连云港戈雅建筑装饰工程有限公司怎么样

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绘于1798-1805年的“裸体的玛哈”（图3）和“着衣的玛哈”（图4）是戈雅的代表作品，“玛哈”是西班牙语“俏女郎”的意思。两幅画中人物姿态都相同，双掌交叉于头后，身躯斜卧于床上，人物俊俏丰满。画家致立于表现人物身上所诱发出来的青春美的魅力。作为近代描绘赋予现实意味的女性人体，可算是一个先驱。这在西班牙宗教裁判所的黑暗统治年代，不能不说具有十分重要的反封建意义。

着衣的玛哈

这里两幅著名的妇女肖像“着衣的玛哈”与“裸体的玛哈”，是两幅同一姿态和构图的青年女子着衣和裸体像。“着衣的玛哈”穿一件紧贴身子的白衣服，束一玫瑰色宽腰带，上身套一件黑色大网格金黄色短外衣，暖调子以红褐色为背景，使枕头、衣服和铺在绿色软榻上的浅绿绸子显得分外热烈。而在“裸体的玛哈”上，背景减弱了。姑娘的娇柔躯体被软榻上墨绿色天鹅绒的冷调子所加强。这两幅画给戈雅带来了极大的声誉。戈雅在这两幅画上运用淋漓酣畅的小笔触，几乎是一气呵成地把握住同一形象的基本造型。这两幅“玛哈”是戈雅的独辟蹊径之作，因为在西班牙绘画史上极少有裸女像，它是不为西班牙宗教裁判所容忍的。不仅在绘画上，而且在工艺装饰，镜子或家具上面，都不允许有裸女形象出现。17世纪西班牙绘画大师委拉士开兹之敢于画出“镜前的维纳斯”，乃是在国王的庇护下，所以戈雅这两幅画中的裸体女性油画，也许是绝无仅有的一幅。

1760年戈雅随父母迁居萨拉戈萨，并被送进修道士赫阿津的学校学习。在学习期间戈雅曾在巴尔姆学院获得了二等奖。此后，他从师于一位那不勒斯画派的画家何塞·鲁赞-伊-马尔底涅斯。到1770年左右，戈雅又在德里·比拉尔圣母教堂和萨拉戈萨附近的卡尔特吉教团的阿乌尔·德伊僧院画了若干幅宗教画。他在l771至1772年间画的那些画表明，他已经相当好地掌握了巴洛克的传统，并且也说明了他对大块明暗风格的爱好。我们还可以感觉到戈雅作品的影响力和突出的表现力。（如作于1770年的“基督殉难图”）但是谁也不能凭这些东西预告未来的戈雅。

1775年重返马德里，并在那里结婚，妻子是好友画家弗朗西斯科·巴依也乌的妹妹霍塞法。也正是由于巴依也乌的关照，戈雅的生活有了改变。通过巴依也乌戈雅从孟格斯那里接受了为皇家圣巴巴拉织造厂绘制第一批葛布兰花毯图样的任务。他在l780年被选入圣费南多学院，1779年又受到国王查理三世的接见， 1780-1781年间，他摆脱了巴依也乌的监护，而在l784年由于一幅描绘圣别尔纳尔金?西恩斯在阿里方司·阿拉贡面前布教的油画，第一次博得官方好评。到1785年，戈雅在官方已经有很高的地位了。

绘制葛布兰花毯画图样对戈雅的今后的艺术之路起到非常重要的作用。这种图样或画稿并不需要像油画所必须具备的那种学院派的完整性，这就使得年轻的戈雅可以更直率、更真挚地表现自己的幻想。除此以外，尽管必须接受孟格斯的指导，但是为葛布兰花毯所规定的题材却是带有民间的特色和取自当代生活的；因此，戈雅有极好的机会来自由地发挥自己的幻想。

陶器市场

作于1778年的“陶器市场”（图1）相当明显地显示了戈雅艺术的主要优点。绘画表现的鲜明性，人物同背景的完美溶合，构图的貌似杂乱的丰富性，为每一个仿佛信手拈来的人物增添了温柔气息的灵活用笔，使每一个农妇如同贵妇一般尊严，使每一件陶器富有夏尔丹静物式的家常趣味的18世纪优雅气派一一所有这一切都是戈雅径自创造的，虽然也并未脱离欧洲的、委拉斯凯兹的、威尼斯的和法国的极尽精致的传统。但是，在这幅画里，已经感觉到戈雅的独一无二和无与伦比的手笔：在画面上看得到一种信心、果断，一种出人意外东西的存在；每一个人物都是生动感人的，而且也是各有千秋的。戈雅温情脉脉地爱着他所描绘的人们，但也不无一点倨傲的笑意。他创造了一篇童话，并且把它纳入了诗的形式。

