山东一老人用45天在瓷片上刻出万里长城，这位老人是怎么做到的

这是一块瓷器碎片，看胎体是麻仓土的胎土，这说明这一块瓷器碎片至少是明万历年前后的瓷器碎片，款识是花押款，花押款始于明天启年间，所以这块瓷器碎片应该介于明万历年和天启年之间，有收藏价值。谢谢

基本没有什么价值， 笑哭

有些人会去盗墓，会找一些年份比较老的墓去到，这很可能就是那些盗墓者扔掉的，看这瓷片也就是以前一些普通平民的陪葬品，年代看起来就不是很悠久

就算是很悠久，破损得太厉害的话，也是没有什么价值的，除非上面有一些比较有意思的图案或者文字，那还是有价值的

对你有用的话，就对我采纳吧

马赛克，译自MOSAIC，原意是用镶嵌方式拼接而成的细致装饰。早期居住在洞穴里的人们，为了让地板更加坚固耐用，采用各种大理石铺设地面，最早的马赛克就是在这一基础上衍生发展起来的。

马赛克最早是一种镶嵌艺术，以小石子、贝壳、磁砖、玻璃等有色嵌片应用在墙壁面或地板上的绘制图案来表现的一种艺术。

马赛克成为装饰材料，最早被发现使用在建筑装饰上的马赛克是苏美人的神殿墙，在横贯欧洲的两河流域的美索不达米亚平原的神殿墙上有马赛克镶嵌的装饰图案，据说苏美人的太阳狗的镶嵌图案是发现很多最早的马赛克拼画。而考古发现最多的是古希腊时代，古希腊人的大理石马赛克铺石应用很普遍，当时最常用的形式是用黑色与白色相互搭配而成的铺石马赛克，当时只有权威的统治者及有钱的富人才请得起工匠和购得起材料，用马赛克镶嵌成各种各样的图案装饰自己住的地方。用马赛克作装饰表现当时是奢侈的艺术，发展到古希腊晚期时，一些能工巧匠和艺术家为了更多元化地丰富其建筑装饰作品，开始使用更细小的碎石片，并用自己手工切割的小石片通过各种颜色的搭配，组合来完成一幅幅马赛克镶嵌作品，铺贴在建筑物的墙上、地上、圆柱上，其原始、粗犷的艺术表现形式，是马赛克历史和文化的宝贵财富。

到了古罗马时期，马赛克已经发展得很普遍了，一般的民宅及公共建筑的墙面和地板、圆柱、台面，家具等都使用马赛克来装饰，也许有人看过大片《角斗士》就会知道古罗马时期是多么富裕，罗马柱、罗马殿堂建筑，罗马拱型建筑，罗马雕塑和马赛克装饰和拼图无处不在，古罗马建筑艺术的确豪华到不可思议的地步，乃至近代、现代的一些经典的建筑艺术作品，都在应用古罗马建筑风格，在我国的近代建筑艺术史上，上海外滩、北京东郊民巷、广州沙面、青岛的万国村、大连的小洋楼、哈尔滨的西洋楼街、武汉江边的西洋建筑群等，大多都是古罗马建筑风格的建筑，建筑体内外都有使用马赛克和马赛克拼图的痕迹，其中上海外滩的汇丰银行大楼、邮政局大楼更是保留着极为珍贵和经典的马赛克拼画和马赛克装饰，闻名世界的建筑——南京中山陵中伟人孙中山的寝陵拱形顶上的国民党党徽，就是一幅珍贵的马赛克拼图。

古罗马时期马赛克的盛行得益于早期基督教徒摩西分开大海把犹太人带到罗马时受到当地的贵族的打击和迫害，在极大的社会压力下，艺术成为基督教徒的表达信仰的最佳方式，他们在地下室和地下通道中聚会，由于他们大多数民众都不识字，他们把基督教徒的故事和传说在地下室的通道墙壁上做成马赛克拼图画，用于传播基督教徒文化，于是这些聚集基督教徒和民众的地下室和通道存着很多描述耶稣基督的故事的马赛克壁画。因此，很多经典的马赛克壁画，都还与基督教的传说和故事有关，罗马皇帝君士坦丁大帝登基后使基督教合法化并加以大力宣传，于是君士坦丁堡（拜占庭）的教堂都用大量的马赛克和马赛克拼画来装饰美化，使用的色彩愈来愈多。罗马贵族们为了炫耀其令人瞠目结舌的财富，把金箔烧制于透明的玻璃上来使用，西西里的马赛克的特色大多都是金底的，金箔马赛克最早是古罗马时期的西西里出现的。因此拜占庭时期的艺术几乎要与马赛克一词划上等号，罗马时期的马赛克作为一门贵族常用的艺术表现无处不在，因此，罗马时期的马赛克是马赛克历史的黄金时期，也是马赛克艺术的最经典时期。

15世纪，土耳其人征服了君士坦丁堡，古老的君士坦丁堡城市的大小教堂被土耳其人改为清真寺，虔诚的基督教徒为了保存和捍卫基督教文化和艺术，用白色的涂料把马赛克盖住，经过历史的变迁，基督教在当地再度崇尚时，虔诚的基督教徒把改为清真寺的教堂中的马赛克拼画的白色涂料清洗掉，充满基督教神秘、繁复而又美丽的马赛克拼画又重现世间，其重现世间的一刹那，激发了人民对马赛克的无限向往，马赛克历史又进入了一个更加绚丽的发展时期。 　16世纪，玻璃制造家发现了如何制造很多不同色调的玻璃，因此当时有些马赛克制作作坊制造出了多达万种不同色调的马赛克，他们开始用马赛克拼画形式模仿画家作画或临摹名画，使得马赛克艺术变得高度细节化和复杂化，给世间留下了很多很多经典的马赛克拼画艺术作品。

欧洲文艺复兴时期，画家的应用透视法强调空间结构，形成了绘画平面的突破，在平面中追求立体感，这时马赛克这样的嵌画材料本身不适于这样的立体表现，马赛克作为绘画艺术要走向写实很不容易，马赛克所特有的戏剧化僵硬形式，使从事马赛克创作的艺术家们忘了它们的功能，反而被马赛克大大牵制。随着文艺复兴而来的是对细节的复杂追求，文艺复兴时期油画艺术的兴起，多种艺术材料的选择以及建筑形态，建筑风格的改变都加速马赛克的衰落，导致欧洲文明在近几个世纪中，无法引发人们对马赛克这一古老艺术的兴趣，马赛克艺术历史一度进入了低迷发展时期，但文艺复兴时期的一些大画师由于颜料、画技和作画工具等各种因素制约，使其绘画作品难以保存，于是皇室或一些达显贵族命令工匠搜集不同颜色、质感的天然石料，切割打磨成一小块、一小块的粒子，根据艺术家的一些原画逐一铺贴在墙上，这样就可令大师的画作和一些名画内容得到永恒保存。马赛克艺术保存画等艺术品独一无二的永久性技法，也使得马赛克成为文艺复兴时期一颗耀眼的明星。

当马赛克艺术在文艺复兴时期由于其它艺术表现形式不断兴起而变得衰落的时候，在西半球的印加，马雅和阿兹特克的文明中，产生了混合马赛克及镶嵌技巧来装饰手饰和小件物品，用金土和土耳其玉、石榴石和黑曜石等制造出复杂的人体和几何图形等艺术表现形式，而迪奥提瓦康人则利用绿松石，贝壳或黑曜石等装饰做成面具，马赛克艺术得以延续。

19世纪末期的西班牙，安东尼高地开始把马赛克融入建筑艺术，他在巴赛罗那的古埃尔公园所作的回旋靠背马赛克座椅，是马赛克在建筑艺术上的一个经典力作，他用这全新的处理方法，把强而有力的抽象力在建筑艺术淋漓尽致地表现出来，把马赛克艺术结合应用于迁徊弯曲的建筑构造物中，体现了马赛克最精于细节改造的特性。

再后来，一些早期的基督教文化的马赛克的作品，因为基督教的重新传播而再度现世，使马赛克古老艺术的魅力不断提高和征服着近代艺术家的思维，结果引起了一些绘画艺术家和陶艺家开始用马赛克作画和装饰艺术品。现代马赛克由于生产力的进步，生产工艺技术水平的不断提高，装饰材料的不断产生和被应用，马赛克很快突破了传统马赛克所使用材料的范围。如陶艺、云母、木头、彩色玻璃片、金属片交替使用，形成了更具质感和色彩冲击力的马赛克艺术。 马赛克最古老的形式可追溯到希腊的铜器时代(西元前1600年到前1000年)，当时用经水磨损的小鹅卵石来装饰地板。约西元前800年时，出现了使用各种颜色小石头铺出图形的道路，然而这些图形都还不是很有结构性。直到约西元前四百年，希腊人才将拼贴小鹅卵石的技术提升至艺术层次。其图案有精致的几何图形也有细致的人或动物画面。

西元前两百年，镶嵌图被用在需描绘更多细节和色彩范围的作品上。因为这些小镶嵌片(tesserae)可细小至几公厘大小，所以能够仿造出图画的样子。这都是罗马人从希腊人那学习马赛克技巧，并在罗马帝国时期将此艺术发扬光大的结果。典型的罗马主题有庆祝众神的场景、家庭事物的描绘以及几何图案的设计，最具代表性的例子就是希腊罗马时期庞贝古城的”小心恶犬”图。 19世纪--20世纪

