简述西方建筑史上工艺美术运动“新艺术运动“现代主义运动”的发展脉络，并阐述他们对后现代建筑设计的影

高迪：建筑奇才

文章来源： 文章作者：刘放 点击：1554 发布时间：2007-09-09

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高迪作品 巴略特公寓 photo/mary

他是达利、毕加索、米罗最为推崇的前辈

他的17项作品成为西班牙国宝，8项成为“世遗”

他终身未娶，形同乞丐被撞，在穷人医院不治而亡

他是安东尼奥·高迪——

高迪小传

高迪作品 巴略特公寓photo/mary

安东尼奥·高迪（1852-1926），西班牙建筑师，塑性建筑流派代表人物。曾就学于巴塞罗那省立建筑学校，毕业后初期作品近似华丽的维多利亚式，后采用历史风格，属哥特复兴的主流。他的主要建筑作品包括圣家族大教堂（目前仍在建设中）、米拉之家、巴特略公寓、古埃尔公园等。他的建筑作品有17项被西班牙列为国家级文物，8项被联合国教科文组织列为世界文化遗产。

高迪作品 巴略特公寓 photo/mary

“高迪的世界——建筑、几何和设计”展览正在上海当代艺术馆举行。这次展览是中国西班牙年系列文化活动之一，它全面展示了西班牙建筑大师高迪的艺术精髓，展览将延续到9月23日。

此次展览共展出16件高迪的设计作品原件、17件复制品、21件小型建筑设计模型及5件大模型。展览通过影像、模型和实物三个渠道展示了高迪作品的全貌。

为此本报记者专访了高迪专家、“高迪的世界”策展人丹尼尔·希拉尔特·米拉格，畅谈高迪的艺术。

高迪（资料图片）

高迪：

“疯子才去描绘

世上不存在的东西”

1926年，巴塞罗那。

一位留着大胡子、表情阴郁的老人，在街头被有轨电车迎面撞倒。由于衣衫褴褛、形同乞丐，老人被送进了穷人医院，并在那里不治而亡。两天之后，一位老太太无意间认出，这个被当成了某个穷困潦倒的流浪汉的老人，竟然是西班牙著名的建筑设计师高迪，这才使得高迪免遭被遗弃到公共坟场草草埋葬的命运。

事实上，连高迪本人都没有想到，他的建筑会在他身后被超现实主义拥趸们奉为经典，而他自己也成了达利、毕加索、米罗等艺术大师们最为推崇的前辈。

高迪作品 高迪奎尔公园 photo/mary

2007年8月19日至9月23日，“高迪的世界——建筑、几何、设计”在上海当代艺术馆展出，完整再现了这位超现实主义先驱最著名作品的细节。一扇通往高迪神秘世界的大门，由此向国人轻轻地打开了。

1852年，高迪出生于离巴塞罗那不到100公里的加泰罗尼亚小城雷乌斯。他出生的那个年代，正是巴塞罗那城市大改造之时，建筑师是一项热门职业，人们趋之若鹜，正如多年之后很多男孩子都渴望成为宇航员一样，那时的男孩都想快些长大，造出奇妙的建筑以便扬名天下。正是在这样的背景下，青少年时代的高迪做过锻工，学过木工、铸铁和塑膜，后来又在巴塞罗那省立建筑学校学习，一步步走上了建筑之路。

高迪作品 高迪奎尔公园 photo/mary

但是，年轻时候的高迪，接受的是正统教育，没什么特别的嗜好，长年郁郁寡欢，设计的第一件作品是一座黑色的灯柱，中规中矩，谁都没有想到，他后来会在建筑设计上表现出那么多浪漫而伟大的想法。

1877年，高迪为一所大学设计礼堂，这也是他的毕业设计。这一方案出来后，引起了极大的争议，以至于建筑学校的校长感叹说，“真不知道我把毕业证书发给了一位天才还是一个疯子！”而年轻的高迪，则在日记本中近乎诙谐地回应说，“只有疯子才会试图去描绘世界上不存在的东西。”

、

高迪作品 高迪奎尔公园 photo/mary

它们，

是“疯子”的杰作——

“高迪的世界”策展人丹尼尔·希拉尔特·米拉格：

“他设计建筑从来不会计算每平方米卖多少钱”

尽管达利、毕加索、米罗等众多艺术大师们把高迪视为“前辈”，尽管作为一个建筑师，高迪生前饱受争议和质疑，但高迪专家、“高迪的世界”策展人丹尼尔·希拉尔特·米拉格坚持认为，不能把高迪简单地理解为一个艺术家，高迪首先还是一个优秀的建筑师，只不过他是一个不折不扣的理想主义者而已。

高迪作品 米拉之家 photo/mary

丹尼尔说，仔细看“高迪的世界——建筑、几何、设计”展览就会知道，高迪是怎么把建筑、设计和几何结合在一起的，就会知道他的功底有多么深，正是因为他有如此良好的功底，他才能在建筑外形上有创新。对于高迪的建筑花了太多钱和时间的质疑，丹尼尔表示说，事实上，除了圣家族大教堂，高迪所有的设计都竣工了，而且高迪的这些建筑还一直都被当作民房和写字楼在使用。高迪设计的建筑从来不会计算每平方米卖多少钱，他考虑的是人们在其中的生活是否开心，住得是否舒适。他说他在“米拉之家”工作了10年，在“米拉之家”中办公的感觉跟在其他办公室办公的感觉就是不一样，空间明朗快乐，在里面每天都像做梦一样。

丹尼尔说，尽管高迪在身后赢得了巨大的声名， 他的建筑是第一次以不到百年的历史成为世界文化遗产的，其中，1958 年第一次申报成功，2002 年又有5 件高迪作品申报成功，目前，高迪的建筑作品已共有8 件成为世界文化遗产，但是，高迪生前其实是很寂寞的。“他的朋友很少，终身未娶，没有后代。他的作品也是在其去世后先被美国、荷兰的建筑师发现、认可，才被巴塞罗那人认可的。”

圣家族大教堂 photo/mary

尽管高迪的建筑在其生前备受争议，但他一直都坚信，在黑暗中行走是暂时的，前方某处一定有光明。“他是一个不折不扣的理想主义者。海浪的弧度、海螺的纹路、蜂巢的格致，都是高迪建筑设计的灵感源泉。”丹尼尔介绍说，高迪痛恨硬邦邦的直线，更乐于用柔和的曲线和五彩的颜色表达一切。此次展出的建筑模型中，有一个叫做“Vicen之家”，它的壁砖上全部都是一朵朵野菊花。丹尼尔说，“高迪为何会想到用野菊花来点缀壁砖呢？原来，当时他在建造这栋建筑之前，不得已清除了场地上所有的野菊花。高迪对于那些漂亮的野菊花连根拔起，于心不忍，于是就索性在家里填满了野菊花。”

而对于至今没有建造完毕的圣家族大教堂，丹尼尔则说，教堂没有建造完毕的主要原因就是财力不够。“目前，教堂依靠门票的收入每年建造一部分。按这样的情形估计，大概还需要再过 20 年。”不过，也有人预测说，即使圣家族大教堂如果投资稳定（每年需耗资300 万美元）的话，至少也得再建65 年方可竣工，不排除其永远也建不完的可能性。对此，丹尼尔表示说，“其实，建不完也未必是坏事。如果真的将它造完，也就不会像现在这样吸引大量旅游者前往了。正因为教堂还在不断建设中，周围还有大吊车，所以大家都如同在看一场表演，而圣家族大教堂就是那个舞台。”

成为世界遗产的

高迪8大作品

格尔之家

米拉之家

圣家族大教堂（在建）

巴特罗之家

文生之家

古埃尔公园

圣家族墓园

克罗尼亚古埃尔墓园

“梦幻式建筑”

