石来做石材，在灯具的选择上也是很慎重的，一般是会选择柔和灯光的灯具，然后会多多用到素雅的沙发配套相应的地毯，还有带欧式风格的桌子、茶具、椅子、书柜等等，并且还会挑选一些配套的植物挂兰和同风格的装饰物等，有时候还会选择一些壁画，总之整体是有很强的融合感的，没有个别的突兀感。整个装修风格很注重和谐感、浪漫调、舒适感以及古典美感。这样的一个装修风格，很难不受大家的喜欢。

这样简单、和谐、浪漫、古典、舒适集于一身的装修风格，很难不受到大家的喜欢。

文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。文艺复兴的原意是在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。

2：意大利早期文艺复兴时期

在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。

（1） 佛罗伦萨早期文艺复兴美术

通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：

A：吉贝尔蒂

吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。 代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。

B：布鲁涅列斯齐

布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。

C：多纳泰罗

多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。 代表作品： 《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。 《圣乔治像》(1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)

D: 马萨乔

马萨乔(Masaccio,1401--1428?)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。

代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。

E：阿尔伯蒂

著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的全才，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。 对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。

（2） 意大利其它地区早期文艺复兴美术

佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。

A：弗兰切斯卡

弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416?--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物。这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。

代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。

B：乔凡尼·贝利尼

乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。

代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。

C：梅西纳

梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。

代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。

3：意大利盛期文艺复兴美术

16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰--著名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。 在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。

（l）：达·芬奇

达·芬奇(Leonardo da Vinci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。

代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495--1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜·丽莎》(约1503--1506) 达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。

（2）：米开朗琪罗

西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。

代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。

(3)：拉斐尔

拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。

代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。

(4) :提香和威尼斯画派的杰出代表

在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。

A：提香

提香(Titian,1488/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。

代表作品 《戴荆棘冠的基督》(约1570) ，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。

（5）其它地区的美术家

A：萨托

萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了完美画家的称号。

代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。

4：样式主义美术

达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。

（1）庞多尔莫

庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。

代表作品 《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。

（2）罗素

罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。

代表作品 《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。

（3）布隆基诺

佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。

代表作品： 《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。

5：意大利以外地区的文艺复兴美术

欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏陶，宗教气息十分浓厚。文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。

（1）尼德兰文艺复兴美术

尼德兰一词意为低凹的土地，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。 尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。百年战争(1337--1453)之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。 佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯吕特(Claus Sluter，约135/1360--1405)。有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。 尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。

（2）德国文艺复兴美术

德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。 德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。画家维茨(KonradWitz，约1414--1446)即是这方面的代表。他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin Schongauer,1445/1450--1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。 德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。 德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Younger,约1497--1543)。他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观著称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。现藏罗浮宫的《伊拉斯漠像》(约1523)是他的肖像画精品。作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位容智的人文主义学者的风采显露无遗。荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展作出了贡献。

（3）法国文艺复兴美术

百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。 卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。其中著名的有舍农索府、尚博尔宫等。这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。 自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。1530年，意大利样式主义画家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。罗索为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了枫丹白露派。这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。以著名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。 法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。15世纪驰名法国的大画家是富凯(Jean Fouquet，约1420--1477)，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。富凯在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。墨伦双联面中的《圣母子》(约1450)是他的重要作品。 16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。让·克卢埃(Jean Clouet，约1485/90--约1540/41)是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。《法朗索瓦一世像》(约1525--30)是他的成功之作。他的儿子法朗索瓦·克卢埃(Frangois CloueL约1510--1572)也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》(1571)是他最优秀的一件作品。从克卢埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。 雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆(GermainPilon，约1525--1590)。古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》(1549)。作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻划了女神们的轻盈的姿态。人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。

（4）西班牙文艺复兴美术

西班牙文艺复兴美术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶著名画家埃尔·格列柯(El Greco，1541--1614)。有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。 格列何是一位有争议的画家，他以色彩和光线为主要表现手段，拉长的人物体态带有神经质的不安情绪，反映了没落贵族的忧郁的心灵。他的伟大之处还在于揭示了社会的矛盾，以哲学家一般犀利眼光洞察到了西班牙的危机。格列柯的艺术很长时期以来未被美术史家们肯定，直到本世纪初，人们又重新开始研究这位大师，日益发现他那独特画风的动人魅力，把他视为样式主义的最伟大代表。

西欧自西哥特人占领罗马之后就进入了中世纪，文明直到公元9世纪才重新开始发展。新的建筑风格在此时形成，由于它比较多地模仿了罗马时代的风格，后人称之为“罗马风”（Romanesque），或者译为“似罗马的”风格。

