如何欣赏一个陶艺作品

首先，应看作品的造型，而造型往往被陶瓷艺人和收藏家忽视。因为人们最易被色彩打动，而轻视造型本身。作为一种三维空间的艺术形式，造型的本身就能体现出一种精神。或圆润、或挺拔、或纤秀、或雄强、或文儒、或豪放。造型虽是由简单的线条组成，但提供给人们的想像力却是无穷无尽的。

继而看装饰的效果。因为是现代艺术瓷，既要看装饰是否与造型统一，更要看装饰本身是否新颖和有创造性。瓷质材料的精美决定了装饰也应是惟美的。现在有些陶瓷艺人，简单地将国画画面移入瓷器装饰，效果未必很好。除少数作品外，两维空间的国画移入三维空间并不适合瓷器装饰。好的瓷器装饰应是在任何一个角度都能给人以效果的完整性，而不是有些画面太挤，有些画面太空。

第三看色泽，青花是否纯净幽远，丰富润泽，釉里红是否红而不俗，层次多变，釉色是否亮丽莹透，无斑点瑕疵。如果以上三点都比较符合要求，至少具备了收藏的基本条件。接下来要了解作者的自身条件，是新人新作价位偏低，大胆买下。如果是名人名作还需考察作者的年作品量。同样作品的重复量（瓷器作品由于制作烧成过程的特殊性，一般惯例是允许有几件同样作品的类似），如果量少，价格自然要高，如果量多，特别是重复作品多，我建议要谨慎购买。从国际收藏惯例来看，收藏中青年艺术家的作品，看似有一定的风险，实际上却是最具价值回报的一项投资。

唐三彩是唐代陶瓷艺术的典范，也是中国古代陶瓷艺术的珍品。它是在陶器和陶俑上施的一种多色釉，釉色以黄、绿、褐为代表，其他还有白、赭等多种色彩。三彩是表示多色，并不是在一件器物上只限用三种釉色。唐三彩的制作分布在长安和洛阳两地，在长安的称西窑，在洛阳的称东窑，这种陶器主要用作冥器。《旧唐书•舆服志》载，“王公百官，竞为厚葬，偶人像马，雕饰如生，徒以炫耀路人，……风俗流行，下兼士庶。”除冥器外，也有作为生活用品的。唐三彩的生活器皿有瓶、壶、罐、钵、杯、盘、盂、枕、砚、灯、凤头壶等。冥器以各种舞俑和三彩马俑更为生动，包括亭台楼阁、假山水榭、箱柜、马、驴、骆驼、猪、牛、羊、狗、鸡、鸭、妇人、侍俑、文官、武士、胡俑、天王及乐舞等，式样新颖、色彩绚丽。有一种丸壶，也叫万年壶，是装骨灰用的，壶身浑圆饱满，近于球体，体现了唐代崇尚丰满健硕的审美特色。

陶艺是一种人工形态。陶瓷形态的基本材料是土、水、火。人只有掌握了水土揉合的可塑性，流变性，以及成型方法和烧结规律，才能促成陶艺形态的产生和演化，使陶瓷器物产生美的形式。同是注重造型与装饰的有机结合，通过人们敏锐的灵感和创新意识，捕捉并揭示泥土的塑性美、柔韧美以及表现活力，这样就出现了全新陶艺形态，为智慧的人所掌握、发展、创新。任何艺术发展到一定阶段，都会形成完整的技巧。

目前国外陶艺发展非常快，从小学到大学都有陶艺课，而且许多家庭建成了陶艺作坊，还出现了一些个人经营的陶艺工作室，许多休闲场所也摆放陈设着陶艺家的作品，这样即能很好地发展陶艺事业，又增近了与陶艺家的学习和交流。

随着陶艺热的逐步升温，陶艺制品获得越来越多人的青睐，亲手做陶艺成为人们工作学习之余放松精神释放自我的又一休闲方式。

中国陶艺正处于发展中，从几年前各地陶吧的兴起，逐渐让人们了解了陶艺，陶艺正在走进家庭。在近几年的发展过程中，有关的教育部门从素质教育出发，把陶艺列入了教学课程，这样从小就可以受到艺术的熏陶，从中锻炼了动手能力，非常好的体现了素质教育的成果。

