抽象设计的设计价值有那些

你这个问题问的好！通俗的讲~

设计是运用所学的和大脑的快速运转！通过生活，想象和拥有所学到的知识产生的独到想法！

设计图是运用所掌握的技术将其通过抽象写实的方式表现出来的概念图！

然而其实真正意义上的设计图实际上就是平面图（平面设计及施工图）

不要和效果图混淆！

效果图只是一个表现

每一张图都是设计师的心血

每一张效果图的出图都是在平面设计图上沟通了很久，根据设计师从设计上的提议和业主实际需求互相结合，达到最满意的效果

抽象图案在现代服装中的运用

（一）在现代服装设计中变化与统一中的运用

抽象图案在现代服装设计中给人一种静中有动，动中有静的结合美，形式美，是一种美的变化与统一。同一种款式、形式、功能的服装，赋予不同风格种类的抽象图案就会表现出不同主题的美感，相反，同一系列或者同一种抽象图案于勇在不同种类的服装上也会表现出图案设计着不同的思想架构与内涵表达。

现代服装设计中的统一即指的是秩序的协调，但又不至于单一单调，而变化更多的指的是服装设计中丰富的内容所显示出的井然有序，有条不紊。统一于彼岸花相互协调，相辅相成会给人一种美学上的舒适感，运用抽象图案在现代服装设计上，可以更加有效地将统一性与变化性融合起来，给人一种有层次感，和谐美好，生动灵动的美好体验。

在现代服装设计中，图案的选择与色彩的排布至关重要，其图形的线条是服装设计的基本要素之一，不同线条，不同图案的有机排列组合可以造就十分有层次感的美。

例如，一件灰色的衣服，如果单独使用一种灰色会是服装的形式就会显得十分单一，并不具有十分的美感，而运用不同色阶的灰色抽象图案进行拼接，井然有序的安排这些图案，就会打破这件衣服曾经的沉闷格局，给人一种舒适的审美。在抽象图案的设计当中，融入一些简练干净的设计，在无形当中就会是整个服装拥有一定的变化与统一的协调感。

（二）在现代服装设计中韵律与节奏中的运用

节奏与韵律虽然是作为音乐节拍轻重缓急的一种评价与尺度，但运用在美术设计中也并无不妥。服装并非静止的艺术，当它被穿在人们身上的时候，就被赋予了运动感。节奏与韵律反映的是图案在服装上排列重复的动感，是排列形式与组合方式创造出来的一种思想感觉。节奏与韵律相互存在，共同促进服装的形式美、机械美、动感美，促进了服装在节奏与韵律变化中而产生的趣味性。抽象图案在现代服装设计当中的运用是变化与统一的，能够在服装上便显出一定的生动性，展现出生命的朝气与活力。

以特定的形式与结构进行排布的抽象图案设计服装可以直接引起艺术家与其他人的艺术共鸣，以不同的方式寄托着每一个人对于生活的理解与感悟。在现代服装设计中合理运用抽象图案可以给人一种间接性的暗示，朦胧的不可言说的微妙表达，这些都是设计师复杂的心理变化所融合而成的抽象效应。例如，暖色抽象图形的拼接与融合就会给人一种温暖与火热的情感体验，而将棱角分明的黑白灰抽象图案进行整合的简约风格会给人一种精干历练的严肃情感体验。

（三）在现代服装设计中协调与对比中的运用

在现代服装设计中，协调指的是服装中的各种元素相互配合而达到的一种完美状态，而对比则是描述的这些因素之间所出现的一些差异。抽象图案在表设计师的内性活动以及人们的思想状态的过程当中，其色彩运用是起到主要作用的，色彩的协调更多指的是色彩相互统一，色系相差不多，所能表现出来的内容也是近似的，色彩的对比主要时表现出一种矛盾与碰撞，是内心活动的澎湃与激情。抽象图案的色彩运用与相互合理排列可以有效的提升服装的情感表达与审美价值，合理的色彩排布可以将人的思想更直接表现出来。例如，在黑白之间使用暖色进行铺垫，增强了对比性，也突出了服装的层次感与变化感，可以更好的表现出艺术家内心的心路历程，灵动而又时尚。

（四）在现代服装设计中比例与尺度中的运用

服装的比例与尺度直接决定了服装的功能与形式，设计师需要在不同形式的服装中融入不同形式的抽象图案，应用不同的抽象色彩。夸张的尺度和恰当的比例都是赋予一件服装生命与活力的方式。比例与尺度不仅仅表现的是服装的单个形式与独立形式的估计和判断，也和这个服装周围的环境与空间有着紧密的联系，这就需要服装设计师思维缜密，对这种比例尺度关系所需要的环境数据都需要严格的评估与分析。尽管黄金分割作为艺术设计中十分重要的美学设计标准，但并非所有环境都适宜这种标准,也不是人人都能够接受设计师所完成的大尺度或者独特比例的服装艺术。

在现代服装设计当中，比较夸张的比例以及对比比较强烈的色彩都很容易表达出人们内心的激情，释放人们沉寂在心底的情感，形成独特的抽象风格，这种大胆开放的抽象图案配合一定的合适比例尺度的服装，可以很好的将服装艺术中所蕴含的情感与内涵巧妙的表达出来，在对比中保持同一，在变化中保持协调，在运动中保持静止。不仅更容易让设计师的设计更有内涵和有温度，也会让广大消费者接受设计师的设计并为之买单。

一、具象表现形式：

具象表现是忠实于客观物象的自然形态,对客观物象采用经过高度概括与提炼的具象图形进行设计的一种表现形式.它具有鲜明的形象特征,是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化,突出和夸张其本质因素.标志设计的形态不可能像绘画的形式那样强求形似,而是以图形化的方式进行组织处理；抓住对象的精神气质,强化形象的形态特征,简化结构的格局,从而取得和谐之美,形成一种单纯、鲜明的特征来呈现所要表达的具体内容.标志是一种信息载体,接收对象是广大的人民群众.具象的标志具有图形的通俗性与高度清晰的识别性,表现较为自由,充满个性,容易以清新、明快的视觉形象传达标志的神髓而为广大的人民群众所接受.