然而，当绘画在14世纪以降发展时，人们却对马赛克兴趣缺缺。因此，马赛克的制作技巧和构想都渐渐地遗失掉，虽然仍有些拼砖图还可见於修道院中。

19世纪末期的西班牙，高地(Antoni Gaudi )开始把马赛克融入建筑艺术，他在巴赛罗那的古埃尔公园所作的回旋靠背马赛克座椅是马赛克在建筑艺术上的一个经典力作，他用这全新的处理方法，把强而有力的抽象力在建筑艺术淋漓尽致地表现出来，把马赛克艺术结合应用于迁徊弯曲的建筑构造物中，体现了马赛克最精于细节改造的特性。

20世纪初，高地(Antoni Gaudi )和约瑟夫(Josep Maria Jujol)在巴塞罗那合作设计的桂尔公园(Guell Park)也有片令人惊喜的马赛克装饰墙。 如今，能用来制作马赛克的材料更多、更有弹性了。从沿用传统的大理石、小鹅卵石、玻璃砖、陶片、瓷片和珐琅等等，到任何生活中你可以使用的材料如钮扣、餐具或文具皆可。在今天这个高工业技术的时代，用金和银做出的玻璃状镶嵌片也可以大量生产。

现在引申为遮挡重要部位，例如媒体不方便曝光某个人是就把他的脸遮起来，看起来模模糊糊。

马赛克由于其在视觉文化中的地位和特殊含义，被学术界重视，例如专门的视觉文化研究网站：马赛克视觉文化研究网.到了二十世纪五十年代，艺术界被再次重现的壮丽拜占庭马赛克所鼓舞，加上新的材料如玻璃纤维和塑料等的出现，为现代马赛克镶嵌家们提供了一个能够再次创造独特的、引人注目的艺术作品的崭新机会。作为一种传统而有震撼力的装饰手段，马赛克成为现代装饰中极具表现力的艺术形式。成立于1956年的著名意大利制造商BISSAZA的玻璃马赛克重现了马赛克的艺术光辉，同时也使马赛克走进了工业化道路；1987年成立的SICIS公司则是意大利最优秀的马赛克生产商，以设计理念著称，将精细的人物花鸟和历史题材演绎得淋漓尽致。

诞生于1993年的成都磊富艺术石业有限公司则彻底地改变了马赛克的世界格局，打破了高档内装饰及设计行业为意大利人一家独霸的局面。经过14年超过了意大利的那些著名公司。磊富公司具有强大的产品开发及配套能力，独立开发的以Miracle Lava及Glass Magic为代表的高新技术第六代马赛克产品，一经推出，在国际市场上就引起了巨大的轰动和追捧，在整个马赛克市场上可谓首屈一指，产品一直供不应求，成功地把现代马赛克由装饰行业里的附属品提升到了展示建筑物高贵品质与独特审美风范的高度，进而成为了指引整个装饰行业发展的风向标。

1．石雕\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

石雕在广东历史悠久。在漫长的旧、新石器时代，石器加工是岭南原始先民谋生的手段。在珠江口的香港、澳门、珠海发现多处岩刻，以复杂的抽象图案为主，采用凿刻的技法，尤以珠海南水镇高栏岛岩刻为巨，最大的一幅高3米、长5米，明文凿刻，线条清晰，从复杂的线条中还可辨认出人物和船刻。据研究，该处岩刻年代约为公元前1000年，是青铜时代的作品。南越王宫署遗址发现有多根四方基座八角棱柱形石栏杆，是中国建筑史上目前已知最早的石栏杆构件。南越国御苑遗址，以石板作冰裂纹精工铺砌的石池、婉蜒曲折的石渠、巨大石板架设的石室以及多种石构件，为中国秦汉遗址所首见。南越王赵昧墓，是迄今所知岭南规模最大的石室墓，墓室巨石重达2．6吨。墓中出土的244件（套）的玉器，其中包括71件玉壁以及两件青玉圆雕舞女、l件浮雕卷云纹的青白玉雕角杯，还有丝镂玉衣、龙虎并体玉带钩，龙凤纹重环玉佩、兽首衔壁，均可谓精美绝伦的珍品，反映了当时加工玉石的高超工艺水平，可见南越国已掌握了开料、造型、钻孔、琢制、抛光、改制等手法以及镶嵌工艺。在南越王墓中，还发现滑石烤炉、耳杯、猪、枕以及石砚、研石。砺石及磨制精细的石斧等。说明石雕也是被重视的工艺。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

石材坚实，耐风化，因而，在岭南建筑中，除了石塔、石桥、石坊、石亭、石墓，更广泛地应用于建筑构件和装饰上。大体分为三类：一是作为建筑构件的门框、栏板、抱鼓石、台阶、柱础、梁枋、井圈等；二是作为建筑物附属体的石碑、石狮、石华表以及石像生等；三是作为建筑物中的陈设，如石香炉、石五供等等。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

广东石雕工艺以粤东见佳，以潮州石雕见精致。潮州开元寺大殿围廊唐代石栏板，与潮阳灵山寺唐大颠祖师墓塔须弥座束腰石刻风格皆典雅凝朴。开元寺内的唐代石经幢，为国内罕见的唐代大型石经幢。潮安宋代王大宝墓前石像生石武将高达2.33米。威风凛凛，石狮高1.46米，昂首挺胸，造型夸张。潮州明建凤凰塔塔座珍禽瑞兽石浮雕表现手法仍呈浑厚简洁之风格。至清代，潮州石雕风格为之一变，由浑朴变为精致，由浅浮雕为主改进为深浅浮雕与透雕结合，工艺水平大为提高，饲堂、府宅、会馆争以石雕竟奇巧。今存于广东民间工艺馆的清未潮州石雕老鼠荔枝葡萄石雕，为建筑物上构件，高78厘米，青色花岗石雕成，以深浅雕结合，雕出一群老鼠在荔枝、葡萄丛中偷吃果实，老鼠动态各异，生动有趣，葡萄藤蔓缠绕，技艺十分精湛。华侨陈旭年所建潮安彩塘镇丛熙公祠，耗资26万元，历14年功夫始建成，集中了石雕艺术之精华。公铜门楼设有一对大抱鼓石、一对石狮子，屋架为石质斗拱，梁枋两端为镂空石雕，以花卉虫鸟。人物走兽为题材。两条喷水柱磨制得光滑如镜。檐前垂花柱别出心裁地刻倒挂花篮，层次复杂，剔透玲珑。四幅贴壁石刻，分别以渔、耕、樵、读，花鸟虫鱼为题材，一幅之中，有土农工商25个人物，出没于山村曲径，穿插于亭台楼阁，神态各异，散聚有致，富有生活气息。其中匠心独运地采取了镂空手法刻成石网绳、石牛索，极尽工巧。潮州明清代所建石牌坊，多达110多座，仅太平路千余米之路段，便有47座，形体高大，工艺精致。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

粤中石雕，以石柱础、石坊、石狮为主。广州博物馆曾经展出过南汉石墩，座底方形，上部刻圆面，径约一米，环绕圆面刻出十数只狮子，首皆朝外，形象粗犷，艺术风格明显受西亚艺术影响。南汉主刘垄晚年“作南戴柱皆通刻镂础石，各置炉燃香，故有气无形”。如此巨大又雕刻生动之座墩，可以想见彼时建筑之宏伟和手工水平。光孝寺大殿后廊平台勾栏有13根砂岩望柱上保留了宋代石雕狮子，高45厘米，胸前围一宽广的绶带，中悬响铃，作凸胸蹲坐姿，前肢或踩绣球或抚弄小狮，姿势不一，毛发蓬松，尾巴长满茸毛，盘曲于后肢之下，其造型受北方影响尚深。镇海楼前存有广州明代最大的红砂岩石狮，这对石狮原置双门底前，民国元年（1912）拆城开马路，移至今址，高224米，连座通高2.86米。体态肥大，阴刻狮毛，头如蟾蜍，双耳尖耸，咧嘴露齿，威猛不足，温顺有余，十分古拙，民间艺术韵味甚浓。同属明代的揭阳仙桥郑氏家庙前石狮，已经显示出更多艺术加工的活泼姿态和精良的雕刻技术。狮身细长，轻抚幼狮，体态昂扬，呈优美的外轮廓曲线。清代岭南的石狮，已经形成特有的风格，形象装饰化，更具有浪漫色彩，较之北方石狮憨态可掬，少威严凶猛，多喜庆气氛。广州市人民公园内，有清顺治年间用肇庆星岩白石雕成的一对石狮，原为靖南王府之物，为高要工匠开凿。雄狮踩球；雌狮与胸前、后背各一幼狮玩耍。石狮高1.9米，立于1.62米高的石座上，很有气势。清巡抚公署内的一对星岩白石石狮，高度大小与靖南王府石狮相同，在圆雕的躯体上以深、钱雕及线刻，刻划出卷毛，整体造型浑朴有力，与后期一般岭南石狮的秀丽玲珑风格迥异。广东迎宾馆门前置一对清末石狮，系从天成路晏公街迁来，雄狮怀中抚抱一大彩球，口街彩带，肩挂一大串响铃，嘴口以三弯线刻划。雌狮右前肢抚着一只站立扭头欲跃的小狮及一蹲伏幼狮，情意亲切。这种法式，\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