陶艺是一种文化，一种既年轻又古老的艺术，年轻是因为现代陶艺的独立和发展，古老是因为她伴随着人类文明史，透着原始的魅力。陶是土的艺术，火的艺术，其实更是人生艺术。亲自动手，或拉坯，或捏塑，一件件作品从自己的手中诞生，带着泥的味道，更透出你的个性。 现代陶艺的创作主要通过作品的造型，材料，肌理，纹饰，釉色来表达作者的意念，满足现代人回归自然，体现自我个性的要求，陶艺并列于绘画，雕塑等造型艺术行列之中，它以独特的艺术语言和丰富的表现力吸引众多的陶艺家，艺术家，陶艺爱好者，学生以及少儿从事陶艺创作或制作。从杀泥（练泥）开始，盘余，泥扳，捏塑，拉坯等技法的应用，一件件艺术品从自己的手中诞生出来，装点自己美丽的生活。

拉胚的制作方法:如果你是新手就把机器调慢点,下面说正题,先把一块泥放在机器中央(放好后开始转机器)用大母手指按住泥的中央,慢慢按出个洞,之后用两只手把泥按成一个笔筒状,如果干的话手沾点水.之后就是你随意创作的时候了.

中国现代的艺人，可以造出直径1.8米的大青花泥金盆，可以烧出比前人更薄的直径更大的薄胎瓷瓶，但却无力创作出属于这个时代的现代陶艺作品。长长100年的时光在中国陶艺史上是一块寂寞的空白，时代在呼唤大师的出现。

当邢良坤以一匹黑马的姿态出现在中国陶艺界前台，他便迅速聚焦了众多的目光。前所未有的作品展示着前所未有的创造，12项专利明白无误地告诉历史，陶艺史上新的一页翻开了。

台湾权威性专业杂志称他为“天下第一陶”，海内外陶艺界认为，他的出现将改写中国现代陶艺史，中国因他而在陶艺领域跨越日本，从而打破了当今世界陶艺大国的格局。

陶是神秘莫测的，人工努力，现代科技都无法完全揭示其中的奥秘，同样的配方，火候结果可能却大不一样，当成型的土胚关进窑里，人便成了造化的助手，所谓“三分人工，七分天成”。在人的目光无法触及的高温地域，火，泥土和某种灵性旋腾、翻滚，最后合为一体，这是人类文化中至今水月雾花的世界。

“窑变”是陶艺最根本的环节，由于火在陶艺制作中必然地间离了人与物的直接关系，陶艺家因此在烧造环节上失去了他在一般美术创作过程上那种绝对的控制力。最终的作品在偶然和必然的作用下诞生。窑变的过程是一种生命的体验，一种期待的心情，是发现而不是寻求，技术与艺术乃至人生的关系在这里完全溶合了。

邢良坤陶艺的独创性首先是他在“窑变”这一环节上的突破，几千年来人们难以控制的窑火在邢良坤面前变得温顺，驯服。

陶艺界将他的作品大致分为三大类：一类是脱胎于传统的茶

茶道碗；一类是脱胎于传统鼎炉结构的转心瓶，吊球等作品；一类是面具，人体，树叶等雕塑型作品。三类作品在陶瓷工艺、造型、釉色等方面体现了作者的探索与追求。

茶道碗是邢良坤作品中数量最多，最具代表性的作品。他的12项专利最集中地体现在茶道碗上。

茶道碗的诞生和中国古老的茶文化紧紧相联，尤其在茶文化传到东瀛日本以后，日本人结合本民族文化形成了著名的茶道文化。日本传统的陶艺大师无一不把茶道碗的制作看成是竞争技艺高下的标尺。东方文化中天人合一的闲适情趣，观空如色，观色如空的禅理机趣在形体素朴、沉静的茶道碗上表现得淋漓尽致。

这种文化背景的存在使邢良坤选择茶道碗作为自己陶艺创作的主要品类和突破口。这一选择也使他的创作找到沟通传统与现代，民族与世界的契机。

某种意义上讲，邢良坤茶道碗的成功主要是釉彩的成功。立体开片釉；红天目釉；网纹系列釉；珍珠套彩釉等特殊工艺的创制是邢良坤陶艺风格的重要环节。

立体开片釉曾获国家专利，这是前无古人的创造。所谓开片指陶瓷釉面的自然裂纹，是利用内胎与釉层两者之间不同的膨胀系数形成“冰裂纹”似的开片。自古以来，这种冰裂纹即成为一种特殊的审美时尚而为人所重，开片的花纹、色泽是评价作品艺术品位的重要标准。但近千年来这种开片几乎都是自然形成的，不能按人的意志设定开片的纹式，而且传统开片无一例外是白底上显现黑纹。邢良坤的立体开片却打破了这一自古以来的定式：他不但成功地烧出了黑釉白纹得及其它色釉的开片，并能让这些细微的开片变成立体的突起纹络，犹如哈密瓜上凸起的纹络一样。千古不变的陶瓷釉彩装饰工艺出现了柳暗花明又一村的新景观。