具象标志表现形式可以分为：

（一）、人体造型的图形：

人体造型的概念既指整个人体,也指它的局部,如肢体、五官等.人们之间的信息交流不仅仅体现在语言、文字上,也隐藏于人的姿态和表情之中.人体的姿态主要表现在两个方面：一是整个人体的动作,而是肢体的动态.人的身体姿态动作完全可以传达一个简洁明了的概念,如思想、感情、心理、指代和关系.而肢体的动态集中体现在人的手上.手势是除口语、书面语之外人们最常用的交流思想的工具.人的头部动作、脸部表情、五官表现也是视觉传达设计所特有的常用题材.

（二）、动物造型的图形：

以动物作为象征的主题是一个非常古老的标志题材.早在远古时期,人们就把动物作为图腾崇拜的标志.当时的人们相信每个氏族都与某种动物、植物或无生物有着特殊关系.事实上,人类对动物的崇拜一直没有停止,即使在高度发达的今天,我们仍可看到以动物造型作为企业或组织的标志,在商品中作为产品的商标.

（三）、植物造型的图形：

植物常常是美好的象征,用以表达吉祥如意的含义.标志中的植物造型至少受到两个方面的影响：一是装饰纹样的影响.装饰纹样不是对植物的直接摹写,而是图形结构形成后再与具体植物结合,从而产生特定的装饰名称.这一点在古代纹章中尤为突出.二是几何化影响,近现代的标志植物造型大多归整为圆、方、三角等几何形状,显示出现代艺术中结构主义、风格派对标志设计的影响.

（四）、器物造型的图形：

器物是各种用具的总称.它涉及的范围极广、品种繁多.从形体上说,大至高耸入云的建筑物、巨大的交通工具等,小至铅笔、电器插座和插头、文具、餐具等.

（五）、自然造型的图形：

自然现象是神秘的自然力的象征.人类自诞生以来,就把它和巨大无比的力量、变化的无穷联系在一起,而永恒的设计主题也在这里找到归宿.星象、水和火星是这一类型标志常用的题材.

二、抽象表现形式：

抽象表现形式是以抽象的图形符号来表达标志的含义,以理性规划的几何图形或符号为表现形式.现代社会,新型的商品品种日益增多,还有那些提供设备、技术以及资料的机构也越来越多地使用标志.这些标志的设计,如果仍用一般的表现方式是难以完成的,必须创造出一种暗示含义或表示机构的抽象特征的符号.抽象形表达方式正适用于此类情况.为了使非形象性转化为可视特征图形,设计者在设计创意时应把表达对象的特征部分抽象出来,可以借助于纯理性抽象形的点、线、面、体来构成象征性或模拟性的形象.抽象形式的标志,单纯地表现对象的感觉和意念,具有深刻的内涵和神秘的意味感.造型简洁,耐人寻味,产生一种理性的秩序感,或具有强烈的现代感和视觉冲击力,给观者以良好的印象和深刻的记忆.

抽象的标志表现形式可以分为：

（一）、圆形标志图形：

圆具有单一的中心点.它依据这个点运动,引起向周围等距离的放射活动,或从周围向中心点集中的活动.换言之 ,圆形容易吸引人的视觉注意力,形成视觉中心.而在中国古代人民的审美心理中,常常把对待宇宙、对待万物的哲学态度融化在这样一个圆形中,形成求全、求满、求圆的民族心理特征.圆形标志图形一般可分为正圆形、椭圆形和复合形等.

（二）、四方形标志图形：

四方形的基本特征是,具有四个角和一个中心,与圆形相比,具有一定的方向性.四方形通常有：正方形、矩形、梯形、菱形等.正方形具有近似圆形的性质,它具有一个中心,但有四个方向不甚明确的角.矩形和正方形相比,具有一定的方向性.梯形既具有斜线的性质,也带有明显的方向性.而且梯形具有斜线的性质,也带有明显的方向性.而且梯形的中心是偏离的.菱形是四方形的一种变体,具有一种不稳定的感觉.

（三）、三角形的标志图形：

标志中出现的三角形大多是等边或等腰三角形.这类三角形主要有两种表现形式：一种是正三角形,显得特别的稳重；另一种是倒三角形,这种三角形将宽大的顶部支撑在一个支点上,形成了一个极其危险的平衡方式.而其他形式的三角形,因偏离或者失去了垂直定向导致其视觉稳定性不强,经不起人长久注意,故在标志设计中较少使用.

（四）、多边形标志图形

多边形是由多种几何形构成的.其构成方式一般有两种：一种是由各种几何形相互切割构成的,如圆形和四方形的切割等；另一种是由各种几何形并置而成的.多边形在结构上比其他几何形复杂得多.内容也丰富得多.在标志设计中,多边形往往能表现多种形式和内容.但是,就视觉记忆而言,多边形不如其他简单的几何形那样容易记忆.

（五）、方向形标志图形：

方向形虽然有多种形态,但箭形是其基本形状,其它变化都源自于它,故方向形又称箭形.箭形的本义是箭头,其引申义是指向或朝向.在空间中,它的角度不同、方向不同,其意义也就不同.如箭头朝上表示上升和直立；箭头向下表示降低和朝下.因此,方向形的意义变化主要来自三个方面：一是方向变化,二是数量变化,三是状态变化.方向变化确立或改变了方向形的基本含义.数量变化增加了双向、多向的含义.状态变化则寓意其速度、曲折等态势.

三、文字表现形式：

文字表现是以标志形象与字体组合而成一个整体.标志是一种视觉图形,但文字标志同时具有云烟特征和语音形式.文字是一种约定性的记号,它具有视觉性.目前以汉字或以拉丁字母为设计元素屡见不鲜.现代商业经济的发展,人类文明的演进,为字体设计提供了广泛的选择.

（一）、汉字标志图形：

汉字被认为是表形和表意文字的典范.现用汉字是从甲骨文、金文演变而来的.在形体上逐渐由图形变为笔划,象形变为象征,复杂变为简洁；在造字原则上从表形、表意到形声.因此,单个汉字的信息量、意义的丰富性和明确性方面显然超过了表音的拉丁字母.