常见于晚清广东石狮。清代石雕之精雕细镂，线条流畅，密而不乱，精美绝伦，在今存华林寺前星岩白石塔之基座上得到淋漓尽致的表现广东各地存有一批饶有特色的古代石狮。南雄博物馆门前一对红砂岩雕凿宋代石狮，各高1.2米，形体修长，雄狮张口侧头左前脚踩石球，雌狮矜特慈爱，右前脚抚一小狮，神态生动，不落俗套，是宋刻珍品。龙川存有宋衙署内石狮子，高16米，身躯高大，线条粗犷有力。德庆学宫院内现有一对麻石狮，颜色黝黑，凸胸昂首，有南北朝雄健气概。现在清代石狮数目较多，吴川。佛山等处的石狮工艺精致，风格成熟。石雕也有其他动物形象。徐 闻前山圩可见古代石狗、石龟、石猴、石狮，以石狗数目为多且有特色，大者与人比高，小者如猫，或凶恶或温驯，无一雷同。石狗在雷州半岛农村几乎村村可见，多少不一，多者一村有一二十条，置于村口、树下、门前、天并乃至居民窗户顶部飘板上， 最早为宋代雕制，衍至当代，应是图腾崇拜遗制。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

石雕精品也见于其他品类。罗定分界镇于露出地面的石头上刻成0.97米直径的圆面，凿出8片覆莲花瓣，很可能是佛像石座。连平紫云庵旧址，存有13尊明代石雕罗汉像，雕工细腻，比例准确。肇庆崇趋塔、高州宝光塔、潮州凤凰塔塔基浮雕图案以及潮安三元塔各层塔心室藻井上的石刻浮雕图案，题材丰富，雕工精湛。兴宁学宫大成殿前御路石雕“游龙吐珠”，高浮雕游龙蜿蜒出人石壁，构思巧妙。饶平王饶古城城隍庙石雕人物浮雕，镇泽镇石井村石砌望柱栏板人物花卉、飞禽走兽图像浮雕，柘林镇天后官门上16幅花鸟图案石雕，皆栩栩如生。顺德杏坛镇逢简村明远桥栏板花纹及望柱上石狮形象，杏坛镇古粉村爱日桥栏板雕刻的龙凤牡丹及佛八宝等图案，均是精致的明代建筑装饰石雕。佛山孔庙红砂岩照壁，原置于“忠义第一社” 内，高2.62、宽2.27米，浮雕麒麟，刻制年代不详，古朴有神。德庆悦城龙母庙的门楼、牌坊、栅门以及内庭，遍饰石雕，被誉为石雕艺术的殿堂。山门、香亭的清代皤龙花岗石柱，采用深雕和透雕工艺，盘龙鳞甲毕具，口中珠滚，轻灵通透。龙柱之巨者，当数现存佛山博物馆院内改装为华表的龙柱。原置社亭铺药王庙，高 17.8 米；柱础直径0.9米，花岗石质，高浮雕，部分镂空，民国《佛山忠义乡志》谓其“非近世工匠所能造”。客家祠堂前较为常见的是石刻旗杆，平远黄畲乡南龙村之清代花岗石楣杆，通体浮雕黄龙盘缠而上，柱顶作清代官帽式，高达15米。石华表较多见于墓道、祠庙之前。广州仁威庙前、南海神庙内、黄花岗烈士陵园墓道，均置有石华表，刻制时间在清代至民国，浮雕盘龙，腾云喷水，艺术性极高。建筑构件的石雕，除了石柱，还有石梁机石栏板、石基座以及石柱础等。岭南庙堂的石栏板及须弥座束腰雕刻，由唐至明代，风格均较粗犷简朴，到清代也一变为繁褥精致，以广州陈家调之栏板、南雄广州会馆之大门次间月梁之装饰为典型。石柱础造型各异，有方形、圆形、亚字形、八角形、六角形，也有覆缸形、腰鼓形、花篮状等，充分体现了岭南工匠的创造力。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

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2．木雕\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

岭南木雕作为工艺品出现，始现于广州两汉前期汉墓出土的木船模型和划船俑。木船涌以圆木加工，寥寥数刀，已经能够很立体地表现出人物脸部眉眼、鼻、两颊，传神勾勒出划船人弯腰用力之态势。表现出岭南先民木雕工艺的功力。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

广东木雕分为广州木雕和潮汕木雕两大流派。广州木雕以实用为主，主要用于建筑饰件（花衽、花罩、门窗）和红木家具。主要产地为以广州作为代表的珠江三角洲及西江流域一带。潮汕木雕以金漆木雕最为出名，主要用以装饰厅堂、神龛座件、橱柜门饰等。祠堂、会馆、庙宇及府邪的梁架封檐板，都是广州木雕和潮汕木雕重点装饰的部位。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

潮汕木雕始兴于唐，发展于宋明，盛行于清。现潮州开元寺内，挂有唐代木鱼，宋代政和四年（1114年）本龙（悬挂铜钟用）。明代，潮州府衙正门镇海楼上有三套栏杆，共计108根木柱的望柱上刻有木雕小猴108只，形态各异。镇海楼后被焚毁，府楼猴难逃其厄，现仅存3只。1只由省博物馆收藏。2只由潮州市博物馆收藏，一双手抱膝，闭眸沉思；一左手搂膝，右手挖耳，活泼逼真。今藏广东民间工艺馆的清代潮州红漆木雕香炉罩，连座高35.3厘米，呈正方形，罩的三面及底座雕刻非常精细，有一面为将军与王爷狩猎图景。罩的四边分别精雕“松鼠菩提、“鸣蝉葫芦”、“蝙幅南瓜”等纹样。底座四边望柱雕有狮子、莲花，围栏镂雕各种花鸟。纹饰细致复杂，多种技法娴熟结合，在有限的范围内精心布局复杂的场面，达到了炉火纯青的艺术境地。明代以后，在原来基础上兴起潮州金漆木雕。金漆木雕分为深、浅浮雕和通雕、圆雕，注重采用多层镂空技术，与浙江东阳木雕并称中国二大木雕品种。今存于开元寺内的明代金漆木雕千佛塔，高2.58米，采用圆雕手法，六角七层，层层有佛像，塔基刻有唐僧取经故事，细腻精彩。清代潮州木雕鼎盛，乾隆年间，庙宇相堂遍布潮汕各地，栋梁牌匾、门窗家具，尽如雕饰，潮州城南堤外青龙古庙梁架装饰半边蟹篓，相传为著名木雕艺人黄开贤所作。晚清金漆木雕精品，当数潮安彩塘金沙乡的资政第、潮州义安路铁巷的已略黄公祠。已略黄公祠建于清光绪年间，其正厅门楣、主座、头进屋架，满饰剔透玲政的金漆木雕，题材有狮、龙、凤等祥瑞动物，又有历史故事，如“铜雀台”。“涨羽煮海”、“水淹金山寺”等，斗拱刻成飞凤，似将屋梁举起腾空而去，雀替刻成连枝花卉透雕。千姿百态，既美化整体，又起了穿插勾连撑架的建筑功能。横梁上施以金漆画。整座梁架成为一件层次丰富、金碧辉煌的大型式艺品。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

潮州金漆木雕作为建筑装饰和摆设，其特点是通透、华丽、精致。今存于潮州博物馆内有《水族图》缠罩，反映了以水为题材的地方特色，充分地利用了透雕的表现能力，在水草、荷花之间，鱼、龙虾、蟹、螺，或游戈、或潜行、或爬动，生气勃勃。藏于潮州博物馆内的木雕挂屏，采用通雕手法，在高约60、宽约38厘米的画面上，仅人物就有45人，场面复杂，层次分明，极力渲染欢乐气氛。浮雕《湘子桥图》，在两幅各高约54厘米、宽32厘米的木板上，独具匠心地刻出“十八梭船甘四洲”的湘子桥全景，桥上亭阁、镇水锉牛、东门城楼，尽收其中，还有神态各异，身份不同的25个人物，显示了潮州艺人善于在方寸之中布局，充分利用深浅浮雕、通雕等技法表现丰富层次的景物。故事的技巧特色。神器装饰是金漆木雕地方色彩特别浓郁的一个传统门类，藏于潮州博物馆的清光绪年间金漆木雕神轿，高工1.1米、宽0.8米，由近百块金漆木雕小品构成，有轿围屏、交椅围、中盘、下盘、轿脚狮和花牙等。雕刻内容有博古图、水族图、水淹金山寺、八仙过海等，最高处刻双龙抢宝图案。藏于广东民间工艺馆的潮州金漆木雕神亭，高 2.1米、底部 80见方厘米。为游神时所抬的神器。重檐歇山顶建筑模式，自上至下装饰满各种图形，突出《封神榜》中的姜子牙、黄飞虎、雷震子、托塔天王等戏剧性情节和人物。藏于潮州博物馆的清光绪年间神龛，高达3.25米、宽1.78米、深1.25米，由80多块金漆木雕和20多幅磨金漆画装饰，灿烂辉煌。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

