抽象设计的设计价值有那些？
在产品设计领域，或许有人认为已经到了成熟阶段，已没有太多空间进行创新。 但事实上，由于品牌需要新鲜的东西持续吸引用户的注意力，新的设计或者对旧设计的改造依旧层出不穷。那些真正实用和有价值的想法最终会沉淀下来，成为一种设计趋势。 最近，我们越来越多地看到很多品牌和设计师在尝试一种有机设计和几何设计的组合。比起注重对概念的精确描述，开始更注重整体的形象和感觉。这便是一种“抽象设计”的回归。 像圆形、长方形和多边形这种几何图形在产品设计领域已经出现已久，一直效果不错：通过创造出结构层次，它们让内容的组织更清晰；在插画中，它们代表着一种“极简”作风，留给用户想象的空间。 现在，这种简洁的几何风格继续进化：有更自然和自由的形状。 波浪线、多样的曲线、有力的拱形、跟更偏功能性的几何风格相比，创造出更加独特、更具吸引力的组合。这样的设计更具象征意义，而没有太多描述性，因此留下足够的空间让用户发掘和演绎。当然，这可能同时是优势和缺点，设计师要具体情况具体分析。 这种抽象化、有机化的几何风格倾向会深刻影响2018年设计方向。比起以往，能理解图形背后的意义和其对感官的冲击力愈加重要。 几何图形 几何图形具有平衡感和高辨识度，通常暗示着结构、顺序和效率。 正方形和长方形是最常见的，它们能制造出一种平等和一致的感觉，代表着稳定和可靠的品质。 圆形和椭圆是最友好的，有着统一、完整、以及无限的感觉，代表着爱护、和谐和感激。 三角形是最具矛盾感的，有时代表着一种不稳定，给人一种紧张、矛盾、侵犯性的感受；有时也代表着一种稳定，象征着法律、科学和宗教。 漩涡形状是最有创新性的，代表着成长和进化，传递着变化、生活和神秘的意念。顺时针的漩涡暗示着专注和目的，逆时针的漩涡则暗示着圆满。 十字形状是最富精神层面意义的，代表着平衡、治愈、智慧、希望和信心。重心偏垂直方向的十字暗示着强壮，而偏水平方向的十字代表着平和。 有机图形 有机图形是指那些不规范、随意、并不怎么对称的形状，经常是对大自然的模拟。因此有机图形的内涵常来自它们模仿的自然物体。 尖刺图形是最具有反叛意义的，代表着自然流露、玩世不恭、难以预测、常能吸引人的注意力。 云朵形状是最让人愉悦的，代表着友好、温暖、舒适、和善良。 波浪型是最“凉爽”的，代表着放松、平稳，有时候因难以预测而增添扣人心弦的感觉。 抽象图形 抽象图形就是常见元素或形状的简化版，大多是基于几何图形和有机图形。 抽象图形通常是随意的，因为它们的外在形式可以有多种。根据它们的形状和细节可以传递不同的想法和情绪。抽象图形可以非常有趣，非常独特，可以代表前沿，代表玩趣，代表神秘，或者放松，迷惑等等，可塑性超强。 现在我们了解了抽象风格的一些基本元素，现在来看看在这基础上的后期修饰。通过在颜色、渐变色、重复图案、纹理、字体和图片层面的设计，我们可以额外为设计增添深度、个性和趣味。
颜色 颜色能够表达和影响情绪和想法，跟我们对世界的认知息息相关。 白色-安全：纯真 纯洁 干净黑色-神秘：正式 神秘 睿智红色-活力： 危险 有力 激情橘色-温暖：创意 热情 鼓励黄色-乐观：活力 忠诚 开心绿色-和谐：新鲜 自然 安全蓝色-信任：自信 智慧 明智紫色-神圣：奢华 明智 雄心粉色-魅力：甜蜜 温柔 玩趣 颜色是复杂的，不同的色度和色调，不同的颜色搭配，都会产生不同的感官体验。而且对于不同的人来说，还会传递不同的情绪和意义。年龄、种族、文化、性别、甚至心情都会影响感知。因此我们不能单纯依赖颜色来传递信息或行为，而要首先考虑设计目标和用户。 渐变色 渐变色是两种颜色或一种颜色不同色调的渐进式混合。大自然中到处都能看到渐变色，因为渐变色看上去有熟悉感和愉悦感。使用渐变色能为设计元素带来深度和维度，从而增添摩登、新鲜和独特感。 我们可以用浅色调的组合吸引用户注意力，或者使用深色调组合为设计增添深度。使用色轮里相近的颜色，能创造出平滑、明亮的渐变；使用色轮里距离较远的颜色，就会产生一个更加“中性”的中间色，视觉效果一般，此时可以尝试增加第三种更亮的颜色。 通过调整透明度、旋转度等，我们可以让渐变色更富创意一些。大自然完全可以是我们获取渐变色灵感的来源。 重复图案
