家里适合挂梵高吗
家里适合挂梵高的画。
因为梵高的画色彩鲜明,充满着强烈的生命力,如今也可以作为比较好的装饰画。
梵高的艺术作品欣赏价值很高,挂在家里提升整个室内的品位。
梵高的画的价值不菲：
想在客厅里放梵高的杏花,白玫瑰和夹竹桃这三幅画是可以的,但与无关,与房间布置的艺术性有关。所谓分几类,如墓葬、居住等等,居家布置属于居住。所谓居住,是千百年来人们对如何处置居所的经验总结。但是,由于古代人缺乏现代科学头脑,所以用解释他,而现代一些一知半解或故弄玄虚的人将他神秘化了。其实,所谓居住的实质是与人的居住舒适、健康、安全有关。
《没胡子的自画i像》 荷兰 凡高 1998年 7150万美元文森特·i凡·高1890年创作的《加谢医生的肖像》,在1990年以8250万美元的价格售出《鸢尾花》5300万美元 《向日葵》1978年，在伦敦拍卖会上，凡高《向日葵》（其中一幅）以59亿日圆（3990万美元）被日本 人买走，创造艺术品拍卖价的最高纪录。 其他几幅《向日葵》至今未见拍卖。行家估计，如果拍卖底价应在7000万美元。世界最值钱的画梵高的占了四个 2010-4-1 21:19:13
在世界绘画作品排行榜前十名的作品中，凡高（Vincent van Gogh，1853～1890）占有四幅：《加歇医生》、《没胡子的自画像》、《鸢尾花》和《向日葵》，数量位居第一。尽管四件作品中《向日葵》卖价最低，仅4000万美元，但《向日葵》是最先创造印象派油画拍卖世界纪录的作品，凡高因此画而享盛名。
丽达与天鹅不是梵高的作品。
丽达与天鹅，是著名意大利画家达芬奇于1506年创作的装饰画。画作的题材取自于希腊的神话故事。
文森特威廉梵高，毕业于蒂尔堡大学，荷兰后印象派画家，表现主义的先驱。梵高对农民、田野生活有着很高的热情，作品中充满天然的悲悯情怀和苦难意识。
梵高《向日葵》的特点：
梵高创作和再创作《向日葵》时显示出的自我批评精神，很让人受启发，没有已完成的艺术，只有被抛弃的艺术。
梵高的一生几乎都被挤迫在命运的边缘，饱尝世态炎凉和接踵而至的创伤，但他反而鞭策着自己在逆境中寻找阳光，更强悍地成长。
带着对凡高苦难人生的理解，再度审视这幅作品，眼前的向日葵不再是简单的植物，而是诚挚而热烈绽放着的生命，犹如凡高本人。凡高通过描绘向日葵，向世人表达了他对生命的理解，并且展示出了他个人独特的精神世界。
梵高通过向日葵向后人传递着这么一个信息：怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作，怀着感恩之心对待生活，怀着一颗欣赏之心享受艺术，宛若眼前那灿若花开的向日葵。
从某种程度上讲，《向日葵》是对时代变幻莫测的礼赞，它充满活力的色彩孑然一改17世纪以来荷兰花卉绘画的悠久传统。
扩展资料：
创作背景：
1888年夏天，孤独的梵高试图在阿尔组织一个名叫“南方画室”的画家沙龙，向一些画家发了邀请，结果只有保罗·高更答应前往。高更是梵高在巴黎蒙马特认识的朋友，他们彼此欣赏。
收到高更准备前往阿尔的消息，梵高很高兴。同年8月，他画了第一幅《向日葵》。他原本想画12幅向日葵来装点他在阿尔租住的小屋，以迎接高更的到来，但刚画完4幅高更就来了，并给梵高带来了新颜料和一种黄麻质材的画布。
高更对梵高的这种金黄色的组合十分喜爱，对已挂在小屋的《向日葵》给予了高度评价。在高更的鼓动下，1888年10月，梵高用高更带来的黄麻又画了第5幅向日葵。
但是不久，两位艺术家因艺术理念上的差异发生了剧烈的冲突，情绪过激的梵高，挥舞着菜刀割下了自己的耳朵。高更在惊恐中离开了阿尔，离开了梵高。他在这里只住了两个月，这个时间，对一心盼着他到来的梵高来说，是短暂的。
1889年1月，梵高在对高更的思念中，画了第6幅向日葵，这一次，他在花瓶里插了15朵向日葵，调整了自己的风格，消除了一切可能带来现实主义联想的细节，以迎合高更的艺术趣向。因为他要把这一幅送给高更。
一向固执的梵高为了挽回高更的友情，他愿意在画风上做出妥协。然而，一切都是徒劳得，高更走后再也没与梵高见过面。这第6幅《向日葵》也就成了他与高更的友谊祭礼。