他的立体开片釉千姿百态，参差纵横，如天工鬼斧，美不胜收。更为重要的是，开片纹脉走向，形状可以根据作者的要求加以控制，或纵或横，或倚或正，或同心放射或直来直去皆可随心所欲，出神入化。“三分人工，七分天成”的古语被邢良坤改为“七分人工，三分天成。”

网纹釉是邢良坤独创的另一系列的高温釉彩作品。在立体开片基础上产生的网纹釉大多显褐色或深褐色，网纹隐约其中。单层双层交错的网纹，有的细如游丝，有的状若蟒纹，飘飘渺渺，神出鬼没。

红天目釉陶及其生产方法是邢良坤获得国家专利的一项。天目釉为宋代铁黑结晶釉的通称。历史上的天目釉多为黑褐色，也曾烧出过黄天目釉，而红天目釉是从邢良坤才开始出现的。

在物欲世界里，现代人追求那种失落已久的自然情趣和天性，邢良坤的茶道碗借古开新，传达给人们土的温暖，仁和与至真，一个手印，一道指纹无一不记录着创作者自由奔放的情感和泥土本身的旷远、深沉。

温润如玉，青白似雪，红艳似火的釉彩上飞舞着幽峭，跃动的花纹，如水塘里的波纹涟漪，崇山中的沟壑流泉，明月下的斑驳树影，春河上的青冰乍裂……明亮者如晴空荡云，令人顿起悠然天外之想，暗沉者如山林夕照，仿佛是要逸出红尘的心绪。

而以转心瓶、吊球、葫芦形器、香炉等为一系列的作品又显示了邢良坤在对于中国传统器物陶艺继承和创新方面的精彩把握。

北京故宫博物院收藏的十层转心瓶，镂空的瓶体中套着十层球，在上下球部两侧各置双耳，双耳下吊着可以转动的空心球。

吊球，是一种内有类似钟摆吊挂结构的鼎炉式陶器，内部层层吊挂着一至五个球。吊球多取传统鼎、炉样式为基本造型，有的则类似中国青铜器中的壶。吊球内动外静，妙不可言。

除了这些作品造型的奇妙之外，令人称奇的是这种层层相转的空心瓶结构是作者在制陶工艺上的又一大突破。

让我们再来看一看邢良坤的第三类作品，估且把这些面具、人体、树叶、动物等作品称为雕塑型作品。也许你会感到惊讶：这样一些几乎风格，特点差异极大的作品难道是出于同一个人之手吗？是的，而且这只是他在几年陶艺创作中的一小部分作品。如果说茶道碗系列作品更多展现了邢良坤在陶艺釉彩上的突破，人们会发现其作品的造型，风格还规范在传统文体的影响之下；如果说转心瓶，吊球表现了邢良坤独具的匠心和鬼才，那么人们更多地会为作品巧妙的构思和高难度的技艺喝彩！如果仅此而已的话，邢良坤的思维和创造力中最有价值的部分就可能被掩盖，而那正是他作为现代陶艺家最重要的一点。

现代陶艺与传统陶艺最本质的不同在于优秀作品与一般作品的区别不完全在于技术，而在于强烈的个人品格和生命意蕴。一件好的陶艺作品必定是一件技术精湛的作品，而技术精湛的作品不一定就是好作品。这种两难的要求正是陶艺较之其它造型艺术更为复杂，也更为艰难的地方。陶艺的伟大之处就在于将狂热的情感，激荡的心灵通过技术完整地转化到作品之中再传达出来。那是一种“大匠不雕”“大象无形”的自由境界，东方文化中“天人合一”所追求的理想状态只有陶艺创作的过程才最名副其实。

如果没有了这一类作品，或者说邢良坤的作品整体上如果不具备这种喷薄汹涌的生命激情的话，那么他也许只是一个离现代陶艺大师的位置有一步之遥的陶艺家。

这只叫瀑布红的瓶状作品上端涌出的红色釉彩象喷流的血液，暗示着生命力的豪情和状美，一种惊世骇俗的壮美，在追求典雅，合和的传统陶艺史上，你能找到一件这样惊心动魄的作品吗？

