什么是艺术设计作品集

一、什么是作品集?

作品集是艺术留学生必须准备的材料之一。国外艺术院校通过学生的作品集，考察他们独立创意的思想、对生活于文华的独特见解和表现手法，录取有创新意识、创意灵感和艺术天赋的优秀学生。作品集是用来展现你在一段时间内展现的技巧和能力等一系列创作，它能够表现出你的创造力、个性、能力和恒心，并帮助招生官们判断你的潜力，因为这是你和招生官们沟通的唯一方式。

作品集的核心是“创意”，创作者不要局限于流派和画风，不需顾虑作品是否成熟，应该在作品中完整表达出自己独有的设计理念、鲜明的创作风格、创意和创新能力、设计技巧，体现出自身对专业理解的东西。对于你的作品集而言，你创作作品的调查研究和过程与完成作品本身同样重要。同时也需要让评委们知道你现在能做什么，以及你未来的无限潜力。

二、作品集包括什么?

国外院校，一般不会完全限制学生具体做什么项目，普遍要求希望能看到的是学生的原创性，设计过程及 critical thinking

、调研思路及其他有创意的综合形式等。一份完整的作品集应该包含调查研究的案例及你的想法和终稿的完成过程。

具体形式可包括素描、绘画、设计开发(2D和3D)、模型、手写笔记、设计介绍等其它你所选择的作品形式，而具体设计什么项目则需根据你所申请的专业而设计。从项目构成来说，一份完整的作品集建议至少包含3-5个完整的项目，且每个项目都要有完整的设计过程，不同项目中体现申请者不一样的能力更佳。

三、本科生作品集与研究生作品集有什么区别?

本科生作品集应注重实验性，即大胆尝试创新，运用不同的材料与方法，表达自己的idea，同时学校也会看重本科生未来的可塑造性及多样性、创意性，对本科生的基础技法看的相对教淡

而研究生作品集则强调专业性及作品的深度，最终落定的可实行性等，希望你做前期的research，以及完整展现整个 project

的过程。你需要解释说明你为何选这个主题，为何选择这种材料等等。

四、Sketchbook为什么必须包含在作品集内?

sketchbook

简单来说则是可以看得出申请者整个思考的过程及平时的设计习惯，国外院校不以最终成型去判定是否好坏，而更加看重过程所以所有做作品集的学生都基本会有人手几本

sketchbook，这个习惯几乎是从国外准备作品集的时候养成的，跟传统艺考准备的路数不一样。

申请时，英国院校尤其看重 sketchbook，因为 sketchbook

能够展现你的调查能力，并帮助招生官们理解你的思考过程。它构成你的作品集的基础，并呈现出你的创作历程。另外 sketchbook

不用很整洁，因为它展现的是你的思维过程，跟草稿一样，如果你的 sketchbook 非常整洁，可能会给人一种后补上去的感觉!

五、作品集制作周期多久?什么时间段准备更佳?

经常会听到学生或者设计师提到的是：我这会儿没有灵感或者我灵感不足，我需要找灵感等。 为什么会经常看到这样的现象?

简单来说，灵感是跟你所见所经历包括所积累的东西息息相关的。艺术创作不等同于期末考，可以集中一两周一个月突击完成，因为它需要重点看到的是你有创意的想法。而灵感也不是每天花几个小时就能时时有的。

也就是说，如果你准备出国读艺术设计类专业，那么高中生最好从高一开始，大学生从大二开始就可以陆续开始着手制作作品集啦(要注意留学申请需提前一年)，如果错过这个时间点，后续的工作会非常紧，同时做出来的质量也会欠佳哦。

中西方教育的差异是，国内更强调结果，不看过程，老师只看学生的作业是怎么样的。涉及到国内的艺术生都在上很多软件技术层面的课程：例如ps、3dmax等。增加了对于技术层面的关注，减少了对于思维层面的关注；而西方不是这样的，西方教育要求在设计的过程当中，任何设计都很强调设计的方法论和过程。过程需要展现出来。

作品集很重要，国外大学的作品结果展示只占20%的分数。留学申请时，国外大学要评估一个学生到底什么情况，好与不好，必须提交一个作品集。要求你按照对方国家、学校的技术要求进行制作。

对于设计类专业来说，作品集是申请的核心。国外大多数院校都是通过学生提交的作品集，今天我们就先来看看服装设计专业作品集怎么弄？希望能够帮助到服装设计留学生。

服装设计现在是很热门的留学专业，行业当中经常看到的时尚买手、服装设计师、裁剪类设计师以及打版设计师都是属于其中一个门类。国外的服装设计发展的非常好，且发展空间也很大。