教堂仍然是这时建筑的主要题材。由于在中世纪的西欧曾经有一个“千禧年”（Millennium）传说，说基督将在公元1000年时重新降临。类似的毫无道理的头脑发热我们在2000年也遇见不少。可是时间到了，天堂并没有开启。大家现在终于明白尘世生活是不可避免的，建造教堂的热情前所未有的高涨起来。不能再将就了。

这时的教堂布局大多是厅堂式和十字式的一种结合。对此我举一个典型的实例：意大利的比萨教堂（Pisa Cathedral，右图，建于公元11－13世纪）。著名的比萨斜塔其实是这座教堂的钟楼，就在它后面。十字式教堂的交叉处仍然有大穹窿，而十字式教堂的翼廊现在变成了厅堂，而且其中一个特别大，和它相对的一翼变成了龛。所以也可以说是原来的厅堂式长出了两个小翼和一个大穹窿。两种样式的结合是明显的（平面图见左）。而之所以说它模仿了罗马时代的建筑，我们可以从正面的拱门看出来。另外，原来的厅堂式教堂都只是梁柱结构，但比萨教堂的整个大厅都是用拱建构的。

为了更好地观察罗马风教堂的内部，我们可以看看另一座典型建筑――建于公元11－12世纪的法国卡昂的St Etienne教堂。值得注意的是拱在这时又有了不小的进步。首先，原来由两个筒拱交叉得到的十字拱现在多了一个兄弟，就是由三个筒拱交叉得到的“六分拱”。在右图中左上角我们可以看到拱顶处交叉的有六条棱，如果是十字拱的话应该只有四条棱。其次，建筑师们发明了“肋”（Rib），也就是说他们在有意地加强拱交叉处的那六条棱，其目的仍然是为了加强拱的承重能力，这从右图中可以看得很明显。

罗马风教堂的另一个创新之处是在教堂正面的两旁加上了钟塔。我们可以看看建于12世纪的法国的Angouleme教堂（右图）。其后，钟塔越来越高，简直成了各城市之间的比赛。作为对比我们可以看看上面提到的St Etienne教堂的正面（左图）。

除了教堂，罗马风时期建筑的另一个主要题材是修道院。修道院的布局基本上和教堂是一样的，只是多了由连续的十字拱或者六分拱组成的四方形的回廊（Cloister）。左图就是这样一个例子。这种回廊在有关中世纪的文学作品中有大量的表现。我们可以想象罗密欧和朱丽叶就是在这样的回廊下商量那致命的计划的。

这一时期建筑中最后值得一提的是城堡。大大小小的城堡下曾经上演了无数骑士的功勋和恶梦。最初，封建领主们在山头上建立他们的住处，用城墙围起来。里面有作坊、商店，完全是自给自足的。教堂当然也少不了。周围的农民经常会在发生战争时躲进去，后来就渐渐定居在里面或者附近。这样，这些石头城堡就慢慢催生出最初的城市。右图是法国的卡尔卡松城（Carcassonne），可以明显地看出由一个城堡演变而成的痕迹。

哥特式（Gothic）建筑的名声一直不好。但实际情况是无论在建筑风格上，还是建筑结构上，哥特式都表现得相当不错。在技术和艺术的和谐一致上，哥特式达到了希腊－罗马风格达到的高度。和它相比，罗马风可以说是简单而粗糙的。哥特式在当时确实代表着文明和进步。

最早的哥特式是从罗马风自然地演变过来的。以教堂为例，在布局上哥特式一直跟从罗马风：结合了厅堂式的十字式、两个高钟塔都没有什么变化。哥特式的精髓在于肋。

这里不能不提法国的St Denis教堂。1134年，闪电引起的大火烧毁了教堂的一部分。教堂的主持人，本尼迪克修道院的院长苏格（Suger，1081－1151）开始考虑如何重建它。这位院长是自维特鲁威之后第二位建筑史上不能不提的人物，因为他把自己改建St Denis教堂的过程写成了一本书，而这本书很幸运地保存了下来。他天才地在这本书中强调了肋的重要性，说是可以增强人们对宗教的敬仰。且让我们先看看经他改建的St Denis教堂中所使用的肋（右图）。

肋明显地比以前复杂了，加固的对象也不只是棱。它现在不仅有承重的功能，还有装饰的意义。装饰现在可以堂而皇之地进入“主的殿堂”，这在以前思想禁锢的年代是不可能的。到了后来，肋的复杂程度简直令人难以想象。左图是14世纪英国的格罗切斯特大教堂（Gloucester Cathedral）里的肋。