参考资料来源：百度百科——梵高向日葵
凡高 (Vincent van
Gogh，1853—1890)生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，凡高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往。但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，凡高的疯病(有人记载是“癫痫病”)时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。
这位易于激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：
“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利·福西隆在论述凡高时说道：
“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”
(奥夫沙罗夫编《凡高论》上海人民美术出版社，1987年，第95页)。
为了能更充分地表现内在的情感，凡高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。
凡·高把第二幅自画像(即本幅)看作自己神志正常的标志。"我希望你能看出我面孔比过去平静得多了,尽管在我自己看来我的神色比以前茫然呆滞了些。我带有另外一幅,那是我在病中试着画的,不过我觉得你会更喜欢这一幅,我在创作这幅画时有意画得简约质朴些。等你见到老毕沙罗时,把这幅画给他看看。"
与凡·高自己看法正相反,这面孔绝非平静,表情也绝非茫然呆滞更准确地说应该是坚定、专注、决不退缩。作者用旋动的冰蓝色笔触描绘出似乎在颤动的背景,背景衬托出身着中产阶级上衣和坎肩、留着桔红色头发和胡须的画面主公,同时画家的面孔又出现了我们所熟悉的气质性光彩。凡·高这幅作品的目的即是暗示自己要恢复信心。他让泰奥把这幅毕沙罗看,这表明他急切地想离开医院,想回到画家群体的环境中去。在同一封信中,他还写道:
"一个人毕竟不应该仅仅作画,他还必须跟人见面,必须不时地调整自己的情绪,并且通过与别人的接触给自己补充思想内容。"凡·高把这幅作品看作自己身心复原和可以重新作画的标志,因此当他回到北方时,便从泰奥那里将它取走,把它带到了奥弗。
这幅作品感动了奥弗的加歇医生,他想要一幅摹绘品。然而凡·高并没有留的摹绘品,不过也许是为了让这位恩人高兴,他采用这幅作品的色调和笔法风格,为医生画了一幅肖像。
凡·高的自画像所表现的是现代画家的气质与抱负,是从画家的立场上追求的乌托邦式的理想境界。
背景使用灰蓝色的连续曲线,产生如旋涡般的效果。木然的神情与变动的背景形成对比。而他的眼神,就如安东尼阿得所说的,"能把一个人穿透"一般。
吃土豆的人》，凡高作，1885年，油画，82×114厘米，阿姆斯特丹，国立文森特·凡高艺术馆藏。
凡高早期接触社会下层，对劳动者的贫寒生活深有感触。他受米勒影响，想当一名农民画家。
《吃土豆的人》便是他该时期的代表作。这幅画，充分反映了凡高的社会道德感。他选择画那些农民，主要是因为他发现自己与这些贫穷劳动者之间，有某种精神上和感情上的共鸣。他在给其弟弟提奥的信中写道：“我想强调，这些在灯下吃土豆的人，就是用他们这双伸向盘子的手挖掘土地的。因此，这幅作品描述的是体力劳动者，以及他们怎样老老实实地挣得自己的食物。”
(奥夫沙罗夫编《凡高论》，上海人民美术出版社，1987，第149页)
在这幅画上，朴实憨厚的农民一家人，围坐在狭小的餐桌边，桌上悬挂的一盏灯，成为画面的焦点。昏黄的灯光洒在农民憔悴的面容上，使他们显得突出。低矮的房顶，使屋内的空间更加显得拥挤。灰暗的色调，给人以沉闷、压抑的感觉。画面构图简洁，形象纯仆。画家以粗拙、遒劲的笔触，刻画人物布满皱纹的面孔和瘦骨嶙峋的躯体。背景设色稀薄浅淡，衬托出前景的人物形象。凡高自己称这幅画是“表现主义的诞生”。他说：