广州木雕一开始较为擅长于圆雕人物。1950年在广州光孝寺三宝佛腹中发现唐代木雕罗汉像，体形肥硕，面部丰满，微笑和蔼。用琉璃珠镶嵌眼球，长耳垂肩，盘腿跌坐。绿衣朱裳，衣服纹褶轻快而富于弯化。左手捋衣袖，右手上举打手势，可惜已残缺。同时发现的唐代木雕信上像，造型特点类罗汉像，眼珠也是镶嵌琉璃球，闭嘴张目，昂头看天，右手抚股，母指轻触肚皮，若有所恩，左手已缺。线条简练富表现力，造型富有生活气息，反映出当时的技巧已相当成熟。现存于曲江南华寺的360尊北宋木雕罗汉像，从像上所刻铭文，可见这批木雕罗汉像是雕造于广州。其艺术成就十分卓越。木料多采用柏木，也有楠木、樟木或檀香木的，每尊造像都是用整块木坯雕成，高度在49.5~58厘米之间，直径23.5～28厘米。每尊佛像都是底座和坐像组成，在这有限的范围中，设计出姿态不同、生动传神的罗汉形象，不仅坐式、手势变化多样，而且长幼肥瘦，形貌各异，神态不同，肌肉、衣纹富于质感，可以看出是与光孝寺三宝佛腹发现的唐代木雕罗汉像一脉相承的。明清以后，广派木雕向建筑装饰和家具陈设上发展。广州陈家祠内头门黑漆雕花梁架承檀，头门后柱间设4扇抽木屏门，双面镂刻渔樵耕读及历史故事，主体建筑聚贤堂内12扇柚木屏门双面镂雕历史故事，后进5间中堂和两侧3间厅堂均有大型花罩，雕刻均十分精美。广州城隍庙，前廊梁架做工尤为精细，承托卷棚檩子的异形斗拱、墩木、梁枋出头等构件雕有姿态生动的戏曲人物、编幅、寿字、鳌鱼及卷草纹饰，梁枋出头上以木雕狮子身背异形斗拱，别具一格，番禺余荫山房、顺德清晖园饰件，也有不少木雕佳作。广派木雕也有金漆木雕。广州仁威庙的头门梁、杭、驼峰、雀替，均做成木雕工艺构件，正殿承托梁架的驼峰，斗拱，支撑梁檩的叉手、托脚等砍削得精细、别致，驼峰分别雕成梅雀、麒麟、龙门等吉祥纹样；遍施月梁、明间两金柱间的跨空枋，雕有八仙等人物；所有的梁枋底部雕有花纹，连檐板都雕刻有精细的戏曲人物故事。木刻均施金彩。清代广派木雕在珠江三角洲和西江流域十分流行。用于亭台楼阁、厅堂的装饰，主要有花衽、花栏、门廊、花罩、挂落、梁枋、檐板、花舫（紫洞艇）、神台、门窗、藻井、屏门等。内容包括人物故事、鸟兽花木、博古书画，无所不有，尤擅长于表现菩提缠竹、玉兰紫藤等网络复杂、图案新颖，富有岭南地方特色的题材、佛山祖庙庆真楼荔枝挂落，一颗颗累累荔枝果实，悬挂在翠叶丛中，宛若置身荔枝园中。清末光绪年间，广派木雕以“三友堂”最有名气，原由许、赵、何三位木雕师傅合伙经营木雕，后分为广州“许三友”、佛山“何三友”和三水“赵三友” 三处，其风格粗壮豪放、夸张洗练，刀法利落，不易损坏。广派木雕盛期代表为佛山装饰木雕。清光绪二十四年（1898）参加木雕行会的有18家，宣统二年（1910）全行业聚会包括学徒在内木雕工人有148人。民国初年，佛山较著名的木雕店号有广华、成利店、聚利、恒吉、三友堂、泰隆、合成等。传世的主要作品今集中于祖庙博物馆内，如清代黄广华造漆金木雕大神案、金木彩门，成利店造漆金木雕大神案，泰隆造三山屋木雕龙首六角宫灯、大屏风、万福台等。万福舞台的隔板最为辉煌，木雕共六组，均装置于分隔前后台的隔板上，内容为八仙、三星拱照、降龙、伏虎、大宴铜雀台等。全部漆金，雕工豪放，刻划传神。祖庙三门的前檐花衽，长31.3米，为光绪二十五年（1899）泰隆造共分14段，均雕刻人物故事。三门后檐花衽为聚和造，规模不及前檐而雕刻颇精，内容为郭子仪祝寿，是多层高浮雕。黄广华造金木雕大神案，长3.3米，宽1.3米，正面神龛式多层楼空金漆木雕，共雕刻人物126个，上层为荆轲刺秦王，下层为李元霸伏龙驹。下层场面中还雕刻了几个戴高礼帽，身着燕尾服，被打翻在地和跪拜献表的洋人。神案背面为松鹤延年大幅木刻，黑漆描金。神案两侧金漆高浮雕侏儒托瓶，所雕侏儒形象为洋人。黄广华造的金木雕彩门，通体雕刻人物故事，中段赵美容伏飞熊，也有外国侵略者被打翻在地的场面。表现了鲜明的时代气息。 \`&]gdwh`*\=.Com.Cn

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3．砖雕\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

近海地区，因砖质易受海风腐蚀、风化，故砖雕较为少见。广州附近及西江、北江流域中游则较为常见，多用于门额、埠头、墙头、栏杆、神龛楣边、天井照壁及通花漏窗。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

砖雕按技法分浅浮雕、高浮雕和透雕，按规模分组合砖雕（先单个注模，然后组合成一个完整的图案）和单块砖雕。组合砖雕一般用于墙头、柱头、照壁等大面积的装饰，大者需数百块砖雕组成。单块砖雕则常镶嵌于神龛边框或相饰、座饰等处，多为花卉鸟兽之类的图案。在岭南出土的汉墓砖有花纹纹饰，晋徒有铭文，这些多为模印；也有少数划刻。广州出土的太原王夫人墓志铭，刻于隋大业三年（607），可以视为砖雕的滥题。海康元墓出土线刻砖，有神祗、动物，已属艺术创作，但人物形象较为呆板，这大概与刻划的对象有关。而作为有深浅层次的砖雕相传始于宋代，这一时期中原砖雕已达到相当高水平，从墓室饰砖可以看出，但岭南现存建筑物上砖雕最早为元代雕制。初时只为浅雕，人物形象不大突出。番围石楼镇善世堂大堂正面左右的两侧墙上，各有一个砖砌的镂空大花窗，花窗四边镶有人物、花卉图案的砖雕组群，是保存较完整的明代砖雕组群。现置佛山祖庙郡马梁神牌坊，是明正德十六年（1521）所建的4柱3楼牌坊。正楼、次楼为砖雕砌建，刻有花鸟、人物、花卉，形象简练，刀法生动，反映佛山明代砖雕已达到较高水平。广州钟落潭曾氏大宗祠大门墀头砖雕，祠内石牌坊上嵌5跳卷叶形砖雕斗拱，为清乾隆年间所制，是砖雕中较早之实物。岭南砖雕当推陈家祠正面墙头6幅大型砖雕为著称。每幅高度2米，宽度约4米，由质地细腻的东莞青砖精雕细刻拼接而成，主要内容为聚义厅、刘义庆伏龙驹，也有瓜果藤蔓、书法条幅。陈家祠砖雕出自南海、番禺的黄南山、杨鉴廷、陈兆南、梁澄、梁进等著名民间艺人之手。佛山祖庙砖雕规模也较大，分别设置于钟楼和鼓楼北侧墙壁，都是光绪二十五年（1899）郭连川、郭道生合作雕刻制品。两套作品的规格大小、制作手法和风格一致，各高1.82米、宽2.6米，内容分别为牛皋守房州和海公大红袍。较之北方砖雕的粗扩、浑厚，广东砖雕显出纤巧、玲拢的特点，采用精制水磨青砖为材 料，往往雕镂得精细如丝．习惯称之为“挂线砖雕”。雕刻手法多以阴刻、浅浮雕、高浮雕、透雕穿插进行，精细者可达七八层，造成景致深远的效果，雕成的花卉枝叶繁茂，形如锦绣。戏曲人物衣甲清晰。在不同时辰日光照射之下，还能呈现出黑、白、青灰等不同色泽，高光部更烟烟生辉，画面富于起伏变化。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

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4．陶塑\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