也是由于肋的增多，肋组成的网络就足以承担重量，拱柱之间的墙承受的压力就小了，所以苏格创造性地用彩色玻璃马赛克组成的大窗替代了墙。光线就这样第一次以瑰丽的形式进入了原来教堂里阴暗的空间。信徒在这样光线下，怎么不会产生接近神灵的感觉？

1144年，在庆祝St Denis教堂重修完成举行的典礼上，各国的主教们吃惊地发现这种建筑形式有着不可抵挡的魅力。于是25年之后，凡有代表参加过庆典的地区都出现了哥特式教堂。左图是当时建造的英国的坎特伯雷大教堂（Canterbury Cathedral）。

如果说复杂的肋网络是哥特式建筑的第一个特点，大面积玻璃窗的出现是第二个特点的话，拱形状的改变就是第三个特点。我们前面谈到的所有从真拱中演变出来的结构―― 筒拱、十字拱、六分拱，包括穹窿、内角拱、帆拱，其横截面都是半圆形或者一段圆弧。但是到了苏格手里，拱终于有了尖顶的样式（Pointed Arch，或者干脆称为Gothic Arch，右图）。这是分辨哥特式与其之前风格的建筑的一个重要标志。很多人都认为尖拱是伊斯兰教因素的影响，因为这在东方是常见的。但苏格以及后来的追随者使用尖拱造就了全新的效果。

尖拱很明显可以使承受到的重量更快地向下传递。这样一来，侧向的外推力就小了，整个建筑更容易建成竖长的样子，在垂直的方向上也能建得更高。右图为法国亚眠大教堂（Amiens Cathedral）的中厅，建于13世纪，高度为43米。尖拱本身也给人以往上冲的印象。同时，罗马风时期已经开始的钟塔高度竞赛现在得到了技术上的支持，越发红红火火地开展起来了。其中最高的恐怕是德国的科隆大教堂（Cologne Cathedral，左图），1248年始建，最高的西侧塔楼建成于1880年，高度150米。

有时，高度竞赛并不是由正面的两个钟塔担当的，而是把十字式中心的穹窿往上加高。比如建于14世纪初的弗赖堡大教堂（Freiburg Cathedral，右图），高度为116米。

现在要提到的是哥特式建筑的代表作――建于13世纪的巴黎圣母院（Notre Dame，Paris，左图）。很多哥特式教堂的特征都在它身上汇聚起来了。有一点要指出：它的钟塔不是尖顶的，而是平顶的。这种钟塔在法国很流行。从外面我们就能看见巨大的玻璃窗和尖拱，而哥特式的第四个特点就体现在它的门上。由于整个建筑的重量最终还是靠最下面 一层的墙承担的，所以底层的墙非常厚。为了让群众在进教堂时不至于对墙的厚度感到不舒服，建造者经常把大门设计成层层推进的（右图为巴黎圣母院的后门），并雕刻上圣徒的像分散人们的注意力。

哥特式建筑的最后一个特点是所谓“飞扶壁”（Flying Buttress）。建筑越来越高，虽然采取各种减轻自重的办法，但重量还是太大，由此产生的外推力需要被抵销。而扶壁就是为了这样的目的建造的。原来的扶壁都是实心的墙，这时出现的这种轻巧的结构，既分散了重量，又十分有跃动感。巴黎圣母院的“飞扶壁”是有名的（左图）。

和马赛克给拜占庭建筑打上烙印一样，哥特式建筑也有其特有的装饰艺术――外形酷似尖拱的各种各样的窗棂（Tracery）。“Decorate”的原意就是指窗棂上的花样。有时这些花样之复杂让人怀疑它们是不是我们想象中那个落后的中世纪的作品。不过，可以想见的是象托马斯·阿奎那（Thomas Aquinas，1225－1274）这样的经院哲学家，就是在这样精密细致的窗下构思那些精密细致的哲学的。

最后，我们欣赏一下哥特式建筑中和圣母院齐名的精品――建于13世纪的法国兰斯大教堂（Rheims Cathedral），这里是历代法国国王加冕的地方。哥特式的各种特点在这里得到了浓墨重彩式的表达。外表粗重，像骷髅堆积起来的石头建筑（巴黎圣母院曾经让马克思感到压抑），走进去才发现一切似乎都高不可攀、轻灵浮动，好象随时要拔地而起、飞上天去的样子。

另外，一些建筑史上有名的著作大家也可以找来看看，但是要注意其观点和视角并非一点问题没有。有中译本的我写在下面：

维特鲁威（古罗马）的《建筑十书》；

勒·柯布西耶（法）的《走向新建筑》；

罗伯特·文丘里（美）的《建筑的复杂性和矛盾性》；

查尔斯·詹克斯（英）的《后现代建筑语言》；

汤姆·伍尔夫（美）的《从包豪斯到现在》。