汉字作为标志的基本造型,常常是我们探索标志设计民族化的途径之一.在我国传统习惯中,古人利用字形、字音和词义等因素,进行巧妙组合.这方面的例子很多.如喜字,有两字喜、三字喜,甚至有四字喜的形式；寿字,有长形寿、团花寿字等,其变化的形式难以计数.而用福字和蝙蝠的组合代表“福”,用鱼代表“吉庆有余”,用八吉和如意表示“吉祥如意”等形式,都是充分运用了文字的象征意义.汉字标志就造型而言,一般可分为单字和连字两种形式.

（二）、拉丁字母标志图形

拉丁字母具有几何化的造型特征,常常是标志设计者愿意以此为构思的基础.拉丁字母作为相对通用的文字,在沟通方面可以缩短距离,拉丁字母在设计上表现出言简意赅、形态变化多样的优势.因此,用拉丁字母设计的标志已成为标志群中巨大的生力军,并始终占据着主导的地位,不断影响着标志设计的走向和发展趋势.拉丁字母标志在信息量上,强调简洁明了,用最少的笔墨传达最大的信息量；在造型上,提倡图形的可视性,要求图形清晰耐看；在构思上,主张从内容及其意蕴出发,使标志与产品、组织的性质、特点相适应；在设计技巧上,一般采取字母组合和象形图形相结合等方式.其中字母组合包括字母缩写组合、全称字母组合、单一字母等形式。

（三）数字标志图形：

以数字作为标志造型的基础,至少有三点应引起我们重视：一是独特性,目前使用数字作为标志的情况并不普遍,稀少也是中独特性的体现.二是记忆的深刻性,这是建立在独特性基础之上的,在现代社会里,人们普遍对数字有一种天生的敏感性.三是造型新颖性,与文字等形态相比,数字显得极为简洁,便于识别,便于形态的变化.事实上,一些改造后的数字造型是极具魅力和富有现代感的.因此,这也不失为一条标志设计的创新之路.尤其是汉字的数字造型更被人们所忽视.数字标志设计图形一般可分为阿拉伯数字和汉字数字标志设计图形。

有：康定斯基（W.Kandinsky,1866～1944俄罗斯画家）、蒙德里安（P.Mondrian,1872～1944荷兰画家）、霍夫曼(Hans Hofmann，1880~1966年美国画家)。

胡安·米罗（Joan Miró，1893~1983西班牙画家）、罗伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell，1915～1991美国画家）。

德·库宁（Willem De Kooning，1904～1997年，荷兰籍美国画家）、杰克逊·波洛克 (Jackson Pollock,1912~1956，美国画家)。

赵无极（zhaowuji，1921~2013，中国籍法国画家）、朱德群（zhudequn，1920~2014，中国籍法国画家）、汪京元（wangjingyuan，1959年，中国画家）。

1、瓦西里·康定斯基

瓦西里·康定斯基（Василий Кандинский，格里历1866年12月4日－1944年12月13日），出生于俄罗斯的画家和美术理论家。康定斯基与彼埃·蒙德里安和马列维奇一起，被认为是抽象艺术的先驱，但毫无疑问，康定斯基是最著名的。

他还与其他人共同成立了一个为时不长但很有影响力的艺术团体——“蓝骑士”。康定斯基的绘画售价曾近一千五百万美元。索罗门·古根海姆美术馆是康定斯基作品的最大藏家之一。

瓦西里·康定斯基是现代艺术的伟大人物之一，同时也是现代抽象艺术在理论和实践上的奠基人。

他在1911年所写的《论艺术的精神》、1912年的《关于形式问题》、1923年的《点、线到面》、1938年的《论具体艺术》等论文，都是抽象艺术的经典著作，是现代抽象艺术的启示录。

2、罗伯特·马瑟韦尔

罗伯特·马瑟韦尔（伯恩斯）（Robert Motherwell，1915－1991年），美国画家。他以抽象表现主义绘画以及有关现代艺术的论著而著名。他最著名的作品是一个系列画，称作《西班牙共和国挽歌》，以有机形状和深色为特点。其它作品，如 《开放》系列，充满了大块的暖色调。

马瑟韦尔出生于华盛顿的阿伯丁。1937年从斯坦福大学毕业后，他在哈佛研究哲学。他在洛杉矶和纽约曾短暂的学习过艺术，但很大程度上是自学成才。

罗伯特·马瑟韦尔是美国纽约派抽象表现主义画家。

3、杰克逊·波洛克

杰克逊·波洛克(Jackson Pollock,1912-1956)，美国画家，抽象表现主义绘画大师，也被公认为是美国现代绘画摆脱欧洲标准，在国际艺坛建立领导地位的第一功臣。1929年就学纽约艺术学生联盟，师从本顿。1943年开始转向抽象艺术。

1947年开始使用“滴画法”，把巨大的画布平铺于地面，用钻有小孔的盒、棒或画笔把颜料滴溅在画布上。其创作不作事先规划，作画没有固定位置，喜欢在画布四周随意走动，以反复的无意识的动作画成复杂难辨、线条错乱的网，人称“行动绘画”。

此画法构图设计没有中心，结构无法辨识，具有鲜明的抽象表现主义特征。主要作品有《秋韵：第30号》、《薰衣草之雾：第1号》、《大教堂》、《蓝杆：第11号》等。

4、赵无极

赵无极（1921年2月13日—2013年4月9日） [1]  华裔法国画家。生于中国北京。童年在江苏南通读书，并学习绘画。1935年入杭州艺术专科学校，师从林风眠。

1948年赴法国留学，并定居法国。在绘画创作上，以西方现代绘画的形式和油画的色彩技巧，参与中国传统文化艺术的意蕴，创造了色彩变幻、笔触有力、富有韵律感和光感的新的绘画空间，被称为“西方现代抒情抽象派的代表”。

现为法兰西画廊终身画家、巴黎国立装饰艺术高等学校教授，获法国骑士勋章。曾在世界各地举办160余次个人画展。2013年4月9日，赵无极因病医治无效在瑞士沃州逝世，享年92岁。

2018年9月30日，赵无极平生创作尺幅最大的油画三联作《1985年6月至10月》（长达10米,高达2.8米）在香港苏富比2018年秋拍“现代及当代艺术晚间拍卖” 专场上，以4.5亿港元落槌，计入佣金后，成交价为5.1亿港元。