服装设计作品集制作中，本科生和研究生差别是很大的。对于本科生作品集的要求大多是希望看到学生的想法以及创意点，但是对于研究生来说，不仅仅是想法，更多关注的是如何把控后面的设计过程以及成衣的制作和搭配。下面就来详细看一下服装设计作品集的制作过程。

服装设计专业作品集怎么弄？

1.想法与调研

想法：前期的想法也就是所谓的灵感，来源生活或者自己的想法。有了前期的想法和灵感，确定了idea后，就需要做调研，找一些元素和图片，要让考官看出学生是做过详细的考察的。

手绘与技法这一部分是很重要的，设计中都需要有大量的创意手绘。技法上最主要的是拼贴。艺术学生经常会看一些艺术类的杂志，杂志上会有很多的模特和元素，可以通过一些剪辑之后将模特的形成和衣服的形成做一定的转化，这样整体的拼贴感就会很好。除了剪辑杂志以外，手工立体的剪裁都可以用于拼贴。

调研：调研是这几个环节中最重要的。服装设计中的调研可以分为细节、面料和颜色。

细节：就是学生需要解释每一步做的过程是如何握的。

面料：当有了细节后，需要选择布料。做一些小样的调研，例如领结和袖口这类，只有做了小样，才可以证明这服装是实际可以给人穿的。

颜色：颜色的挑选取决于学生想要怎么呈现。完整的作品集是需要有几套衣服的，每个主题都需要有不同的衣服，且颜色要适合对应的主题。

2.成衣制作

随着学校申请的人数越来越多，要求也越来越高，即使本科阶段也开始要求成衣的制作了，申请一些顶尖学校的服装设计，建议有两三套成衣。

研究生每个主题都需要一件成衣。成衣设计和剪裁都需要学生自己去完成。

3.美工排版

这是最后一步，完成成衣后，对成衣进行效果图的拍摄。作品集的文字、图片以及排版都是需要尝试和研究进行最合理的呈现。

服装设计专业推荐院校

法国

艾斯莫德国际学院——ESMOD International

意大利

马兰欧尼设计学院——ISTITUTOMARANGONI

米兰时装学院——Milan Fashion Campus

美国

帕森设计学院--Parsons School of Design

纽约时装设计学院——Fashion Institute Of Technology

罗得岛设计学院——Rhode Island School of Design

萨凡纳艺术设计学院——Savannah College of Art and Design

加州艺术学院(旧金山)——California College of the Arts

旧金山艺术大学——Academy of Art University

英国

中央圣马丁艺术与设计学院——Central Saint Martins College of Art and Design

英国皇家艺术学院——Royal College of Art

伦敦时装学院——London College of Fashion

服装设计专业作品集怎么弄？以上就是相关内容的介绍，学生想服装设计留学深造，比较合适的国家有美国、英国、法国、意大利等国家， 世界上最出名的四大服装设计学校分别是来自美国的帕森斯、英国的圣马丁、意大利的马兰欧尼以及法国的艾斯莫德。

首先来看看如何准备艺术留学作品集？

1.你的作品必须有自己的独创性，有自己的特色；

2.为作品集梳理一个整体的思路，可以分章节设立不同的主题来展现自己的特性和个性。每一份作品都是一次个人的展示，图片深刻的思想表达可以瞬间抓住人的眼球。

3.你的作品需要展现你的功底和专业度。对于一个设计类学生来说，绘画基础可是硬道理。同时反映出你对专业的热情和申请的认真态度。

平面设计留学怎么准备作品集？

1.灵感转化

明确创作主题之后，童鞋们需要开始通过创意绘画、拼贴、装置、材料等方式，将自己深入调研的结果初步予以视觉化，并在灵感转化的过程中，可以随即萌生出更NICE的创意，通过巧妙的方式来诠释主题。

2.设计草图

在草图设计中需要注意以下三点：①草图量要大，50个sample起，因为基本前10个想法基本都被前人玩过了。②草图形要准，虽然是将想法在纸上推演，但也不能过于潦草，造型准确、透视清晰也可以帮助方案进一步深化，为后面的工作打好基础。③除了草图之外，还可以通过折纸等简易模型方式测试自己的想法，推导可行性方案。