在查理三世逝世和查理四世1789年即位之后，戈雅成了宫廷画家，虽然戈雅担任了宫廷职务，但他的心却不属于宫廷。相反地，他怀有一颗反叛者的心，尽管戈雅本人并未自觉到这一点。突然发生的一场灾难打开了他的眼界，使他看到了周围发生的事情，激起他一种殊死的勇气，促使他极其真诚地来表现自己的感情，给了他以真正道义上的自由。

宗教裁判法庭

戈雅在1792年身染重病，结果丧失了听力。戈雅在1794年写道：“我的健康依然如故。有时我会控制不住，以致自己讨厌自己；有时我又觉得自己比较平静。”但是，他失去了某种东西：乐观主义。说到耳聋，由于戈雅同世界隔绝了，他在更大的程度上是属于自己的了。结果是他的艺术的更加深刻化。他在1794年写道：“为了占据被我的痛苦景象所压抑的想象力，为了部分地抵消由于患病而带来的大量开支，我着手画一卷组画，它们主要是描写我的观察，而这在订画作品中往往就办不到，在那些作品中根本无从迁想妙得。”在这些画中有一幅“宗教裁判法庭”（图2）。试把它同“陶器市场”（图1）作个比较。在我们面前的是一种崭新的艺术；要是我们能够猜得出这就是那个画家的话，那就不能不对他的个性的这种变化感到惊异。他那轻快的笔触在“陶器市场”里表现了欢乐的信赖的微笑，而在“宗教裁判法庭”里却表现了一种隐藏着失望的嘲讽。画面上一大片、一大片深暗部分，似乎是充满着恐怖的幻影。远处的灰暗面，茫茫然恍惚不定。在这一片绵延不尽的幽灵似的形体中间，活动着一群只有恶魔才臆想得出来的充当法官的僧侣；他们充满着阴谋和残忍、伪诈和愚蠢。在他们中间，我们只能看到一个人的存在一一那在荒唐的高帽子沉重侮辱之下低下头来和在命运面前不得不屈服的被告。在表现所有这些感觉时，绘画不仅运用自己的手段，制造了光和影的混成一片，制造了闪电一样迅速的光线在昏昏冥冥之中的突然出现，而且还制造了可视的形体和精神的形体(是人是鬼反正一样)同一切造型形式的完全脱离。这样，我们就不仅看见了那个主要被告的不取决于肉体美的道德美，而且也明显地看见了那个狞笑的僧侣和那个发号施令、大逞淫威的僧侣以至旁听者中的那个神色痴呆的人物的畜生美。

裸体的玛哈

绘于1798-1805年的“裸体的玛哈”（图3）和“着衣的玛哈”（图4）是戈雅的代表作品，“玛哈”是西班牙语“俏女郎”的意思。两幅画中人物姿态都相同，双掌交叉于头后，身躯斜卧于床上，人物俊俏丰满。画家致立于表现人物身上所诱发出来的青春美的魅力。作为近代描绘赋予现实意味的女性人体，可算是一个先驱。这在西班牙宗教裁判所的黑暗统治年代，不能不说具有十分重要的反封建意义。

着衣的玛哈

这里两幅著名的妇女肖像“着衣的玛哈”与“裸体的玛哈”，是两幅同一姿态和构图的青年女子着衣和裸体像。“着衣的玛哈”穿一件紧贴身子的白衣服，束一玫瑰色宽腰带，上身套一件黑色大网格金黄色短外衣，暖调子以红褐色为背景，使枕头、衣服和铺在绿色软榻上的浅绿绸子显得分外热烈。而在“裸体的玛哈”上，背景减弱了。姑娘的娇柔躯体被软榻上墨绿色天鹅绒的冷调子所加强。这两幅画给戈雅带来了极大的声誉。戈雅在这两幅画上运用淋漓酣畅的小笔触，几乎是一气呵成地把握住同一形象的基本造型。这两幅“玛哈”是戈雅的独辟蹊径之作，因为在西班牙绘画史上极少有裸女像，它是不为西班牙宗教裁判所容忍的。不仅在绘画上，而且在工艺装饰，镜子或家具上面，都不允许有裸女形象出现。17世纪西班牙绘画大师委拉士开兹之敢于画出“镜前的维纳斯”，乃是在国王的庇护下，所以戈雅这两幅画中的裸体女性油画，也许是绝无仅有的一幅。

