浅谈设计中的“少即是多”

﹝一﹞大小的对比 大小关系为造形要素中最受重视的一项，几乎可以决定意象与调和的关系。大小差别少，给人的感觉较沈著温和，大小的差别大，给人的感觉较鲜明，而且具有强力感。

﹝二﹞明暗的对比阴与阳、正与反、昼与夜等等，如此类的对比语句，可使人感觉到日常生活中的明暗关系。初诞生的婴儿，最初在视觉上只能分出明暗，而牛、狗等动物虽能简单识别黑白，可是，对彩度或色相却无法轻易识别，由此可知，明暗﹝黑和白﹞乃是色感中最基本的要素。

﹝三﹞粗细的对比字体愈粗，愈富有男性的气概。若代表时髦与女性，则通常以细字表现。细字如果份量增多，粗字就应该减少，这样的搭配看起来比较明快。

﹝四﹞曲线和直线的对比曲线很富有柔和感、缓和感；直线则富坚硬感、锐利感，极具男性气概。自然界中，皆由这两者适当混合。平常我们并不注意这种关系，可是，当曲线线或直线强调某形状时，我们便有了深刻的印象，同时也产生相对应的情感。故我们常为加深曲线印象，就以一些直线来强调，也可以说，少量的直线会使曲线更引人注目。

﹝五﹞质感的对比在一般人的日常生活中，也许很少听到质感这句话，但是在美术方面，质感却是很重要的造形要素。譬如松弛感、平滑感、湿润感等等，皆是形容质感。故质感不仅只表现出情感，而且与这种情感融为一体。我们观察画家的作品等，常会注意其色彩与图面的构成，其实，质感才是决定作品风格的主要因素，虽然色彩或对像物会改变，可是，作为基础的质感，是与一位画家之本质有着密切的关系，是不易变更的。若是外行人就容易疏忽这一点，其实，这才是最重要的基础要素，也是对情感最强烈的影响力。

﹝六﹞位置的对比在画面两侧放置某种物体，不但可以强调，同时也可产生对比。画面的上下、左右和对角线上的四隅皆有潜在性的力点，而在此力点处配置照片、大标题或标志、记号等等，便可显出隐藏的力量。因此在潜在的对立关系位置上，放置鲜明的造形要素，可显出对比关系，并产生具有紧凑感的画面。

﹝七﹞主与从的对比版面设计也和台南 舞台设计 一样，主角和配角的关系很清楚时，观众的心理会安定下来。明确表示主从的手法是很正统的构成方法，会让人产生安心感。如果两者的关系模糊，会令人无所适从，相反地，主角过强就失去动感，变成庸俗画面。戏剧中的主角，人人一看便知。版面中若也能表现出何者为主角，会使读者更加了解内容。所以要有主从关系是设计配置的基本条件。

﹝八﹞动与静的对比一个故事的开始都有开端、说明、转变和结果。一座庭院中，也有假山、池水、草木、瀑布等等的配合。同样的在设计配置上也有激烈动态与文静部份。扩散或流动的形状即为「动」。水平或垂直性强化的形状则为「静」。把这两者配置于相对之处，而以「动」部份占大面积。「静」部份占小面积，并在周边留出适当的留白以强调其独立性。这样的安排，一般用来配置于画面四隅的重点。因此，「静」部份虽只占小面积，却有很强的存在感。

﹝九﹞多种的对比对比还有曲线与直线、垂直与水平、锐角与钝角等种种不同的对比。如果再将前述的各种对比和这些要素加以组合搭配，即能制作富有变化的画面。

﹝十﹞起与受版面全体的空间因为各种力的关系，而产生动态，进而支配空间。产生动态的形状和接受这种动态的另一形状，互相配合著，使空间变化更生动。我们要建造假山庭园时很注重流水的出口，因为流水的出口是动感的出发点，整个庭园都会因它而被影响。谈到版面构成，原理也一样，起点和受点会彼此呼应、协调。两者的距离愈大，效果愈显著，而且可以利用画面的两端，不过起点和受点要特别注意平衡，必须有适当的强弱变化才好，若有一方太软弱无力就不能引起共鸣。

﹝十一﹞图与地明暗逆转时，图与地的关系就会互相变换。一般印刷物都是白纸印点字，白纸称为地，黑字称图。相反的，有时会在黑纸上印上反白字的效果，此时黑底为地，白字则为图，这是黑白转换的现象。

﹝十二﹞平衡走路踢到大石头时，身体会因失去平衡而跌倒，此时很自然地会迅速伸出一只手或脚，以便维持身体平衡。根据这种自然原理，如果我们改变一件好的原作品的各部份的位置，再与原作品比较分析，就能很容易理解平衡感的构成原理。

﹝十三﹞对称以一点为起点，向左右同时展开的形态，称为左右对称形，英文名为 symmetry。应用对称的原理即可发展出漩涡形等等复杂状态。日常生活中，常见的对称事物确实不少，例如：佛像的配置或日本神社中神殿的配置等等。对称会显出高格调、风格化的意象。

﹝十四﹞强调同一格调的版面中，在不影响格调的条件下，加进适当的变化，就会产生强调的效果。强调打破了版面的单调感，使版面变得有朝气、生动而富于变化。例如：版面皆为文字编排，看起来索然无味，如果加上插图或照片，就如一颗石子丢进平静的水面，产生一波一波的涟漪。

﹝十五﹞比例希腊美术的特色为「黄金比」，在设计建筑物的长度、宽度、高度和柱子的型式、位置时，如果能参照「黄金比」来处理，就能产生希腊特有的建筑风格，也能产生稳重和适度紧张的视觉效果。长度比、宽度比、面积比等等比例，能与其它造形要素产生同样的功能，表现极佳的意象，因此，使用适当的比例，是很重要的。

﹝十六﹞韵律感具有共通印象的形状，反复排列时，就会产生韵律感。不一定要用同一形状的东西，只要具有强烈印象就可以了。三次四次的出现就能产生轻松的韵律感。有时候，只反复使用二次具有特征的形状，就会产生韵律感。

﹝十七﹞左右的重心在人的感觉上，左右有微妙的相差。因为右下角有一处吸引力特别强的地方。考虑左右平衡时，如何处理这个地方就成为关键性问题。人的视觉对从右上到左下的流向较为自然。编排文字时，将右下角空着来编排标题与插画，就会产生一种很自然的流向。如果把它逆转就会失去平衡而显得不自然。这种左右方向的平衡感，可能是和人们惯用右手有点关系吧！

﹝十八﹞向心与扩散在我们的情感中，总是会意识事物的中心部份。虽然蛮不在乎地看事物，可是，在我们心中，总是想探测其中心部份，好像如此，才有安全感一般，这就构成了视觉的向心。一般而言，向心型看似温柔，也是一般所喜欢采用的方式，但容易流于平凡。离心型的排版，可以称为是一种扩散型。具有现代感的编排常见扩散型的例子。

﹝十九﹞JUMP 率在版面设计上，必须根据内容来决定标题的大小。标题和本文大小的比率就称为 Jump 率。Jump 率越大，版面越活泼；Jump 率越小，版面格调越高。依照这种尺度来衡量，就很容易判断版面的效果。标题与本文字体大小决定后，还要考虑双方的比例关系，如何进一步来调整，也是相当大的学问。

﹝二十﹞统一与调和如果过份强调对比关系，空间预留太多或加上太多造形要素时，容易使画面产生混乱。要调和这种现象，最好加上一些共通的造形要素，使画面产生共通的格调，具有整体统一与调和的感觉。反复使用同形的事物，能使版面产生调合感。若把同形的事物配置在一起，便能产生连续的感觉。两者相互配合运用，能创造出统一与调和的效果。

﹝二一﹞导线依眼睛所视或物体所指的方向，使版面产生导引路线，称为导线。设计家在制作构图时，常利用导线使整体画面更引人注目。

﹝二二﹞形态的意象一般的编排形式，皆以四角型﹝角版﹞为标准形，其它的各种形式都属于变形。角版的四角皆成直角，给人很规律，表情少的感觉，其它的变形则呈现形形 *** 的表情。譬如成为锐角的三角形有锐利、鲜明感；近于圆形的形状，有温和、柔弱之感。相同的曲线，也有不同的表情，例如规规矩矩和用仪器画出来的圆，有硬质感，可是徒手画出来的圆就有柔和的圆形曲线之美。