3.设计制作

设计制作前的流程主要考察的是大家对主题的认知程度、创意理念与思维活跃度。

平面设计留学作品集制作提示：

1、在线和纸质提交： 2、让你的作品变为你的品牌：

在作品中表达你自己，为自己树立品牌展示了你潜在的能力。

3、让人耳目一新：

在平面设计领域，第一印象特别重要。创作一个纸质的作品集，能够讲述故事的。增加一些层面，例如一些可以互动的元素。

4、讲故事：

评估老师并不了解你和你的作品。不要认为因为你对作品很了解就是讲故事了。你要让评估老师从你的作品中了解你是谁和你能做什么。

5、制作一个永久的作品集：

通常来说，一份纸质的作品集很容易被丢掉，把你的作品集转化成某种功能性的办公产品或可使用的墙壁挂物。

平面设计艺术留学院校推荐：

罗德岛设计学院

耶鲁大学艺术学院

马里兰艺术学院

卡内基梅隆大学

弗吉尼亚联邦大学艺术学院

加利福尼亚艺术学院

纽约视觉艺术学院

帕森斯设计学院

关于平面设计留学怎么准备作品集？小编先介绍到这，作品集是重中之重，所以申请者要认真的制作作品集，申请平面设计留学，除了作品集的制作外，还需要了解很多内容，来美行思远艺术留学找答案吧！我们有海外艺术留学老师为您解答疑惑。

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最具浪漫气质的作品

作品名：十六只鸟

艺术家：基口·迈克马赫特里/ 无定型机器人作坊 (美国)

材料： 机器人装置

作为第一个“无定型机器人作坊”膨胀技术的多重雕塑装置，“鸟儿们”通过对动作、图像、比例和声音的研究体现出对生命循环的沉思。十六个巨大的白色编织物好像是简单线条勾勒出来的鸟，又像是一只蝙蝠柔软而无生气的萎缩残骸，或者是经过时间侵蚀的棱纹建筑物遗迹。当参观者走近，这些枯萎无生气的东西就会逐渐充气膨胀，加长变大为锥形，舒展成优美丰满的羽翼。

它们的固定旅程是：由伺服机控制的空气囊鼓动产生缓慢而优雅的拍打动作。一系列的多次拍打动作形成一种持续而有节奏的微风声。在短暂的飞行后，这些鸟儿走到了它们生命的尽头，从其顶端开始放气，萎缩成原来的状态。

《十六只鸟》的艺术家来自美国。他拥有一头乱发并需要安静的环境来思考作品。

如果读者中有曾经在美术馆看过这个作品的话，会搞不清楚为什么作品名称是《十六只鸟》，但是现场只有十五只鸟，另外那只鸟在展厅的任何角落都找不到踪影。关于这个作品最有趣的一个幕后话题是，其中一只鸟在运往中国的路途中神秘消失。

最具未来感的作品

作品名： 行走的头

艺术家：Stelarc (澳大利亚)

材料：机器人系统

这是一个直径为2米的自控交互式行走机器人。它有六条腿，垂直安装在其底盘上的液晶显示屏由计算机成像显示出人头像，象征“头脑”。头脑可以向各个方向转动，以配合所显示的头像动画。机器人带有超声波扫描传感器，可以感知是否有人从它前面经过。无人经过时，它会坐在原地不动。一旦有人进入展示空间，它就会站起来，从预排程序库中调出一些动作指令进行几分钟舞蹈表演，然后停下来直到再有人经过。机器人活动的舞台直径约为4-5米，其传感系统会探测它是否已接近舞台边缘，使它及时退回转向。这是一个真实-虚拟并存的系统，其机械腿的动作是真实动作，而其显示屏中面部表情的点头、转动、倾斜、眨眼等则是虚拟动作。通过压缩空气的旋律和机械声音，行走的头也可以发声。该机器人还可以通过基于网络的三维模型来驱动，由运动图像菜单来控制其具体动作。整个机器人是以压缩气作用作为运转动力的。

《行走的头》的创作者，艺术家Stelarc，也是媒体报道的《六腿机器人让您开眼界 》的创作者，向我们展示他的另一件作品《手臂上的耳朵》，这个耳朵内部装有蓝牙耳机，可以“听到”我们的对话。

最具神话色彩的作品

作品名： 铁床贼之路

艺术家：让.迈克尔.布鲁约尔 (法国)

材料： 电子机械床装置

（达玛斯忒斯(Damastes)是希腊神话中的著名强盗,外号铁床贼）

“铁床贼之路”是一件雕塑作品，由21架白色的医用床及悬挂在其上面的21根荧光日光灯管组成。这些床在计算机的设定和同步操作下处于一种永远舞动的状态。它们在表演一场芭蕾舞剧。