古埃尔公园

1878年是高迪职业生涯中最为关键的一年。这年，他获得了建筑师的称号，更重要的是结识了后来成为他的保护人和同盟者的朋友欧塞维奥·古埃尔。

古埃尔既不介意高迪那落落寡合的性格，也不在意他那乖张古怪的脾气。高迪的每一个新奇构思，在旁人看来都可能是绝对疯狂的想法，但在古埃尔那里总能引起欣喜若狂的反应。1900年，古埃尔突发奇想，决定建造一座花园式城市，这就是后来被称为“梦幻式建筑”的“古埃尔公园”。古埃尔的本意是想建设一个巴塞罗那上流社会的富人居住区，但他的选址距离城区太远、地势也过于峻拔，即使是今天，人们除了使用两部大型升降梯代步外，还得走很长一段陡峭的山路才能到达那里，所以当时就有不少人认为，选择这样的地方建住宅区简直是发疯。

但高迪满腔热情地支持这一计划。他把古埃尔选中的一大片山地划分成十几块单独的地块并用大圆石作了标记，接着就开始了浩大的建筑工程。这座“古埃尔公园”，后来被认为“成功地将大自然与建筑有机地结合成一个完美的整体”——小桥、道路和镶嵌着彩色瓷片的长椅，都蜿蜒曲折，好像漂荡流动着似的，构成诗一般的意境，整座公园像一个童话世界，又像一件悬挂在空中的巨型艺术作品。但是在当时，从经济上说，“古埃尔公园”绝对是一大失败，园内规划为私人住宅建筑用地的 16块土地，仅售出了一块，因为“巴塞罗那人不想天天翻山越岭，他们不是山羊”。也正因为如此，当时有一种批评认为，高迪充其量只是位雕塑家，谈不上建筑师，坊间甚至开始流传“高迪一半是疯子，一半是天才”的说法。

圣家族大教堂 photo/mary

荒诞不经的

“米拉之家”

1906年，一个名叫佩雷·米拉的富翁，在参观了巴特略公寓后羡慕不已，决定造一座更加令人叹为观止的建筑。所以，他找来了高迪，并允诺给他充分的创作和行动自由。这就是后来成为高迪最负盛名的公寓设计作品——“米拉之家”的由来。

“米拉之家”建成后，很多巴塞罗那市民都看不惯：屋顶高低错落，墙面凹凸不平，到处可见蜿蜒起伏的曲线，整座大楼宛如波涛汹涌的海面；高迪还在公寓房顶上造了一些奇形怪状的突出物，有的像披上全副盔甲的军士，有的像神话中的怪兽，有的像教堂的大钟。总之，“米拉之家”里里外外都显得非常怪异，甚至有些荒诞不经。

不过，高迪坚持认为，这是他建造得最好的房子，因为他认为，那是“用自然主义手法在建筑上体现浪漫主义和反传统精神最有说服力的作品”。而这座建筑由于各个方向呈现的不同效果以及特殊的结构对光线的奇妙反射，后来也成了众多摄影师们的心头至爱。拉斐尔·贝尔卡斯、克洛维·普雷沃等著名摄影师为“米拉之家”留下了众多经典影像，“米拉之家”也因此在后来的照片中被发现，渐渐成了巴塞罗那的代表建筑之一。

“永远”建不完的

圣家族大教堂

在高迪的所有建筑作品中，最独一无二的无疑当数“圣家族大教堂”。这座教堂最初是由建筑师弗朗西斯科·德比里亚设计并主持建造的，但开工不久建筑师就撂了挑子，这才由高迪接手主持其事。但是，从高迪1883年主持该工程开始，迄今已建造了124年，仍然没有完工。

如今，高迪被安葬在圣家族大教堂的地下墓室，有一种说法戏称，高迪早就知道，这项工程开工时没有他，完工时（如果能完工的话）也不会有他，也许，使这座教堂成为一个永恒的建筑工程，成为像大自然一样永恒的过程，正是高迪留给世人的礼物、正是高迪的初衷。

这当然只是一个玩笑。事实上，从1883年到1926年高迪去世，他对大教堂的建造从未中断，对大教堂设计稿的修改也从来停止。在生前的最后12年，他甚至完全谢绝了其他工程，专心致志于这一教堂的建筑，在陷入资金匮乏之时，高迪甚至像乞丐一样，挨家挨户去募捐。圣家族大教堂对高迪来说不仅仅是一件建筑作品，更是一种精神的寄托。后期他居住在教堂里，每天夜以继日地工作，甚至还经常亲自施工。在设计教堂内部装饰时，他想方设法把《圣经》故事人物描绘得真实可信。为此，他煞费苦心地去寻找合适的真人做模特。为了在一座门的正面表现被残暴无道的犹太国王希律下令屠杀的数以百计婴儿的形象，他还特地去找死婴，制成石膏模型，挂在工作间的天花板下面，工人见了都毛骨悚然。

当时，甚至有民众把圣家族大教堂称为“石头构筑的梦魇”，因为它的确有一种让人难以言说的魔力，威严神圣，又充满深邃的神秘。不过，在抽象、奇诡的主体之中，高迪仍然点缀了孩子般的童话色彩，他用五彩缤纷的颜色和丰富的形状来装饰塔尖，装饰教堂的窗户。因此，圣家族教堂在深邃神秘抽象之中又充满了阳光和希望。

玻璃的起源：腓尼基人在海岸上堆积石英砂。“当代玻璃艺术家作品”在市玻璃博物馆临时展厅展出。此次展览汇集了20位最具代表性和影响力的中国学术玻璃艺术家的23件作品。

他们是世界玻璃艺术的重要组成部分。在古埃及玻璃中，有许多与现代技术相似的装饰元素，如几何模型和几何模型的应用。这种古老与现代审美趣味的结合意味着教堂的玻璃窗也让人联想到巴黎圣母院。颜色很丰富，但每种颜色组合起来都很干。在用“千朵”工艺制作玻璃时，工匠应将每一朵花作为模型零件与玻璃球一起吹制，玻璃非常清晰。正如教堂的工作原理是洗涤人们心中的玻璃一样。

彩色玻璃对你来说是一种具有神奇色彩变化效果的新型装饰玻璃艺术。它可以在不同的光线和角度下显示不同的颜色，得到丰富多彩的场景。彩色玻璃的颜色样本也能洗你的眼睛。玻璃艺术是以玻璃为载体的艺术。玻璃是一种材料。它可以生产各种形状和应用任何颜色。它也可以被切割、研磨、抛光、熔化和燃烧。存在质的差异。玻璃艺术具有艺术价值。

千年花玻璃马赛克是由小块玻璃分割而成，然后在高温下融化，吹制出精美的玻璃工艺品。几个世纪以来，穆拉诺的玻璃工匠一直将玻璃作为艺术的载体。玻璃绘画的历史可以追溯到古埃及的彩色玻璃。从17世纪末到19世纪初，它在德国、捷克共和国和其他国家流行。几乎都是宗教民间绘画。作为一幅小小的圣像，他经常成为每个家庭崇拜的对象。

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一、原始、古代美术

（一）.古代两河流域、埃及美术

古代两河流域地区

1、 美尔－阿卡德时期 （公元前3500－前2000）这时期，宗教在社会生活中起主要作用

对艺术产生了深刻的影响。

建筑：冲积平原没有建筑石料，苏美尔人用粘土制成砖坯，作主要建筑材料，为使建筑防水，镶嵌碎陶片，这方法对后世产生深远影响，成为该地区建筑一种特有的装饰。当地人崇拜天体，也崇拜山岳，把庙宇称为“山的住宅”，所以建造塔庙，乌卢克神庙是塔庙的典型代表。