1784年标志着戈雅的绘画生涯飞黄腾达和他同宫廷与贵族和联系以及他社会活动的开始。他被马德里接收为圣费南多学院的会员。随之，又升任为该院的副院长。这时期他在肖像画上有突出的表现。他给皇戚、贵族、将军、教士、演员、画家、甚至斗牛士都画过肖像，在他的画时里，大块的阴影消失了，而色彩则有了空前柔和的搭配。这些作品都充满着热情，善于揭示人物的内在特征，这是他的现实主义手法在肖像画上的最大贡献。1800年绘制的“查理四世一家”（图5）就是这种肖像画的最典型的一幅。

查理四世一家

国王卡洛斯四世是个脑满肠肥、低能昏庸的统治者，他极愿意站到画架前让戈雅作画。他臃肿的身体活象一只火鸡；皇后玛丽亚·鲁伊萨则歪着脖子，装出一副认真的样子，由于她长得丑陋，加上脸上现出一本正经的状态，反而显得十分可笑。两边则是他们的女儿、女婿、儿媳和姐弟。有的挺胸凸肚，有的呆苦木鸡。人物呈弧线形地前后交错站开。国王的姐姐唐娜·何赛法（左起第五人），因为长得实在不理想，画家只得把她画成脸转向后面的样子，国王的兄弟唐?巴斯夸尔（紧挨在国王后面、只露出一个头部，也因俗恶不堪，没有去画他的全身。只有几个儿童稍显娇秀些，如中央由皇后搀扶的小王子帕乌拉及皇后左侧的小公主伊萨贝尔，但都因表情不够灵活而使这幅画枯燥无味。戈雅倒并不在有意丑化这些皇族成员，而是凭着他那天才的洞察力，深入挖掘这些人物只知享受的空虚灵魂，从而生动地揭示出这些人物的本质特征。

“13”在西方传统观念中是个不吉利的数字，为了弥补这一不足，可又要使皇族一家一个不漏，画家便在画面左侧后景中的暗部，添画了戈雅的半截身子。在这里戈雅没有用明亮的颜色去渲染自己，仅仅为了打破忌讳，使全书取得统一。戈雅以表现锦绣的衣服和金银宝石饰物等装饰色彩来加强这幅画的宝贵气氛。但全局上并没有蓄意的装饰意图。它的现实主义价值在于，为后世提供了历史人物的真实范例。

5月2日的起义

1808年发生了一场新的灾难，但这一回已经不是他个人的灾难，而是西班牙的灾难了：法国人入侵，查理四世退位，约瑟夫·波拿巴的统治。戈雅的一些开明的朋友都曾满意于法国人的到来。就如从前戈雅曾经认为查理四世及其宫廷是自己的主人一样，现在他也接受了约瑟夫·波拿巴所建立的“西班牙秩序”和为拿破仑的博物馆选送五十幅油画的任务。但是，现在却充满了对法国人入侵的惊恐与愤怒。在1814年2月24日法国人撤退后，戈雅向摄政王表示了“用自己的画笔铭刻我们的起义者反对欧洲暴君的丰功伟绩的无比强烈愿望”。

5月3日的枪杀

他在“5月2日的起义”（图6）和“5月3日的枪杀”（图7）两幅画中表现了那种对正义惨遭蹂躏和愚昧与丑恶得势的愤慨之情。“5月3日的枪杀”（图7）通过光与影、明与暗、冷与暖、美与丑、勇敢与怯懦、正直与卑劣的强烈对比，戈雅的激情宣泄得淋漓尽致。在描绘这一历史事件时，他运用一种概括性很强的奔放画法塑造人物形象，并不斤斤计较细节是否精确，而是一心一意抓住最重要的东西，以最具特征的动作、神态和氛围，传达他炽烈的爱憎。位于画面中心的那位穿白衫黄裤的西班牙青年，形体塑造也许并不怎么准确，但谁也不能否认他是最动人的浪漫主义艺术形象，一个民族的反抗精神在他身上获得了集中体现。这是戈雅的一件杰作，一件在整个美术史上占有特殊地位的杰作。