重复图案是指一个或多个视觉元素的重复，能给设计带来统一感、质感，丰富细节，加强视觉冲击力。不过重复图案同时也会增加视觉上的负担，因此简约和细腻是关键。 重复图案能够给我们的抽象组合增添节奏和移动感，在视觉上有五种节奏：随意、规律、交替、流动、渐进。每一种都能提供无限的组合和可能。我们既可以在简单的图形里，也可以在背景中使用重复图案。
纹理 纹理是指表面的品质特点，对于抽象设计来说，是很好的增加视觉丰富性、深度和趣味的方式。纹理既能展现表面的视觉形象，也能传递情感。质感可以是粗砺的、平滑的、柔软的、丝滑的、闪亮的、毛绒感的、液态的等等。可以体现自然感或者人为感，厚重感或轻薄感，固体或流动感。 字体排版 字体排版是选择和安排字体的艺术和技巧。要选择字体时，我们首先要确定设计的目标和受众。我们想传达什么信息？ 想要传递什么情绪？我们想要吸引谁？挑战谁？说服谁？告知谁？ 字体排版是为我们设计奠定情绪、风格的关键。每一种字体都有它自己的性格。字体可以是友好的、花哨的、严肃的、侵略性的、玩趣的等等。字体的个性会影响我们对文字内容的感受，也会影响我们接受信息的效果。 有时我们需要走出舒适区，加以探索，使用不同的字体来创造视觉上的对比效果，比如使用不同风格的字体、字体大小、字重和颜色。当然要适量而行，太多的字体变化在视觉上也会造成迷惑。 照片 使用照片，我们同样可以为设计增添深度、附加情绪、突出风格。因此选择合适的照片至关重要，照片要跟设计的整体主题和风格相协调。 根据主题、技巧和风格的不同，照片可以分为很多类别，比如风景照、人像、静物、黑白照、时尚、美女、自然、天空、概念照等等。我们还可以再后期编辑，比如把颜色调淡，或者调亮、调深，或者改变颜色、剪裁、模糊、变形等等，后期的可能性无穷无尽。 如何使用图片也是发挥创造的一方面，可以将图片设为背景，或者加蒙版；可以整体应用，也可以只用一部分，甚至可以将其作为纹理。我们还能在图片上写字、变色、打碎、加边框等。 视觉层次&对比&平衡 所以，我们应该如何组合不同的视觉元素呢？ 层次、 对比和平衡，这三点能助我们设计出吸引人而且容易阅读的作品。以下是一些设计原则： 尺寸：增加某个元素的尺寸是最直接的增加其视觉重要性的方法。使用不同尺寸的元素，自然会引导用户理解元素的层次。 颜色：我们会本能地被颜色吸引。明亮的颜色抓人眼球，但是如果颜色过多，就很难突出一种来。有目的地节制地使用吸引人的颜色才是关键。我们可以调整不同的色温、色度、色调、饱和度等；也可以策略性地使用明亮色或哑光色，创造出高对比度和低对比度的设计。 留白：空白处可以起到引导用户视线的作用，切割不同的视觉元素，创作一种视觉层次。留白处可以让眼睛得以休憩，并舒适地定位到焦点位置。移动： 我们的眼球会自然被动的物体吸引，增加移动效果可以让某些元素轻易地突出。 对称和非对称：视觉上的对称设计可以带来和谐和秩序感，如果用非对称元素干扰平衡性，则会增添一份趣味性和强烈度。 *其他还有一些可以考虑的设计方法，比如运用具备自然平衡美感的黄金分割定律，运用格式塔原理设计组合和布局，或者利用“视觉三角形”突出强调，以及“三分法”制造一个具有强烈感的构图。 善用抽象设计 一些抽象设计佳作 现在，你大概已经理解了能实现抽象设计的各种基本元素，以及一些策略方法。 不过也要记得，一千个人眼中有一千个哈姆雷特，不同的用户可能对这种“任意”的设计有“任意”的解读。因此使用抽象设计风格要谨慎，如果你的信息传达不够准确，或者信息本身非常依赖视觉元素，就要避免使用这种风格。