雕刻 ：

苏美尔人雕刻（重刻划头部和内在精神），在特勒阿斯布尔的阿布神庙发现13座苏美尔人雕像是其代表作。

阿卡德人的雕刻 （具有更强的写实性），萨尔贡王青铜头像（刻划写实，神情庄重威严，个性坚毅）是两河地区第一次发现的真正的帝王肖像，《纳拉姆辛浮雕石板》。

绘画 苏美尔人的绘画代表作是乌尔城出土的军旗（在刷有沥青的木板上用贝壳、闪绿岩、粉红色的石灰石镶嵌成战争和庆贺的场面）。《乌尔徽牌》镶嵌木版画。

工艺美术：苏美尔人的工艺美术是古代东方工艺美术的精华。1、乌尔城出土的《公山羊与树》，闪绿岩、贝壳、黄金制成。2、苏美尔人的牛头竖琴是最古老的精美乐器。牛头是天青石和金箔制成，琴架黄杨木制作，正面在沥青上用贝壳镶嵌人和动物。

2、巴比伦时期 （前1900－前1600）

巴比伦人在文化上继承苏美尔—阿卡德人的传统。现存最完整的是《汉漠拉比法典石碑》，法典刻在黑色的玄武石上，上部为浮雕，下部为文字。

3、亚述时期（前1000－前612）

建筑 亚述人的艺术主要为世俗生活服务，具有很强的现实性。亚述人不重来世，不修陵墓，他们的艺术仅见于宫殿。这时期建造了两河历史上最宏伟富丽的宫殿建筑。胡尔西巴德的萨尔贡二世宫是主要代表。

浮雕：装饰亚述王宫的石板浮雕高达2－3m，镶嵌在宫殿内部墙上。它用长幅记载历代亚述王军事讨伐、重大事迹、宫廷生活等等。既有装饰作用又有纪念意义。《亚述军队围攻要塞》。 7世纪灭亡后，亚述艺术也随之销声匿迹。

4、新巴比伦时期（前612－前539）

建筑 新巴比伦历经10代国王，发展成为西亚最大的政治、经济、文化、贸易和手工业中心。这一时期的美术集中体现在新巴比伦城的建筑上。巴比伦城是古代世界最伟大的城市。巴比伦城是一座正方形的城市，长达11英里，幼法拉底河从中穿过。

5、古埃及美术

位于非洲东北部尼罗河下游的埃及，是世界文明的发源地之一。作为艺术，古埃及更是以其独特的民族传统和风格特征，在世界艺术史上有着重要的位置。

建筑 埃及的建筑庞大而宏伟，深蕴着极强的宗教观念和精神力量，并显现着永恒的纪念意义。

金字塔是古埃及最早的一种陵墓建筑，它是埃及王权神圣的象征。最具代表性的是埃及首府开罗一西的基泽金字塔，分别是第四王朝法老考拉、哈夫拉和胡夫三座大型金字塔组成的法老陵墓。

中王国和新王国时期，埃及的主要建筑是神殿。其中最重要的有中王国时期的孟图荷太普三世陵墓建筑群，新王国时期卡尔纳神庙和卢克神庙、哈特谢普苏特女王陵墓以及阿布?辛贝尔的石窟神庙等。

雕塑 埃及雕塑无论在精神内容，还是在艺术表现上，都具有十分明显的规范性和程式化要求。埃及巨型雕塑的伟大杰作是古王国时期哈夫拉金字塔前的狮身人面像。

浮雕与壁画 埃及浮雕和壁画在内容和形式上几乎有着相近的风格。埃及的浮雕刻线浅显，基本保持平面感，并追求线用线条造型的装饰趣味。《纳美尔岩板》是早王国时期第一王朝的浮雕杰作。

总之，埃及美术以其丰富的内容展示了古老的文明之国的文化精神。总结起来埃及美术基本特征是十分明显的。首先，它强调功利性。其次，表现出强烈的宗教意识和神性观念。

（二）.爱琴美术、古代希腊美术

古代希腊美术

1、古希腊美术的巅峰——雕塑

荷马时期的雕塑

公元前11世纪至前9世纪，是荷马时期。这时期的雕塑在各方面是比较稚拙的。

古风时期的雕塑艺术

公元前8世纪至前5世纪是古风时期。纵观整个古风时期希腊雕塑的发展，已经基本形成颇为明晰的民族化风格。

古典时期的雕塑艺术

公元前449年至前334年，史称古典时期。希腊古典雕塑对西方美术最大的贡献，在于它完整而理想地确立了写实主义原则。特别是对人体艺术的创造与探索，为人类的艺术宝库开辟了最具魅力的美感空间和塑造了十分精粹的艺术典型。那些由米隆、菲迪亚斯、波利克里托斯、普拉克西特列斯、斯珂帕斯、利西普斯等雕塑大师完成的艺术品，至今仍是人类艺术史上熠熠生辉的珍珠。

希腊化时期的雕塑

公元前334年至前30年的300余年被成为“希腊化时期”。概括起来，首先是雕塑的艺术风格变得多样与丰富。再就是雕塑的艺术精神不断向现实性和自然性发展。三是雕塑的艺术功能具有明显的宫廷化和享乐性特征。

继普拉克西特列斯之后，女人体雕塑在希腊化时期达到鼎盛，最具代表的是《米洛斯的阿芙罗蒂德》（即维纳斯）。《萨莫色雷斯的胜利女神》是希腊本土此期最具特色的神话雕塑。罗德岛的雕塑以《拉奥孔》最为著名，米隆《掷铁饼者》。

古希腊的建筑与瓶画

庄重而神圣的建筑

古希腊建筑艺术的最高成就是神庙建筑。奥林匹亚的赫拉神庙、宙斯神庙以及以弗所的阿耳特弥斯神庙就是这种格局与柱式的典型代表。古典盛期则发展为以神庙建筑为中心的卫城式格局，

精美多样的瓶画

（三）.古罗马美术

一、伊特拉里亚美术

伊特拉里亚美术是古罗马美术的基础，共和末期和帝国前期的美术是其辉煌的顶峰。

二、实用与功利性的建筑

科洛西姆竞技场是罗马城贵族和自由民族观看斗兽和奴隶角斗的娱乐场所，可容纳8万多名观众。罗马万神庙是宗教建筑最杰出的代表。凯旋门是罗马统治者为炫耀武功和奖励征战，而在胜利者必经的道路上树立的纪念碑式建筑。纪念柱是古罗马统治者歌功颂德的纪念性建筑。水道是罗马统治者建设的公共性设施。

三、写实与个性化的雕塑

四、华丽与装饰性的绘画

最为著名的是庞贝城的壁画，除此之外，在罗马城、赫库兰尼姆等地也有十分精美的壁画。罗马镶嵌画艺术也颇为恢宏的景象。

二、欧洲中世纪美术

早期基督教美术

（公元476年西罗马帝国灭亡——15世纪欧洲文艺复兴开始）并认为这段历史是野蛮黑暗的时代，处于文明与复兴之间的时代，故称“中世纪”——在东方文化、古希腊罗马文化传统和蛮族文化的基础上融合而成的基督教艺术。

拜占庭美术

拜占庭的建筑主要继承罗马风格，早期的教堂建筑主要沿用罗马陵墓圆形或多边形的平面结构和万神庙式的圆穹顶。圣索非亚大教堂就是拜占庭艺术的辉煌成就之一。

镶嵌画在拜占庭艺术占有特殊的地位，这种以小彩色玻璃和石子镶嵌而成的建筑装饰画，成为教堂内部装饰的主要形式。

罗马式艺术与哥特式艺术

罗马式艺术：公元10世纪－12世纪，建筑普遍采用类似古罗马的拱顶和梁柱结合的体系，并大量采用希腊罗马纪念碑式的雕刻来装饰教堂，因此被称为罗马式。英国杜勒姆教堂建成为标志，作为代表的还有德国的圣基列阿达教堂、意大利的比萨教堂。