﹝二三﹞水平线黄昏时，水平线和夕阳融合在一起，黎明时，灿烂的朝阳由水平线上升起。水平线给人稳定和平静的感受，无论事物的开始或结束，水平线总是固定的表达静止的时刻。

﹝二四﹞垂直线垂直线的活动感，正好和水平线相反，垂直线表示向上伸展的活动力，具有坚硬和理智的意象，使版面显得冷静又鲜明。如果不合理的强调垂直性，就会变得冷漠僵硬，使人难以接近。将垂直线和水平线作对比的处理，可以使两者的性质更生动，不但使画面产生紧凑感，也能避免冷漠僵硬的情况产生，相互截长补短，使版面更完备。

﹝二五﹞阳昼、阴昼从黑暗的洞窟内，看外面明亮景象时，洞窟内的人物，总是只用轮廓表现，而外面的景色就需小心描画了。这就是同时把握日常的情况及异常的明暗，显出不可思议的空间。正常的明暗状态，叫做「阳昼」，相反的情况是「阴昼」。构成版面时，使用这种阳昼和阴昼的明暗关系，可以描画出日常感觉不同的新意象。

﹝二六﹞留白量速度很快的说话方式适合夜间新闻的播报，但不适合做典礼的司仪，原因是每一句话当中，空白量太少。谈到版面设计时空白量的问题也很重要，即使同一张照片，同样的句子也会因空白量就很难表现确实的形象。无论排版的平衡感有多好，文章有多美，读者一看版面的空白量就已给它打好分数了。

﹝二七﹞版面率在设计用纸上，本文所使用的排版面积称为版面，而版面和整页面积的比例称为版面率。空白的多寡对版面的印象，有决定性的影响。如果空白部份加多，就会使格调提高，且稳定版面；空白较少，就会使人产生活泼的感觉。若设计信息量很丰富的杂志版面时，采用较多的空白，显然就不适合。

参考文献：1建筑声学与 音响 工程-现代建筑中的声学设计2简立人 《现代戏剧的光影语汇－－ 灯光 营造戏剧美学的设计思考》3简立人、邱坤良 1998 灯光设计与技术操作手册

前一篇我们一起探讨了什么是设计，也了解到美国和日本作家对设计的理解，这一篇我们来了解下艺术和设计的差异点。

虽然两者都是通过一种方式把某种想法和情绪表达出来。但艺术更偏向于个人的意愿的表达，它可以是美好温暖的，也可能是批判性和愤怒的，总之看起来很酷，这种酷不仅仅是对艺术品本身，拥有者亦然。比如梵高的画，我们会称之为艺术品，梵高我们称他是画家；再比如瓷器标本邮票等，由于设计精美，或者稀缺性，而成为收藏品。以上这些都是艺术，艺术品会被珍藏起来，只需要被观摩，被评论，即是它的价值。那设计不同，设计要解决某个实际的问题，用户才会为之买单；

我有时也质疑这个观点，我们经常听到一种声音，设计要追求极致体验，要精美，那如果设计是为了解决问题，那么就要综合考虑各方面的因素影响，有时就很难做出完美或极致的设计了。

比如有个需求很急，要求1周内上线，那设计师就要有所取舍，尽量简化设计去掉复杂的装饰和微动效，毕竟产品可用性才是最基础的保障；

再比如我们是面向内部员工的产品（类似美团外卖的送餐员），这类用户年龄偏大，教育程度不高，对新事物的接受程度也低，同时使用产品的场所环境和光线较差，为了安全也不能高频长时使用产品，基于这样的用户，设计师就要尽量少用高级灰，用很俗的一句话讲就是，字要大大大，当然不是表面上的大字，而是通过对比手法，突出核心内容，让用户轻松的扫视一眼即可获取内容。下图普通设计师看了肯定吐槽是老年机，但是用户会觉得好用。

除此之外就是我们解决不了的问题，比如环境污染，全球变暖等，在这类问题面前，个体是渺小的，但我们可以通过放大问题的方式呼吁更多的人关注，这也是一种走弯道为解决问题而努力的一种方式。

总之产品经理每天大部分时间都在解决问题，解决用户问题，沟通团队协作问题，为解决企业问题贡献一份微薄之力，岗位职级不同，需要解决的问题的大小也不同。

设计要有温度，那多少度的温度是最完美的呢？可乐-4度口感最好，喝温水55度最佳，所以设计没有标准答案，要结合使用场景，寻求当下的最优方案。因此设计离不开场景，场景离不开人，设计是为了解决某类人在某种场景下遇到的问题。

设计是柔性的，有时候解决一个问题会带出另一个问题，因此要深入洞察，从根本上去解决问题。比如需求方提出字体要大，我们如果单纯的放大字体，可能会适得其反，我们要去了解需求方的真实目的，是要突出什么重点表达什么，通过合适的方式来满足用户需求。

因此设计不但要兼具艺术的美观（酷），最本质的是要解决问题，最终实现设计的价值。而要解决问题，首先要发现问题，下一篇我们就来聊聊如何发现问题。

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设计思维浅谈1：什么是设计

中高级交互设计师的工作流程及考核标准

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就像现代设计一样，心理学正在走进我们生活的各个方面。于是，设计与心理研究的结合在今天显得十分重要。环境心理学家认为：视觉比其他感觉器官都要发达，而来自生存环境中的大量信息大部分都要通过视觉和听觉传达而来。由此可以看出视觉在现代设计美学中的重要作用。 什么是设计？什么是设计美学？一般而言，只要具有美感经验、具有使用功能的造形活动，都可以称为「设计」。所谓的美感经验与使用功能，不只是由创作者来感受与判断，也要加上生产者、消费者来判断。在科学技术的基础上，综合社会的、人类的、经济的、技术的、心理的、艺术的各种因素，以大批量地生产能够满足人的全面需要的产品为目的所进行的创造性的生产实践活动都可以称之为设计。 设计是一门独立的艺术学科，它的研究内容和服务对像有别于传统的艺术门类，因此设计美学也有别于传统的绘画和装饰。在当代人们的日常生活中，「现代设计」出现的频率越来越高了。「现代设计」可以看成是一个以「设计」为核心的固定词。众所周知，设计是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。现代设计是一门后起的可能是最有发展机会的造形艺术分支，技术美学是一门新兴的很有潜力的美学分支，而设计美学是技术美学的核心，设计是一种创造性的活动，其目的是鉴定工业产品形、式方面的质量，这些质量也包括产品的外部特征，它们将产品无论从制造者的观点，还是从消费者的观点看，都变成一个统一的整体。因此现代设计美学的价值和意义，在今天的生活中是一种普遍的存在。现代设计美学的熟练运用对专门的设计师来说是必要的，对于美学家和艺术理论家来说是不应忽视的，对于公众来说也是很有帮助的和有意义的。 从定义上看，设计就是具有美感经验、使用功能的造形活动。而视觉传达设计就是用视觉因素来沟通、说服的造形活动。在视觉传达设计的学习的过程，对造形美的感受能力是个起步。先学会对「美」的感受，再熟悉对「美」的安排。回归设计的要素，有三大部分：第一，造形美的感受能力以及由此所开拓的技术。第二，事、 物、情的感受能力以及由此所开拓的技术。第三，美感与诗意的结合能力及由此所开拓的技术。 设计行业因专业分工大体上分成空间设计、工业设计、视觉传达设计、其他类等四大领域。纯美术大体上可分成装置艺术、绘画、建筑艺术、雕塑等四大领域。设计要捕捉美感，特别是视觉传达设计。视觉传达设计擅以文字、符号、造形来捕捉美感，捕捉表达意象、意念与企图，进而达到沟通与说服的效果，因此视觉传达设计也可称为商业设计，这层领域还包括：广告设计、包装设计、企业识别设计、橱窗设计、展示设计、 舞台设计 等等，主要以传达讯息、注重「视觉」效果，以达说服消费者的目的。另一方面，视觉传达设计的发展对空间设计、产品设计有相当程度的影响。如舞台设计、景观设计与之相辅相成，以及同产品语意表达的敏感性等等。 视觉传达设计过程中，除了对造形美的感受能力之外，如何从日常生活事件中，找出「着力点」，这种能力就是心眼的开发。视觉传达设计作品受到设计的目的性、材料性、沟通性的条件影响，设计者必须具有一种对于事务描述及沟通的能力，称为「心眼」，也就是巧思、想点子的能力。这些能力包括了：文学性、沟通性、两面性、生活性、议题性、语文性等。 公益广告、竞选海报、立体包装等运用媒体电视、网际网站等的设计作品之共同因素，第一就是运用视觉媒体材料，第二就是以沟通、说服为目的。所以可以说，视觉传达设计是运用视觉因素来进行沟通、说服，视觉的要素，除了点线面体以及明度、彩度、色相的组合与探讨之外，还须有心理层面与文化知识层面的探讨。心理层面，即是指美感的捕捉，只是不同时期的定义不同而已。文化层面，则是运用受众的文化习俗里熟悉的文化代码来完成美感的捕捉。 现代设计运动开展了形而下的美学和实验美学的领域，后现代设计运动则开展了符号美学和文化美学的领域。因此，这些发展将美感的通则以三部分来讨论：造形美感的元素、造形美感的原则、跨越抽像美的原则（文化造形里的符号故事）。造形美感元素包括形与点、线、面、体、空间，色与光以及质感、纹理与量感等。视点、透视与从平面到立体，构图、取景与组织等性质的探讨。造形的原则就是如何有美感地安排造形元素，探讨造形元素的关系。这其中，格式塔心理学是德国心理学派很重要的一支，简单地包括群化、虚势、视觉恒常性、错觉的生理原理的描述。 造形的美感受到不同文化下的影响，意思表达的描述，可能会因此而差异。在现代设计运动影响下，人们被驯化出欣赏抽像、简洁造形的肉眼，这种美感的驯化现象说明了：美感是可以改变的，同样的，美学是也可以转变的。在后现代设计运动影响下，人们又被驯化出欣赏造形里的符号性与故事性。设计方法趋于「交代」设计与生产步骤的程序性，方法论趋于「实证主义与科学主义」衍生出的许多观点。 在多数情况下，设计产品手中的触觉是通过所谓「视觉质感」调动起来的，或者像是这样被调动起来，再由它亲手触摸加以验证的。所以现代设计师，尤其是平面图像设计师应当根据需要把调动受众的质感观照能力列入思考范围。当了解特定（市场区隔）的广告阅受众的习性与需求之后，所展开的表达、沟通、说服的过程就是传播。其中的关键点在于「如何打动人心」，特别注重说服的技巧。所以，传播要素与视觉要素结合时，创意或点子就非常重要。 艺术品最终的功能在于重现美感经验，而设计除了捕捉美感，更注重实用与使用的功能。所以设计活动与设计作品，通常比起艺术品更加与生活密切结合，这也是设计中的美学愈显重要的根由。(摘自： 灯光 ">舞台灯光 交流网)