抽象是从众多的事物中抽取出共同的、本质性的特征，而舍弃其非本质的特征。例如苹果、香蕉、生梨、葡萄、桃子等，它们共同的特性就是水果。得出水果概念的过程，就是一个抽象的过程。要抽象，就必须进行比较，没有比较就无法找到在本质上共同的部分
1、插画师
第一集记录了插画家克里斯托夫·内曼(Christoph Neimann)。他为《纽约客》画封面。
查克克洛斯说过“灵感是业余者在用的，我们专业人士只是早上去上班而已。”我很爱这句话，因为它解除了很多压力。不是要你花好几个小时等待灵光乍现，你只要现身开始做，然后神奇的事发生或没发生，重要的只是你创造了机会，为此你必须坐在书桌前，你必须画画、做事、下决定，希望有最好的结果。
在过去，我一直认为设计师是在做一份不同的工作:他们是寻找灵感的人，但是Christoph Neimann告诉我，这是完全错误的。设计和其他工作没有什么区别，他们早上9点到下午6点工作，他们坐在办公桌前开始一天的工作，每天都像音乐家和运动员一样练习。没有一项工作是容易的，我们都需要每天练习。
2、鞋履设计师
“设计的目的不是表达自我，而是解决问题。”
廷克·哈特菲尔德(Tinker Hatfield)是一名运动员，他觉得运动员的鞋子设计得很糟糕，所以耐克从解决问题开始，从那时起就相信功能性设计。
功能设计直观的适合商业，因为解决问题很大程度上就是满足需求，从而刺激销售，占领市场，最终使耐克公司成功。耐克现在的成功很大程度上可以归结于他们的设计理念:
“设计就是解决问题。”
从这个角度看，哈特菲尔德更像是一个企业家，而不是一个设计师。
耐克已经是当前鞋类市场的赢家，但是未来呢?他们正在探索电子产品和鞋子的融合。哈特菲尔德(Tinker Hatfield)的想法给我留下了深刻的印象，我认为这将使耐克在未来蓬勃发展:
3、舞台设计师
“我创造出的东西不只是东西，而是观剧的人们在那些东西的陪伴下度过的时光。所以实际上是在创造观众感受到的时光。物品不是你以为的样子。我想说的是，如果你想收藏我做的东西，把它们放进展馆里，它们就失去了原先设计出的价值。它们只有在时光中，才能发挥应有的作用，以不同的方式，反射光线与映像。其中又有不同的人，说着不同的台词，开着不同的音效。”这些话让我印象非常深刻，设计的的确确不是浮于表象的，而是在于其内在价值和带给观者的影响和感受。
4、建筑设计师
抽象架构:聚合和打破规则
建筑应该成为让你的梦想成为现实的方式，就像是一个砖块和泥浆筑成的萨满，那是我们人类真正的力量，那就是我们对环境有着莫大的影响力。如今我们有了这种力量，我们可以利用它去创造一个噩梦或者用它去实现我们的梦想。当然了，后者要更为有趣的多。
Bjarke Ingels建筑将功能、幻想和可持续性统一在“务实的乌托邦”设计中，就像一个顶部有滑雪场的清洁发电厂。
“你不必在建造停车场和公寓楼之间做出选择。你不必在带花园的房子和带顶楼的房子之间做出选择。你可以两者兼得。一旦你把这些看似相互排斥的概念硬塞到一起，你就会得到一个新的混合体，它最终会以某种方式看起来与众不同，因为它的表现与众不同。”
Bjarke Ingels的想法之一是将不同的概念结合在一起。
设计也许就是结合创新。并非是常规式的必须沿袭之前的东西，是可以兼顾的。
5、汽车设计师
“”设计就是在预计未来需求”
“你在设计未来五年后发行的车，然后你还得考虑到汽车要在市场存活三到六年，当你创造这些车辆的时候，你得考虑九年的时间窗口。”而这令人生畏。这让我思考设计是要联系前后的，具有这样的能力才更能使设计长久。
6、平面设计师