让我们回忆一下，戈雅就是以这样非凡精力继续工作，一直活到1828年。我想不仅是那一件件件作品直得我们惊讶，更让我们惊讶的在于他那种不为恶运所屈服的生命力和创造力。

由于哥伦布发现美洲新大陆，查理五世做过神圣罗马帝国的皇帝，西班牙曾一度成为欧洲最强大的殖民帝国，不仅掠夺了外民族的物质财富，也从文明世界带来了先进的文化艺术，这为它在17世纪的文学艺术的发展奠定了基础。17世纪西班牙的文学与绘画发展的不同之处，在于文学直接鲜明地反映社会进步阶级的观点和描写现实生活，剧作家维加就曾说过：文学艺术要表现时代，把我们在生活中看到的东西反映出来。而当时的绘画还受教会和宫廷的控制，统治者对于绘画的要求，是为他们宣扬宗教思想和享乐主义，但是在进步的文学思潮影响下，也启发了画家们面向现实生活，加之教会、国王也喜爱带有世俗化和时代化倾向的绘画，借以为他们歌功颂德、炫耀财富和装饰宫廷的享乐目的，所以17世纪西班牙的绘画，既有为教廷、王室服务的巴洛克艺术，也有描绘普通平民生活和形象的卡拉瓦乔式现实主义。

17世纪西班牙著名画家有里韦拉(Ribera，1591—1652)、法兰西斯柯·苏巴朗(F De Zurbaran，1598—1664)、委拉斯开兹等。成就最高的是委拉斯开兹。

里韦拉的代表作有《圣费利佩的殉教》、《忏悔的玛达莱娜》、《畸形脚的乞丐》等。

17世纪上半期，西班牙最重要的画派之一的是南方的“塞维利亚画派”。这个画派有两个最杰出的代表：一个是苏巴朗；一个是委拉斯开兹。

苏巴朗的代表作是：《圣乌戈访卡尔特会餐厅》、《静物》等。苏巴朗擅长静物画，他对静物表现出的热情决不亚于祈祷默思的修道士。他和荷兰的静物画家一样，对豪华的装饰品不感兴趣，而用一种纯朴的精神对待日常生活中的一般物品。苏巴朗所画的物体一个个互不遮挡地排列在画面上，它们各自独立互不相干。他所塑造的静物特别注重形体的质量感，往往是运用深暗的背景来突出物体，使每个形象都有自己独特的个性面貌：或热烈或冷漠，或粗犷奔放，或玲珑细腻。画家画物犹如画人，鲜明的个性刻画，使他的画富有人情味，人们称他的静物画为“静物肖像画”。

委拉斯开兹(D·R·de Silva Velazquez,1599—1660)：

11岁时学画，17岁就获得了艺术家的称号。1623年，委拉斯开兹迁居马德里，次年成了国王菲力四世最赏识的宫廷画师。担任宫廷画师之后，他的创作题材当然是宫廷生活和国王贵族们的肖像。其中对人物精神刻划最深刻最典型的例子是他在第二次去意大利期间画的《教皇英诺森十世肖像》。

17世纪的西班牙绘画称之为“委拉斯开兹时代”，由于这个时期欧洲流行巴洛克风格，所以也有人称这时期的西班牙绘画为“巴洛克绘画”。不管从哪一个角度考察，这个历史时期西班牙绘画的主流，仍然是以现实主义为其主流特征。

《教皇伊诺森十世》是委拉斯开兹的重要代表作（重要）。

委拉斯开兹在罗马停留期间，受到教皇伊诺森西奥十世的热诚欢迎，画家为教皇画了肖像以表达感激之情。76岁的教皇想摆出一副仁慈上帝的化身，让画家为自己树一座令人可亲可敬的永久纪念碑。可是委拉斯开兹以自己入木三分的锐利目光，透过教皇虚伪造作的外表发现了他那贫婪、凶狠、无情冷酷的本质。西方评论家曾评价这幅肖像：在欧洲，所有大师的肖像画都是出色的画，唯独委拉斯开兹的这幅不是肖像画，而是教皇本人。因此画家被接纳为罗马画院院士。