参考文献：1建筑声学与 音响 工程-现代建筑中的声学设计2胡妙胜 2002 阅读空间-舞台设计美学3简立人 2000 舞台灯光设计结合电脑软体的发展与使用

景观设计作为生存的艺术，将在人类可持续的国际行动中发挥作用，也只有从生存艺术出发，才能回到人与土地的真实联系，在国际化的时代里找回民族的文化身份和地域性，也才能重建人与土地的精神联系。现在是我们像大禹那样行动起来的时候了!

　 第一个策略就是恢复景观设计学作为一门“生存的艺术”的作用

首先，如果景观设计学将自己定位为保卫人类安全的利器，重建人、地、精神之间的关系的纽带，那么景观设计学就必须重新审视自己的起源。景观设计学应定位成“生存的艺术”、具有大禹一样的治水能力的艺术、大地景观规划设计，而不应被定位成一门娱乐性质的造园艺术。

“不要和我们谈论你们的花园。不要问我们关于你家那该死的玫瑰花的任何问题。我们将要告诉你的是事关生存的问题。”这是麦克哈格50年前说的话，今天这句话依然正确。

回想三年前发生的印度洋大海啸和两年前发生的新奥尔良的卡特里那飓风，触目惊心的现实告诉我们，我们仍然需要“生存的艺术”。不管是5000年前的黄河流域，还是现在的美国 —— 在这个最为发达的国度里，人们面对强大的自然力依然无助。故此景观设计学应该重拾自己作为一门“生存的艺术”的作用。

但是目前这门“生存的艺术”却在被单一目的的工程所替代、并在装饰性的城市和花园中沦落了。

几千年前，我们的祖先就在黄河泛滥区修建这座城市 (山东菏泽)，那时的城市里，水网密布，有近一半的面积是水塘，水涝可以友善地被包涵在这个城市里。但是渐渐的，我们的城市设计师、我们的城市规划师却忘记了这些。于是今天这个城市完全变成了工程化的景观，水塘被填区，稍有大雨，水涝成灾。为此，我们现在不得不忍受自然力带给我们的种种惩罚。

第二个策略就是我们必须立足乡土，重归可信的人地关系

说到乡土，我指的是每天大部分人能够接触到的平凡事物，我反对盲目的豪华和异国情调。要重建文化归属感和精神联系，我们就必须重视普通人的生活需求，关注他们的日常生活，珍视对于脚下的土地而言是可信的、真实的普通事物。土地本身就有自己独特的美。

中国从第一个皇家园林开始，异国风情和奇异空洞就开始出现在中国园林中，而这些事物与周围真实的环境以及普通人的生活氛围大相径庭，当然这种“移植”的现象同样普遍存在于其它国家的园林中。

席卷中国的“城市美化运动”起源于美国，但其实中国也有自己的“城市美化”传统，这场城市美化运动不过是中国园林和贵族式的收珍猎奇癖好的延续罢了，宋徽宗当年大搞“花石纲”，结果葬送了中原大地，慈禧太后大建颐和园，结果同样导致了大清领地的丧失。很长一段时间里，中国城市在寻找无意义的风格，无意义的形式以及奇幻的异国情调中迷失了方向。

现在到了景观设计学重归可信的人地关系、重拾在处理旱涝、滑坡、土地耕作、食物生产方面的种种技术和艺术，以及重建文化身份、精神信仰的时候了。

所以我们必须重归土地、真正的土地，重归真正的景观。

　  第三个策略，“反规划”途径

将景观作为城市发展的基底，景观是我们城市发展的生态基础。

在应对时下出现的种种问题时，景观应该做出什么样的调整呢?城市化和全球化进程迅速而势不可挡，传统规划模式的种种弊端越发明显，于是，“反规划”的模式出现了。何谓“反规划”呢?“反规划”的意思就是：在城市空间发展计划制定之前，就必须通过识别、和建立景观安全格局或生态基础设施，来定义城市的空间发展格局。景观基底在保障生态安全、保护给予我们文化身份和精神寄托的文化遗产方面的作用是十分重要的。

传统城市发展模式不考虑生态基础设施。这种扩张模式正肆虐在我们的国土上，事实上我们应该把这种传统的发展模式颠倒过来。在中国未来，每个城市都将扩大三倍以上。所以我们必须在城市扩张之前就构建起生态的、文化的、精神的基底。

在我们对台州的规划里，城市发展将在生态基础设施这个限制性的钢性结构上进行。宏观尺度上来讲，我们要通过建立区域生态基础设施来定义总体的城市景观格局，即在什么地方进行“不建设”。中观尺度上来讲，我们因该明确生态基础设施的具体位置、控制范围等内容，即确定如何进行“不建设”。微观尺度上来讲，我们应该通过更为详细的景观设计，使生态基础设施的'服务功能深入城市机体的内部，我们的后院也能因此受益，你甚至可以在自家的院子里见到从山里面下来闲游的小狐狸。与此同时，洪水、暴雨也可以从容地从你家的后院汇集到地表水网中，再从地表水网进入整个生态网络。这就是有关生态基础设施的想法。

我们分析了海潮淹没情况，由此制定出的防洪安全格局。不管怎么样洪水都会发生，为什么我们不给洪水提供一块任容其泛滥的场地呢?为什么我们不能为生物提供安全的迁徙繁衍通道呢?为什么我们不能建立一个文化遗产网络呢?在这个文化遗产网络上，人的精神找到了可信的寄托。 当然，我们还可以建立一个安全的游憩格局，让我们的后代能自由地行走在绿色的土地上。所有这些都必须先于城市空间扩张计划建立起来，所以这种方法就叫做 “反规划”。

我们把景观安全格局叠加起来，就得到了这张生态基础设施综合成果图。生态基础设施区域以外的地方是为城市扩张预留的，你可以在这些预留的区域里面修房子、搞建设。我们有了生态基础设施这张“底”，那么城市扩张就能依“底”画“图”了，这个画“图”过程将是有章可循的城市开发建设过程。