“样式是有灵魂的，不必是某些简洁、机械化的东西，只是够用而已，而可以是某些大胆的东西。设计的存在超越荧幕之外，对现实甚或有影响。”
7、摄影师
“设计是为了讲故事，设计是为了目的。
普拉登：“我根本不是一个真正的摄影师。照相机只不过是一种工具。交流，简单，页面的形状。重要的是故事、信息和感觉。”
“人们喜欢根据所使用的工具来命名工作。例如，photographer是使用相机拍照并获取图形的人。但当我们回忆那些伟大的照片时，我们记住的是其中的故事，而不是图像本身。如果我们从设计的角度来看照片，这就像是功能设计。”
“在拍摄前，我不会想，‘我怎么才能拍出好照片?而是“我能从这个人身上学到什么?”“每一次。人类的情况是如此复杂。比如:什么是好的领导?同情心有多重要?如何应对失败?我们都想知道的问题。包括我自己。”
8、室内设计师
“有人觉得室内设计是一种外观，而我对此有不同的见解，我们的人生，有87%的时间是在建筑内度过，它们的设计，对我们的感受和行为有着重大的影响。设计并不仅限于视觉，那是一个思考过程，一种技巧，最终，设计是升华人性的工具，它是生活的架构。”
总：这个纪录片可以说是打开了我的视野。整个纪录片中所提到的有，插画师、鞋履设计师、舞台设计师、建筑师、汽车设计师、平面设计师、摄影师和室内设计师。我看到了在各个艺术领域追求创新，精益求精的设计者。我想在设计中也应该静下心来，反复练习。极力挖掘设计本身的理念而不是一味地追求经济效益。打破常规思维，用心感受艺术。
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看了Abstract第一集，一直在截屏，希望能在里面寻找到设计方法，寻找设计创造中的规律和捷径，但是Neimann告诉我，你以为设计了两次三次以后，慢慢就会发现规律，使它变成一份简单的工作，但事实上，每一次都会是新的挑战，会很激动，但不会变成一件简单的事。
在里面，好的设计并没有解说的机会，你需要把想法都呈现在画面中。你需要解决的问题就是，怎么把信息呈现出来？怎样的才是最好的解决方案，可能需要工具、需要经验，但最关键的还需一个发光的想法。
Niemann会朝九晚六的去工作室，对着一张白纸，数小时枯燥乏味的思考，等着灵感出现，可能会来，可能不会来。
然而我们不可能什么都不做只等灵感。真正的专业的设计师并不完全依靠一瞬间的灵感，我们需要去工作，去给它一个出现的机会，通过不断的实践，排除不合适的可能，寻找合适的解决方案，迎接灵感的到来。抽象的审美与灵感，仅仅只是其中的一环而已。
Niemann说：“运动员每天练习，音乐家每天练习，谁说艺术家就不需要练习了？”，对天赋要求如此高的这些职业都需要日夜的练习，我有什么理停滞和懈怠呢？
灵感、想象力、审美，这些听起来像是“设计师”的超能力，但是我们与艺术家不一样，不能是单单通过作品来表达自己的观点和思考诉求就可以，还是要需要满足他人诉求、解决问题。
2、意识性： 原始社会经历了新旧两个时代，同时也是审美意识从不自觉到自觉的发展过程，也是原始情绪性和朴素观念性美术的产生和发展的过程。旧石器时代，先民们虽未留下可视的图像，但是从他们由于生物体本能而自发的创造性劳动中，可以看到初级审美能力的形成和审美意识的萌动，这个时期，是审美的不自觉时期。随着新时期时代的到来，中国美术史上出现了新的篇章，已经进入了审美的自觉阶段。这个时期的美术，具有混沌性的特征。这时期的陶器、石器、雕塑、岩画和地画等都不是纯粹为“美”而创造的，是“生于意识和观念的物化形态，是实用与审美的结合”的原始社会生活的反映。作为创作主体，当原始人的“自我意识”已经趋向成熟，而属于经验世界的心理活动还没有发展和积累到一定程度时，也是不会促使艺术萌生的。