每张床都配有一个剪式千斤顶，使床的垂直运动幅度能从距地面38厘米到81厘米。床的上面还装有控制位置的机动装置，可以使床垫某一部分的旋转角度达到0-70度。其垂直运动和旋转运动既可以同时进行也可以分别完成。

这21张床由一个个人计算机的数码音响系统连接在一起。计算机可发布并同步其运动程序指令。床可以独舞也可以群舞，从而上演着场面宏大的芭蕾舞。床下面的格架在舞动中发出变化多端的吱吱声，恰好组成了这场芭蕾舞的配乐。

“铁床贼之路”所安置的房间将全部铺满厚厚一层枯萎的叶片，并通过定时喷雾来保持其湿润和芳香。除了其审美意义和隐喻性之外，这些叶片也能遮盖住每张床下的电路控制系统。

根据装置展出的空间条件，床可以摆成一行、一圈或是其他队列形式，但总是严谨而有规则地连接在一起（床间距根据其条件限制可以在90-115厘米的范围内）。

床上配有床垫、枕头、床单、枕套以及白色的毯子。

荧光灯管悬挂在每张床中心上方2.10米处。它们和床一样按照非常精确地方式排列。

最富情感的作品

作品名：因缘

艺术家：昆特·亨特斯莱格尔 (奥地利/美国)

材料： 沉浸式虚拟现实装置

这是一个“有生命”的环境，一个渐变的视听装置。作品呈非线性展开，冥想的宁静紧随着混乱与骚动。看似不适且颤抖晃动着的三维人形悬浮在空间内，彰显出这个装置的活力，其运动制造出一种嗡嗡作响的声音效果。这些三维人形像木偶一样悬挂在绳子上，在注入亲切而又暧昧的人类生活意识之后，它们就像傀儡一样在绳子上乱舞。

“因缘”（Karma）一词恰好也是多人电脑游戏“虚拟竞技场”中一个物理仿真体的名字。“虚拟竞技场”或是“三维实时装置”中的“因缘”都描述了对重力或动能力等物理法则的模仿。

在“因缘”/细胞中，三维人形的运动和动作由一个附加的声音软件合成，它们在空中合成一条动态声轨。在多个人形构成的交响乐队中，每个人形都是其中的一个乐器，他们各自的“运动和情感”变化，形成了多层音效空间。无论是三维人形动态的实时组合还是其音效建构，在艺术家为它们设定的脚本内，都能够展开变化万千的情感表达。

最拓展视听的作品

作品名：声音绘画

艺术家：金基哲 (韩国)

材料： 互动装置

声音是作品中的要素。由于声音无法被观察到，它作用于大脑不同于视觉感受的部分，因此，通过作品，艺术家在寻找一种方式“看”声音。想法源自佛教的《莲花经》 。

原意是说：当我们正在遭受苦难，我们讲avalokiteśvara菩萨的名字，他便可以听到，并帮助我们达到涅槃。因此，艺术家从2001年开始试图所做的作品皆具有“观音”的含义。这种风格的作品创作告诉我们菩萨的名字。 avalokiteśvara菩萨的名字翻译成韩文是kwan eum ，意思是“观音”。

声音绘画

通过思考为何我们不能描画声音、怎样才能描画声音，艺术家的答案原来是如此的近在眼前：铅笔和电阻器是同样的工具，那意味着只需赋予铅笔以电阻器的功能。声音是纯正的正弦波，声音并不酷，但可以感受到这种原始的真实感……

最全球化的作品

作品名：地书

艺术家：徐冰 (中国)

材料： 互动装置

《地书》是一本可读的小说，是用徐冰几年来搜集整理出的一套“标识语言”写成的。读者不管是何种文化背景，只要被卷入当代生活，就可以读懂它。通过这本书的“字库”软件，使用者将英文句子打入键盘，电脑即刻转译成这种标识语言，既起到《字典》的作用，将来也会有实用价值。

观众可以在电脑屏幕上看到转换为标识的对话

在艺术家看来，艺术重要的不是它象不象艺术，而是能否提示一种新的看事情的角度。从二十年前的一部叫《天书》的作品创作开始，称它为“天书”，因为世上没人能读懂；用这套“标识语言”，艺术家又写了一本让说任何语言的人都能够读懂的书——《地书》。事实上，这两本书有共同之处：不管你讲什么语言，也不管你是否受过教育，它们平等地对待世界上的每一个人。