通过“反规划”，整个城市的规划建设程序都应该倒过来，只有这样，才能再造我们的秀美河川，也只有这样，才能保证我们与大地母亲的精神联系。所以，这就是我们的第三个策略：把景观作为城市发展的基底。

面对新时代工业化以及城市化进程中出现的前所未有的挑战，中国以及世界的景观设计学急需转变。在重建新的桃花源的过程中，是这个专业站出来发挥其应有作用的时候了。为了扮演好这个神圣的角色，景观设计学必须恢复自己作为一门“生存的艺术”的作用，而不仅仅是造园艺术必须珍视乡土，关注普通人的需要必须通过建立生态基础设施来引导和框限势不可挡的城市扩张，这样景观作为一个界面，作为天地、人、精神之间的纽带被建立了起来

浅谈室内设计的原理

“艺术家通过写实、传神、妙悟到达意境的高度。境界表现于作品，就是通过秩序的网幕，使鸿蒙之理闪闪发光。这秩序的网幕就是组织点、线、光、色、形体等有机和谐的艺术形式，以表达出意境。”

(一)空间形态与尺度是“意境”创造的基础

由各个界面围合而成的室内空间，其形状特征常会使活动于其中的人产生不同的心理感受。空间的性格是空间环境在人的生理和心理上的人格化，它可以利用不同的空间形态的比例变化、大小变化及观察者位置的变化给人们带来不一样的感受。空间形态一旦与设计师的主题创意相融合，可以产生出巨大的视觉冲击力。例如，矩形空间其空间形状给人稳定和谐的心理感受，易形成平稳流畅的室内环境气氛圆形空间四周距轴心均等，有向心性，中心感较强，视觉中心明确，给人较强的亲和力环形、弧形或螺旋形空间则有明显的流动指向性、期待感和不安定感。在室内空间中，不同的空间形态和尺度，会引起不同的感情反应，所隐喻的空间内涵也不同。在选择空间形态时，必须把功能使用要求和精神感受要求统一起来考虑，使之既适用，又能根据不同的功能空间要求创造出不同的空间意境。不同的空间形态表现不同意境的效果，具体表述为：

(二)室内陈设是“意境”创造的装饰语言

室内陈设是室内环境设计的重要组成部分，与室内空间组织、界面设计、色彩、照明等要素共同构成室内设计的内容，与室内环境设计是一种相辅相成的枝、叶与大树的关系。室内整体空间艺术形象的创造，很大程度上取决于室内陈设的设计。室内陈设要符合室内总体环境空间的构思、创意，做到功能与艺术的和谐统一，创造有特色、有文化、有艺术感染力的空间环境。

当室内空间需要限定一种环境气氛，表达一定主题，使人产生较为明确而具体的感受时，往往要求助于更为直接的、可传达信息的手段就是室内陈设。室内陈设是室内空间意境的重要组成部分，除实用功能外，它作为有形的占有空间起着协调环境、渲染气氛，强化设计风格，增强室内意境的作用。它们的布置、排列、展示、点缀等一系列的设计，都直接牵扯到形式美法则和构成规律，反映着设计师对环境的理解和对空间意境的把握。

室内空间意境的创造成功与否，取决于陈设品在整个室内环境中能否揭示空间存在的意义，只有当它融进环境之中，才能创造出艺术氛围和诱发出蕴涵的意境。室内陈设随着地域环境及展示要素的变迁，赋予空间不同的个性和特点，而陈设风格的选择亦展现不同时代的设计精髓，其表现内涵远远超越美学范畴而成为某种理念的象征。精心打造的室内陈设往往成为室内的主要视觉景点，令观者赏玩不已，流连忘返。

(三)色彩是“意境”创造的灵魂

马克思说：“色彩的美感是一般美感中最大众化的'形式”也就是说人们对色彩的情感体现是最为直接也是最普遍的。色彩在空间是非常重要的一个元素，色彩在客观上是对人们的一种刺激和象征在主观上又是一种反应与行为。在设计中应该根据不同的功能需求、心理需求、使用者情趣，在处理好人与环境的关系的前提下营造一个优美有意境的环境。

色彩的意境的产生—色彩的情感体验：

色彩的体验来自于联想与象征。色彩的象征与人们对色彩的心理感受息息相关，并非虚无缥缈的抽象概念，对个人而言，色彩的感受力会直接作用与影响到人的心理、生理、情绪、功能等。

(1)固有色的情感体验，在人的印象中，某些物体的色彩已成为固有的概念。例如红旗、蓝天、白雪、绿树等。人们习惯根据自己对色彩的常识、经验来限定色彩的用途，如金色、银色就是贵重金属的颜色，代表高档和尊重。红色在中国就是喜庆和热闹。

(2)色彩对比与情感体验，从色调上来看互补色放在一起，两种颜色的饱和度明显提高，对比强烈，能提高人的注意力和兴奋程度。色调相近的颜色对比，两色则会想色环上相应的颜色过渡，例如红色与橙色对比更接近橙色，红色与紫色对比则偏紫色。任何色彩和饱和度高于自身的色彩对比会降低自身的饱和度，反之，与饱和度低于自己的色彩对比可以提高自身的饱和度。利用这点，我们在做设计的时候想突出设计某个部分，往往挑选比周围背景颜色饱和度高的色彩，以吸引注意力。

(3)色彩联想、象征与情感体验，色彩联想的抽象化导致色彩成为某种特定意义的象征，成为文化的载体。

(四)光环境是室内空间“意境”的效果

一个好的室内照明和光环境设计能强化空间的表现力。增强空间的艺术效果。从而产生舒适、亲切和动人的室内空间意境。室内光环境是室内意境空间的重要构成要素，我们设计时将光环境的营造和室内环境的其它要素综合一起共同创造出理想的室内空间意境。

光对室内空间意境创造的作用：

光线对于烘托室内环境气氛，创造“意境”有着很大的作用。室内设计中对光的运用包括对自然光的运用和对人工照明的运用。随着室内环境空间的品质提高.灯光环境设计作为室内空间环境的一个表现要素也日益受到注重。光照下的室内空间是一个奇妙动人的世界，正是由于光的照射，室内空间形态才会有活泼生动的轮廓、光影和虚实变化，也是由于光的作用，室内空间才会产生美妙多变的光影和气氛。由此可见，光对室内空间形态的表现和室内环境气氛的创造具有十分重要的作用。

光对室内空间形态的表现和室内环境气氛的创造具有十分重要的作用，室内光环境对营造空间的意境的作用主要表现在调节室内空间的界面关系、强化空间的序列感，增强层次感、清华室内整体的氛围和格调，再加上灯具本身就有美的造型，各种质感和排列秩序的等更能营造室内空间想表达的意境氛围。

由此可见，综合运用这些方法就能创造出居室空间环境彼此协调一致的气氛和意境，从而满足人们的审美要求和视觉心理机能，达到提高室内审美层次的目的。

(五)材质的组合是“意境”创造的表现手法

室内空间“意境”的感知就在于材料的勾勒。一个充满意境的室内空间环境，必定是充分考虑了材料的质感、机理、色彩和图案等多方面的因素，综合运用普通的材料创造出来的。“材料原本没有情感，它的情感来自于人们对他的材质产生的感受，即质感。材质，是材料自身的结构和组织，质感是人们对于材料特性的感知，包括肌理、纹路、色彩、光泽、透明度、发光度、反光率以及它们所具有的表现力”。

不同的材质带给人不同的感知，这种感知还会引起一定的联想，人么就会对材料产生联想层面的情感也。就是说不同材质给室内空间带来不同的意境感受。在设计取材时必须将材料的基本特征、室内空间的使用功能及人物的性格特点紧密联系起来，才可能创造出满意的室内空间效果。也只有这样才能充分发挥出材料的质感和优点，做到合理选材，合理用材。

    

优良的设计离不开适当的材料选择和合理工艺应用。好的材料是设计的载体，好的工艺是好的设计落地的保证。

功能，造型形象和物质技术基础是构成产品设计的三个基本要素，就物质技术基础而言，具体的是指材料、工艺、技术等各方面的制作程序中的基础事项。三者互为影响，互为弥补。新材料，新工艺技术的出现以及对新材料新技术创新应用对于产品的发展和产生有着至关重要的影响。