在不断征服自然的斗争中，原始人逐渐积累了大量的经验。一方面，这些经验使他们增加了适应生存的能力；另一方面，他们的求知、求解、求证的心理欲望，又在无数次外界事物的刺激下不断地增长着。外界事物对他们内心的每一次撞击，都不可避免地使他们产生一种解释现实、控制现实的欲望。于是，绘画、雕塑、神话或舞蹈，便成了他们宣泄积蓄已久的情感的媒介和控制的手段。“原始艺术既不是产生于单纯的好奇心，也不是产生于创造性的冲动本身。原始艺术的目的，并不在于去产生愉快的形象，而是把它当作为日常生活中的重要的实践工具和一种超凡的力量，有时甚至还把它当成了性交中的真正配偶。在各式各样的盛大庆典中，它甚至完全取代了人、动物和事物的作用。它既可以记录和传递信息，又可以对那些不在眼前的事物和精灵施加魔法。”
3、抽象性：由于原始人类在思维和智力方面还未发育完全，因此，在表达某种情绪和观念时，在原始艺术上不自觉地便形成了抽象性的艺术，且具有装饰性的意味，这是在自觉的活动中的不自觉表达，不具有主观性。在原始艺术中，有很多抽象的图形，如几何图形或写实图像的“简化”图形，它们的特点是一眼很难看出这些图形与客观存在物有什么关联。如彩陶中高度抽象了的鱼纹、蛙纹和鸟纹，岩画中的动物、人物“简化”图像。有些研究者认为，抽象应该是与人的特定心理活动相联系的对原型的心理加工过程。意思是说，把原始人对事物的视觉概念分为中心属性和边缘属性两个部分，抽象的过程即是将中心属性析出的过程，表现在艺术作品上便是图像“简化”的过程。“在原始造型艺术中，对中心属性的析出是通过对物象原型的细节或相貌特征数目的减少而实现的。这种相貌特征，也是边缘属性，它通常与物体的自然物理属性相联系。当物理属性被逐渐外化掉，中心属性即逐渐显示出来。如果这一过程在语义是对中心属性的析出，那么，在造型形式上则表现为一系列的图像简化。语义的抽取恰巧获得了形式的简化的援助，或者说语义的抽取与形式的简化是同一过程的两个方面。这一过程也即是原始艺术的抽象过程。“原始人在再现一个动物时，仅仅是将动物的肢体或某些器官的数目表现出来，或者仅仅用一些轮廓线（几何图形）来表现这些器官的形状、种类和作用以及它们之间的联系。他们在这样做的时候，就是通过物体特征数目即边缘属性的减少而达到基本结构形式的突出。如一只羊的写实图像，其身躯的细节特征较多，有头、身躯、腿，长长的角、尾和勃起的生殖器，而“简化”的图案中，头、身躯及尾都被大大地简化了，只剩下了一个不能再简化的基本图形。原始彩陶上人纹、动物纹和植物纹等，都具有强烈的抽象性、象征性，它不单是装饰性图案，还象征着其心目的神灵。随着原始审美意识的萌芽和发展,自觉审美时代的到来，这种具有抽象性、装饰性的艺术便打上了人的印记，出现了对称、平衡等基本的美的形式因素。从这里，我们可以窥见人类审美能力发展的清晰线索。
总之，审美性、意识性和抽象性贯穿于整个原始艺术，以至影响到以后的青铜艺术、雕塑，甚至影响到中国画以及现代绘画。智慧的祖先创造了如此灿烂的文明。原始艺术是人类童年时期的艺术，是人类从野蛮走向文明的记录。
的表现形式,揭示事物的本质.这样的诉求,虽提供艺术界新的美感经验,但也加深了观者与创作者之间的距离.然而这种贴近创作者内在情境且深具自我表徵的独特创作方式,未必会被后续仍以抽象语汇创作的艺术家们放弃.但随著知识建构的强势趋力,八零年代后现代主义时期的抽象艺术家们,也开始警觉抽象艺术已成为具象的另一个代名词的事实.换句话说,当观者毫不犹豫地针对一张不具形象的作品,以分类的方式,将此作品快速的归属在抽象艺术的范畴,并以过往对抽象艺术的识加以诠释时,他们已视抽象艺术为具象的形式语言.鉴於此,当代抽象艺术创作者试图扩大抽象艺术的定义,关切知识建构体系中具象与非具象的分界点,也关切信念本身的意义.