哥特式艺术：12－13世纪——15世纪，哥特式艺术是整个欧洲中世纪艺术发展的一个顶点，它开始于建筑方面，而后才逐渐波及到雕塑和绘画。哥特式建筑的特点：平面是“十字架”型，外部多用高高的尖塔楼，内部轻盈，窗户多事五彩的玻璃镶嵌的。最著名的哥特式建筑是法国的巴黎圣母院。德国的瑙姆堡教堂、科隆大教堂也很著名。

雕塑

罗：罗马式艺术的复兴另一个显著特征就是石雕的复兴。

哥：。最能代表哥特式艺术雕刻成就的法国的夏特尔教堂。

绘画

罗：手抄本的圣经插图和壁画。

哥：彩色玻璃画。

三、欧洲文艺复兴时期美术

文艺复兴

文艺复兴是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。“文艺复兴”原意是“在古典规范的影响下，艺术和文学的复兴”。这是是一场资产阶级文化运动。其核心人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本。本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动、

早期文艺复兴时期（佛罗伦萨画派）

乔托（约1266-1337）是佛罗伦萨画派的创始人，也是意大利文艺复兴的先驱者之一。

其代表作《逃往埃及》。

马萨乔(1401-1428),继承和发展乔托的艺术传统，代表作是《出乐园》，《纳税钱》。

桑德罗?波提切利（1444-1510）15世纪佛罗伦萨画派的最后一位大师，代表作是《维纳斯的诞生》和《春》。

意大利文艺复兴时期三杰

达?芬奇 是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一。他的天才不仅表现在艺术上，而且在数学、机械工程、医学、地质学等方面都有所反映。1482年到米兰，重要作品有《岩间圣母》和《最后的晚餐》，在《岩间圣母》这幅作品中，芬奇使用明确的几何结构来安排人物，即人物被框在一个等腰三角形，而这个等腰三角形的顶点是玛利亚的头部，他的这一做法为当时金字塔型的构图奠定了基础。同时他又用天使和婴儿加重右下角的分量，并通过左上方的光源使得整个画面得以平衡，象这样在复杂的动态中取得平衡的手法为后世艺术家广泛运用。1503年，芬奇回到佛罗伦萨，完成名作《蒙娜丽莎》。

米开朗基罗 走的是和芬奇不同的道路，他不象芬奇那样充满科学精神和哲理思考，而是在作品中倾注了自己满腔悲剧性激情。

1501－1504年，米开朗基罗为家乡创作了《大卫》雕像，表现了一位建功立业前充满愤怒和力量的年轻人，大卫成为文艺复兴时代英雄的象征。1508－1512年，他受教皇朱诺二世的委托创作西斯廷教堂的天顶画《创世纪》

朱诺二世死后，新教皇里奥十世命他设计朱的陵墓。，其中《摩西》最令人震撼。晚年的祭坛画《最后的审判》1534－1541年，画于西斯廷礼拜堂。这件艺术品是对作者人生的总结和对当代历史的裁判。

拉斐尔 以优美、诗一般的绘画语言体现人文主义理想，他的美的样式成为后来学院派古典主义的标准之一。他是描画女性形象的大师，《西斯廷的圣母》是最有名的。1508年，应建筑家布拉曼特之邀来到罗马，为梵蒂冈宫绘制三幅壁画《雅典学院》、《圣典辩论》表现一个人文主义者对真理和幸福的追求。

提香和威尼斯画派

乔尔乔涅（1478-1510），代表作《入睡的维纳斯》

提香，代表作《酒神的狂欢节》。

尼德兰文艺复兴时期美术

尼德兰文艺复兴的原因：欧洲西北部重要的水陆交通中心，手工业发达、商业繁荣，当时资本主义经济发达地区。

扬?凡?埃克——尼德兰画派的主要奠基人：主要作品有《教堂中的圣母》、《根特祭坛画》、《阿尔诺芬尼夫妇像》，《尼姑拉斯?罗林的圣母》、《凡?德尔?巴力的圣母子》等等。

团体肖像画家代表之一扬?凡?斯科列里，主要作品：《十二个耶路撒冷朝拜者》、《抹大拉的马利亚》。

扬?戈萨尔特：代表作品，《丹娜埃》、《维纳斯和爱神》、弗兰斯?佛洛里斯 。

彼得?勃鲁盖尔——伟大的农民画家（1525－1569），16世纪尼德兰风俗画大师。农民风俗画《农民的舞蹈》、《农民婚礼》，《农民婚礼》是勃鲁盖尔最完美的人间喜剧。风景画《收割干草》、《收割》、《牧归》、《雪中猎人》、《暗日》表现了尼德兰农村的风景。反映尼德兰人民反抗西班牙的统治斗争的作品《伯利恒的户口调查》、《伯利恒的婴儿虐杀》、《绞刑架下的舞蹈》。勃鲁盖尔以艺术作为武器，深刻的反映他所处的时代，从而成为尼德兰文艺复兴时期最伟大的艺术家。

西班牙文艺复兴时期美术

西班牙地方画派中最著名的画家是埃尔?格列柯(1541-1614)，格列柯原名多米尼加－泰奥托科普里，来自希腊克里特岛，因此人称“格列柯”即希腊人。“第一位打开西班牙绘画黄金时代的人”

德国文艺复兴时期的美术

阿尔布雷希特?丢勒(1471-1528) 是德国文艺复兴时期最伟大的艺术家。《阿儿科的眺望》。丢勒还用版画反映更广阔社会生活，是欧洲最早表现下层人民的生活的画家之一。铜版画《农民和他的妻子》、《三个农民在谈话》、《农民舞蹈》，1513－1514年《骑士、死神和魔鬼》、《忧郁1》、《书斋中的圣哲罗姆》。

小汉斯?霍尔拜因（1497－1543） 是那个时代北欧最为重要的肖像画家。《伊拉斯莫》，《科勒菲》。

四、巴洛克河洛可可美术

（一）、17、18世纪意大利美术

意大利学院派美术

欧洲的美术学院最早产生于意大利，当时最著名的学院是波伦亚学院，建于1590年，创始人是画家卡拉契兄弟。

卡拉契三兄弟 是波伦亚学院的第一代代表，尤其是阿尼巴?卡拉契最为有名。阿尼巴?卡拉契善作壁画。主要代表作品：《酒神巴库斯和阿里阿德涅》，《美惠女神为维纳斯梳妆打扮》，《女圣使在复活的基督墓前》》等。

巴洛克美术

巴洛克是17世纪广为流传的一种艺术风格。特点：1、豪华的特色，既有宗教的色彩又有享乐主义的特色；2、一种激情艺术，强调艺术家的想象力，具浪漫主义色彩；3、极力强调运动，运动是巴洛克艺术的灵魂。4、关注作品的空间感和立体感5、强调各种艺术形式的综合；6、有浓厚的宗教色彩；7、大多数巴洛克艺术家远离生活和时代。

乔凡尼?洛伦佐?贝尼尼（1598－1680）意大利的雕刻家兼建筑师，是十七世纪最伟大的艺术大师。代表作，组雕《阿波罗与达芙娜》，祭坛雕塑《圣德列萨祭坛》。贝尼尼也是一位建筑大师，1656－1667年间，受教皇委托建造圣彼得教堂前的广场及柱廊。贝尼尼最满意的一件作品是克维里那列教堂，这是一件典型的巴洛克建筑。

彼得?保尔?鲁本斯（1577-1640）不仅是佛兰德斯最伟大的画家，而且可以代表17世纪巴洛克绘画风格在整个西欧的代表。代表作《强劫留西帕斯的女儿》、《下十字架》、苏珊.芙尔曼像》。

（二）、17、18世纪的西班牙美术

维拉斯贵支 是西班牙17世纪最著名的绘画大师，代表作《宫娥》。

弗朗西斯科?戈雅（1746－1828），是西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱。代表作：《裸体的玛哈》、《拿水罐的少女》。