在英德、始兴、南雄和南澳等地的原始社会遗址发现广东最早的陶器，距今约7000～8000年，是红褐色或黑褐色的夹砂粗陶。有了陶器，即使是日常用具，也有造型艺术的要求、距今5000—6000年前，珠江三角洲、韩江三角洲贝丘及沿珠江口的沙丘遗址出现了彩陶，反映了制陶工艺的进步。新石器时代晚期陶窑，在曲江、韶关、始兴、兴宁、普宁等地仅有发现，陶器表面的花纹装饰已相当美观，多用陶拍加工出各式各样的几何形花纹。屹今发现的最早的陶塑艺术作品，见于增城西瓜岭战国早。中期遗址，出土有陶鸡和陶马。前者高10厘米、竖冠睁目，颇为神气；后者残长11厘米，头脚已缺，仍可见鬃毛纷披的矫健体姿。在深圳、香港也发现有这一时期陶塑动物残件。至西汉前期墓葬中已见有陶制犀角、象牙模型，最大的陶象牙长49厘米，陶犀角长17厘米，底均挖空呈喇叭形。出土的这一时期陶壶铺首，兽头眼、鼻、耳、置免造型有较多的变化，装饰性很强，其源可能出于仿岭北传人的青铜器。西汉中期墓出土有陶灶、井、仓、屋模型。西汉后期墓出土有双狮形座、虎子及猪、牛、狗、鸡、鸭等模型。这些都是陶塑的早期作品。东汉后期陶井模型，井亭攒尖顶置有张翅昂首之鸟，是最早附饰于建筑物的装饰性陶塑。广州光孝寺出土的南朝莲花瓦当，花瓣两层，每层8瓣，花瓣莲蓬丰满、规整而不失韵气生动。中山五路出土的唐代兽头砖，造型可与唐长安大明宫出士兽头砖媲美。这些都是屋顶建筑构件，有很强装饰艺术性。从一开始，陶塑对建筑物装饰的部位就在屋脊上，与陶制件不怕雨淋日晒的特性有关。陶塑瓦脊，主要流行于粤中地区的庙堂上，清代至盛。佛山祖庙共6条陶塑瓦脊，分别在三门、前殿、前殿两廊，大殿和庆真楼的屋顶上，以石湾文如壁造的三门陶塑瓦脊为长，长30米、高1.8米，正面各段内容分别为舌战群儒、姜子牙封神、甘露寺，塑有人145个物；背面为郭子仪祝寿，塑有149个人物。其他各脊陶塑也均为双面，内容有哪咤闹海、穆桂英挂帅、天官赐福、鹊桥会等。岭南陶塑瓦脊以广州陈家祠最为壮观。各进厅堂、连廊、通巷之屋脊上遍饰陶塑。厅堂上的瓦脊两边巨大的鳌鱼、狻猊、凤鸟令人注目。聚贤堂上之陶塑最长，长27米，高约3米多，饰以尉迟恭金殿争帅印、群英会、桃园三结义、郭子仪祝寿等场面。亭台楼阁高低相望，背景又有瀑布、山陵，两面各塑大小人物、动物300多个。陈家祠陶塑系石湾文如壁店造。文如壁是顺德人，康熙年间石湾陶塑名工，其子孙沿用老字号设店，光绪年间广东各地不少建筑屋脊瓦脊都有文如壁店作品。陶塑瓦脊极为富丽，现存还有德庆悦城龙母祖庙、三水胥江祖庙、东莞埔心村康王庙、顺德大良西山庙等处。东莞康王庙修建于清光绪十四年（1888），屋脊陶塑的108个水路好汉陶塑栩栩如生。屋脊陶塑之饰不止见于粤中。清代重修揭阳榕城北帝庙屋脊陶塑背景之楼阁亭台高达三层；现时改成粤东风格的船形脊，尽失当日风采。粤中陶塑瓦脊具有的特点：一是突出人物在场面中的主体位置，“人大于山，水不容泛”，而楼台也极似戏曲中的背景，只简化到主要特征。人物头部比例较大，动作较大，脸部用不上釉的黄赤色土塑成，喜怒表情明显，上部一般外倾。二是色彩鲜艳，在太阳底下闪耀釉光，经过雨水冲淋之后更加鲜丽。总之，适于远观也可近赏，使庙堂有一种浓缩历史的感觉，所塑题材为百姓喜闻乐见而有亲切感，使庙堂与民俗更为接近。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

比陶塑更为高级的有琉璃脊。广州沙贝名贤陈大夫祠牡丹花琉璃花脊，为清道光二十七年（1847）英华店造，是广东现存最早的琉璃瓦省之一，花枝唯妙唯肖。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

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5．灰塑与泥塑\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

发塑在民间又称灰批，是用石灰、麻刀、纸浆和铁丝等塑制而成的饰件。常用于脊饰和檐下、门楣窗框等部位以及亭台牌坊构件。灰塑可作成多层次的图像、浮雕和单体圆雕，涂上鲜艳的色彩后，艺术效果接近陶塑，而制作更为方便，因而在明代广东各地的建筑物已多有运用，清代更为普遍流行。也以广州陈家祠、佛山祖庙、三水胥江祖庙、悦城龙母祖庙等处的灰塑为出色。建于明正德十六年（1521）的佛山祖庙褒宠牌坊，是现存有发塑雕饰的较早期作品。始建于明代的顺德大良西山庙饰有大量造型生动的灰塑。陈家祠屋脊灰塑累计总长225米，高度平均为0.9米，规模之大为岭南地区之冠。灰塑除了人物、花卉图案造型以外，还常见有几何纹样饰以屋脊、檐下等处。如肇庆苏氏宗词的万字回水纹灰塑、德庆院芳莫公桐的正脊获纹灰塑以及惠东平海古城明代民居屋檐下的几何纹灰塑等。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

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6．嵌瓷\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

这种装饰流行于粤东一带，俗称“聚饶”、“贴饶”或“扣饶”，为罕见的地方工艺，创始于明代，盛行于清代。初时只是利用碎陶片在屋脊上嵌贴成简单的花鸟图案装饰。清末，随着陶器生产技术的改进，瓷器作坊为嵌瓷工艺专门烧制低温瓷碗，彩以各种颜色，供剪裁镶嵌成平贴、浮雕或立体的人物、花鸟、虫鱼、博古等，装饰于唐宇、祠里、亭台、楼阁和民居的屋脊、屋檐、门楼和照壁上。制作的方法，用石灰、红糖和草纸调匀成灰浆，钳剪彩色瓷片镶在灰泥表面，拼接成各种图画。立雕要用铁丝先扎好骨架，用灰浆塑好堆成，再以瓷片嵌贴面成。\`&]gdwh`*\=.Com.Cn

潮汕嵌瓷坚实牢固，经风雨而不褪色，层次丰富立体，色彩绚丽斑斓，尤适于表现花鸟人物。在塑造题材上，多以吉庆、祥瑞为表现内容。通常在屋脊正面饰双龙戏珠、双凤朝牡丹，脊头屋角以戏曲故事人物为立塑，尤其是武将袍服更显嵌缀之工细。照壁上的嵌瓷，常见的有麒麟、仙鹤、梅鹿、狮象、龙虎等。清代，潮汕民间嵌瓷艺术已广泛应用于建筑装饰上，不但流行于潮汕地区，还流传到东南亚各地，泰国曼谷的郑王塔，就是一件巨型的嵌瓷艺术品。潮汕地区古建筑上原有嵌瓷装饰现已几乎荡馨。近年一些修复的庙宇、亭阁也采用了嵌瓷工艺，使这门民间建筑饰工艺以

埃舍尔,自己必需要有丰富的情感.全名毛里茨·科内流斯·埃舍尔（Maurits Cornelius Escher）,其中的意境便可见一斑,一名对现代艺术影响深远,其中最主要的是美术欣赏没有固定的程序或方法,却被史学家遗忘的、世界艺术史上“绝无仅有的”艺术家.从实践来说,和其他依靠感性进行创作的艺术家不同,就必须精心设计好本堂课,埃舍尔的作品是经过复杂的理性思维的产物.没有心灵感受.他从事物的精确、规则、秩序等特性中发现了美,背离了历史审视的目光,创造了美.“一、形体,

一、埃舍尔的镶嵌图形

关于平面规则分割（平面镶嵌图形）,真切地感受到不同时代、不同地域、不同空间的建筑风格,埃舍尔写到：”郭绍虞在《怎样欣赏书法》中提出了六条标准：.“在数学领域,基础课程的实质是为信息传播打下基础,平面规则分割已经从理论上获得了充分的研究……数学家打开了一扇通向无限可能性的大门,大体上说并无什么差别论行当都是为人熟知的生、旦、净、末、丑论表演无非是唱、念、做、打论技巧不外乎眼、身、法、步但为什么会有梅、言、荀、谭等流派呢?这就是他们虽都在用相同的艺术手段表现相同的内容,但是他们自身并没有进入其中看看.并运用现代教育技术进行美术教学,他们特殊的禀赋使他们对如何打开这扇门的方式更感兴趣,它在现代哲学与科学思想的双重影响和推动下发生了历史性的变革,而对隐藏在其后的花园不感兴趣.即通过引进和美术作品有联系的事物或知识,”埃舍尔正是从一个艺术家的角度,即要与当代艺术产生良好的互动.利用数学家的发现,使用的材料的新颖性,发掘了美,通过画可以看出画家对大自然是多么的热爱.创造了美.随着计算机辅助设计技术的发展,他的平面规则分割作品令许多数学家吃惊.引发人们的遐想.他在已知的17种抽象平面分割群组形式上创造了许多具象镶嵌图案.存在的新问题本身往往隐藏着解决新问题的方法.这种把抽象的几何形状赋予具象的形象其实是一种复杂的图形思维过程.美术教师将随着新课程教学的改变而重新寻找自己的教学方法.要完成具象镶嵌图案的创作,必定会对油画创作的原动力有一个新的认识和提高.对各个图形的思考必须要非常严谨,如何追求时尚的穿着成了消费的中心问题.每个镶嵌图形既要考虑它的镶嵌可能性,‘水墨围上’,又要赋予具体的形象,把和追求意境无关的、可有可无的景色一律删去,而且这种镶嵌是四面无限延伸的,从中可以见出赵佶对诗画合一的大胆尝试和显著成就.这就必须要具备很强的图形（图像）联想能力.另一方则是“圆以象天”.