《地书》的作者，艺术家徐冰和助手在电脑前观看标识语言的对话

最铭记于心的作品

作品名：不朽的使命—石棺

艺术家：etoy 小组 (瑞士及其他多国)

材料： 集装箱，发光二极管装置

这是网络艺术先驱etoy小组的最新作品，并宣称是信息技术数字时代的后生命崇拜。自2004年以来该项目就在不断推进，涉及有关存在的主题，诸如守恒与失忆，未来、现在和过去，以及生命和死亡。作品大胆地将这些主题植入数字交流和信息技术的时代无疑是具有挑战性的。

不朽的使命—石棺

通过运用数字媒体技术，使所选择的“飞行员”在肉体死亡后仍能够在时空旅行中得到永生。在“奥秘胶囊”中存有飞行员的综合信息数字化肖像，从而使他们虽死犹生。肖像由多种元素组成：附加了诸如姓名、出生日期、家庭和法律关系等标准信息，还有遗嘱、合同等法律文件。更进一步的信息深入洞察到“飞行员”的生活：他（她）的传记、消费模式、社会关系网图示。作品的可视部分包括多种数字照片：“飞行员”本人各时期的生活照、亲友照片、以及360&ordm扫描的全息肖像，还有录影胶片及会面场景。这些信息中也有音频部分，诸如本人的声音采样、亲友的声音、最喜欢的音乐等等。而根据发送时间表进行讯息储存等内容也包括在这个计划之内。如果“飞行员”本人希望的话，甚至还可以储存他们的骨灰。

作品既出人意料又富吸引力，它糅合了些许无政府主义的音调，且忽略了目录或论文等固有程式——但这具情感飞行器仍然会带给人深深的触动。

《不朽的使命—石棺》刚刚运至美术馆前广场

最令人驻足的作品

作品名：接触我

艺术家：blendid 创作团队 (荷兰)

材料： 互动装置

参与者可以通过这个互动装置，创造出个人图像，并且将其展示在不同的公共场所中。装置的尺寸可以变化，从而记录并且展示完整的人体尺度。在互动中，参与者将身体的某个部位或者其他物体与磨砂玻璃表面接触，互动的结果是玻璃板会留下某些烙印，继而创造出图象。图像会作为玻璃板的一部分被保留下来，在没有其他互动的情况下展出一段时间，供大家参观。

《触摸我》的艺术家投入的在自己的作品前留下影像

参与者从互动过程中体验到乐趣，而他们所创造的额外印记还会被永久保留下来，作为作品的一个部分。

最亲密的作品

作品名：亲密的交流

艺术家：Transmute (澳大利亚)

材料： 互动/远程通信/机器人装置

这是一个令人兴奋的新式交互装置，可以使身处异地的两个人同时以身体动作互相交流。每个参与者需要使用一种叫做“身体板”的物理界面。通过在这个“巧妙的家具”上轻轻移动他们的身体，他们之间就产生了“亲密交流”。由数字肖像、多波段声音和触觉反馈所创造的“世界”就这样在“亲密交流”的影响下展开。

《亲密的交流》的艺术家们在布展现场有序的分工合作

尽管参与者身处异地，不能直接看到或听到对方，但这种共享体验可以使他们逐渐形成相互间感官的亲密关系。因此，在作品生态系统中，参与者被聚焦于理解相互作用和相互关系的焦点上。

最亲近大师的作品

作品名：电脑空间的最终审判

艺术家：缪晓春 (中国)

材料： DVD投影，全境灯箱装置

绘制于1536年到1541年的罗马西斯庭大教堂壁画，是西方艺术史上最重要的作品之一。蓝色背景上分布着一系列如群星闪烁般的人物形象，在当时是十分少见：飞动的天使和十二门徒环绕着极具古典美的耶稣。画的前景上并没有突出宗教气息；相反，米开朗琪罗着力描绘了每个人物的动态，彰显出其艺术大师的风范。

新媒体艺术作品《电脑空间的最终审判》正在布展

缪晓春为作品注入了迷人的魔力，根据自己的身体创作了电脑雕像，并以其置换米开朗琪罗画作中的所有人物。他严格遵循原作中的视觉结构，在虚拟空间中安排这些替身。通过娴熟地运用数字技术使米开朗琪罗的画作透明化，并在其中打开了五个不同的透视点。这一技术使艺术家能像游客一样在作品中漫步。通过探索“绘画中的人物看到了什么”、“壁画中的角色看到了什么”，从而为观众提供得以窥探此中奥秘的视角。