（三）、17世纪荷兰美术

伦勃朗?哈尔曼松?凡?莱因（1606 - 1669）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家，现实主义的绘画大师。主要作品：《蒂尔普教授的解剖课》、《夜巡》、《画家和他的妻子》等，铜版画《三棵树》、《基督救治病人》等。

哈尔斯，17世纪荷兰杰出的肖像画家、荷兰现实主义奠基人。主要作品有：吉普赛女郎》、《兰普和他的情人》，团体肖像画《圣乔治射手连军官的宴会》、《圣亚德烈射手连军官的宴会》等。

（四）、17、18世纪法国美术

洛可可艺术

洛可可艺术，巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。

让?安东尼?华多是法国18世纪罗可可时期最重要的也最有影响力的一位画家。代表作有《爱之园》、《舟发西苔岛》等

弗朗索瓦?布歇（1703—1770），法国画家、版画家和设计师，是一位将洛可可风格发挥到极致的画家。代表作《浴后的狄安娜》。

古典主义

尼古拉斯?普桑（1594－1665），是17世纪法国巴洛克时期重要画家，也是17世纪法国古典主义绘画的奠基人。代表作《阿卡迪亚的牧人》、组画《四季》等。

五、19世纪法国美术

法国新古典主义美术

雅克?路易?大卫(1748 -1825)是法国新古典主义绘画风格的著名代表，代表作《荷拉斯兄弟之誓》、《拿破仑加冕式》。

让?奥古斯特?多米尼克?安格尔(1780—1867) 19世纪新古典主义的代表，代表作《泉》、《贝尔登肖像》。

法国浪漫主义美术

席里柯（1791－1824）主要作品：《梅杜萨之筏》、《受伤的胸甲骑兵》、《罗马无鞍马的比赛》、

德拉克洛瓦（1798-1863），浪漫主义画派的典型代表。代表作：《希阿岛的屠杀》、 《自由领导人民》、《但丁之舟》。

现实主义

柯罗，法国19世纪现实主义风景画的杰出代表。代表作《蒙特芳丹的回忆》。

米勒（1814-1875）法国现实之一画家，巴比松画派的代表人物。代表作品《拾穗者》、《晚钟》、《牧羊女》。

库尔贝

杜米埃，代表作,《三等车厢》

奥古斯迪?罗丹（1840-1917）法国著名雕塑家。现实主义的创作手法。他的《青铜时代》、《思想者》、《雨果》、《加莱义民》和《巴尔扎克》。生平作了许多速写，别具风格，并有《艺术论》传世。

六、印象主义、新印象主义和后印象主义

印象主义

印象主义在19世纪60一70年代以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒是反对陈陈相因的古典画派和沉缅在中世纪骑士文学而陷入矫揉造作的浪漫主义。印象主义吸收了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的营养，在19世纪现代科学技术(尤其是光学理论和实践)的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而据弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。

爱德华?马奈（1832—1883）虽《草地上的午餐》，《吹短笛的男孩》。

克劳德?莫奈(C1840—1926) ，法国画家，印象派代表人物和创始人之一。莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部份都有他的推广。代表作，《印象?日出》《卢昂大教堂》睡莲系列。

德加，代表作《舞台上的舞女》

雷诺阿，是印象画派以描绘儿童，妇女肖像出名的画家

新印象主义

乔治?修拉生活在印象主义画派的初期，而且推动了了印象主义的发展。他对色彩的专门研究，使得他的作品层次分明，而他自己也成为新印象主义——“点彩派”的代表。代表作，《大碗岛星期日的下午》。

现代主义的起源——后印象主义

保罗?塞尚(1839—1906)，后印象主义的代表画家，西方现代画家称他为“现代艺术之父”或“现代绘画之父”。

保罗?高更(Paul Gauguin，1848—1903)的绘画以其原始性与象征性的倾向，以及所谓“综合主义”的画风，在西方现代艺术史上独树一帜

文森特?威廉?梵高（1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。代表作《星夜》、《向日葵》、《有乌鸦的麦田》等。

七、西方现代美术

20世纪初期，主要有以下流派：野兽派、立体主义、纯粹主义、奥弗斯主义、未来主义、形而上画派、达达主义、超现实主义。

马蒂斯和野兽主义美术

20世纪最初的先锋美术运动是“野兽主义（Fauvism）。“野兽”一词正好在这里“用来形容他们的绘画，他们的作品中那令人惊愕的颜色、曲扭的形态、明显地与自然界的形状全然相悖”。

亨利?马蒂斯是法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。代表作《生命的喜悦》、《舞蹈》。

毕加索和立体主义

立体主义是20世纪最重要的先锋运动。它对后来各种现代派艺术都产生过程度不同的影响。 立体主义的创始人是巴勃罗?毕加索和参加过野兽派活动的乔治?勃拉克。

巴勃罗?鲁伊斯?毕加索（1881～1973），是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。代表作《亚威农少女》、《三个女人》、《裸女》。

乔治?勃拉克

爱德华?蒙克，表现主义代表人物（表现主义强调表现和宣泄感情的重要性），代表作《呐喊》。

康定斯基，抽象主义代表（认为绘画是以各种基本的色调，通过形式的规定来表达人的内在情感）

古斯塔夫?克里姆特（1862～1918）维也纳分离派绘画大师奥地利画家。代表作《埃赫特男爵夫人》、《吻》。

波丘尼，（未来主义），代表作《空间中的独特形式之连续》。

彼埃?蒙德里安（1872 -1944），荷兰画家，风格派运动幕后艺术家和非具象绘画的创始者之一，对后代的建筑、设计等影响很大。代表作《红、蓝、黄构图》。

萨尔瓦多?达利(1904-1989)超现实主义绘画大师级人物，代表作《记忆的永恒》。

达达主义与杜尚，杜尚代表作《泉》

莫迪里阿尼（巴黎画派），代表作《仰卧的裸女》。

八、美国抽象表现主义美术

在抽象表现主义画派中，除了以波洛克、德?库宁等人为代表的行动画派之外，还有另外一派以纽曼、斯蒂尔、罗斯科等为代表，其作品被称为色域绘画(colour—fieldpaint)。

波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义。它代表着一种流行文化， 在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。

安迪?沃霍尔(1927—1986)。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者，他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。代表作《玛丽莲?梦露》。

奥普(OPArt)艺术

中国的瓷器以历史悠久、造型优美、质地精良、装饰俏丽新颖而享誉海内外。瓷器与中国的联系是那样的紧密，以至英文CHINA一词，就有“中国”和“瓷器”的双重意义。

在我们进一步了解英文“CHINA”一词的双重涵义之前，先来简略叙述一下瓷器的起源及在中国的发展。

多年以前，在刚刚学英语的时候，老师就在课堂上说过China和china的意思。China，如果首个字母是大写的那就是是中国的意思，若首个字母是小写的时候，那就是景德镇陶瓷的意思。

为什么中国和瓷器都译为CHlNA？从全球各大博物馆、收藏机构、著名藏家、古玩经纪人等等无不将中国古陶瓷作为收藏的首选中，得到了最好的回答。也由此使得中国古陶瓷近年来在各大拍卖行屡创新高：1.5亿港元的乾隆珐琅彩杏林春燕图小碗；2.2亿元的元青花鬼谷下山图大罐；过2亿的宋汝窑洗；1.5亿的明成青花黄蜀葵碗；2.8亿的明成化斗彩鸡缸杯；过5亿的乾隆珐琅彩转心瓶等等。自七十年代苏富比、佳士德开始拍卖中国历代官窑以来，它的价格一直以强劲的势头往上飙升，其增长的速度每年以几十倍甚至上百倍的价格扶摇直上。在中国，陶瓷的产生距今已有三千年的历史，经历了由陶到瓷，再陶、瓷齐驱的发展历程。这种采用手工绘画、手工制作的高温瓷，是在逐渐以自身独特的文化含量和艺术魅力改变并影响世界时被喻为了中国文化的象征。史料中有这样的记载：“新平治陶，始于汉世。”