邢良坤喜欢用粗砺的沙土创作，这也许暗示着作者在追求一种粗壮，健朗的生命形态；红与黑像征着生命中正气与邪恶的纠缠与搏斗，人类命运之河在无际的旷野上奔腾、流淌，荡涤泥沙，撞击岩石，真实的生命无所遮蔽地坦露在天地之间。千百年来优雅，静谥的陶艺空间里响起了邢良坤一声响亮的霹坜和呼喊！

邢良坤前期的作品中，这些造型怪诞而奇特的动物、人面脸谱的作品就体现了邢良坤奇异的想像力。

贯穿着生命和死亡这一主题的变形人体作品交织着种种复杂的文化观念，文化传统与艺术灵性之间的撞击。神性与人性，理想与幻觉的聚合之间，山水、鸟兽、草木、人间的英雄与圣徒、搏杀与游戏、都定影在那里，鬼怪与神祗、天堂与地狱同在一身，它们挟带着窑炉里烈焰的雄雄，照亮了观者的面庞、眼睛和胸膛，照射着人们肺腑里潜藏着的悲苦与欢喜，把辛酸燃烧起来，把欢乐燃烧起来，这是陶的歌唱！这是大自由的赞歌。

展现在观众面前的，多是些在自然界根本找不到出处的形体，那些非人非兽，亦人亦兽的作品更象是梦中出现的幻形。

这只葫芦人形作品，以一种温馨的幽默感让人联想起种种民间传说与民间信仰，童话般善良美好的愿望象是来自梦中的精灵。

作者的创作心境是轻松的，手随心转，如水银泻地般的灵感千奇百巧，随心所欲地让泥土赋有了灵性，有了呼吸。

人体是邢良坤作品中最引人注目的一类，也是邢良坤最感到惬意和自由的创作。这些稚拙的人体造型，夸张，抽象却又合情合理，没有学院派的严谨、理性，却散放着来自民间泥土中浪漫，天真的热情。仿佛霍去病墓前的石马、石兽，浑沦不雕中通体洋溢着粗朴，憨重的生命力。

夸张的臀部和乳房，极力扭转的腰、腿，局部上刻意和偶然造成的肌理，釉彩的对比，让我们无法把它们归类，也许他的作品本身就无法理喻也无法按理性的逻辑来区分，造型的神秘、怪诡、狞厉、诙谐让人们感闻到了神秘荒古的原始意象；粗犷深朴的乡土古风，又使人想起非洲文明，玛雅文化以及楚文化的神韵，他们象是渺杳处一声低沉的呼唤或远方一个意蕴模糊的手势，体现着一种惊人的遥远，逸散出天机与心机、物性和灵性浑融合一的颖异情调。

没有丝毫的伪饰、做作和犹疑，任由激情和创造力在泥土中爆炸，大概只有真正的东方人，真正这块东方的土地上才能诞生出这样的作品。

有人从邢良坤的作品中隐约看到了毕家索等现代派大师的影子。事实上，仅有小学六年文化的邢良坤在制作这些作品之前根本不了解毕加索是何许人。但人们这种下意识的感觉似乎又从一个角度触及到了邢良坤作品的精髓。毕加索曾在其艺术生涯中广泛吸收了亚洲、非洲民间艺术，原始文化的素养，兼容并蓄地形成了他本人开创性的陶艺创作。但就象是贡布里希看到了毕加索陶艺上的破绽一样，毕加索作为画家是伟大的，而他的陶艺更多地表现了探索，吸收的过程。换句话说，邢良坤的作品毕加索是创造不出来的。但出身平民，来自民间的邢良坤天性中对于民间艺术超人的领悟力和天才的表现力，使他的作品中表现出一种惊人的世界性，并与不同民族的文化面貌产生了暗合。也许这又是一个值得历史学家，艺术理论学家们大大探讨的一个现象。与生命相连接的创造永远有一种神秘感。

没有师承关系，没有家学渊源，这些棱空出世的作品几乎让所有的评论家都一时语塞，陶的神秘在于变化莫测。这和人的命运又多么相似，走进他的作品也就走进了他的人生。邢良坤的人生旅程布满了苦难和荆棘，这些磨难恰恰成就了他今天的艺术，从社会最底层走到今天，他经历的传奇与曲折远不是一本书所能容纳的。我们只能寄希望有心的读者从他的作品中有所领会，我们也希望不久的将来能有一本作品真实全面地将他的思想、他的经历，他的艺术展现在读者面前，我可以预言，那将不仅是一部极为精彩的传记，也是中国社会近几十年来社会演进，人文思潮变迁的侧影，因为这一切和他的作品有着血肉难分的关连。