工业产品设计史，这种例子并不少见。

1998年苹果推出imac G3，使用了半透明的塑料，与以往的主流机型大相庭径。它由半透明的"邦迪蓝“塑料制成，并以蛋形环绕在15英寸的显像管周围，当年推出时一扫PC界产品沉闷的风格，使千篇一律的电脑市场一下子生动起来，一下子引来不少效仿者。

20世纪60年代，世界上第一把一次模压成型的玻璃纤维增强塑料(玻璃钢)椅---潘顿椅。潘顿椅外观时尚大方，有种流畅大气的曲线美，其舒适典雅，符合人体的身材，潘顿椅色彩也十分艳丽，具有强烈的雕塑感，至今享有盛誉，被世界许多博物馆收藏。不得不说的是，潘顿椅自诞生之日起，就具有与众不同的意义。新材料、新造型、新工艺都集于一身，这些都注定了其必定成为经典而名垂史册。 潘顿椅的结构无疑是简洁的不能再简洁了，所有功能结构都融合在一块整体的塑料板的造型之中。

豆袋椅和蚂蚁椅，众人追捧的设计，历久不衰。好的设计是有寿命的。

经典的设计通过对新材料新工艺的应用，开拓了新产品设计的新思路，新领域，同一类产品，可以采用更低成本，更高效的制作方式，从而达到，更新颖，更先进的效果。材料加工性能的不断优化，不仅使产品设计师的发挥空间不断扩大，为工业设计发展增添了瑰丽色彩，更是影响了每一个人的日常生活。

从木材、陶瓷到金属、玻璃和塑料，人类不断在探索着新材料新工艺，材料和工艺的不断创新实现着人们对于产品的各种期待，新工艺使产品的生命周期越来越短，附加价值越来越高。一代又一代的好用又好看的产品，改变着我们的生活方式与生活环境。当代产品设计的竞争一定程度上是 CMF间的竞争，在同质化的产品品类设计上，新产品设计都应考虑用何种材料以及相应的加工工艺，什么样的颜色搭配，以最合适的选择达到最佳的效果。

以iPhone/品牌手机为例浅谈色彩

从iPhone6到iPhone7，苹果这几年保留了一如既往的设计语言，外观上仅做微小变化，而伴随推出的新色彩在一定的时间内还是会引领潮流，引发各大厂商纷纷效仿。从人们口中的土豪金，玫瑰金，到亮黑色，再到17年出现的红色特别版。

年度代表色的运用也是一大趋势，在产品上的运用，这也是一项对消费者需求的新探索。但是一般情况下这类的颜色并不为走量，而是为了起到一定的营销效果。年度代表色并不代表年度流行色，这是我们需要清楚的。

色彩的运用还有一种情况，品牌形象推广，或者有纪念性价值的，如上文提到的iPhone 7/7plus 红色特别版，比如一加手推出的四周年纪念版一加5T熔岩红。

色彩是感性的同时也是理性的，设计师的创意发想和工艺的不断发展，让更多的颜色更加准确地呈现在人们面前。面对消费者不断提升的个性化和定制需求。也伴随着人们审美水平的不断进化。关注色彩是非常必要的。

设计与材料

手机电子产品，可能是目前新材料新工艺的应用最为丰富的产品了，新材料新工艺应用“一方面要考虑材料是否满足设计的功能要求，即满足其物理、化学、机械性质等方面的要求，另一方面要考虑所选用的材料是否能表达设计的高层次的要求。包括各种感情、文化等的表达。再者，应从经济角度考虑选用何种材料，三者缺一不可。成功的设计，是将三者巧妙、有机地结合。”

材料是感性的，产品的材料直接决定了与产品与人的互动，信息革命下，创造了对于形态和色彩重视的倾向，但是触觉和嗅觉是永远无法通过网络和印刷品传达的。我们拿到手持产品经常出现的一个词莫过于“手感”，何为手感，自然是手握或者操作时，产品对触感的反馈，这个反馈不仅仅在于产品的造型元素上，比如圆角的光滑度啊等等，更多的一个因素就是产品的材料和表面处理工艺实现的给用户触觉和视觉上的震撼。

我们常常会说“这种材料很常见啊，这就是XX材料而已”，与此同时也经常懊悔，为什么别人想到用这种方式呈现，而我就想不到呢？优秀的材料需要合适的工艺来雕琢它。

设计师在与技师讨论时，对于一件作品所设计的新技术，他要面对的是对某种材料物理特性的把握：刚性，韧性、惰性，弯折或加热引起的变形。设计师要充分发掘这些材料的特性以便创造出新的产品。

对于材料及其制造技术的理解，是设计过程的一个核心要素。在“理解”背后的另一个词是“动手”边做边思考中最能得到理想的效果。设计师对方案的职责要行使到最后一刻，专注于实实在在的设计目标，对产品的构成、制造环节与工艺流程有深刻的认识，是“好设计”的本源，也是一种在工业文明背景下值得推崇的“工匠精神”。

参考文献：《设计材料及加工工艺》北京理工大学出版社2003年出版

随着国内服装设计 教育 的发展,学院专业教育已经成为连接服装产业和设计人才之间的重要纽带,服装设计人才的培养为我国服装产业可持续发展不断注入新鲜血液。下面是我为大家整理的浅谈服装设计论文 范文 ，供大家参考。

浅谈服装设计论文范文篇一

《 谈谈舞台服装设计 》

摘要：本文主要从舞台服装的历史背景开始谈起，舞台服与消费者日常着装不同，舞台服要表现剧本内容，考虑剧情渲染。它不同于生活装也不同于流行时装。舞台服有它独有的特征和舞台审美需要。舞台服装特征是多角度，深层次的。

关键词：舞台 服装 造型 材料 表现

中图分类号：G712 文献标识码：A DOI：10.3969/j.issn.1672-8181.2014.04.058

1 引言

在古希腊戏剧演出时，演员戴着色彩绚丽的 脸谱 ，穿厚底的靴子，采用标志性图案的衣服和裤子起到夸张人体的效果。观众距舞台很远，也能看清角色。现代戏剧及舞台美术的设计思想不断变革，为写实、非写实的舞台服装设计者开创了各自的广阔天地。

2 舞台服装的内容

舞台服装一般分人物服装、演员服装两大类。舞台服装不同于时装或生活服装。舞台服装有着自身剧情需要。首先就是它的美化效果，其次是时代效果，再次是服务效果。 由此可见，舞台服装是多元化的，需要从事舞台服装设计师深刻领悟，才能设计出广大戏剧 爱好 者喜欢，又符合剧情需要的经典作品。

3 设计舞台服装的的四个要素

我们知道，时装设计师多是依靠个人思维和主观性进行服装造型、色彩变化、面料改造。而舞台服装设计师却要受到很多客观因素的制约，影响舞台服装设计四个要素：剧本、导演、演员、舞台。

舞台服装设计之前，设计师必须反复阅读剧本，通过揣摩和分析渐渐转化为人物形象，并通过服装语言表现出来。人物信息研究，让人印象深刻过目不忘的舞台服装，具有标志性和代表性。准确、深刻表达是对剧本，角色的诠释。好的舞台服装直接关系到一个剧目是否成功。

不同的导演执导下，应有不同的构思。由于导演人生经历不同，受到东西方 文化 影响，审美自然各有千秋，各有喜好。舞台服装设计师应随机应变，适应不同风格的导演。沟通、磨合、聆听，阐述自己的设计理念与表现手法。利用一切技术处理手法，结合导演对剧本的要求，可以造型夸张变形，色彩多样丰富甚至怪诞。新版《红楼梦》的服装设计就是一个很好的例子。结合导演理念，加入中国戏剧的元素，创造出全新的舞台服装。

演员是舞台表现的灵魂，形象、性格、气质与学识构成了他的个人魅力。舞台服装符合剧情，导演也欣赏，但是未必合适演员的形象特质。服装与演员良好的结合，是舞台服装设计必须思考的问题。杨丽萍《孔雀》舞剧，结合她的纤细形体，加入夸张的色彩，以及舞蹈特有的动物元素，设计出来的舞台服装产生了强烈视觉冲击力，是设计作品的典范。

以“舞台”为标的物的设计，舞台设备、灯光、布幕、音响、演出道具。它们影响着角色的外部形象，没有光的配合，整个演出将会黯然失色，平淡而无味。舞台布景需要灯光来渲染气氛。在2013年cctv 春节 晚会的舞台表现中，加入大量的灯光设计，同时配合情景服装，给了全国人民一个全新的视觉享受。