不过当时自己对瓷器的了解也就仅此而已了，等到后来又慢慢的随着时间的推移，自己也慢慢的对景德镇陶瓷越来越感兴趣，对陶瓷的了解也越来越深入，才发现景德镇瓷陶瓷并不是徒有虚名，它能指代中国那是有它的原因的。在中华上下五千年的悠久历史中，人们都知道中国有四大发明分别是指南针造纸术，印刷术和火药。这几样发明都是在历史上好多历史性的转折点或是突破点，极大地推动了人们生活方式上的转变。如果是这样的话，那在我看来陶瓷也足以与这些发明并列了。瓷器的前身是原始青瓷，它是由陶器向瓷器过渡阶段的产物。中国最早的原始青瓷，发现于山西夏县东下冯龙山文化遗址中，距今约4200年。器类有罐和钵。原始青瓷在中国分布较广，黄河领域、长江中下游及南方地区都有发现。

中国真正的瓷器出现是在东汉时期（公元23－220年）。首先是在南方地区的浙江省开始出现的。浙江绍兴上虞县上浦小仙坛发现东汉晚期瓷窑址和青瓷等。瓷片质地细腻，釉面有光泽，胎釉结合紧密牢固。从显微照相可见，青瓷残片釉下已无残留石英。这种釉无论在外貌上，或是显微结构上，都已摆脱了原始青瓷的原始性。已符合真正的瓷器标准了。

陶瓷它起源的很早，发展的也很好，从汉朝至今不论多少次的改朝换代，陶瓷的生产它基本上就一直没间断过。所以不管是在古代还是现如今的中国都是很多家庭里必不可少的日常用品。它极大的改善人们的生活水平，并且还传入了西方，深刻地改变了西方人的生活方式，提升了西方人的审美情趣，加快了人类文明的变革进程。小编手中一件粉彩瓷器当时找了无数家拍卖公司，上海，北京，广州，深圳，全国的拍卖公司几乎都找遍了，就是没有找到一家正规的，费用倒是花了不少，前前后后花了将近三十万，最后经过朋友介绍联系上一个人才把手中的藏品成交Zx一零陆玖陆陆玖玖，希望能够帮得上各位藏友。

2001年6月，在中国美术馆举办了一个引人注目的“艺术与科学国际作品展”，成为新世纪伊始关于“科学与艺术”对话的一件大事。展会由李政道先生发起。他近年来积极倡导科学与艺术相结合，由他阐释科学主题，一些名画家已创作出多幅作品问世，这次耸立在美术馆门口的两件大型金属雕塑“物之道”和“生之欲”就是李政道和吴冠中两位大师的创意之作。李政道先生认为：“科学和艺术都是用人类的创造力追求普遍性的真理，它们有着密切的关系”，对于如何使科学与艺术相结合，他曾经举过一个例子：“一个人若没有经过高等数学教育，他看数学公式能产生什么情感呢？从数学公式中产生情感和从音乐符号中产生情感，都不是直接的，要通过另外一条途径，音符中出情感要通过乐器，从数学公式中感受美感就要懂得其中具有的内涵”。这就道出了他约请画家作画的初衷。他还说，在人类文明的发展中，科学与艺术是同流分渠发展过来的，真正的科学家和真正的艺术家追求的目标都是真理的普遍性。他认为科学与艺术是不能分割的，恰如一个硬币的两面。

对于科学与艺术的结合问题，吴冠中先生与李先生有相似的见解，吴先生有句名言：“科学揭示宇宙的奥妙，艺术揭示情感的奥秘。”他认为科学与艺术整合有其内在的联系，这种结合对促进科学与艺术的互动与互补，开拓更为广阔的思维空间有重要的意义。李、吴同是这次活动的学术委员会主席。展会上展出了中外艺术家近600件作品，有金石雕塑、陶瓷玻璃、书法绘画、摄影等等。参展作品都在尝试表现科学与艺术这一主题，表达各自对这一命题的理解，尽管各人的理解相去甚远。

另一位关注科学与艺术结合的大科学家是钱学森先生。他特别强调思维方法上的结合。他说，科学技术思维往往侧重于逻辑思维（具体分析事物的各个部分，加以逻辑推理、科学试验，把握事物的整体、本质和发展规律），文学艺术思维往往侧重于形象思维和灵感（通过直观感受，运用丰富的情感，从现象中探寻本质）。他认为科学与艺术的思维方式是互相促进、相辅相成的。科学需要艺术，艺术也需要科学。钱先生本人一贯注意把科学与艺术的思维方式结合起来。他的艺术修养很深，喜爱音乐、诗歌、绘画、书法等。在他的科学研究中，艺术（包括夫人蒋英介绍给他的音乐艺术）给了他很大帮助，“这些艺术里所包含的诗情画意和对人生的深刻的理解，使我丰富了对世界的认识，学会了艺术的广阔思维方法”。

马赛克是一咱特殊存在方式的砖，它一般由数十块小块的砖组成一个相对的大砖。它小巧玲珑、色彩斑谰被广泛使用于室内小面积地、墙面及室外大小幅墙面和地面。

分类:

(1) 陶瓷马赛克: 是最传统的一种马赛克，以小巧玲珑著称，但较为单调，档次较低。

(2) 大理石马赛克: 是中期发展的一种马赛克，丰富多彩，但耐酸碱性差、防水性能不好，所以市场反映并不是很好。

(3) 玻璃马赛克: 玻璃的色彩斑谰给马赛克带来蓬勃生机。依据玻璃的品种不同，又他为多种小品种：

a. 熔融玻璃马赛克: 是以硅酸盐等为主要原料，在高温下熔化成型并呈乳浊或半乳浊状，内含少量气泡和未熔颗粒的玻璃马赛克。

b. 烧结玻璃马赛克: 是以玻璃粉为主原料，加入适量黏结剂等压制成一定规格尺寸的生坯，在一定温度下烧结而成玻璃马赛克。

c. 金星玻璃马赛克: 是内含少量气泡和一定量的金属结晶颗粒，具有明显遇光闪烁的玻璃马赛克。

d. 常用规格: 马赛克常用规格有 20mm × 20mm 、 25mm × 25mm 、 30mm × 30mm 、厚度为 4 -4.3mm 。

玻璃马赛克

玻璃马赛克：玻璃马赛克又叫作玻璃锦砖或玻璃纸皮砖。它是一种小规格的彩色饰面玻璃。根据国家标准（GB／T7697－1996），玻璃马赛克（GLassMosaic）可分为熔融玻璃马赛克：以硅酸盐等为主要原料，在高温下熔化成型并呈乳浊或半乳浊状，内含少量气泡和未熔颗粒的玻璃马赛克。

烧结玻璃马赛克：以玻璃粉为主要原料，加入适量粘结剂等压制成一定规格尺寸的生坯；在一定温度下烧结而成的玻璃马赛克。

金星玻璃马赛克：内含少量气泡和一定量的金属结晶颗粒，具有明显遇光闪烁的玻璃马赛克。

玻璃马赛克的特性:它是最安全的建材，它由天然矿物质和玻璃等制成，质量轻，是杰出的环保材料。零吸水率，抗酸碱等化学腐蚀，是最适合于装饰近水区域的建材。可用做装饰卫生间、浴室、游泳池、喷泉、景观水池等。色彩缤纷亮丽，永不褪色，体积小，是制作艺术拼图和镶嵌画的最好材料。利用不同颜色的马赛克能设计制作最复杂的拼图，如用电脑设计的游泳池底部的图案。