这刷新了赵无极世界拍卖纪录，也是香港艺术拍卖史上最高成交的画作。

5、汪京元

汪京元独创的三界空间抽象绘画与西方抽象绘画不同的是，他以空间为主题，跳出三界外看三界。这里的三界空间是指物质的宇宙空间和佛陀的精神空间混合概念。

三界空间抽象绘画所表现的欲界是太阳系的生命轨迹；色界是银河系各种行星运行的空间律动；无色界是遥远的外太空博大空间的想象。

然而，三界空间抽象绘画更多的是表现人的一生从物质到精神的变化过程。从满足欲望需要到关注生命意义再到期待灵魂的升华。

参考资料来源：百度百科-汪京元

参考资料来源：百度百科-赵无极

参考资料来源：百度百科-杰克逊·波洛克

参考资料来源：百度百科-罗伯特·马瑟韦尔

参考资料来源：百度百科-瓦西里·康定斯基

说起抽象画我们肯定都会知道毕加索，也许我们并没有好好欣赏过他的画，但这个标签我们还是知道的。抽象艺术是在20世纪兴起于欧美，可能我们大多数人更加接受传统的具象艺术，毕竟画的是什么我们一眼就能看的出，如果不像的话我们就会他的他画的不好。但是抽象艺术一般人是不知道去怎么欣赏的，因为什么东西都不像，而且不知道作者想要表达什么。那抽象艺术到底应该怎么去欣赏呢?下面就给大家讲讲几个小例子。

不知道大家发现没有，我们欣赏油画的时候，会说“哇，这个色彩搭配的好棒”欣赏国画时，会说“这个意境渲染的很到位”可是，当我们遇到抽象画的时候，就只会来一句“看不懂”。

其实，抽象艺术最为致命的还不是看不懂，而是它难以表述。就好比你家墙上的壁纸有很多花纹，看起来很美很协调。可如果有人问你为什么好看?你也很难描述的清楚。我想，抽象艺术便是如此。

和其他作品比起来，欣赏抽象艺术时可依据的东西很少，没有什么规律可言，但这正是它的魅力所在。今天，我们就来聊聊这个我们看不懂的抽象艺术，或许当你今后遇到抽象作品时，可以增加一些谈资。

抽象艺术其实并是一个单独派别的名称，而是包含了很多画派。这些画派大致可以分为两类，一类为冷抽象，也可以称其为几何抽象，以蒙德里安、罗斯科和马列维奇为代表另一类为热抽象，也可以称其为抒情抽象，以康定斯基、波洛克和德库宁为代表。

蒙德里安(1872%20-%201944)

在这些人中间，蒙德里安和康定斯基分别可以算得上是“冷抽象”和“热抽象”的鼻祖。他们都出生在%2019世纪下半叶，年龄相差%206%20岁，又各自在%2040%20岁获得艺术上的天启，而最后同样都于%201944%20年逝世。

然而康定斯基与蒙德里安，一生却鲜有交情。他们一个生于俄罗斯，一个生于荷兰，却被抽象一词紧紧地串联在一起。他们不约而同地，致力于探寻艺术的哲学意义与精神深度。而这两条看似平行的生命线，却在某些时刻交错相会，各自在艺术史上留下了不可磨灭的足迹。

康定斯基(1866 - 1944)

1. 康定斯基

作为热抽象鼻祖的康定斯基，事实上并没有人们想象的那么狂热。不同于人们对于艺术家狂放不羁、凌乱新潮的刻板印象，康定斯基看上去更像是一名教授，或者一名律师。

他架着一副精致的眼镜，一身笔挺的公务着装，上衣的纽扣总是一丝不苟地系扣整齐。是的，康定斯基全然是一位绅士的模样，甚至是一个贵族。

瓦西里·康定斯基(Wassily Kandinsky)1866 年 12 月 4日出生于莫斯科的一个知识分子家庭。中学时代的康定斯基，不但成绩优异，而且是优秀的业余大提琴手和画家。他从小就长期浸润在音乐、诗歌和戏剧中，让他有着极好的修养。

他在莫斯科大学学过法律和经济，不仅取得法学博士学位，甚至还已经获得了一所大学的教授席位。或许在骨子里，康定斯基仍旧是一名学者和知识分子。

只是艺术对他的吸引力太过强大，以至于到了而立之年的康定斯基，竟毅然放弃令人羡慕的教授职位，背井离乡前往慕尼黑一心学画，这也照见了他儒雅外表下深藏的魄力和激情。

康定斯基在慕尼黑快速地成长起来。他一下子就被弥漫在这个城市的新艺术运动的气氛牢牢抓住。他一面如饥似渴地尝试各种艺术风格，另一方面则热衷于各种艺术运动，组建艺术社团。

德国著名的表现主义美术社团“青骑士”，最核心的人物就是康定斯基。事实上，青骑士不是艺术运动，也不是学派，没有明确纲领，只是画家的松散组织。

他们关心的是艺术形式，关心自然现象背后的精神世界。他们主张用绘画表现来巩固人类的精神。而事实证明，青骑士社有关“自然是精神世界根本源泉”的理念，对康定斯基抽象风格的发展，起到了至关重要的影响。

2. 蒙德里安

和康定斯基比起来，蒙德里安似乎早早就立下了自己的艺术之志。彼埃·蒙德里安(Piet Mondrian)1872 年 3 月 7日生于荷兰中部的阿麦斯福特，排行老二。他的父亲是一位清教徒和热衷美术的小学校长，环境条件使蒙德里安从小就能接触美术。

八岁时，蒙德里安就立志要当画家，但是家人认为艺术家是一项不稳定的工作。在与父母多次商量之后，蒙德里安承诺要取得美术教师资格，来养家糊口，这才让父母答应让他学画。

从成长的环境来看，蒙德里安一家都是虔诚的加尔文教派信徒。父母对蒙德里安的管教较为严厉，使得他在成长中渐渐学会那些自我约束、诚实朴素的清教徒式的生活作风。

在有些人看来，蒙德里安这种传统性格，与他未来的职业有些格格不入，但又或许正是这样的性格，帮助他创造了之后以“理性”和“极简”闻名世界的“新造型主义”画风。

39岁那年，蒙德里安丢下他的未婚妻，以及业已成熟的事业，离开荷兰前往巴黎当艺术家。为了表达自己的决心，他硬生生从自己的名字“Mondriaan”中减去一个“a”以誓转型。