最有趣的作品

作品名：生动的厨房

艺术家：Stefan Doepner, Jan Cummerow (德国)

材料： MIDI驱动系统

世界在很大程度上是由机器构成。我们使用这些“黑盒子”比用最简单的工具，如铅笔或锤子更顺手。技术开发的复杂性，机械和电子的日常设备并没有进入我们的观感。在系统的背后，创造过程和条件，是没有透明度的。这个论题贯穿于发展和发明应为我们服务，让我们使用的设备简单、有效。

“生动的厨房-快乐的21世纪末”提供观众探讨他/她自己的日常生活中自动化和生活义务的机会：在瞬间内平凡的环境会产生审美的情感。作品通过将一个标准化的厨房配备无所不有的设备和工具，所有设备运作到一定程度，厨房家具及家居物品便具有了自己的生命；使他们自己诗意的发出声响，而且不断强化好像要脱离其环境。但是它们的功能并非是通过使用来产生，它们有自身的活力。有如一个乐队，厨房设备、工具和箱子、椅子、桌子有节奏的跳跃。然后它们的动作逐渐放慢，灯光变暗。

最晕眩的作品

作品名：你在哪里？360度全景

艺术家： 卢克·库彻斯恩 (加拿大)

材料：实时三维控制系统装置

置身于作品中，观众如同在梦中飞翔，穿过一个多维的世界，在过去与未来之间穿梭，在明亮与黑暗之间游走，在私人与公众之间转换。沉浸其中，通过一个操纵杆在X,Y和Z三个轴中调换，进入一个以等级衡量的信息/体验空间。

处在等级0的时候，世界是一个简单的空间，犹如航海时用XYZ三个坐标定位。处在等级+1的时候，世界变成了一个混合体，充满了图片、声音、文章以及作品创作者的物品。当到达+2的时候，就进入了一个“分子”化的世界，各种物体都变成了微粒，自然构成的光影组合而成了世界，让人回想起19世纪印象主义对世界的看法，同时也孕育了抽象主义的雏形。当继续上升至等级+3时，展现在观众眼前的是庄严的山川幽谷的风景，充满了18世纪独特的绘画思维格调。

处在任何等级中，观众都将遭遇到其他的居住者：有远程设备连接的活生生的事物（如果启动的话），有提前录制好的展示在视频窗口的事物，参观者还会遇到他们自己——隐藏的摄像机会将参观者的图片融入这个构造出来的世界中。 在这个作品中，主体（演员、观众、参与者）控制了自身的状态：他/她的位置、他/她的行走路径以及速度，或许会更为有趣的是，可以决定他/她将在哪个等级中“生存”。

最好玩的作品

作品名：飞艇攻击

艺术家：知识机器人研究小组 (瑞士)

材料： 互动装置

“赤身人/在此,亦不在此/白色至上”表述的是在一个假想的关押地点，嫌疑人的公民权利或其战俘的法律地位被悬滞。在互动装置中，克里斯蒂安·胡伯勒，亚历山大·塔查塞克和伊冯·威廉共同创造了一个无可名状的流动权力的随意空间。进入房间内，参与者被一群黑色气球环绕。银色飞艇徘徊在头上，非常脆弱并轻如鸿毛。飞艇装有一个具有方向感的照相机，不断向四处扫描。相机的程序设定为跟综距离最远的一个气球，但同时也对人身作出反应。回避飞艇的袭击是很容易的，但是我们尊重它脆弱的科技，不愿予以还击。这个不知疲倦的，被叫作 白色至上 的匿名攻击者，使人感到畏惧，有时亦颇为滑稽。

在这种让人感到压抑的环境中，一个匿名男声不断重复着一句话“赤身人/在此,亦不在此/白色至上”。它带有指挥的语气，第二个声音回答赤裸裸的强盗。通过这种方式，装置暗示囚犯被剥夺了一切权利时的地位，他们在这里 是非常真实的。但他们法律上的存在是被否认的不在场 。

此外，房间还有电脑显示器敦促观众的介入。按下按钮逃脱指示是模糊的。艺术家利用软件代码作为创作媒介，设计并模拟数字行为，而不是人物或形象。程序不仅可以重新启动，还可以改变自身，使“白色至上”失去控制功能。如果有足够的观众采取主动，程序会引发打断男子独白第三个声音：“赤身人/在此，就在眼前”！结束赤身人的语言徘徊，白色主权的马达停止。