“我不想使画中的人物真实。真正的画家画物体，不是根据物体的实况，……而是根据自己的感受来画的。我崇拜米开朗基罗的人物形象，尽管它们的腿太长，臀部太大”。有人指责他这幅画中的形象不准确，而他的回答是：
“如果我的人物是准确的，我将感到绝望，……我就是要制造这些不准确、这些偏差，重新塑造和改变现实，是的，他们能不真实，你可以这样说——但是比实实在在的真实更真实。”
(奥夫沙罗夫编《凡高论》，上海人民美术出版社，1987年，第150页)
《向日葵》，凡高作，1888年，油画，95×73厘米，伦敦，泰特画廊藏。
凡高于1888年2月来到法国南部的阿尔，在那里他深深地为南方璀璨的阳光而激动。他在给埃米尔·伯纳的信中表达了他的狂喜，他说，那里的河是翠绿的，落日象熔金的炼炉，太阳是金黄色的，“在我眼里，此地的乡间，气氛宁静，色彩绚丽，……与人们在日本版画中见到的景象一模一样。”他强烈地爱上了遍地生长的金色向日葵。他设想用“一系列黄色”的变奏，来画一组以黄色或蓝色为背景的向日葵静物画，并用它们来装饰他在阿尔的居室。他一共完成了六幅向日葵组画。在这些画中，他以抒情的笔调，充分展示了那些金色黄花的绚丽光彩。这幅<向日葵)作于1888年8月，是其重要代表作之一。
这不是一幅传统的描绘自然花卉的静物装饰画，而是一幅表现太阳的画，是一首赞美阳光和旺盛生命力的欢乐颂歌。画中，那一朵朵葵花在阳光下怒放，彷佛“背景上迸发出燃烧的火焰”。正如凡高自己所说“这是爱的最强光!”
凡高表现向日葵的手法，也是别出心裁，他采用1简化的手法描绘物象，使画面富于平面感和装饰的意味。画面以黄色和橙色为主调，绿色与蓝色的细腻笔触，勾勒出花瓣和花茎。籽粒上的浓重色点，具有醒目的效果。那大胆恣肆、坚实有力的笔触，以不同的走势，在明亮、灿烂的底色上找寻不同的结构与色调，把朵朵向日葵表现得光彩夺目，动人心弦。
《星夜》，凡高作，1889年，油画，74×92厘米，纽约，现代艺术博物馆藏。
1889年，凡高的疯病又一次发作。在与高更的一次激烈争吵之后，他割下自己一只耳朵，并用手帕包着送给一个妓女。此后，他被送人了圣雷米的疯人院。他在那儿共呆了一年零八天。其间，他仍然勤奋作画，完成了一百五十多幅油画和一百多幅素描。他此时的绘画，已完全地趋于表现主义。在他的画上，那些象海浪及火焰一样翻腾起伏的图像，充满忧郁的精神和悲剧性幻觉。油画《星夜》便是他该时期的代表作。
这幅画，展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。那巨大的、卷曲旋转的星云，那一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月，大约是画家在幻觉和晕眩中所见。对凡高来说，画中的图象都充满着象征的涵意。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到凡高所乐于提起的一句雨果的话：
“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。
在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵旋涡。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来象是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。
凡高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图象中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突，从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点黄色灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。