尽管有艺术批评家，把蒙德里安形容成一个略带怪癖的独身主义者，但在巴黎的时间，确实让他的成就感与日俱增，因为蒙德里安的艺术进入了一个让人兴奋的高产期，而这是也他梦寐以求的。

事实上，蒙德里安对当代抽象艺术和建筑设计的影响，远远大于他同时期的很多艺术家。他打破了我们认为理所应当的现象：绘画总在平面上进行。每一条倾斜的线对他来说，都涉及了透视原理。在蒙德里安那里，空间在平面中是自我独立的。

鲜有人知道，得名于“冷抽象”的蒙德里安，其实还是一个热情的舞蹈迷。他甚至瞧不上多愁善感的探戈，而钟情于爵士，特别崇尚奔放火热的查尔斯登舞。而画笔、颜料、留声机、唱片，以及跳跃的舞步，共同组成了1920 年代中期的蒙德里安的生活。

3. 他们的 40 岁

1906 年和 1912 年对于康定斯基和蒙德里安来说，有着各自不同寻常的意义。相同的是，他们分别在那两个年份，步入了各自的不惑之年。

1906年对于法国文艺界而言，本来就不平常。那一年，著名的法国后期印象派大师塞尚去世。同样在那一年，康定斯基在巴黎及其附近度过了一段极其关键的岁月。在那里，他不断感受到来自野兽派画风的强烈震撼。

西方有观点认为，正是康定斯基那一年的法国之旅，促使他脱离了他的早期作品风格——新分离派，从而昂首成为一名真正独立的艺术家。

在随后的几年里，康定斯基先后完成了他的第一部关于抽象艺术的重要理论著作《论艺术的精神》，他的第一幅抽象作品《即兴》(又名，《第一幅抽象水彩》)，组建了“青骑士”社团，并出版了《青骑士年鉴》。

《即兴31号》

《即兴》的伟大之处在于它的无结构性，这一点和以往的画面处理完全不同。因为马蒂斯和毕加索是通过将人物、风景和静物进行变形，使它们产生一种陌生感和新鲜感。而这幅作品看上去根本就没有造型，好像还没有完成，因为它是彻底的抽象。

康定斯基之后创作的《构图》系列成为了他的代表作，其正是采用了《即兴》的绘画语言，并最终将它拓展成为一首史诗。

《构图》

1912年也是西方艺术史上的一个重要年份。那一年，尽管传统的准则既没有被刻意地边缘化，也没有遭到最终的摒弃，但抽象之风已悄然刮起。那一年也是蒙德里安只身来到巴黎的第二年。

此前一年，蒙德里安见识了毕加索和布拉克等立体派的作品，极为震撼。立体派讲究的立体事实和明确客观，也都是蒙德里安追求的目标。但他也明白，立体主义只是他艺术旅途中的一个港湾，而不是终点。此后的抽象作品很快走向成熟。

蒙德里安《灰色的树》

1911 年，蒙德里安画了习作《灰色的树》，画中的树带有一些椭圆形构图，这是模仿了毕加索与布拉克的立体派风格，带有不少具象的元素。

而他在 1912年创作的相似尺寸的树系列习作《花丛中的苹果树》中，虽然大致构图和《灰色的树》很相像，但已经明显更加抽象，更具形式感，画面被一个个小的块面鱼鳞般拼接起来。

蒙德里安《花丛中的苹果树》

4. 他们是思想家

如果说布拉克、毕加索、莱热、德劳奈和马蒂斯首要的身份是画家，那康定斯基和蒙德里安便是画家和思想家。

对这两位艺术家来说，他们考虑的不仅是给绘画注入新意，更是整个人类的生存状态，他们认为人必须改观自身，而整个人类也正朝着物质与精神的更高阶段迈进。

在他们眼中，艺术家就是那个积极筹备黄金时代，进而宣布其到来的最佳人选。这也是为什么创作出来的作品，和创作作品的人必须保持一致。毕竟，如果没有一个一同进步的内心世界，艺术的演进将无从谈起。

对于内心世界的修炼，康定斯基在其著名的《论艺术的精神》一书中犀利地指出：精神如同肉体，能够通过经常锻炼而得到加强。艺术家天生的情感才华，不能将其埋入尘俗之中，而是要懂得如何陶冶精神。

事实上，他们的艺术观念或许也和当时的时代背景有关。19世纪中下叶，迅速发展的工业化进程给社会带来了巨大的变化，科技的进步、社会的变革、贫富的悬殊，各种政治问题、宗教问题、环境问题激荡着敏感的文学家和艺术家们。

在艺术之都巴黎，一时间聚集了大批现代艺术先驱，掀起了一场以巴黎为中心的轰轰烈烈的现代艺术运动。他们要为绘画寻找一条新的出路，以反映、适应或逃避动荡的社会现实。

蒙德里安也是其中的一份子。在他看来，生活本质上是简单的，而简单才是人类的完美境界。他认为，艺术应根本脱离自然的外在形式，以表现抽象精神为目的，追求人与神统一的绝对境界。

是的，作为冷抽象的缔造者，作为第一个将绘画提炼成几条线、几块三原色的开山者，蒙德里安看似简单的画面，实则是经过深思熟虑的，这点从他的画面制作中就能看出。

他那看上去单一的色彩，从来不是现成颜料直接挤出来了事，而是各种颜料混合后细腻层叠出来的效果那些貌似重复的直线和几何图案，也是他手工精心绘制的。他并没有用尺，也没有套用任何格式去进行批量化生产。

他可以在经纪人来买画的时候，气定神闲地让他再等等。因为这幅画还没有完成，不够完美，一小块蓝色还要再上一遍色，而这一磨就是一年。这种淡定的背后是一种艺术追求，追求的或许正是某种深层的内在精神表达。

康定斯基与蒙德里安一个”热“，一个“冷”一个绝对自由，一个绝对理性一个代表了强烈的躁动，一个又充满了极度的耐心。如果说康定斯基是用音乐，打通了建筑和绘画的隔阂，那么蒙德里安则是用理性的艺术和思维，建构了传统与现代、艺术与设计和建筑之间沟通的桥梁。