最数字时代的作品

作品名：信息漩涡

艺术家：克里斯托夫·希尔德布朗德 (德国)

材料： LED 网络装置

以2000年在凯马博物馆参展的“矩阵”，2004年欧洲多媒体美术展的“词汇”，和2006年在格罗宁根·屈米博物馆的“意味”为基础。 作品由210 个带有各种图标的LED嵌板组成以展示全球社会、经济和科学的表征，形成一个21米长3米高的大屏幕。

“信息漩涡”运用LED，使每个嵌板看似一个能展示不同文字的流动电子招牌的一个像素，文字和图标的混合创造出不停的对话并形成的叙事的一个场景。

最喧闹的作品

作品名：zgodlocator/version zII

艺术家：赫维戈·怀瑟 (奥地利)

材料： 电磁影像雕蒴

装置是根据计算机硬盘上的磁原理来组合带有磁性的金属微粒。这些微小的金属颗粒实际上是磨碎的电脑零件：电路板、硬盘驱动器、处理器、监察器屏幕，等等。这个磨碎的硬件沙尘被铺放在可以突然引发转变金属微粒的电磁格段上。他们产生磁刺激反应形成的奇异和突发性雕塑似的变形。这些颗粒看起来就像是黑色金属材料，如此美丽。观众还可以通过旋转表盘来改变产生的图案。因此，颗粒状的计算机网格，一次又一次形成新的惊奇和不断变化的形状。当然，不像电脑硬盘，zgodlocator/版zii并不关心长期存放文本或图像。它的主题是动态模式。如果有记忆，也是很短和随时变化的。在zgodlocator中，磁性成为一个存放处，并是操纵和处理信息原始形式的地方。作品的意图可能是强调发生在一个电脑环境中不断再生的信息。它同时用微妙的方式结合视觉和音响效果。各种各样的麦克风和电磁感应器设在电子土壤中捕捉'硬件的声音'。作品中的程序编码把原始的音频转换成图形，化为颗粒景观。

最具游戏感的作品

作品名：北京加速器

艺术家：马尼克斯 (荷兰)

材料： 互动装置

艺术家在访问北京后感受到北京飞速的变化，体会到一个加速迈入现代化城市的活力。 北京加速器所面对的正是速度对现今城市生活的影响，从这个意义上讲，它类似于一个以前的作品：全景加速器。 但是北京版通过优越的设计增强画面感，使观众的体验更为直观。

作品与身体和视觉感知产生一种游戏关系。参与者坐在装有操纵杆的电动转椅上，面前屏幕上显示出北京的全景，随参与者的方向与速度旋转。在旋转时，参与者控制坐位的方向和速度，如果与画面无法同步，人体平衡系统将发出不同的信息到大脑和眼睛，会导致激烈的失控感觉，并最终导致恶心。但其目的是使动态影像与坐位的旋转速度一致。一旦达到这个目标，参与者可以查看没有失去方向感和不令人恶心的图象。不过在很短的时间内，一个新的景色会用更高的速度设定旋转。游戏变得更难以取得平衡及看清图片。游戏总共由六个级别组成。

最捕风捉影的作品

作品名：拿走

艺术家：大卫·洛克比 (加拿大)

材料： 互动装置

该作品由两部分展示组成，两个庞大的投影出现在一面墙上。在展览空间的左侧，系统从地面以及墙面等多个角度共同搜捕参观者的踪迹，每隔20秒恢复到原位。20秒内展览空间内所发生的动作通过电脑传输到屏幕上，随后继续重复。众多图像制造出一种混乱的火热场面，既可以被理解成与统计学有关的展览策划（大部分的人选择站在那里？人们会走动吗？），也可以看作是针对每一个参观者的参观纪录。这些图像是高度社会化的，并且是极为混乱的。展览空间的右侧是为参观者准备的目录。展览空间里的每个参观者都被跟踪。他们的头像被放大投影在屏幕上，同时会出现评论他们的形容词（例如“信任的”，“相关联的”，“饥饿的”）。最近参观的200位参观者头像变幻成矩阵，通常是100个头像的矩阵，偶尔会是200个，矩阵以缓慢的速度移动。右侧的这种展示形式是充满解析的，同时也是高度秩序化的甚至让人产生一种胁迫的感觉。

最宏大的作品

作品名：气流声场

艺术家：埃德文·万德·海德 (荷兰)