所谓的抽象,有两种：抽象的抽象和具体的抽象.从此概念的划分来讲,康定斯基是一位彻底的抽象派画家和创始者,纯粹的抽象派画家.从他的理论上的研究,如颜色心理学、对于点、线、面的分析,足以证明他的作品绝不是简单的形式上的表现而是在深刻理论指导下、有目的、有价值的创作,因此作品本身是具有丰富内涵和艺术理论支撑的.
当一幅完全抽象的作品展现在你的眼前的时候,你或许会被某些色彩本身所吸引,或许是某些抽象的形态让你产生了联想,或许是你从预见过的材料的运用,在你第一次看见它的时候,你的反应也许是惊讶,也许是茫然.当你睁大了双眼,想努力从画中看出些什么,可结果并不另人满意,你仍然是一无所获.对于涉足于艺术专业的我都曾有过类似的体验,在圈外人士看来更是难以理解和接受的,更何况是普通的大众呢?于是,我开始怀疑艺术的初衷到底是什么?难道不是为大众服务吗?（这也曾是包豪斯的领军人物纳吉的最主要的观点）；但是,从另一个角度来理解抽象艺术,抽象艺术家们也不能为了“讨好”大众而改变自身作品的表现形式而降低了作品本身的价值,否则抽象艺术也将无法生存下去了甚至变得毫无意义了.如果大众能够完全理解抽象作品并接受抽象的表现形式,“那么艺术家也就能够放弃各种自然的形式和色彩,直接使用纯粹的艺术语言了.”
在欣赏抽象艺术作品时,努力尝试探寻画中所要传达的画家本人的思想,以及他所要展现给观赏者的意图究竟是什么,或者说这些作品究竟要对我们说明什么.诸如此类的想法多次在我的脑海中闪现,挥之不去.有时对某抽象作品困惑之极,便凭主观臆断,自圆其说地给予画本身一个勉强的解释
标志设计分具象表现形式，文字表现形式和抽象表现形式。抽象表现形式又分圆形标志、四方形标志、三角形标志、多边形标志和方向形标志图形5种。
抽象表现形式是以抽象的图形符号来表达标志的含义，以理性规划的几何图形或符号为表现形式。抽象形式的标志，单纯地表现对象的感觉和意念，具有深刻的内涵和神秘的意味感。造型简洁，耐人寻味，给观者良好的视觉冲击力和深刻的记忆。抽象的标志表现形式可以分为：
1.圆形标志图形：圆具有单一的中心点。它依据这个点运动，引起向周围等距离的放射活动，或从周围向中心点集中的活动。
2.四方形标志图形：四方形的基本特征是，具有四个角和一个中心，与圆形相比，具有一定的方向性。
3.三角形的标志图形：标志中出现的三角形大多是等边或等腰三角形。这类三角形主要有两种表现形式：一种是正三角形,显得特别的稳重；另一种是倒三角形，这种三角形将宽大的顶部支撑在一个支点上，形成了一个极其危险的平衡方式。
4.多边形标志图形：多边形是由多种几何形构成的。其构成方式一般有两种：一种是由各种几何形相互切割构成的，如圆形和四方形的切割等；另一种是由各种几何形并置而成的，多边形在结构上比其他几何形复杂得多.内容也丰富得多。
5.方向形标志图形：方向形虽然有多种形态，但箭形是其基本形状，其它变化都源自于它，故方向形又称箭形。箭形的本义是箭头，其引申义是指向或朝向。在空间中，它的角度不同、方向不同，其意义也就不同。因此，方向形的意义变化主要来自三个方面：一是方向变化，二是数量变化，三是状态变化。方向变化确立或改变了方向形的基本含义。数量变化增加了双向、多向的含义，状态变化则寓意其速度、曲折等态势。