4 舞台服装设计中材料的运用

服装材料，可以各种全新的面貌出现。柔软型面料可任意塑形，产生的线条柔顺，优美。硬挺爽型面料制作的服装立体丰满，外形膨胀，视觉面积大。光泽型面料在灯光的照射下发出七彩的光芒，炫目灵动。透明型面料质地轻薄而通透，具有优雅而神秘的艺术效果。

打破常规的服装选材，运用人工合成材料。如建筑材料的使用有石头、木材、金属条、各色玻璃等。包装材料的使用卡纸、塑料、喷画等。植物材料的使用新鲜的花朵，风干的花束，植物的根茎，树叶等都是很好的舞台服装选材。对面料进行改造，运用材料的多次缝制粘贴及 刺绣 色彩的搭配，化学腐蚀抽纱烂花改变面料的质感。使面料形成不规则，不对称，不完整的破烂质感，会给观赏者产生意想不到的视觉冲击，具有超现实主义的意味。

5 舞台服装设计中解构主义的表现

从结构到解构，是时代发展审美的新趋势。因为它充满个性，富有生机，聚集表现力受到推崇。解构主义是建立在对传统空间结构的怀疑基础上，设计重新分解，完全背离服装人为的穿着理念，变构重建从独立的艺术品的角度去考虑舞台服装设计的理念。毫不犹豫的摧毁传统，以现实感、随意感，以自由的心态，采用扭曲变形，折皱拼接进行混搭。使舞台更具活力，表现更有张力。同时加入建筑、雕塑的空间元素，脱离服装原有的人体工程结构，看似凌乱无形，却充满强烈的生命力。服装体积巨大，外形怪诞的解构主义设计更能在舞台上独树一帜，受到观众的喜爱。

6 舞台服装发展现状及趋势

舞台服装设计的现状，舞台美术设计从简单幕布式搭台布景，到立体化实物化并运用各色幻灯和电子激光，逐渐形成舞台设计的潮流。以往舞台服装单调的款式、过时的色彩、保守的造型，都不能满足现在舞台美术设计的需要。多样性、时尚感的创新意识，融合社会 热点 话题，将娱乐大事件、影视大片等观众关注的内容融入服装设计理念中，对创作意图至关重要。观众能直观的欣赏到更为前沿的流行元素，使舞台服装融入舞台剧中。

目前国外已经有很多著名品牌的企业生产舞台服装。而在中国单独设计生产舞台服装的公司却寥寥无几，大多数为小型工作室制作完成，缺乏系统完善的品牌竞争。我国舞台服装无论是在艺术表现力还是美感上远远不及欧、美、日、韩等国。发展我国的舞台服装设计要结合中国元素。我国由多民族组成，设计素材源源不断，坚持特色文化并可借鉴国际化的理念。总之，舞台服装设计要有超前的设计理念，同时对发展实用类服装起到了导航推动作用。这种推动作用将是众多服装设计的风向标。

参考文献：

[1]希弗瑞特.时装设计元素：调研与设计[M].中国纺织出版社，2009.

[2]潘健华.舞台服装设计与技术[M].文化艺术出版社，2000.

[3]吕志昌.影视服装设计[M].中国传媒大学出版社，2009.

[4]马蓉.服装创意与构造 方法 [M].重庆大学出版社，2007.

浅谈服装设计论文范文篇二

《 如何进行服装设计 》

穿什么衣服才美?服装设计师有一句 名言 “能烘托你的自然美,又能适当掩盖你的不足的衣服,就是适合你穿的美的款式。”这就告诉我们服装美的一个重要的因素,即要根据每个人的“个性”来设计,选择“得体”的衣服。

一、服装的造型美

服装的整体造型,即服装的轮廓,来源于人体,是外部造型同内部结构有机的结合,它是服装的总体风格。根据现代服装的流行趋势,设计师们在表现人体自然美突出个性追求的基础上,通过夸张修饰,调节服装的肩宽、胸围、腰围、臀围、衣长等,从而形成风格各异的造型效果,通常有以下几种造型风格。

X型,是以人体肩宽,腰细,臀围大的特征,而设计的贴合人体曲线的服装,充分体现女性姿态的自然,这种造型被人们广泛地接受,也是连衣裙的主型,适合理想体型的人穿着。

A型 ,通过分割、修饰肩宽、夸张下摆,整体造型上窄下宽,如由四片、六片或八片上下大裁片衣缝合的喇叭裙。这种造型稳重、端庄、走路时,线条自然变化无穷,给人以飘逸之感,受到青年女士的青睐,适合于臀部较窄的人穿着。

H型,通过放宽腰围,从肩端处直线垂下,具有整洁、利落、轻松随和、自由的感觉。穿着这种造型的连衣裙,走路时,裙身与腰部,臀部若离若现,产生一种朦胧美,韵味顿生,腰围大的人穿着,能掩盖其缺陷。

T型,采取夸张肩部及袖山,然后向臀部方向收拢,装饰上身,简洁下身,增强了挺拔感,使优柔的女性,增添了男子的洒脱,阳刚之俊。

二、服装的形式美

人体有美的,也有不美的,上帝没有给每个人都造成一个理想的身姿,服装美通过形式美的规律来表现人体的自然美,运用比例,均衡,分割,视错等到来弥补体型不匀称的缺陷,使穿着趋近于比例美。

统一与变化,统一与变化是构成形式美的主要规律之一。

统一在服装上主要指型、色、面料相互协调和谐。

变化造成一显著对比的感觉,其特点是生动、活泼、有动感。变化手法很多,常见的有省道的转换与分割,不同原料的搭配利用等。

统一必须适度,否则就会千篇一律,缺乏生气,在变化中求统一,统一中求变化,平中求奇,使两者有机地结合起来,服装才有生气。

对称与均衡,有服装设计的过程中,最常用的手法是将对称与均衡综合运用,即能取得稳重、活泼的艺术效果,在对称中变化而产生动感。

视错是指在某种情况下,使人的视觉造成与外界事实不一致的感觉。通过点、线、面的装饰及分割,把人们的视线引向一方,突出其长处,遮掩短处,达到趋近于比例美的效果。

旋律,主要指服装各种工艺线和色彩,有规律,有组织节奏变化,引诱目光可以产生旋律感,目光从一方移动到另一方,使造型上有运动效果。

三、款式,色彩与体型的和谐美

面孔,在设计上起着焦点的作用,领子是最易于吸引人们视线的部位,它的造型,直接影响着面孔。

例如,圆脸型的人,不宜穿一字领,圆领或领上有花边的上衣,因为,水平线把注意力吸引致横向,产生宽大的感觉,瘦脸型的人不宜穿领口长而尖的“V”型领,或长驳头西服领。因为这种领型引起的视错,会使人感觉到脸型越加瘦长。又如,身材高瘦的人,要减少直线分割或常有直条的图案,套裙会增加你的宽感,使你体态匀称,倘若上下略有色差,效果更佳。瘦人不宜穿过紧或过松衣服,穿连衣裙最好有腰带,袖子采用泡泡袖,胸部用花边做些修饰,臀围小的人宜穿百褶裙,在圆摆裙,有丰满之感。

胖人的款式要简洁,繁杂多样会显得臃肿,对于横向线条,图案及灯笼袖,蝴蝶领结,领花边,过量的衣褶,都应避免使用,上下身不能使用强烈的对比色,否则,上下身分成两段,显得越加短胖。

为了表现体型,突出个性,选择颜色很有讲究。红黄橙几种有代表性的暖色,有兴奋、热烈、温暖的感觉,它能给人的精神振奋之感,因此,适合于冬季服装。黄色调的服装,皮肤细白的穿着,能产生极好的效果,如果肤色比较粗黑,色感应选择较深沉的土黄色,或黄灰色。深绿、青、紫等到冷色,有沉静,高雅的感觉,适合于夏季服装,绿色调服装,肤色较黄或较黑的人穿着,会产生单调感,而孔雀绿,橄榄绿,暗灰绿则可以广泛用于服装中,青色是希望,智慧的象征,适合我国人民的肤色。

暖色,明快热烈,有扩张之感,冷色,沉着,稳重,有收缩之感,有服装的配色中,要很好了解色彩,在什么时候和什么条件下能发生的作用。一般说,深色有收缩感,浅色有膨胀感,体瘦的不宜穿深色和冷色的衣服。反之,体胖的人不宜穿浅色和暖色的衣服。任何肤色穿白色和浅色衣服,效果都比较好,因为它反光,使你的脸更富有色彩,具有生气。