委拉斯开兹还画了一些以神话、历史、风俗与风景为题材的作品，在《酒神巴库斯》一画上，刻画了一些吃醉了酒的农民的生动形象；在《火神的煅铁厂》又真实地反映了铁匠铺工人的工作情景，人物内心刻划得更加生动自然，笔触流畅有力，构图完整，色彩明亮，空间宽阔，铁匠铺里的一些用具也描绘的十分逼真。其他还有《宫娥图》和《纺织女》等。画家一生唯一的一幅裸体女人体是《镜前的维纳斯》。

穆里罗 (B·E·Murillo，1617-1682年)

17世纪下半期，作为西班牙画坛主流的现实主义开始衰退，而塞维利亚画派比别的地方保持着更多的现实主义传统，杰出的代表画家是巴托洛梅·埃斯特万·穆里罗。

穆里罗出生于西班牙重要的商业和文化中心塞维利亚，父母早逝，家境贫寒。起初师从卡斯提奥，这位老师是古典主义艺术的崇拜者。牟里罗受老师影响，对卡拉瓦乔的明暗画法感到极大的兴趣，他深入学习和研究了意大利和佛兰德斯的绘画，尤其喜爱凡·代克的艺术表现，他尊崇比他大18岁的同代大画家委拉斯开兹。他很少离开塞维利亚，他的作品不仅受到教堂欢迎，也受市民的喜爱。所以他受到塞维利亚人的长期推崇，被誉为“塞维利亚的拉斐尔”。他是塞维利亚画派的杰出代表。

穆里罗的作品分两大类：一，画宗教题材画；二，风俗画。

穆里罗不仅是画家，也是位美术教育家，他曾是1660年塞维利亚艺术学院创始人之一，并担任这个学院的第一任院长，培养了一大批有成就的学生，对发扬西班牙民族艺术传统作出了积极贡献。在当时，他所获得的荣誉超过了委拉斯开兹。

代表作是：《乞丐少年》、《圣母玛利亚的怀胎》、《圣家族》等。

在十八世纪至十九世纪西班牙画坛上，戈雅 (Francisco Jos；de Goya) 是一颗孤独而灿烂的星辰。他以极其多产而又风格多变的创作影响了后来的浪漫主义（如德拉克洛瓦）、现实主义（如杜米埃）、印象主义（如马奈）、以及象征主义和表现主义艺术。

戈雅的绘画才能是惊人的，他几乎在整个绘画领域都有卓越的成就：壁画、天顶画、架上油画(从肖像画、风俗回到历史画)，然后是插图、石版画和铜版画。他的作品触及到了激动十九世纪人类的各种基本问题，创造了无数令人难忘的艺术形象和新颖、尖锐、有表现力的艺术语言。在戈雅之前，艺术从未如此强烈和全方位地反映过当代政治生活和社会生活以及各种事件的生动联系，也从未如此强烈和深入地表现过内心世界的激越、动荡、阴郁和紧张。戈雅的艺术孕育着艺术形态将要发生的裂变和多种可能性，它是新世纪诞生时精神阵痛的前兆 。

戈雅的代表作是《波赛尔夫人肖像》、《1808年5月3日夜枪杀起义者》、《裸体的玛哈》、《着衣的玛哈》等。

绘于1798-1805年的“裸体的玛哈”和“着衣的玛哈”是戈雅的代表作品，“玛哈”是西班牙语“俏女郎”的意思。两幅画中人物姿态都相同，双掌交叉于头后，身躯斜卧于床上，人物俊俏丰满。画家致立于表现人物身上所诱发出来的青春美的魅力。作为近代描绘赋予现实意味的女性人体，可算是一个先驱。这在西班牙宗教裁判所的黑暗统治年代，不能不说具有十分重要的反叛意义。 这两幅“玛哈”是戈雅的独辟蹊径之作，因为在西班牙绘画史上极少有裸女像，它是不为西班牙宗教裁判所容忍的。不仅在绘画上，而且在工艺装饰，镜子或家具上面，都不允许有裸女形象出现。17世纪西班牙绘画大师委拉士开兹之敢于画出“镜前的维纳斯”，乃是在国王的庇护下，所以戈雅这两幅画中的裸体女性油画，也许是绝无仅有的一幅。