1888年2月，已35岁的梵高从巴黎来到阿尔，来到这座法国南部小城寻找他的阳光，他的麦田，他的向日葵……梵高创作了大量描绘向日葵的作品。这幅是其中最著名的，现藏于伦敦国家画廊。 梵高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体
这是查找资料的结果 我认为简单说就是 梵高在整个社会的不认同和不被接受下创作才华达到顶峰并留下了《向日葵》这一经典画作 梵高以此表达了他内心对于艺术火热的追求
一九七八年，在伦敦拍卖会上，凡高的《向日葵》以大约五十九亿日圆的天价被日本人买走了，这个消息震惊了全世界
第一个，安全要注意，因为这三处地方流动量大，所以画一定不能是太贵重的，也不能太容易掉下来，要选择轻质的画。这个是有原因的，在出现大风，地震的时候，如果画掉下来，会出大麻烦的。
第二个，不易挂太大的画。应该挂小画。最好是组合画。由小小的画面组成的。不能挂太满，因为这些位置一般都是比较小的。挂太大的画，会给人以压迫的感觉。
第三个，在选择几幅画的时候，应该考虑到画与画之间的关联性，如构图一至，色彩一至，要是能够形成风格的。
至于如何选择，注意这几点外的画，都可以考虑。
他是后期印象派三位大师之一，是十九世记末期的画家。
真正讨论抽象画是德国的抽象表现主义，代表人是康定斯基 “Kandinsky“
那已经是二十世记的事了。
有兴趣看看“康定斯基“的画作就知道了。
【类别】油画 、 名画
【年代】作于1907~1908年间
【作者】居·克里姆特
【规格】180×180厘米
【属地】 现藏维也纳奥地利美术馆
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《接吻》几乎用的全是金色调，除了脸部、手部和某些细节与花纹外，其余空间全用金色作装饰，成为一幅工艺性极强的装饰画。这种表现形式已超出了油画的范围，差不多让位于工艺了。
《接吻》上的图案纹样也很独特，有一种介乎日本趣味与拜占庭趣味之间的混合味。画家长期来一直在色块、图案、装饰线等方面不断地探索，转变手法，也从不满足于所获得的，但其探索的方向主要是东方的。画上一对情侣的侧部形象差不多就是日本浮世绘式的，使用了重彩与线描。 有人根据克里姆特一贯对性爱主题的关切，断定他的《接吻》上表现的是"色情内容"，并说，弗洛伊德的性心理研究，被画家用可视的形象符号描绘出来了。"人类创造的最早图案--十字形纹样就源于色情。……假如我们现代人出于内心冲动，而用色情的形象把墙壁涂画得乱七八糟，那他就是罪犯或是一个道德堕落分子。"(见1908年维也纳一位反对装饰主义，主张表现主义的画家阿道尔夫·鲁斯对克里姆特的艺术的公开批评)又说，他的《接吻》之所以被检查官通过，并为观众所接受，乃是被画上布满的金、银的装饰色彩所迷惑了。
克里姆特的艺术的复杂性就在于此。不可否认，画家在表现女性的主题上有性的课题，但如果把装饰纹样也牵强地比作"色情"符号，把十字符、方形、螺旋形等带有始前人类的性神秘意义的符号，用于现实生活，这在19世纪末是否符合实际，是值得怀疑的。尽管弗洛伊德也把十字形的"直"看作男性符号，"横"象征女性符号，可是这种符号在现代人的心理反映中，即便学问再深的人，也不会联想到"性"。它已不存在实际的心理效果，因而也没有这种感染力。克里姆特使用这些抽象符号，完全采自东方艺术。这和他一贯喜爱东方美术的质朴性有关，决不意味着代表什么"性"与"色情"。
另外，人们习惯把克里姆特在画上大量使用金、银箔作装饰的作品，集中称之为"金色时期"。这个时期，他的一些作品上的图案装饰越来越多，以致妨碍了油画本身的性能，如他于1914年画的那幅肖像《伊丽莎白像》，在富有变形趣味的、以线条为主的妇女全身肖像的背景上，画上了许多从中国18世纪景德镇彩绘瓷瓶上摹下的古代历史人物(这一类瓷器尤以乾隆时期最多产，并出口到欧洲各国)，显然是一种无理性的拼凑。