现在还指电子画面的特别处理方式。

一种图像（视频）处理手段，使其局部模糊，因为这种模糊看上去有一个个的小格子组成，便形象的称这种画面为马赛克。马赛克常用于遮挡重要部位

密特朗总统对卢浮宫博物馆做出的另一贡献是邀请著名的美籍华裔建造师贝聿铭为博物馆设计新的入口处。贝聿铭先生经过深思熟虑，提出建造一个“金字塔”的方案。这座“金字塔”为卢浮宫博物馆，也为巴黎市增加了新的耀眼的光彩。有了这座“金字塔”，观众的参观线路显得更为合理。观众在这里可以直接去自己喜欢的展厅，而不必像过去那样去一个展厅而要穿过其他几个展厅，有时甚至要绕行七八百米。一个现代的博物馆，后勤服务设施一般占总面积的一半。过去卢浮宫博物馆只有20%的面积用于后勤。有了这座“金字塔”，博物馆便有了足够的服务空间，包括接待大厅、办公室、贮藏室以及售票处、邮局、小卖部、更衣室、休息室等，卢浮宫博物馆的服务功能因此而更加齐全。

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卢浮宫 位于巴黎市中心的赛纳河北岸（右岸），是巴黎的心脏,始建于1204年，历经700多年扩建重修达到今天的规模。占地约198公顷，长680米，分为新老两部分，老的建于路易十四时期，新的建于拿破仑时代。宫前的金字塔形玻璃入口，是华人建筑大师贝聿铭设计的。。它的整体建筑呈“U”形，占地面积为24公顷，建筑物占地面积为4.8公顷，全长680米。是世界上最著名、最大的艺术宝库之一，是举世瞩目，艺术殿堂和万宝之宫。同时，卢浮宫也是法国历史上最悠久的王宫。

王宫最初始建于12世纪初，从15-18世纪历经4次改建和扩建。中院的东立面是古典主义风格，最为人们推崇。法国总统密特朗请美国华裔建筑师贝聿铭设计金字塔形透明屋顶。藏品中有被誉为世界三宝的《维纳斯》雕像，《蒙娜丽莎》油画和《胜利女神》石雕,像更有大量希腊、罗马、埃及及东方的古董，还有法国、意大利的远古遗物。陈列面积5.5万平方米，藏品2.5万件。

曲折历史

卢浮宫有着非常曲折复杂的历史，而这又是和巴黎以至法国的历史错综地交织在一起的。人们到这里当然是为了亲眼看到举世闻名的艺术珍品，同时也是想看卢浮宫这座建筑本身，因为它既是一件伟大的艺术杰作，也是法国近千年来历史的见证。这里曾经居住过50位法国国王和王后，还有许多著名艺术家在这里生活，他们有的在这里寿终正寝，有的被谋杀，死于非命，血溅卢浮宫。

卢浮宫始建于1190年，当时只是菲利普·奥古斯特二世皇宫的城堡。在十字军东征时期，为了保卫北岸的巴黎地区，菲利普二世于1200年在这里修建了一座通向塞纳河的城堡，主要用于存放王室的档案和珍宝，同时也存放他的狗和战俘，当时就称为卢浮宫。查理五世时期，卢浮宫被作为皇宫，因而使它成为完全不同的一座建筑物了。在以后的350年中，随着王室贵族们越来越高的寻欢作乐的要求，他们不断增建了华丽的楼塔和别致的房间。然而在其后的整整150年间，卢浮宫却并无国王居住。 16世纪中叶，弗朗西斯一世继承王位后，便把这座宫殿拆毁了。他下令由建筑师皮尔莱斯科在原来城堡的基础上重新建筑一座宫殿。弗朗西斯还请当时著名的画家为他画肖像，他崇拜意大利派的画家，购买了当时意大利最著名的画家法埃洛的绘画。包括《蒙娜丽莎》等珍品。 弗兰西斯一世的儿子亨利二世即位后，把他父亲毁掉的部分重新建造起来。亨利喜爱法国文艺复兴时期建筑艺术的装饰，对意大利式的建筑并不感兴趣。他沿袭了父亲的嗜好，但却没有他父亲一样的审美观。

亨利四世在位期间，他花了13年的功夫建造了卢浮宫最壮观的部分――大画廊。这是一个长达300米的华丽的走廊，走廊非常长，亨利在这里栽满了树木，还养了鸟和狗，甚至在走廊中骑着马追捕狐狸。 路易十四是法国历史上著名的国王，他被称为太阳王。他登基时只有5岁，在卢浮宫做了72年的国王――法国历史上最长的时代。路易十四把卢浮宫建成了正方形的庭院，并在庭院外面修建了富丽堂皇的画廊。他购买了欧洲各派的绘画，包括卡什代、伦勃朗等人的作品。他一生迷恋艺术和建筑，致使法国的金库空虚。 路易十六在位期间，爆发了著名的1789年大革命，在卢浮宫“竞技场”院子里建立了法国革命的第一个断头台。1792年5月27日，国民议会宣布，卢浮宫将属于大众，成为公共博物馆。这种状况一直延续了6年，直到拿破仑一世搬进了卢浮宫。

拿破仑在这座建筑的外围修建了更多的房子，并增强了宫殿的两翼，还在竞技场院里修建了拱门，拱门上的第一批雕刻马群是从威尼斯的圣马可教堂上取下来的。 拿破仑以前所未有的方式装饰卢浮宫，他把欧洲其他国家所能提供的最好的艺术品搬进了卢浮宫。拿破仑不断地向外扩张，并称雄于欧洲，于是几千吨的艺术品从所有被征服的国家的殿堂、图书馆和天主教堂运到了巴黎。拿破仑将卢浮宫改名为拿破仑博物馆，巨大的长廊也布满了他掠夺来的艺术品。在卢浮宫里，拿破仑的光彩持续了12年，一直到滑铁卢战役的惨败。 对拿破仑来说，每一幅天才的作品都必须属于法国。这样的观点是德国人、意大利人、西班牙人和荷兰人所不能接受的。拿破仑失势后，他们来到卢浮宫，约有5000件艺术品物归原主。但由于法国人的外交手段及法国人的说服力，仍然有许多他掠夺的艺术品被留在了卢浮宫。 拿破仑三世是一位野心勃勃的皇帝，他是卢浮宫建造以来所遇到的投资最多的“建筑人”，5年内的建筑比所有的前辈在700年内修建的还要多。3个世纪以前想到的宏伟的设计图留给了拿破仑三世来完成，当它竣工后，卢浮宫变成了皇家庆祝活动的场所，富丽堂皇是拿破仑三世修建任何东西的特点。这样，直到拿破仑三世时，卢浮宫整个宏伟建筑群才告以完成，前后将近600年。

卢浮宫的场馆

各馆简介据统计，目前卢浮宫宫殿共收藏有40多万件来自世界各国的艺术珍品。法国人将这些艺术珍品根据其来源地和种类分别在六大展馆中展出，即东方艺术馆、古希腊及古罗马艺术馆、古埃及艺术馆、珍宝馆、绘画馆及雕塑馆。其中绘画馆展品最多，占地面积最大。卢浮宫区有198个展览大厅，最大的大厅长205米。显然，用一天两天的时间根本无法欣赏全部的稀世珍品。因此，如果你要参观卢浮宫，得先制订一个计划，逐个参观六大展馆，切忌仓促地走马观花。如果时间充裕的话，可细细品味；如果时间较紧的话，可选择有代表性的艺术展品观赏。