黑、白、灰三处无彩色,在服装中被广泛运用。白色,象征着纯洁,朴素。白色与个性强烈的颜色拼在一起,会显得活泼,年轻与泼辣黑色,坚实,庄重,黑色服装更有精神,表现出摩登与高雅灰色,象征着中庸、温和。在服装上与艳丽的色彩配合,既能起到稳定色彩跳耀的效果,又能衬托其色彩,更加漂亮,如灰色常有色彩倾向,显得格外高雅。

四、服装的装饰美

服装造型本身就是一种装饰,它来源于人体,又能改造人体。

省道在造型中具有重要地位,如肩省、腋下省、腰省等,它的作用表现为适应人体曲线变化的需要,同时又可以利用省道的变化,获得造型上的分割效果,起到装饰的作用,这里介绍几种常用的装饰方法:

扎明线,是利用线的粗细和变化,起到装饰效果,它有一种流畅、明快、典雅的感觉。

打褶裥,采用不同褶裥打法,能产生动与静的感觉。如对褶,有一种静止,稳定的感觉,而百褶和飞边,便产生一种动感。褶裥在服装上,不但便于人们活动,而且直接产生富有无穷变化的线,形成不同的扇面,时合时张,富有情趣。

补绣、刺绣,补绣,也叫“贴布绣”,是利用零碎布料拼成各种图案。这种效果,概括简洁、装饰性很强,刺绣的手法很多,不同技巧者有独到之处,采用的面料不同,其效果也不一样。

手绘,在服装上,用不同的涂料,染料手工绘制,多彩用中 国画 的一些技法,如:工笔、写意等,其特点是色泽质朴清淡,浓郁雅丽,浓淡变化无穷,其效果是手工印花和机印无法达到的。

此外还有镶色、镶花边、镶条等到多种手法。现在人们更加注意腰带的装饰性。一套新颖的裙装,系上合适的彩带,使人体外形富有曲线,充满活力,会显得更加窈窕多姿,并能使人体的比例得到调节,倍添美感。

纽扣,它不但有着实用性,还起到画龙点睛的作用,有人称它是服装的眼睛,你千万不能忽视其作用。

五、服装的朦胧美和流行美

服装的魅力,表现在似露非露之间,给人以联想,产生一种美感。

在款式的表现上,如直身裙和一些宽松裙装,造型上,从肩端处直线垂下,似乎没有表现出人体的形体美,但随着人体的活动,柔软宽松的衣裙,与肉体若离若现,使形体间接地显露出来,便会产生一种朦胧感,又如旗袍是以人体结构为基础的紧身式,穿着之后,随着人体的起伏形成清晰流畅的曲线,随着活动,使旗袍一张一合。把腿部处理在露与不露之间,显露出的腿部线条,把人的视线移向整个腿部,产生一种特殊的韵味。

服装的流行美,符合了时代的潮流。服装随着科学文化的进步,制衣工业的发展,与人们求新的心理需求而变化,流行着。它也受到世界重大事件的直接影响。

服装变化总有一个起主导作用的基调。如裙装,这几年流行长裙。过几年又流行短裙,不是紧身,就是宽松。这是因为人们都穿式样近似的衣服,就会产生厌倦心理,为了脱俗,人们就开始寻求另一种式样,一旦这种式样普遍被人们效仿,就会继而流行。

随着社会的变革,妇女要求同男性一样,在社会上奋斗,拼博,追求,表现出男性的某些气质和风度。同样,服装也受到这种影响,女性服装开始追求男性化。

人们使自己爱美的心理得到满足,推动着服装设计周而复始地变化着,流行着,流行美就在这个潮流的和谐之中。

为使你穿的仪表堂堂,更好地体现出女性富有的魅力,让我们怀着美好的心灵,来进行美的探索,美的追求吧!

参考文献

[1]王蕴强,马玖成.色彩・服装与美.北京:中国轻工业出版社,2000.4

浅谈服装设计论文范文篇三

《 浅谈服装设计风格 》

摘要：本文对服装设计风格先作源头阐述，再结合大师作品对该类设计风格进行分析，试图从文化、艺术角度挖掘服装设计的风格与内涵，并赋予其实用价值。

关键词：设计风格服饰

作者简介：黄鼎奇(1962.9-)，男，辽宁沈阳人，沈阳师范大学工程技术学院副教授，硕士研究生导师。

[中图分类号]：J523[文献标识码]：A

[ 文章 编号]：1002-2139(2011)-21-0126-01

服装设计风格是指服装设计作品从总体上看，在内容和形式等方面都达到了统一的效果，其外观造型独特、新颖，具有很强的艺术感染力和鲜明的时代特征。纵观世界流行服饰史，服装设计风格可以说多种多样。如：东方风格、古典风格等等。风格经过历史及审美的积淀，具有一定的成熟性，它不会随着时间的流逝而消失，而经典的服装风格将永存。当今服装发展最显著特点就是风格多元化，因此作为现代服装艺术的诠释者，要充分了解各种服装的风格与内涵，这样才能创作出风格独特的作品。

一、东方风格

主体印象：给人以自然、朴素、含蓄的服饰印象。

东方风格主要是指以中国为代表的东方服饰文化为背景的时装主题。东方文化艺术历史悠久、源远流长，如：中国的书法、绘画，日本的书道、浮世绘等艺术形式都具有深远的影响。就服饰造型形态而言也是非常丰富的，典型的式样有中国的唐装、旗袍，日本的和服，印度的沙丽等。如：日本时装设计师三宅一生是一位具有东方情愫的服装艺术大师，他的设计充满东方的禅意，张扬着鲜明的日本民族精神，融合了东西方文化之精髓，尽情抒发玄奥的东方文化的神奇魅力。

二、古希腊风格

主体印象：给人以简朴、单纯及优雅之感。

古希腊是西方文明的发祥地，也是欧洲古典服饰风格的源头。早在公元前四世纪，希腊不仅在建筑、雕塑、哲学等方面取得了很高的成就,同时也创造出了无与伦比的服装式样，其造型优雅轻松、和谐自然，没有丝毫的奢华和矫饰，被世人称为是古典造型完美的典范。进入21世纪，人类开始对生态环保投入了更多的关注,古希腊服装自然的造型、披挂的方式、流动的线条、单纯的色彩正吻合了人们渴望返朴归真的心理需求。如：法国时装设计师玛德琳•维奥内特被称为是“设计师中的设计师”。她的设计具有古希腊风格特点，注重雕塑感，反对紧身衣等填充，体现女性自然身体曲线，松弛、浪漫和优雅。

三、巴洛克风格

主体印象：给人以夸张、浪漫、高雅、奢华之感。

巴洛克艺术产生于16世纪下半期，盛期是17世纪。巴洛克彻底打破了文艺复兴时期的艺术特点，在艺术形式上追求享乐主义思想，突出浓重的宗教色彩，强调新奇特和极具运动变化的戏剧感。在服装方面主要是指17世纪以法国为代表的欧洲宫廷服饰，造型宏伟华丽、色彩绚丽夸张。如：黎巴嫩时装设计师祖海•慕拉是黎巴嫩时装设计军团的领军人物，典雅奢华的巴洛克宫廷风格形式是他的标志之一。他的设计风格特点是剪裁简洁、线条柔美，面料和辅料集尽奢华，造型上追求极致的完美。

四、罗可可风格

主体印象：给人以纤巧、精美、浮华、繁琐之感。

罗可可(Rococo)反映了十八世纪法国路易十五时代宫廷贵族的恣情享乐生活方式。它是巴洛克时期式样的延续，两者之间的主要区别是巴洛克服装雄健、奔放，罗可可服装艳丽、优雅。在造型上两者都强调女性的优美曲线，追求装饰及光影的变化，在表现题材上除了有花草、果实、波浪等外还加入了罗马和东方装饰形式。如：法国时装设计师克里斯汀•拉克鲁瓦被时装界称为是“调色大师”。他的时装秀向来都是一场华丽的视觉盛宴，精美的刺绣、丰富的色彩、闪亮的配饰及华丽的蕾丝极具罗可可古感风貌。

五、未来派风格

主体印象：前卫、时髦，体现了浩瀚宇宙神秘之感。

50年代以来人类就从来没有停止过对宇宙太空的探索，人类从最初的能把人造卫星送入太空，到阿姆斯特朗等人登月成功，直至今日人类能够乘坐航天飞机前往太空旅游，实现了人类遨游太空的梦想。因此未来太空服饰热潮多年来持续不断，许多表现未来主题的艺术流派也应运而生。在服装造型上，这类主题的作品具有构筑式硬质材料拼接和几何学直线运用的设计特征，彻底否定了传统造型的构成方式，强调简练的设计语言，材料运用比较丰富。