第一种：以艺术形象存在方式为依据，可以将艺术区分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。时间艺术：音乐、文学；空间艺术：建筑、雕塑、绘画；时空艺术：戏剧、影视、舞蹈。

第二种：以艺术形象的审美方式为依据，可将艺术分为听觉艺术、视觉艺术、和视听艺术。听觉艺术：音乐；视觉艺术：建筑、雕塑、绘画、书法，盆景，餐饮；视听艺术：戏剧、影视。

第三种：以艺术作品的内容特征为依据，可以将艺术分为表现艺术和再现艺术。表现艺术：音乐、舞蹈、建筑、书法；再现艺术：绘画、雕塑、戏剧、电影。

第四种：以艺术作品的物化形式为依据，可以将艺术作品分为动态艺术和静态艺术。动态艺术：音乐、舞蹈、戏剧、影视；静态艺术：绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等。

现代艺术的范围很广泛，用来指从19世纪末期到大约1970年代大部份的艺术作品。（较近期的艺术作品通常被称作当代艺术或后现代艺术。）顺带说一下，当代的艺术也就是今天的艺术再说什么流派就很过时了。现在有无数种流派，或者说没有流派。流派只有在过去艺术的形式和自由受到制约的时候才有其存在的必要和可能性。19世纪末浪漫主义：弗朗西斯科·戈雅（Francisco Goya）、安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres）写实主义：古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet）印象派：埃德加·德加（Edgar Degas）、马内（Édouard Manet）、莫内（Claude Monet）后印象派：秀拉（Georges-Pierre Seurat）象征主义：莫罗（Gustave Moreau）那比派（Les Nabis）塞尚（Paul Cézanne）、高更（Paul Gauguin）、梵高（Vincent van Gogh）和罗特列克（Henri de Toulouse-Lautrec）等人的作品带有高度实验性及个人风格，在这个时期扮演着重要的角色重要的现代雕塑先驱：马约尔（Aristide Maillol）和罗丹（Auguste Rodin）20世纪初期（一次大战前）新艺术：克林姆（Gustav Klimt）表现主义：安索尔（James Ensor）、柯克西卡（Oskar Kokoschka）、诺尔德（Emil Nolde）、孟克（Edvard Munch）野兽派：德朗（André Derain）、马谛斯（Henri Matisse）、弗拉曼克（Maurice de Vlaminck）桥派（Die Brücke）：基尔希纳（Ernst Ludwig Kirchner）蓝骑士派（Der Blaue Reiter）：康丁斯基（Wassily Kandinsky）、马尔克（Franz Marc）立体主义：布拉克（Georges Braque）、葛利斯（Juan Gris）、雷捷（Fernand Léger）、毕加索（Pablo Picasso）奥费主义（Orphism）：德洛内（Robert Delaunay）、维雍（Jacques Villon）未来主义：巴拉（Giacomo Balla）、薄丘尼（Umberto Boccioni）、卡拉（Carlo Carrà）俄国：贾柏（Naum Gabo）、康丁斯基、利西斯基（El Lissitzky）、马勒维奇（Kasimir Malevich）、塔特林（Vladimir Tatlin）风格派（De Stijl）：都斯博格（Theo van Doesburg）、蒙得里安（Piet Mondrian）雕塑：马谛斯、布朗库西（Constantin Brancusi）摄影：画意摄影主义（Pictorialism）、纯粹摄影（Straight photography）19世纪的发轫现代艺术是从西方开始的，最先是绘画和版画，然后在19世纪中期扩展到其他的视觉艺术上，如雕塑和建筑。到了19世纪末期，一些对现代艺术有重要影响的运动开始出现：以巴黎为中心的印象派，以及最初从德国开始的表现主义。现代艺术受到的影响来自很多方面：比如接触到东方的装饰性艺术，尤其是日本版画；泰纳（J. M. W. Turner）和德拉克罗瓦在颜色上的创新；还有像米勒等画家的作品中可以看到有更多描述日常生活的主题。当时对艺术的普遍观念认为，艺术应该精确地描述事物，而且必须企图表现出其理想的样貌。因此当时最成功的画家如果不是接受委托，就是透过举办大型画展来进行创作。政府也会资助画家，并且定期举办展览。于是跳脱理想化与精确描述的艺术，就不只是一种艺术路线的改变，而是社会和经济状况造成的结果。这些新的运动并不必然将他们自己视为一种进步前卫或者个人艺术的解放。相反地，他们认为他们才是再现了所谓的真实与普世价值。印象派画家说人们并没有看到物体，而是看到那些物体反射出的光，因此画家必须在自然的光线下而非在画室中作画，并且捕捉那些光线带来的效果。印象派艺术家自己组成了一个团体来推广他们的作品，尽管内部关系有些紧张，他们还是能够集结起来举办了一些展览，然后他们的风格又被其他国家的艺术家所接纳。这些因素都促使大家相信这是一个“运动”。从建立起一套艺术方法、逐渐形成一股风潮、到最后获得国际性的接纳，这个过程将在每个现代艺术运动中不断被重复。20世纪初期1901年-1906年，在法国巴黎，梵高、高更和塞尚的作品，首次大规模公开展览，20世纪的现代艺术发展，约始于1906年，20世纪的第一个十年中兴起的艺术运动有野兽派、立体主义、表现主义和未来主义。第一次世界大战造成了这一阶段的终止，不过也因此开始了一些反战运动，比如达达主义和杜桑（Marcel Duchamp）的作品以及超现实主义。另外像风格派（de Stijl）和包浩斯学派也影响到日后关于艺术、建筑、设计和艺术教育之间关连的发展。在1913年的军械库画展（The Armory Show）中以及随着第一次世界大战移民到美国的欧洲艺术家，现代艺术被介绍到了美国。不过要到第二次世界大战结束以后，美国才成为新兴艺术运动的重要地点。1950年代和1960年代出现的艺术运动有抽象表现主义、普普艺术、欧普艺术和极简主义；1960年代和1970年代则出现了地景艺术、表演艺术、观念艺术和照相写实主义。大约在这个时期，有些艺术家和建筑师开始扬弃“现代”的观念，并创作典型的“后现代”作品。从后战时期开始，越来越少艺术家使用绘画来作为他们主要的创作媒介，有越来越多人使用大型的装置和表演。从1970年代开始，新媒体艺术（new media art）变成了一个艺术类别，有越来越多的艺术家在实验一些科技媒介来创作，比如影像艺术（video art）。