埃舍尔的图形镶嵌作品,在纸张选择上的多变性,可以将其分为单体镶嵌、双体镶嵌、多体镶嵌和渐变镶嵌四种形式.画面中色彩自然和谐却又远非自然的色彩,

19世纪初期，欧洲各国的工业革命先后完成，与此同时也给社会带来了一个新问题：大批工业产品被投放到市场上，但设计上却非常粗糙和拙劣。在1851年的英国伦敦举办的第一次世界博览会上，这一问题就被充分的暴露出来。当时的展品中工业产品占了很大的比例，外型全部相当粗陋。工匠们尝试用一点装饰来加以弥补，硬是把哥特式的纹样刻到铸铁的蒸汽机上；在金属椅子上用油漆画上木纹；整个展品一片庸俗，完全体现不出美学功底以及装饰原则。一些关心艺术的人通常都把这一问题归罪于机器。

其实仔细推敲会发现问题的根源所在。中世纪那些受过行会训练，有教养的工匠阶层在所谓的“理性时代”被一扫而光，导致所有产品的外观造型都交给了那些缺乏教养的制造商来胡乱处理。然而这些粗俗的产品由于非常廉价，反而受到广大群众的青睐。而这些群众没有受过良好教育，他们要么有钱没时间，要么既没钱又没时间。这就将导致大众的艺术品位受到严重的污染。而此时的大部分艺术家受席勒（Schiller）的艺术哲学以及浪漫主义思想的影响，轻视实用价值和广大公众，他们把自己禁锢起来，远离时代的真实生活，退居到他圣神的小圈子里，创造为艺术的艺术，为艺术家自己享用的艺术。

事实上，这次展览的组织者当中的艺术团队亨利·科尔(Henry Cole,1808-1882)、欧文·琼斯(Owen Jones,1809-1874年)、马修·迪格比·怀亚特(Matthew Digby Wyatt,1820-1877 )和理查德·雷德格雷夫（Richard Redgrave，1804-1888）都十分重视上面的问题，想通过这个展览尝试对美学方面进行一次改革。

在1849年，科尔创立了一本名为《设计与制造学报》杂志。这本杂志所推崇的理念就是“装饰……与被装饰物相比必须是次要的，”“装饰对被装饰物而言必须是适当的”。而这些都来自于，几年前普金创立的信条。普金(August W. N. Pugin)在他的著作《尖拱顶或基督教的真实原则》中开宗明义“设计的两大原则……其一，去掉与建筑的方便性、可建设性和适用性无益的特征，”“其二，所有的装饰都应是建筑的精华浓缩而成”①。普金出生于法国移民家庭，后来信奉罗马天主教。他以维多利亚建筑史上哥特风格复兴先驱而著称于世，同时倡导设计与制造业的诚实和直率。他的这些思想在很大程度上影响了英国艺术理论家和散文作家约翰·拉斯金(John Ruskin,1819-1900)。

作为一位社会主义者的拉斯金，他的设计理论具有很强的民主色彩，他认为真正艺术必须为人民创作的，否定造型艺术——所谓大艺术（纯艺术）与被称为小艺术的手工艺、室内装饰等之间存在着什么差别。主张艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合。

普金对中世纪艺术的道德内容的倡导也对拉斯金产生了重要的影响。拉斯金同样反对装饰的过度，认为装饰应当适当并且真实。他在1849年所著的《建筑的七盏明灯》的第二盏就是真实，对拉斯金来说，真实就是用手去制作，而且必须是愉快的去做。如果像希腊以及埃及的工匠那样，那还是卑屈的不真实的，因为“这儿的工匠地位低微，他们的技术和能力完全受上司意志的支配”。只有中世纪时期的手工制作才是真实的、美的，特别是基督教装饰“彻底摆脱了这种奴颜婢膝，因为基督教不管在大事还是小事上，都认识到个人的价值。但他除了承认这种价值外，还承认这种价值是不完善的，因为这种价值认为只有承认微不足道的事才具有尊严……哥特学派中最值得羡慕的也许是它们接受低等人的劳动成果,指出其中不完善的地方,宽容地树起一座完整、庄严而又无可指责的艺术之宫。”②，他在题为“生命之灯”这章中也写到“最宝贵的正是那些生命的迹象”。

拉斯金在装饰上推崇自然主义，反对维多利亚的繁琐矫饰的装饰。他认为“不是源于自然界的形式必定是丑的”③。他对机器的否定，他把机器产生的单调看成是死亡的东西，而把手工制作的东西看成是生命的表现。

拉斯金的这些理论思想最后成为英国工艺美术运动的主导思想。而将他的理论付诸实践的是英国工艺美术运动的倡导者、设计家、画家、诗人和社会改革家威廉·莫里斯(William Morris,1834-1896)。

莫里斯的家庭很富裕，家里也非常重视他的教育，使得他能够在牛津大学建筑系学习。在大学期间莫里斯听过拉斯金的讲课并深受普金影响，也读过拉斯金的著作《威尼斯的石头》。他对此书非常痴迷，并对哥特式建筑产生了兴趣。曾在一个暑假和大学同学也是他后来的合伙人爱德华·伯恩·琼斯(Burne Jones,1833-1898)一起到法国旅游，目的是调查哥特式建筑。这次旅游让他们大开眼界，也是他们毕生热衷于哥特复兴的设计活动的开始。毕业后莫里斯进入专门从事哥特风格建筑设计的乔治·斯特里特设计事务所（George Edmund Street）研究建筑。后来在好友但丁·罗西蒂（Dante Gabriel Rossetti）（拉斐尔前派的发起人之一）的竭力劝说于1857年离开了斯特里特工作室，来到伦敦，开始他的设计生涯及拉斯金理论的实践。

1859年莫里斯在布置他的新婚住房时，因为市面上找不到理想的住宅，和像样的桌子与椅子。家庭富裕的他又是学建筑出身。于是冒出了自己动手设计住房及家具的想法。他请他的朋友、也是斯特里特工作室的同事菲利普·韦伯（Philip Webb,1831-1915）为自己设计房屋。起初韦伯画了一个对称结构的房子图纸给莫里斯看。由于莫里斯深受拉斯金的影响，以及他自己的反叛思想，硬是把它改成不对称的结构。也正是他这种反叛思想，在韦伯想要给房子墙面粉饰时遭到阻止。直接就把红墙露在外面。这就是艺术史上至今依然赫赫有名的“红屋”（图1）整个红屋完全没有学院派的清规戒律；从背面规划，把建筑的正面作为次要的考虑；同时整个建筑的内部结构完全展示出来了，建筑与环境达到完美的结合与统一。与此同时，他们在设计屋子里的炉壁时，甚至将各种风格混在一起。莫里斯还动手设计了家具及壁纸，窗帘，帷幔的图案，并且由莫里斯的妻子珍妮亲手刺绣完成，风格上都追求哥特式的统一。红屋的设计可以说是对拉斯金理论的首次尝试性的实践，为后面的工艺美术运动打开了通道，也成为新艺术运动的早期样板。

莫里斯考虑到社会上还有很多人也同样需要一个像“红屋”一样的住宅，同时也为了实现和发展拉斯金的理论思想，1861年他与好友马歇尔（Marshall）和福克纳（Faulkner）及工艺美术工匠们成立了一个制造和装饰公司（简称MMF）。公司的业务分五大类：绘画、雕刻、家具、铁件制造。真正实现了拉斯金的“艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合”的理想，充分显示了“艺术应取之于民，用之于民”的观点。这也标准着西方艺术新纪元的开始

1874年左右，公司由于财政问题，莫里斯将其他两个两个合伙人的股份买了下来，单独经营，改名为“莫里斯公司，并扩大了公司的规模。同时莫里斯自己在设计上也获得了国际名声。然而当他要想艺术能有更广泛的大众化的市场，他却失败了，因为他和拉斯金一样否定机械，也就不能批量生产，而通过艺术家手工制造的产品必定是贵的，也就不能更广泛的服务于大众。因此他的产品也还是只能服务与那些有钱的人。

19世纪70年代，莫里斯为了艺术能更广泛服务于大众，并提高和引导大众的艺术品位。他开始慢慢转向政治活动，“他以公开从事当时已精神失常的拉斯金的社会主义和文物保护事业为己任。”并于1877年成立了古建筑保护协会。1883年他开始阅读卡尔·马克思的著作，并在同年加入社会民主同盟，1887年社会民主联盟解散后，和马克思的女儿艾琳娜在埃夫林和巴克斯的帮助下成立了社会主义联盟，同时担任联盟机关报《公共福利》杂志的主编。他在该杂志上发表了很多有关于艺术和社会问题的文章，其中包括他那本带有空想社会主义色彩的小说《乌有乡消息》。他早年在受拉斯金理论影响下形成的民主思想，以及后来的社会主义思想得到了清晰的阐述，而在阐述的同时，形成了他关于工艺美术的理论体系。

在他1877年至1894年间发表的35篇讲演中，逐渐将艺术问题扩展到社会科学的领域中去了。他对艺术家们所谓的个人情感，和创作上的灵感感到厌恶。“说什么‘灵感’完全是胡扯”，说“根本没有这回事，有的仅仅是技术。”④他痛恨艺术家们脱离现实的日常生活，“用希腊和意大利之梦把自己紧紧地包裹起来……对于这些东西只有极少数人还在假装受到感动，或不懂装懂”⑤。莫里斯告诉我们“如果不是人人都能享受的艺术，那艺术跟我们有何相干？”⑥在论述大艺术（纯艺术）与小艺术（手工艺）的关系时，他和拉斯金的观点（前面已经提过）几乎是一样的，他说“我们没有办法区分所谓的大艺术和小艺术，把艺术如此区分，小艺术就会显得是毫无价值的、机械的、没有理智的东西……失去小艺术的支持，大艺术就会失去了为大众服务的价值，而成为毫无意义的附庸，成为有钱人的玩物。”真正的艺术必须是“为人民所创造，又为人民服务的”⑦。他的希望是“想起了野蛮主义能再度泛滥全球，使世界能再次变得既美丽动人而有富于戏剧性效果”⑧。