如：英国时装设计师亚历山大•麦克奎恩的设计理念匠心独具，在面料的选择上常用许多新奇的高科技面料。他的未来派时装设计给人以独特的视觉享受，仿佛置身于宇宙星际之间，令人惊异难忘。

六、朋克风格

主体印象：给人以一种强烈的、刺激的、恶俗的前卫服饰倾向。

朋克(Punk)最初是指一种摇滚乐，诞生于七十年代中期，并且很快在英美两国得到了蔓延。当时由于二战后上世纪工业危机，社会下层年轻人对生活现状不满，对未来失去了信心，他们用自己特立独行的装束风格彰显自己，提倡“性和颠覆”表明与主流文化的不同，最终形成了朋克风格。朋克服装风格在设计上，多以异国、异教服饰为设计元素，强调奇特和个性。在装束上不拘一格，如：有废旧的垃圾、金属、骨质品等，在图案的选择上更是令人毛骨悚然，如：人骨头、蟒蛇、毒蝎等，在发型上也很怪异，如：常见形式有光头、染发、纹身等。

如：英国时装设计师维维安.维斯特伍德被时装界称为“朋克之母”。她设计的服装具有强烈的后现代反叛精神和独特的创新意识。她颇能掌握时代精神，将叛逆的元素融入作品之中。她极强敏锐的洞察力和敢于突破传统陈规的胆识，彻底改变了人们的审美方式和着装方式。

七、解构主义风格

主体印象：给人一种反对称、反完整以及打破原有成规的服饰印象。

解构主义(Deconstruction)可理解为有分解与构成结构的含义。它产生于20世纪60年代，是由法国哲学家•德里达为代表所提出的一种哲学理论，波及人类文化的方方面面，对哲学、文学、建筑学等方面产生了深远的影响，推动了后现代主义的产生与发展，也是整个后现代思潮最重要的理论源泉之一。在服装设计领域解构主义风格从20世纪70年代兴起，80年代开始传播。特点是把原有服饰结构进行破坏和重组。在造型上避免出现常规完整的对称形式，结构后的结果体现了服饰疏松零散、支离破碎、变化层出、耳目一新的效果。

如：比利时时装设计师马丁•马吉拉被时装界称为解构怪才，“解构主义大师”。他一向以解构及重组衣服的技术而闻名，他锐利的目光能看透衣服的构造及布料的特性。他的每件作品背后都隐藏着无穷无尽的 想象力 。

参考文献：

[1]21世纪国际时尚品牌礼服，主编：华梅，中国时代经济出版社，北京，2008.1。

[2]时装设计艺术，主编：刘小刚，中国纺织大学，上海，1997.11。

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内设计流行风格：

法式浪漫设计风格

温馨客厅静溢流转，片片阳光轻轻柔柔的洒进来，倚在柔软宽大的布艺沙发上翻看着心爱的书籍，享受着午后的阳光，温馨，平和，本白色的茶几上，一杯自磨的卡布其诺散发着浓浓的热气。浪漫就是在一点一滴的家居布置中，白色系的家具细节更为重要。在室内墙上大量嵌镜子,挂晶体玻璃吊灯,陈设着瓷器,还特别喜好在大镜子前面安装烛台。壁炉采用磨光大理石,并且在家具上镶螺纹,爱用娇艳的色彩,如粉红、猩红、绿色等，脚线大多是金色，天花板上涂天蓝色,画着白云,并喜欢闪烁的光泽。欧式宫庭设计风格欧式宫庭讲究奢华气质，欧式豪华风格多用蕾丝、复杂的折皱、欧式名品家具打造奢华风格，松软的床，工艺繁杂的水晶灯，构成浓郁欧式风格的华丽卧室。窗帘多以水波形的帘头复式设计，面料闪着光泽感的清雅淡金色、白色。

现代风格

以简洁明快为其主要特色。重视室内空间的使用效能，强调室内布置应按功能区分的原则进行，家具布置与空间密切配合；主张废弃多余的、繁琐的附加装饰，使室内景观显得简洁、明快，完美地反映出“少就是多”这一设计概念。现代时尚设计风格现代风格家居装修，外形简洁，极力主张从功能观点出发，着重发挥形式美，强调室内空间形态和物检的单一性、抽象性，多采用最新工艺与科技生产的材料与家具。其突出的特点是简洁、实用、美观，兼具个性化的展现。不仅注重居室的实用性，而且还体现出了工业化社会生活的精致与个性，符合现代人的生活品位。强调功能性设计，线条简约流畅，色彩对比强烈，这是现代风格家具的特点。此外，大量使用钢化玻璃、不锈钢等新型材料作为辅材，也是现代风格家具的常见装饰手法，能给人带来前卫、不受拘束的感觉。由于线条简单、装饰元素少，现代风格家具需要完美的软装配合，才能显示出美感。例如沙发需要靠垫、餐桌需要餐桌布、床需要窗帘和床单陪衬，软装到位是现代风格家具装饰的关键。白与黑设计风格黑白家具的设计或夸张或走极简路线，用它们来布置居室，能起到瞬间颠覆传统居室风格的作用。白与黑系列窗帘以经典的白黑色为主，写意的花纹和几何纹理的布艺窗帘柔化了居室生硬的表情。值得注意的是，布置房间时，黑色的使用必须把握一个尺度，深色家具过多，会使人产生压抑的感觉。配几只橘红色的靠垫或小面积的红色装饰，会使室内冷酷而严肃的气氛得到缓和。单一色系的运用使空间更简洁，营造出现代居家风格的极简品味。最常使用的白色，灰色，黑色以及棕色等属于中性色彩。如果要想空间看起来明亮开阔，应该选择明度较高的颜色，比如白色，清凉通透。如果喜欢沉稳的空间感，黑色，灰色可以营造成熟的效果。这些色彩和其他颜色十分容易，例如橙色。黄色，表达居住者的鲜明个性。

乡土和自然风格

主要表现为尊重民间的传统习惯、风土人情，保持民间特色，注意运用地方建筑材料或利用当地的传说故事等作为装饰的主题。这样可使室内景观丰富多彩，妙趣横生。

地中海设计风格

地中海风格颜色明亮、大胆、丰厚却又简单。善于捕捉光线，取材天然。蓝天、白云、纯净的沙滩无不在家居的风格中体现。简约的白色家具、原木的质朴天然，窗帘采用简单的款式，纯净的面料色彩，在风吹过的刹那捕捉海洋的气息。以自然柔和的淡色为主，在墙面、桌面等地方用石材的纹理来点缀。一些装饰细节上的处理非常重要，比如中间镂空的玄关，造型独特的灯、椅子等。色彩选择很重要，色彩多为蓝、白色调的 纯正自然的色彩，如矿物质的色彩。材料的质地较粗，并有明显、纯正的肌理纹路，木头多原木，应尽量少用木夹板和贴木皮。

美式田园设计风格美式田园风格比较注重简洁随性，崇尚自由，体现为单纯、休闲，绿色植物，藤编的餐椅，镂空的装饰，典雅舒适，木制家具多保留木质本身的天然纹路并加以涂刷光泽型涂料，窗帘面料以自然界中的花朵，配色自然的条纹或纯净的白纱为主，款式简洁，自然清新美式乡村风格的色彩以自然色调为主，绿色、土褐色最为常见；壁纸多为纯纸浆质地；家具颜色多仿旧漆，式样厚重；设计中多有地中海样式的拱。

新中式设计风格中式装饰材料以木质为主，讲究雕刻彩绘、造型典雅，每件摆设都体现大气华贵，每件装饰都能令人对过去产生怀念，对未来产生一种美好的向往。新中式风格最重要的表现特征就是借鉴和继承了隋唐、明清时期家居理念的精华，将其中的经典元素加以提炼，并予以丰富，同时抛弃了原有空间布局中等级、尊卑等封建思想，给传统家居文化注入了新的气息。新中式设计多以中式产品和西式陈设为主。木质材料居多，颜色多以仿花梨木和紫檀色为主。空间之间的关系与欧式风格差别较大，更讲究空间的借鉴和渗透。新中式风格体现高贵。希望点豹的回答可以帮到你