《伊纽多（裸体巨人）》是意大利画家米开朗基罗·博那罗蒂1508年－1512年创作的油画。

米开朗基罗·博那罗蒂（Michelangelo Buonarroti，1475年3月6日—1564年2月18日），又译“米开朗琪罗”，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表，与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴后三杰。

他的父亲是洛多维科·迪·莱昂纳多·博那罗蒂·迪·西蒙尼（Lodovico di Leonardo Buonarroti di Simoni）他的母亲名叫弗朗切斯卡·迪·内里·德尔·米尼亚托·迪·锡耶纳（Francesca di Neri del Miniato di Siena）。

扩展资料

人物评价——

米开朗基罗是人类天才、智慧和勇气的结晶，他的光荣与成就属于全人类。作为文艺复兴的巨匠，以他超越时空的宏伟大作，在生前和后世都造成了无与伦比的巨大影响。他和达芬奇一样多才多艺，兼雕刻家、画家、建筑家和诗人于一身。

他得天独厚活到 89 岁，超越了古稀之年，度过了 70 余年的艺术生涯，他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。

毕加索【格尔尼卡】赏析

这是毕加索于1937年创作的油画，名叫【格尔尼卡】（Guernica），是毕加索最著名的绘画作品之一。当时西班牙内战中纳粹德国受弗朗西斯科·佛朗哥之邀对西班牙共和国所辖的格尔尼卡城进行了人类历史上第一次地毯式轰炸。死伤数千名无辜的市民，其中多为妇孺。当时毕加索受西班牙共和国政府委托为巴黎世界博览会的西班牙区绘一幅装饰性的画，愤怒的毕加索以此为契机，创作出这幅伟大的立体派艺术作品。作品描绘了经受炸弹蹂躏之后的格尔尼卡城。所以它不是一副简简单单的画，它记录下了一段历史。