而他们看似代表了两种截然不同的态度，却又在不经意间产生了那么多遥远的交会。他们在探寻艺术的哲学意义与精神深度方面不谋而合，共同构成了平行而交错的抽象双星。

平面构成是视觉元素在二次元的平面上，按照美的视觉效果，力学的原理，进行编排和组合，它是以理性和逻辑推理来创造形象、研究形象与形象之间的排列的方法。是理性与感性相结合的产物。简介平面构成一词的出现及作为艺术设计基础课程的引进，的确是中国高等艺术院校艺术设计专业的一个里程碑。平面构成是具有共性的设计语言，已为当今社会各个艺术、设计门类所应用，平面构平面构成作品(1)成与其他应用设计的学科一样，都是为了完善与创造更赋予现代感的设计理论和表现形式。平面构成以一个全新的造型观念，给艺术设计课堂注入了新鲜的血液。高科技的融入，大大的拓展了设计艺术的视觉审美领域，丰富了设计的思维及表现手段。相对于传统的基础图案不光是一个巨大的冲击，曾有一时，大有取代传统基础图案之势，传统基础图案岌岌可危，的确，平面构成的出现也不得不让人对固守已久的传统进行反思。平面构成构筑于现代科技美学基础之上，它综合了现代物理学、光学、数学、心理学、美学等诸多领域的成就，带来新鲜的观念要素，并且它已成功应用于艺术设计诸多领域，不能不成为现代艺术设计基础的必经的途径。编辑本段认识新生事物总是蕴藏强大的生命力的，但传统的东西也有它存在的价值。人们的认识和观念也经历几波几折，从基础图案课程在课题上悄然隐退，到重新回到课堂，又经历不断改革调整，逐渐打破设计基础课程的传统的模式，一改以往较单一封闭为现在多元而开放的局面。在基础图案课程与平面构成并存的基础上，结合各方面实际，许多院校都开设了由图案课程延伸开来的如：黑白图案、装饰图案、装饰画、图形创意等等系列课程。实践结果证明，平面构成和图案（这里的图案涵盖了上面所述的非平面构成的系列课程）各具优势，它们具共性之处又相互区别。因各自优势的特点而不能相互取代，因而也就有了共存的基础。从教学结果的终端，受教育者————学生来看，经历构成和图案等系列课程的学习也是非常有必要的。通过学习，可获得不同的审美体验和情感体验，训练多种思维方法，拓展创作视野和创作手法，更好的服务社会。编辑本段含义构成是一个近代造型概念，其含义是指将不同或相同形态的几个以上的单元重新组合成为一个新的单元，构成对象的主要形态，包括自然形态、几何形态和抽象形态。并赋予其视觉化的、力学化的观念。平面构成探讨的是二度空间的视觉文法。其构成形式主要有重复、近似、渐变、变异、对比、集结、发射、特异、空间与矛盾空间、分割、肌理及错视等等。平面构成的认识源于自然科学和哲学认识论的发展，二十世纪建立在最新发展的量子力学基础之上的微观认识论，人们更为关注事物内部的结构，这种由宏观认识到微观认识的深化，也影响了造型艺术规律的发展。构成观念可以说早在西方绘画中可见到其影子。如立体主义绘画、俄国的构成主义、荷兰的新造型主义，他们都主张放弃传统的写实，以抽象的形式表现，到后来的德国包毫斯设计学院的不断完善发展，形成一个完整的现代设计基础训练的教学体系，奠定了构成设计观念在现代设计训练及应平面构成作品(2)用中的地位和作用。二十世纪七十年代以来，平面构成作为设计基础，已广泛应用于工业设计、建筑设计、平面设计、时装设计、舞台美术、视觉传递等等领域。传统的图案造型艺术，从其含义及其特征看，引用中国工艺美术家雷圭元的解释“图案是实用美术、装饰美术、建筑美术、工业美术方面关于形式、色彩、结构的预先设计，是在工艺、材料、用途、经济、美观、牢固等条件制约下制成图样、模型、装饰纹样等方案的统称”。狭义的讲，图案也可称为装饰纹样。可见图案与平面构成的最大的不同在于平面构成完全摒弃实用性目的，如功能、材料、工艺等等因素，形态相对也就离具象较远，而塑造纯粹形式感的视觉画面。而图案则一开始既与实用功能挂钩。在艺术表现上相对有一定的制约性。平面构成是高科技的产物，其涉及的知识结构方面，内容和形式都相对开放而多元，尤其在素材方面，涉及广阔的宏观世界和微观世界。传统图案相对封闭，内容到形式均有一定制约性。虽然也讲究形式感，具有一定的抽象因素，但却是建立在具象基础之上的。其具体、生动、感人的特征使之独具魅力。编辑本段审美基于以上认识，从视觉心理上看，平面构成与图案也就形成了在对艺术形式的审美感知及情感体验上之不同。心理学家认为，艺术家在创作的思维过程中，始终体验着一种特殊的情感————美感。平面构成以其特有的视觉形态和构成方式带给人们一种特殊的视觉美感。其形态的抽象性特征和产生不同视觉引导作用的构成形式，组成严谨而赋有节奏律动之感的画面，营造一种秩序之美，理性之美，抽象之美。如平面构成中的重复、近似构成形式表现了一种整齐、秩序，而渐变、发射、对比、空间等构成形式则常表现出一种炫目的视幻美感。平面构成的创作过程，自始至终伴随的是一种理性的情感体验。图案的相平面构成作品(3)对制约性，使其题材相对具象，形式规范，但这种源于生活，源于自然的抽象，展现的却是一种生动的感性之美。不言而喻，图案的创作过程中的情感体验是带有明显的感性特征的。编辑本段基础平面构成主要是运用点、线、面和律动组成结构严谨，富有极强的抽象性和形式感。又具有多方面的实用特点和创造力的设计作品，与具象表现形式相比较，它更具有广泛性。是在实际设计运用之前必须要学会运用的视觉的艺术语言，进行视觉方面的创造，了解造型观念，训练培养各种熟练的构成技巧和表现方法，培养审美观及美的修养和感觉，提高创作活动和造型能力，活跃构思。平面构成的骨架：规律性，半规律性，无规律性，单一骨架，复合骨架，无作用骨架，有作用骨架种类：重复构成，变异，渐变，发射，肌理，近似构成，密集构成，分割构成，特异构成，空间构成，矛盾空间，对比构成，平衡构成。形象形象在构成设计中是表达一定含义的形态构成的视觉元素。形象是有面积、形状、色彩、大小和肌理的视觉可见物。在构成中点、线、面是造型元素中最基本的形象。由于点、线、面的多种不同的形态结合和作用，就产生了多种不同的表现手法和形象。平面构成的要素：点的构成形式、线的构成形式、面的构成形式点的构成形式(1)不同大小、疏密的混合排列，使之成为一种散点式的构成形式。2)将大小一致的点按一定的方向进行有规律的排列，给人的视觉留下一种由点的移动而产生线化的感觉。(3)以由大到小的点按一定的轨迹、方向进行变化，使之产生一种优美的韵律感。(4)把点以大小不同的形式，既密集、又分散的进行有目的的排列，产生点的面化感觉。(5)将大小一致的点以相对的方向，逐渐重合，产生微妙的动态视觉。(6)不规则点的视觉效果。线的构成形式(1)面化的线（等距的密集排列）(2)疏密变化的线（按不同距离排列）透视空间的视觉效果(3)粗细变化空间,虚实空间的视觉效果(4)错觉化的线（将原来较为规范的线条排列作一些切换变化）(5)立体化的线(6)不规则的线面的构成形式(1)几何形的面，表现规则、平稳、较为理性的视觉效果(2)自然形的面，不同外形的物体以面的形式出现后，给人以更为生动、厚实的视觉效果(3)徒手的面(4)有机形的面，得出柔和、自然、抽象的面的形态(5)偶然形的面，自由、活泼而富有哲理性(6)人造形的面，较为理性的人文特点编辑本段形式基本格式平面构成的基本格式（基本格式大体分为：90度排列格式、45度排列格式、弧线排列格式、折线排列格式）重复形式重复构成形式（以一个基本单形为主体在基本格式内重复排列，排列时可作方向、位置平面构成作品(4)变化，具有很强的形式美感）骨格与基本形具有重复性质的构成形式，称为重复构成。