在莫里斯的影响下，一批年轻的艺术家开始组织自己的公司，称之为行会。从而掀起了一场复兴手工艺的艺术运动——工艺美术运动。其中有五个行会在当时非常著名：1882年阿瑟·海盖特·麦克默杜（A.H.Mackmurdo）成立的“世纪行会”、1884年成立的“艺术工作者行会”、同年成立的“家庭艺术与工业协会”、1888年莫里斯的学生查尔斯·罗伯特·阿什比(Charles Robert Ashbee )组织的“手工艺行会”以及同年的“工艺美术展览协会”，工艺美术运动便由这个协会而得名。

工艺美术运动在轰轰烈烈地进行的同时也孕育了另外一场运动。在工艺美术运动打下的基础上以及日本和中国产品的引进。艺术家正处在一个艺术革命的年代，他们所面临的是一个在艺术领域需要全面改造和设计的社会，包括建筑、家具、工艺、珠宝设计、平面设计等等。艺术家们为了争夺他们在不同领域的席位，个个标新立异。甚至一个人占据好几个席位。这就是从19世纪80年代一直延续到第一次世界大战，波及整个欧洲和北美的新艺术运动。可以说这场运动的主导思想继承了工艺美术运动的思想。以反传统、反维多利亚的繁琐矫饰装饰风格为主，但比工艺美术运动更加强调自然主义和东方风格

国际上公认的新艺术运动的第一件作品就是“世纪行会”的创始人麦克默杜于1883年为《雷恩城市教堂》一书设计的封面（图2）。画面中充满了不对称的、细长的曲线，画面两边分别立着一只细长的公鸡，这正是新艺术运动中的一种普遍风格，但这本书的诉求不是新艺术运动。在英国北部的苏格兰的一位插图画家对新艺术运动的发展起到很大作用。他就是比亚兹莱(Beardsley,1872-1898)。算得上个传奇人物，他七岁就被确诊患有肺结核，26岁就死了。但是他在插图画上的影响却是无人可比。他仅仅在艺术夜校受过两个月的正式训练，完全靠自学；在他20岁到22岁这两年与拉斐尔前派有过接触。他的插图画中，完全看不出学院派的教条“他把世上一切不一致的事物聚在一起，以他自己的模式来使他们织成一致”。从他的画中也可以看到很多东方与西方相结合的痕迹。比亚兹莱所处的时期正是新艺术运动的“摇篮时代”，而当新艺术运动进入繁盛时期时，英国却从我们的视野中消失了。

新艺术运动的发祥地是在法国。19世纪末，法国艺术家已经开始对当时的维多利亚式风格的感到厌烦。1900年的巴黎世界博览会新艺术开始崭露头角。当时参加展览的一位法国南斯市的设计师埃米尔·加莱(Emile Galle,1846-1904)，早在1884年就开始展现一种完全不是维多利亚的造型雅致、色彩奇妙的玻璃制品。他的设计思想具有强烈的自然主义倾向，他深信大自然是获得灵感的唯一来源。1893年美国设计师路易·蒂凡尼(Louis Comfort Tiffany)开始生产他的玻璃制品。蒂凡尼是美国新艺术运动大本营的蒂凡尼百货公司的奠基人，他把工业生产和艺术表现结合起来的做法给萨穆尔·宾很大的启发。萨穆尔·宾(Samuel Bing)是一个出版商、贸易商，曾于1875年赴远东游历，对日本艺术产生了浓厚的兴趣。在1888年出版了一份杂志《日本艺术》，他自己也被公认为日本艺术鉴赏家。之后1895年在巴黎普罗旺斯路开了一家“新艺术商店”，目的是“为那些渴望展出他们带有现代倾向的作品的热情的年轻人和所有渴望看到我们时代艺术中蕴涵的能量的艺术爱好者们提供一个聚会的场所。”⑨在商店开业时，展出了伯纳尔、劳特雷克、比亚兹莱、加莱等一些具有强烈自然主义的作品。在巴黎世界博览会上“新艺术宾”展厅展出了新艺术商店的展品，在当时引起了广泛的关注，报刊也开始用“新艺术”来代表这种新的风格。

1896年巴黎成立了一个“六人团”也同样推崇“新艺术”风格。其中最为出名也最为有趣的就是建筑师赫克托·吉马德(Hector Plumet)，他直截了当地将新艺术运动的风格运用于巴黎地铁入口建筑（图3）。充分发挥了自然主义的特点，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚还有意地采用海贝的形状来处理。

比利时的一位著名建筑师霍尔塔(Horta,1861-1947,比利时新艺术运动的代表人之一），在1892年设计建造的布鲁塞尔保尔·艾米利·占森路6号即原来的都灵路12号住宅（图4）。比起吉马德则更完美地将新艺术运动的风格运用于建筑当中，也是建筑史上的首次尝试。新艺术中的细长曲线、模仿自然中的藤蔓等风格在他这里得到了完美呈现。整个建筑风格统一，屋内也显得非常透亮、唯美。霍尔塔是于1894年成立“自由美学社”的重要领导人之一。自由美学社的前身是于1884年成立的“二十人团”。当时该组织主要介绍先锋派艺术家的绘画作品，比如劳特雷克、高更、塞尚、梵高等。到1891年左右受霍尔塔的好友凡·德·维尔德(Van de Velde)的影响，开始介绍英国工艺美术运动的作品，慢慢放弃绘画走向适用美术，并于1894改名为自由美学社。展览的内容变得更加丰富，包括比亚兹莱、莫里斯、阿什比等等。那么维尔德是个什么人物呢？他在比利时就类似于英国的莫里斯。维尔德早期是个画家，1891年左右开始注意到英国的工艺美术运动。于是放弃绘画从事设计工作。他和莫里斯一样是个社会主义与民主主义者。维尔德在设计上强调理性思维，装饰上在对自然形态的吸取时，必须要经过选择、分析和概括，最后变成一种抽象形态的过程。“根据理性结构原理所创造出来的完全实用的设计，才能够真正实现美的第一要素，同时也才能取得美的本质”⑩。他的这种理性使他注意到莫里斯学说的不足之处，因此他不反对机器，对机器持肯定的态度。这也使得他成为现代设计史上最重要的奠基人，他的影响远远超出了比利时的国界，在欧洲各国，特别是在德国有很深刻的影响。

1895年，德国著名艺术评论家格拉夫（Meier-Graefe）创办了一份介绍德国当代艺术与文学的杂志《潘》，同年格拉夫与萨穆尔·宾一起发现了维尔德自己设计的住宅，他们都十分欣赏。1897年维尔德的室内设计作品在德累斯顿实用艺术展上展出，他设计的家具上富有创造力的曲线更是深受格拉夫的推崇。与此同时，一些怀有与维尔德相似的改造艺术的目的的青年艺术家，在慕尼黑成立了“艺术和手工艺联合工厂”。这些人当中包括奥布里斯特(Hermann Obrist,1863-1927)、奥古斯特·恩德尔(August Endell)、彼得·贝伦斯(Peter Behrens)等。他们同样不反对机器，相反希望能通过机器来生产艺术作品。设计风格也开始转变为一种更加抽象和几何化的风格。同样奥地利维也纳的一批前卫艺术家和建筑家共19人，也组织了一个自称“分离派”的团体（主创人员包括：克里姆特，约瑟·霍夫曼(Jose Hoffmann,1870-1956)、约瑟夫·玛利亚·奥尔布里奇(Joseph Maria Oibrich)和科罗曼·莫泽(Koloman Moser)）。思想上和德国非常相似，不过分离派受建筑师奥拓·华格纳(Otto Wagner,1841-1918)的影响。设计上更加强调功能性，而把装饰放在次要的位子，形态开始摆脱新艺术运动的曲线风格。分离派定期的举办展览来推动他们的学说。1900年，英国设计师查尔斯·雷尼·麦金托什(Charles Rennie Mackintosh,1868-1928)的作品通过分离派的展览被介绍到奥地利。引起了强烈反响。麦金托什的设计完全放弃了新艺术运动中的自然主义装饰风格，采用简单的几何图形，特别是以纵横的直线为基础结构，色彩上以黑白为主（图5）。

而在西班牙的一个建筑师与麦金托什正好相反，他是将新艺术运动的曲线风格发展到极致。他就是安东尼奥·高迪(Antoni Gaudi,1852-1926)，他的建筑充满了想象，他使用破碎的瓷片和杯、碟当作装饰材料让人感到不可思议。高迪成熟期的建筑更是体现了他对自然的崇拜，他对自然有机形态的模仿已经达到了疯狂的地步。他的一生在不断的求新，不断的创造个性。坚决反对对传统模仿。这也使得他的建筑很少获得官方的认可。甚至到群众都无法忍受的地步。但是，有一个人非常欣赏他，就是长期支持和赞助他的一个企业家古埃尔(Guell,古埃尔家族是卡塔兰地区的新权贵），这个因素对他的建筑生涯是非常重要的。

高迪早期是一个高度个性化的哥特复兴主义者，这从他的1878年设计巴塞罗那文森公寓就可以看得出来。直到1883正式为古埃尔家族设计建筑后，开始出现一些有机形态，比如古埃尔别墅的入口处大胆而任性的曲线。到了1900年为古埃尔设计庄园，他的创作已经步入成熟阶段，完全抛弃了哥特式的影子，他成功地将大自然与建筑有机地结合成一个完美的整体。这里的一切——小桥、道路和镶嵌着彩色瓷片的长椅，都充满了新艺术运动蜿蜒曲折的风格，甚至很多随意处理的地方都已经超出了新艺术运动的范畴。