东方艺术馆

东方艺术馆建于1881年，共有24个展厅，3500件展品。这些展品主要来自西亚和北非地区，包括叙利亚、黎巴嫩、巴基斯坦、伊朗等国。这些展品出自十分久远的年代，如公元前2500年的雕像、公元前2270年的石刻、公元前2000年烧制的泥像等。其中带翅膀的牛身人面雄伟雕像（公元前8世纪）最为有名，曾在杜尔·沙鲁金（现为伊拉克赫尔沙巴德）守卫过亚述国王萨尔贡二世的宫殿大门。这些巨大的牛身人面像来到法国经历过一段曲折的历史。1843年，法国人保罗－埃米尔·博塔发现了这些雕像，冒着各种危险将它们运到巴黎。其中两个雕像于1847年陈列在卢浮宫内的世界上第一个亚述博物馆中，第三个雕像在浅盐湖的船舶失事中幸免于难，于1856年运到巴黎。第四个雕像则沉入湖底，是用石膏塑像替代的，第五个雕像是惟一的一头头部转向参观者的公牛。在“东方古文博物馆”第四厅，有一件我们比较熟悉的文物：《汉谟拉比法典》，该法典出自公元前2000年左右的巴比伦，共282条，以锲形文字刻在一块黑色玄武岩上。玄武岩高2.5米，中部为282条法令全文，上部的人物像是坐着的司法之神向站着的汉谟拉比国王亲授法律，国王则右手致答谢，以示对神授的法律表示尊敬。

古埃及艺术馆

古埃及艺术馆建立于1826年，早于东方艺术馆，共有23个展厅，收藏珍贵文物达350件。这些文物包括古代尼罗河西岸居民使用的服饰、装饰物、玩具、乐器等。这里还有古埃及神庙的断墙、基门、木乃伊和公元前2600年的人头塑像等。 古希腊与古罗马艺术馆 古希腊与古罗马艺术馆建成的时间更早，大约在1800年向公众展出，其藏品更多，大约有7000余件。古希腊与古罗马艺术馆的藏品以法国王室的收藏品为基础。拿破仑率领的法军在意大利获胜后，劫获了许多意大利的古代艺术品，将之运回法国充实卢浮宫。后来，法国又从各方面不断丰富里面的收藏品。雕塑在该馆内占有主导的地位，雕塑品包括大理石、铜、象牙等。在古希腊和古罗马艺术馆中，有两件备受世人赞美的最瞩目的不朽作品，一是“萨姆特拉斯的胜利女神”，二是爱神“维纳斯”。

“萨姆特拉斯的胜利女神”创作于公元前3世纪，高3.28米，站在一座石墩上，是座无头无手的雕像，1863年从萨姆特拉斯岛的神庙废墟中发掘出来。该雕像尽管已失去了手和头，但看得出她正迎风展翅，昂首挺胸，向世人宣告一场战争的胜利。根据研究，这是雕塑家为纪念希腊罗地岛的一场胜利海战而制作的。胜利女神迎风微微前倾身躯，健美的胸部披着薄薄的长袍，体魄健壮而又不失轻灵，富有质感。女神虽然失去了头部和双臂，但在人们的眼里它仍是完整完美的。现在，胜利女神每天受到成千上万人的瞻仰，成为已知雕像中表现热情奔放与动态的最完美的作品。“维纳斯”对于人们来说更加熟悉了。她身高2.02米，创作于公元2世纪。她是希腊的美神，不知倾倒了多少崇拜者，她的周围每天挤满了观众。她半裸着身躯，极为端庄、自然，被认为是表现女性美的最杰出的作品。

“维纳斯”能收藏在卢浮宫是很偶然的。1820年，希腊爱琴海米洛岛上的一位农民在挖土时发现了一尊美神。消息传出，正好有一艘法国军舰泊在米洛港，舰长得知消息后立即赶到现场，想买下，却没有现金。结果，“维纳斯”被一位希腊商人买下，并准备运往君士坦丁堡。眼见宝物就要失去，法国人不甘心，立即驱舰前去阻拦。双方发生了混战，结果使珍品遭到损坏，雕像的双臂被打碎。双方争执不下，后由米洛地方当局出面解决，由法国人用钱买下雕像，贡献给法国国王。就这样，“维纳斯”被运到法国，在当时立即引起轰动。

绘画馆

卢浮宫绘画馆所收藏的绘画之全、之珍贵是世界上各艺术馆不能比拟的。绘画馆共有35个展厅，2200多件展品，其中三分之二是法国画家的作品，三分之一来自外国画家，14~19世纪的各种画派的作品均有展出。比较杰出的作品有：富凯的《查理七世像》（15世纪）、达·芬奇的《岩间圣母》（16世纪）、拉斐尔的《美丽的园丁》（16世纪）、勒南的《农家》（17世纪）、里戈的《国王路易十四像》（18世纪）、路易·达维德的《拿破仑一世在巴黎圣母院加冕大典》（19世纪）、德拉克鲁瓦的《肖邦像》（19世纪）、安格尔的《土耳其浴室》（19世纪）等。 有所有绘画作品中，最为杰出、最受人瞩目的自然是达·芬奇在1503年完成的不朽杰作《蒙娜丽莎》。《蒙娜丽莎》被置放在卢浮宫二楼中间的一个大厅中，外面用玻璃罩着，显然是特别的保护。玻璃罩周围射出的柔和的灯光，足以使观众看清画面的各个细节。《蒙娜丽莎》又称《永恒的微笑》，被认为是西欧画史上首幅侧重心理描写的作品。蒙娜丽莎端庄俊秀，脸上含着深沉、温和的微笑。那微笑有时让你觉得温文尔雅，令人陶醉；有时仿佛内含哀愁，似显凄楚；有时又略呈揶揄之状，虽则美丽动人却又有点不可接近……更妙的在于，在这幅名画之前，不论你从哪个角度看，她那温和的目光总是微笑地注视着你，生动异常，仿佛她就在你身边。

雕像馆

雕像馆成立于1817年，共有展厅27个，展品1000多件，多为表现宗教题材的作品，部分为表现人体和动物的作品。在这里可以看到着色髹金的木刻《基督受难头像》、《十字架上的耶酥》、《圣母与天使》、意大利的雕塑《圣母与孩童》、17世纪的《童年时期的路易十四》，18世纪的名人像《伏尔泰》，19世纪的群塑《舞蹈》等。 珍宝馆 珍宝馆原来是雕像馆的一部分，后来由于珍藏品增多，1893年便独立组成展馆。最初，珍宝馆的展品主要是大革命时从王室没收而来的珍宝。后来，博物馆组织人马到处收购，加之有人捐赠，展品便大大丰富，现在有展品6000多件。其中有重达137克拉的大钻石，有镶满宝石的王冠，还有镀金的圣母像、历代王朝王室的家具、装饰用具等。

建筑结构

卢浮宫博物馆闻名天下，不仅仅在于她的展品之丰富、之珍贵，更在于博物馆本身便是一座杰出的艺术建筑。 据统计，卢浮宫博物馆包括庭院在内占地19公顷，自东向西横卧在塞纳河的右岸，两侧的长度均为690米，整个建筑壮丽雄伟。用来展示珍品的数百个宽敞的大厅富丽堂皇，大厅的四壁及顶部都有精美的壁画及精细的浮雕，处处都是呕心沥血的艺术结晶，让人叹为观止。参观这座艺术殿堂也够得上一次难以忘怀的美好享受。 在卢浮宫几百年的历史发展过程中，最初一直是比较分散的建筑群，并没有像今天这样形成一个整体。这种情况到1981年后得到了改变，1981年9月，弗朗索瓦·密特朗在当选为法兰西共和国总统后举行的一次记者招待会上许诺：“让卢浮宫恢复原来的用途”，这指的是让财政部搬出“黎塞留侧翼”。 “黎塞留侧翼”建于1852~1857年间，长195米，宽80米，是卢浮宫的一个组成部分，自1871年以来一直由财政部占据。1989年7月当时的财政部长爱德华·巴拉迪尔在再三请求下方才离开这赏心悦目的地方。 “黎塞留侧翼”的收回及开放，一下子使卢浮宫增加了2.15万平方米的展览面积、3个庭院和165个新展厅，共展出艺术品1.2万件，其中3000件是从存放室取出的，卢浮宫博物馆的展品由此大大增加。