在这种构成中，组成骨格的水平线和垂直线都必须是相等比例的重复组成，骨格线可以有方向和阔窄等变动，但亦必须是等比例的重复。对基本形的要求，可以在骨格内重复排列，也可有方向、位置的变动，填色时还可以“正”、“负”互换，但基本形超出骨格的部分必须切除。近似形式近似构成形式（有相似之处形体之间的构成，寓“变化”于“统一”之中是近似构成的特征，在设计中，一般采用基本形体之间的相加或相减来求得近似的基本形）。骨格与基本形变化不大的构成形式，称为近似构成。近似构成的骨格可以是重复或是分条错开，但近似主要是以基本形的近似变化来体现的。基本形的近似变化，可以用填格式，也可用两个基本形的相加或相减而取得。渐变形式渐变构成形式（把基本形体按大小、方向、虚实、色彩等关系进行渐次变化排列的构成形式），骨格与基本形具有渐次变化性质的构成形式，称为渐变构成。渐变构成有两种形式：一是通过变动骨格的水平线、垂直线的疏密比例取得渐变效果；一是通过基本形的有秩序、有规律、循序的无限变动(如迁移、方向、大小、位置等变动)而取得渐变效果。此外，渐变基本形还可以不受自然规律限制从甲渐变成乙，从乙再变为丙，例如将河里的游鱼渐变成空中的飞鸟，将三角渐变成圆等。渐变形状的渐变疏密的渐变虚实的渐变色彩的渐变发射形式发射构成形式（以一点或多点为中心，呈响周围发射、扩散等视觉效果，具有较强的动感及节奏感）。格线和基本形呈发射状的构成形式，称为发射构成。此种类的构成，是骨格线和基本形用离心式、向心式、同心式以及几种发射形式相叠而组成的。其中，发射状骨格可以不纳入基本形而单独组成发射构成；发射状基本形也可以不纳人发射骨格而自行组成较大单元的发射构成；此外，还可以在发射骨格中依一定规律相间填色而组成发射构成。点式发射构成形态多点式发射构成形态旋转式发射格空间形式空间构成形式（利用透视学中的视点、灭点、视平线等原理所求得的平面上的空间形态）－点的疏密形成的立体空间－线的变化形成的立体空间－重叠而形成的空间－透视法则形成的空间（以透视法中近大远小、近实远虚等关系来进行表现的）－矛盾空间的构成（错觉空间构成）：以变动立体空间形的视点、灭点而构成的不合理空间，“反转空间”是矛盾空间的重要表现形式之一。特异构成形式特异构成形式（在一种较为有规律的形态中进行小部分的变异，以突破某种较为规范的单调的构成形式，特异构成的因素有形状、大小、位置、方向及色彩等，局部变化的比例不能变化过大，否则会影响整体与局部变化的对比效果）密集构成密集构成是指比较自由性的构成形式，包括预置形密集与无定形密集两种。预置形密集是依靠在画面上预先安置的骨格线或中心点组织基本形的密集与扩散，即以数量相当多的基本形在某些地方密集起来，而从密集又逐渐散开来。无定形的密集，不预置点与线，而是靠画面的均衡，即通过密集基本形与空间、虚实等产生的轻度对比来进行构成。基本形的密集，须有一定的数量、方向的移动变化，常带有从集中到消失的渐移现象。此外，为了加强密集构成的视觉效果，也可以使基本形之间产生复叠、重叠和透叠等变化，以加强构成中基本形的空间感。对比构成较之密集构成更为自由性的构成，称为对比构成。此种构成不以骨格线而仅依靠基本形的形状、大小、方向、位置、色彩、肌理等的对比，以及重心、空间、有与无、虚与实的关系元素的对比，给人以强烈、鲜明的感觉。肌理构成凡凭视觉即可分辨的物体表面之纹理，称为肌理，以肌理为构成的设计，就是肌理构成。此种构成多利用照相制版技术，也可用描绘、喷洒、熏炙、擦刮、拼贴、渍染、印拓等等多种手段求得。肌理构成编辑本段肌理视觉特征肌理在平面的视觉形式上体现为“面”形态的一种平滑感与粗糙感。在自然界里，肌理指的是物体表面的质感和纹理感。人、动物、植物和各种各样的物体都有不同形式的肌理，肌理的自然形式反映了世间万物在自然中的存在方式。松树的粗糙的树皮、人类的肌肤与巨大海洋动物蓝鲸光滑的皮肤显示了不同肌理与生命的存在方式及其生存的环境。人造物的表面处理除了视觉上的美感外，还有重要的一面就是肌理具有超出审美的使用功能。干旱的大地表面上，开裂的泥土所形成的肌理反映了严重缺水的自然现象；流线型的造型及其光滑的表面是为提高速度而设计的；二飞机表面铆钉所形成的肌理，汽车轮胎表面的肌理，大地表皮植被所形成的肌理，虽然各有视觉审美的属性，有的也经过人为的设计和处理，但丝毫也不能掩盖肌理的使用功能。与实际的物体的肌理不同，在平面构成中，对肌理的研究侧重于肌理形式本身的研究，侧重于视觉上的感受，侧重于视觉肌理的形成及构成方式。对肌理的研究有助于视觉效果的表现和设计意图的表达。肌理是一种特殊形式的美，它让我们仅仅从“一看”就能感受到面的质感和纹理感。从审美的角度去研究和应用肌理的特征和属性，就使平面构成有了的视觉语言和表达手段。在实际应用中，表面的处理除了明暗关系、色彩关系外，如果再加上肌理关系的处理就从手法和视觉上丰富了平面设计。肌理特殊的视觉感受也是其它视觉形式所不能替代的。构成形式视觉肌理：视觉肌理是肌理在视觉上造成的一种视觉感受。在平面构成中，视觉肌理指的是规则或不规则形态以较小的尺度经过群化或密集化处理成面的形态后所体现的视觉形式。视觉肌理表现为视觉上的质感，它不具备触觉上的质地感。对视觉肌理而言，视觉上的粗糙感并不意味着触摸时也具有粗糙感。这就是视觉肌理与触觉肌理的区别。视觉上的细腻感、粗糙感、质地感、纹理感等都是视觉肌理的具体表现。视觉肌理的表现手法主要有以下几种：1、把物体表面的真实可触摸的立体化的肌理表现为平面上可视的形态，就构成视觉肌理；2、把较小的尺度单位形态进行群化处理或密集化处理就可构成平面的视觉肌理。触觉肌理：触觉肌理是相对视觉肌理而言的，触觉肌理指的是触摸时所感受的细腻感、粗糙感、质地感、或纹理感。触觉肌理也许是可见的，也许是不可见的。在平面构成中，触摸肌理的制作必须对设计的平面进行超出或低于设计平面的纹理上的处理，如印刷时对印刷平面的压印处理在手感上就可造成肌理感。纸张表面的质地也表现为平面触觉肌理。为了保持平面性，触觉肌理的厚度不能太大。太大则具有较强的体感而失去平面的性质和特征。制作方法和技法（1）凹凸法在纸的表面以一定的力度进行刮、刻、压、印等不同的处理，在平整的表面做成轻微的凹凸起伏，就可形成触觉肌理，如果在触觉肌理上施再以不同的色彩就形成有触觉的视觉肌理。（2）漂浮法用吸水性较好的纸吸附漂浮在水面的色彩、油迹、墨汁等能够浮于水面的物质，形成一种具有流动感、偶然性很强的视觉肌理。（3）撕贴法利用不同纸的质感和柔韧度，将纸按照一定的想象撕成某种形态，在拼贴到平面上形成具有视觉感和触摸感的肌理。（4）堆描法利用色彩原料自身的厚度，将设计好的色彩依据单位形群化得原理堆积成某种肌理，形成堆积描画的视觉和触觉肌理。