而于1910年建成的米拉公寓（图6）的风格已经达到了新艺术运动的极端。是高迪自己认为最好的一座房子。整个建筑内外，包括里面所有的家具和装饰完全采用有机形态。连墙面都是弯曲凹凸不平的。这种极端的做法引起了巴塞罗那市民的愤怒。报纸上以“蠕虫”“大黄蜂的巣”等字眼来形容他的建筑。

圣家族教堂（图7）是高迪从1884年接手直到他死后的今天都未完成的建筑，高迪一生建筑风格的转变几乎都显现在这座未完成的教堂上。他做建筑有个特点，就是没有工程图纸、没有预算、没有设计方案。完全不把建筑当项目来做而是当艺术作品来做，随意性非常大。工匠们被鼓励将工作做得粗糙大意，以至于很多地方他都要亲力亲为。这个建筑以及上面介绍的古埃尔庄园和米拉公寓在1984年被联合国教科文组织宣布为世界文化遗产，这在世界建筑史上都是十分罕见的。

从总体上来看，英国是工业革命的发源地，他们是第一个面临工业化带来的危机，面临如何处理艺术与工业的关系、艺术与人的关系、艺术与社会发展的关系等问题。他们选择了艺术改革，于是就有了工艺美术运动。而改革后之后在艺术领域必然会带来许多空位（前面已经介绍过）。比如英国工艺美术运动就出现了莫里斯、韦伯、比亚兹莱等大师。而随后欧洲大陆以及美国也同样面临大工业化。他们的目的和选择都是一致的，他们从工艺美术运动中吸取经验。对艺术进行改革，进行新艺术运动。这也是为什么新艺术运动在英国没有产生强烈的反应，因为英国已经改革过了，大师已经出现了，而麦金托什只能算是新艺术运动到现代主义运动的过度人物。

①.《现代设计的先驱者》第二章25页

②.《威尼斯的石头》第十章189页

③.《秩序感》第二章45页

④.Mackail,op.cit.,i,p.186

⑤.The Collected Works of William Morris,London,1915,xxiii,p.147

⑥.Mackail,op.cit.,ii,p.99

⑦.Ibid.,xxii,pp.47

⑧.Ibid.,p.144I,p.305

⑨.Mario Amaya,Art Nouveau,The Herbert Press Limited,1985

⑩.《世界现代设计史》第三章71页

参考书目：

《现代设计的先驱者——从威廉·莫里斯到格罗皮乌斯》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，王申 王晓京译 中国建筑工业出版社2004年版

《现代建筑与设计的源泉》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，殷凌云译，范景中校，生活·读书·新知三联书店，2001年12月北京第1版

《欧洲19世纪美术》下，吴敢著，中国人民大学出版社，2004年版

《世界现代设计史》王受之著，中国青年出版社，2002年9月北京第1版

《秩序感》，[英]贡布里希，译者：范景中等，湖南科学技术出版社，2000年1月第1版

古瓷片价值昂贵，成为很多收藏爱好者的新宠，那么你知道瓷片有哪些收藏的价值吗?下面为您精心推荐了瓷片收藏图片，希望对您有所帮助。

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古瓷片有传世完整器所不具备的优势：凡历史上生产过的瓷器，都会因最终破碎而产生瓷片，而传世完整瓷器因为改朝换代、兵荒马乱，有些器皿已不存世。如景德镇前些年在施工中，掘出了大量的官窑瓷片。因当时是集中掩埋，今日拼出器型后，发现无论是造型、纹饰还是发色，仍发现很多迄今为止，世人所从未见过的东西，甚至，有的制瓷技艺早已失传。如以往一直认为孔雀绿釉制品以明宣德朝为早，近年景德镇陶瓷考古研究所在元代遗址中发现了基本可复原的元代孔雀绿地青花研盒等古残片，证实了印度尼西亚苏拉威西中部出土的孔雀绿釉玉壶春瓶是元代制品的推断确实可信。而2005年北京西城区毛家湾1号发掘出全国最大瓷器坑，瓷器残片近百万片。瓷片显示当时有些器皿采用不施釉手法，此种技术目前已失传。

故此，古瓷片有作为历史“标本”的意义。初学者拾捡不同年代、窑口、图案纹饰等的古瓷片，通过观察、对比，再结合《中国陶瓷》等理论书籍，学习瓷器鉴定长进就会很快。一些资深瓷器藏家，多年来也是“瓷片不离手”。北京藏家白明，收集的古瓷片不仅量多且来自全国不同的窑口，还建起了“睦明堂瓷片标本博物馆”。其中有些珍稀的瓷片，当初得来的价格，皆高于一般完整器。笔者所在的浙江湖州，个人或群体古瓷片展览也不时举办。如，今年2月20日，湖州8位藏家联合展出了他们收藏的500余件精美古瓷片，既有“瓷之源”的德清窑原始青瓷，也有唐代长沙窑，五代越窑，宋代的定窑、汝窑、官窑等“五大名窑”以及明代的青花等。一枚枚“文明的碎片”，带有先民使用的“文化体温”，闪耀着作为原始瓷发祥地之一的湖州及国内各地民窑先民的智慧和创造，也以独特的载体传播着中国的瓷器文明。5月10日，“积微居”收藏明清青花古瓷片也在湖州衣裳街古城区展出。

古瓷片收藏在近年来的一个“命运转机”，不仅是收藏群体扩大而带来的标本之需，更在于它因为精致小巧，蕴含货真价实的文化价值，从而被制成时尚的“工艺品”。

最早是在2010年以前，笔者就曾在江苏扬州文物商店内，看到了诸多晚清浅绛或民国新粉彩的人物瓷片，被机器切割、打磨出更完满的“画片”，通过包银制成种种挂件或饰品，既可佩在胸前，又可挂钥匙串。如此，这种古瓷片饰品，很好地诠释了“传统与现代”完美而经典的结合。而其时的售价，也只在数百元之内。

事实上，以古瓷片做饰品，很多年前就在日本风行。佩戴它，不但风雅、时尚，而且也很有“文化”。日本人对中国古代文化包括陶瓷很推崇，宋五大名窑的单色釉瓷片，本身很珍贵，“输入”日本的就更少。他们以金银包裹镶嵌，在市场上可以卖到很高的价格。而在更早的清代、民国，以钧窑、汝窑瓷片嵌入黄花梨或酸枝木内之挂屏，也时有所见。玩家马未都称其第一件上档次的藏品，就是一组钧窑瓷片挂屏。

近一两年，笔者在长三角很多城市的古玩店、文物商店，开始更多地发现此类古瓷片“工艺品”的显现。一些高古瓷如宋五大名窑或龙泉窑等，瓷片按原来“出土”的模样见售明清有文字、图案的青花粉彩或单色釉的瓶底碗底盘底，被打磨后售卖一些人物、山水、花鸟的瓷片，尽可能地“撷取”完整图案而制成挂件、饰品硕大的残件被镶框做成更大的上墙悬挂“工艺品”……古瓷片获得了“新的生机”。来来去去的购置顾客，不仅有收藏爱好者，也有时尚的年轻男女。

在保证具文物级价值的古瓷片发现后，能上交国家的前提下，古瓷片制成“工艺品”的潜力很大。相对于一般的创意产品、现代文化产品，具有资源不可再生、积淀深厚历史文化信息特性的古瓷片“工艺品”，还有待更深入广泛的开掘。可以毫不夸张地说，随着国民文化修养的进一步提高，对民族传统文化的弘扬更加深入，此类古瓷片“工艺品”必将在市场上“更红”，更时尚、风雅、体面。而散落街巷、乡野的古瓷片，必会有更多人在业余时间去搜罗、找寻。古瓷片的春天，会因此而更灿烂，散发出浓郁、盎然而深远的文化馨香。

瓷片收藏的现状

所谓“瓷片”，就是瓷器破碎后产生的瓷器残片。产生瓷片的原因很多，中国制瓷历史悠久，历代瓷窑在烧制瓷器的过程中，都会产生出大量的残次品，这些残次品的命运就是被打碎埋入地下。特别是古代官窑瓷器，生产时都有专门的官员监督制作，不论成品多少，只要选出官家所定数量，其余瓷器都要全部打碎深埋。另外，我们的先人由于陪葬及日常生活中的损坏等原因，也都给我们留下了许多瓷片。瓷片虽然残缺，但它的制作、绘画艺术等一如完整瓷器，代表着一个时期的瓷器工艺水平，因而也有着比较高的收藏价值。而且，瓷片往往还是瓷器收藏者学习鉴定的依据，有许多民间的瓷器收藏家都是从玩瓷片开始的。

藏界收藏瓷片者历来不乏其人，但一直没有形成“规模”。改革开放后，我国建筑施工高潮迭起，很多深埋地下的瓷片被从地里挖出，被一些有心人发现，于是出现了“瓷片一族”，瓷片收藏遂成为古瓷收藏的一个热点。从上世纪90年代中后期开始，我国各地逐步出现了古瓷片交易场所，而其中尤以北京、南京、郑州等一些古城为胜。北京的报国寺、潘家园也是瓷片交易的重要场所。不少大中城市还开设了专门鉴赏、研究瓷片的沙龙。北京甚至还有专门收藏和展览古瓷片的睦明唐瓷片标本博物馆。当今，江河之畔、工地上下，乃至遗址周围，处处可见“瓷片族”们忙碌的身影。