材料： 声音装置

建筑：NOX

由一组空气阀门组成的作品用来制作风、压力和声音，在观众头顶上产生出类似呼吸的声场。这种奇特的声响是我们周围空气中临时压力变化造成的，而音箱则通常是利用颤动的薄膜来产生这些压力变化使我们感觉到“音响”。在“气流声场”中，压缩的空气被用来生产音响。压缩气体非常快速地通过空气阀门在空中释放。“气流声场”由一个有42个相互独立且可控制的阀门构成一个10x20米的涵盖面。声音和风力在这个面积里以不同的速度、方向和强度交错、穿插。其格式由一种自生的方式生成，是对风的空间动向的解释。观众须自我把握在这一氛围里的位置所在。

尽管每个阀门制造出自己的声音，但观众将会感受到其音响带有一种流动的形状，过程与观看电影相似。电影画面并非单独的系列镜头，而是时间中一连串的动作。作品利用42个阀门运作时的时差，以不同的速度，延缓和重复创造有诗意的音响环境。

从广义上讲，作品集的核心是创意，是特定某个人或某个领域的作品合集从艺术留学的层面讲，我们所说的作品集，是把申请者的作品整理成册，并且要体现出创作者的创作思维和要表达的艺术思想，学校会通过你的作品集评估到你的艺术潜质和设计天赋，从而进行筛选录取。因此，作品集是艺术留学的核心，既是学生艺术综合实力的重要体现，也是国外院校决定是否录取的重要申请材料。

二、选择作品入作品集不应该是一个伤脑筋的事。多数美术专业将要看到三个不同类别的作品：写生，创作以及命题作品。有些大学会需要两个或三个类别的组合，其他大学只要一个类别。

第一类：写生

写生是绘画的传统方法，采用静物，人物模型，肖像或风景为主题，尽可能准确地渲染主题。这些画不应该照着照片画或者凭想象画，而是来自真实的生活。艺术品的尺寸应为约“18×24”或更大的，作品充满整个画面。这一类作品大多数是铅笔，炭笔，或其他绘画媒介完成的，但它也可以包括油画和拼贴。

第二类：创作

创作指在课堂之外所做的作品，反映作者在使用的材料，题材上独特的理念。工作可以在任何媒质完成，包括(但不限于)素描，绘画，摄影，混合媒体，数字/计算机技术中，电影/视频，陶瓷，雕塑，动画和表演艺术。

第三类：命题作品

命题作品由特定的大学或专业制定特定主题和要求。(例：罗德岛设计学院(RISD)要求所有作品集，包括了“自行车”一图的原件)

摄影作品注意事项

摄影作品应该是您亲自拍摄和印刷的(不可使用冲印店打印的数码照片)。说到摄影，学校只是对你为什么选择该主题以及它如何被印刷成作品感兴趣。你应该附在每张照片的解释背后的简要说明，你为什么制作那个特定的摄影作品或者摄影系列。

三、艺术留学作品集怎么做?

1.作品集的基本要求

作品集没有尺寸上的限制，通常以A4、A3为多数。优秀的作品集一定是合理规划的，创意新颖、作品系列感强、表现形式简洁突出。作品集中所包含的作品数量一般也没有限制，一般来讲，3—5个系列为佳，过多的作品反而令面试官难以获得鲜明的个人风格信息。

2.作品集需要具备的特点

一般意义上来讲，申请国外院校是包含个人陈述、成绩单、语言成绩，以及荣誉表彰证书、公益活动来进行申请。但是，申请国外顶尖艺术设计院校，则必须通过作品集来判断学生在所申请专业上所具备的专业能力，从而觉得是否录取。文案材料针对不同院校与专业作用不同，而作品集至关重要。优秀的作品集应该具备以下特点：

1)鲜明的个人风格

2)作品设计感较强

3)主题突出，包含强烈的个人情绪

4)作品整体系列感强，视觉效果良好

5)调研过程细致而深入

6)设计完善过程完整而系统

7)充分展示个人专业技能素养

8)态度与心态。

3.作品集评阅会的重要性

作品集是艺术留学申请的一项重要考察标准，是决定学生能否被名校录取或获得奖学金的关键因素。艺术作品集既可以体现学生对艺术的解读方式、创作思路、艺术功底，也可以显现学生的技巧掌握程度、色彩搭配能力和创作个性。国外艺术院校往往通过作品集的考察，判断学生是否具有艺术深造的潜力，以及学生是否适合到该学校学习。