这幅画仅使用了黑色和白色，和广泛的灰色油漆。画的中央是一只死去的马和一位拿着灯的妇女，中央下方是一位死去的战士，手里握着断剑和一支鲜花。左边是着火的房子和尖叫的女人。右边是一只公牛，一位仰天嚎啕大哭的妇女还有她死去的儿子。这幅画以蜡烛光为顶点，以深浅色块边界形成画面中央明色三角区的，画的核心是痛苦嘶吼的马、那死去的战士还有那顶点的灯。

我们看一看画面中一些细节。仰天哭泣的母亲，眼睛像泪水一样垂落。怀抱里失去生命的孩子，鼻子像损坏了的机器零件一样耷拉著，毫无生气。母亲口中的舌头和画面中央马匹的舌头一样，呈尖锐的三角形，让人彷佛听见直刺云霄的尖叫。这一切，让人感到无比的痛楚。

这幅《格尔尼卡》到底表现了什么呢？里面没有飞机、炸弹、坦克、枪炮，只有牛、马、女人、灯……等物体，然而它的意义已经超越了表象。毕加索把象征性的战争悲剧投入蓝色调中，那浅青、浅灰在黑色调的对照中表现正义的极点，它聚集了残暴、痛苦、绝望、恐怖的全部意义。这木然屹立的公牛、濒死嘶鸣的马、仰天狂叫的求救者、断臂倒地的士兵、抱着死婴号啕大哭的母亲、吓得发呆的见证人……到底表现了什么呢？

毕加索对于他的作品经常保持沉默，希望给予观赏者自由的体验空间，但是对于《格尔尼卡》这幅作品他曾解释道画作中的牛、马和以生气勃勃的线条绘出的手的涵义，以及西班牙神话中那些象征的起源的涵义。他说：“……牛代表残暴，马则代表人民。不错，我在那画里用了象征主义，但并不是在其他画里都这样做……。”“那幅画是存心向人民呼吁，是有意识的宣传……”因为在西班牙一般人心目中，斗牛场上出现的公牛，往往代表着妖怪、恶魔等黑暗势力之文化因素下，所以毕加索会以牛来代表着无视人民疾苦的残暴政权。同时，在斗牛场上的斗牛士攻击下，公牛终难以逃脱死亡的命运之西班牙斗牛文化下，这匹马乃为象征着面对公牛咆哮不屈服的人民，他们是对抗暴政的主力军。战士虽然已经倒下，但他仍然紧紧地握着那柄剑与象征着生生不息的精神花朵，表达了人民的复仇的决心和决战到底的精神。

画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统；手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型；那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处；而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象，有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是一位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是一位尊崇和精通传统的艺术家。

乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民四散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相一致。然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。

另外，全画从右至左可分为四段：第一段突出显示了公牛的形象；第二段强调受伤挣扎的马，比喻了在战斗中最无辜的百姓，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛；第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”在其之下，是一位妇女，她朝着自由女神走去，象征着人们渴望和平和自由；而在第四段，那个躺在地上的男子，象征着战斗中不屈的战士，他手那拿一支剑，最妙的是他剑上的小花，赞颂了这种宁死不屈的精神。

毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着另一块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。

因为这幅巨画是毕加索为以进步和平为主题的巴黎万国博览会之西班牙馆所绘制，并且曾到英国、美国等其它国家巡回展览，引发了全世界热爱自由、拥护民主人士的共鸣，同时在画家声明要将该画捐赠给结束佛朗哥政权后的西班牙祖国之种种动作下，使得该画的意义很快就超出了单纯事件的抗议范畴，而成为政治斗争中的一种文化示威，甚至成为文化对暴力的一种对抗。 就其意义来说，这幅作品超过了这桩偶然事件，而正好是通过绘画技巧起了象征启示、重要契机的作用。这是由一个触目惊心的、狂暴的、尤其是缺乏色彩的形体所构成的画面；这色彩是指光影和立体感，也正是由於缺乏这一点，它就象征着死亡。这死亡不仅是轰炸受难者的死亡，而且也是文明的死亡。

二次大战德军占领巴黎期间，毕加索在画室内闭门作画，当年冬天，天气严寒，德国大使送他一批燃料，却被他拒绝，并回答：“西班牙人是永远不会感到冷的。”临走前大使看到一张格尔尼卡的照片，问毕加索：“这是你画的？”毕加索回答：“不，是你们画的！”

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