“抽象就是胡乱涂鸦，乱搞一通，误人子弟，虚张声势！”这是人们对抽象画常见的认识。

但如果你涉及到绘画专业上：如图案设计，平面构成，视觉设计，色彩设计，字体设计等，你就会明白一个很重要的词：归纳（概括）

抽象绘画的灵魂就是归纳，概括，用看似最简单的方式来表达作者心中斟酌已久的想法。

如果你了解毕加索，了解绘画，那你一定不会再说出这么愚昧无知的话，我这里拿他的作品《亚威农少女》举例，这张看似简单的抽象有14张草稿图，可见这张作品的创作绝不是靠胡乱涂鸦来完成的，它的每一个色块，每一根线条都是经过毕加索的反复斟酌而确定的，毕加索的概括能力是极强的，这种能力是必须经过大量练习才能锻炼出来的，你可以搜集查看毕加索青年时期的写实绘画作品，其写实能力不差于早期学院派的拉斐尔。

最后总结，归纳概括是一项非常重要的绘画本领，这也是任何形式绘画中的必修课。

在对抽象美术作品进行艺术欣赏时，第一要明确作品概念，区分作品分类。抽象美术作品有很多的艺术流派，每个艺术流派特点不同、风格不一，因此在对抽象美术作品进行欣赏时，首先就是要分清各大派别，分清各类派别的风格和特点，对抽象美术作品进行分类。再者说，我们要对抽象美术作品宽容对待，抽象美术作品因为其自身的特点，也许并不被全部人所能接受，艺术作为主观性的创作产物，自身就带有创作者浓浓的个人情感所在，因为艺术具有宽容性，因此无论任何类型的抽象美术作品，我们应该带着宽容的心去欣赏；第三，在进行艺术欣赏时必须突破传统的欣赏观念，创新欣赏方法。第四点，在对抽象艺术作品进行欣赏时，不能以平常眼光来看待，而是以适当的“视觉”角度来挖掘抽象艺术家的内心情感世界。最后，让抽象美术作品进入我们日常的生活，随着时代和社会的进步，艺术作品早已不再“高高在上”，而是落入千家万户，成为人们日常生活的一部分，抽象美术作品也不例外，尽管在大众审美眼光上存在差异，但是巧妙的通过生活中的小细节将抽象艺术作品展现出来，将其融入人们的日常生活，才更有利于人们了解抽象美术作品、欣赏抽象美术作品，进而接受抽象美术作品。