被岁月蚀光了的岩壁化成陶的图案，一行行的点缀，是人生跋涉的记忆。

是平静的海，却保留了海的波浪，象沉睡的风，却留下了风运行过的形状。

瀑布红是血的喧哗，珍珠釉是泪的晶莹，当这团泥土被作者赋予了温暖，它就变成了火中烧成的诗篇。

秋风里枝头的叶片无可挽回地飘落，它奔向生命之源的泥土和根而去，在陶艺家的眼里，秋叶不是青春流逝的悲哀，也不是生命毁灭的沮丧，它是宇宙间生命轮回的标点，青春涅磐的辉煌。

怪兽和裸女诞生自泥土，火又给了他们魂灵，一双手把上帝的秘密悄悄揉进了陶土，火中就爆炸出力与美的交响！

从一千年前走来，从一万年前走来，这是一个流光溢彩，一片琳琅的色彩世界，陶土、火焰和手的世界。那些失落已久的精灵就在这梦境中幽幽飞来，它们在泥土和火焰之中微笑着涅磐！

希望采纳......

陶瓷，是人类文明史上最早出现的一种艺术形式，这种艺术形式发源于中国，流传至今已经有几千年的历史了，作为艺术领域中最简洁的一种艺术形式，其代表的神秘与抽象至今震撼着现代人们的心魄。今天小编就为大家来全面介绍一下艺术陶瓷这种艺术形式，相信通过以下文章的介绍，大家的审美需求会有一定程度的提高。

艺术陶瓷简介

艺术陶瓷是一种不仅能观赏，还能把玩艺术品，由于其独特的艺术价值，艺术陶瓷已经成为不少收藏家眼中的投资品。中国比较主要的几种艺术陶瓷按照发展的年代不同主要有印纹陶、彩陶，以及唐宋时期的色釉、白釉等等，至今已经形成丰富多彩的艺术陶瓷文化。

　　艺术陶瓷的鉴赏方法

装饰之美

了对于艺术陶瓷来说，其最主要的家中装饰技法就是坯的装饰、釉的装饰以及彩的装饰三种。这三种装饰技法能将陶瓷的高矮、胖瘦、方圆等等各个方面进行全方位的修饰，不同的技法搭配能让陶瓷呈现出独一无二的美。从这个角度来说，每一件陶瓷都是现存于世上的孤品，因为全人工的程序决定了其任何一种技法都无法复制。

个性之美

陶瓷的创作者是艺术陶瓷的生产灵魂，他们可以将自己的艺术灵感以及体悟直接通过艺术陶瓷的外在表现出来，现代不少陶瓷艺术大师，就是通过陶瓷展现离开自己别具一格的创新艺术。他们有的开辟了前人从未设计过的题材系列、有的用了现代刷花山水技艺、有的还用了青花分水写意法……各种高超的技艺数不胜数。

意境之美

既然艺术陶瓷是从中国发源的，那么这种艺术形式必然少不了重要的意境，所谓的意境表现在陶瓷艺术中就是衍生出来的一种情景交融的诗情画意。中国的不少陶瓷艺术家们在创作陶瓷的时候都十分重视意境这两个字的营造，让陶瓷拥有了一种文学上以及感官上的愉悦。

说了这么多，相信大家对艺术陶瓷已经有了基本的了解，现在越来越多的人们都意识到，陶瓷艺术品不失为回报颇高的投资方式之一，但是具体要如何准备，又该从哪里去入手，这都是我们要学习的事情。

现代陶艺技法与作品欣赏 龚旭萍 1 目 录 5 教师简介 …………………………………………………………… 3 专题简介…………………………………………………………… 第一讲 ……………………………………………………………… 10 第二讲 ……………………………………………………………… 49 相关资料 …………………………………………………………… 79 2 现代陶艺技法与作品欣赏 龚旭萍 考核作业： 1、了解中国传统陶瓷的发展历程，收集传统陶瓷的优秀作品图片，分析陶瓷作品的年代、造 型、釉色等特点，作文字说明，并以 powerpoint 课件的形式上交。 2、利用现有设备，创作一件陶艺作品（作品尺寸不小于 30′30′30CM），说明作品创作理念，并以 JPG 格式上交电子文稿。 3、从现代陶艺中选择自己感兴趣的两位陶艺家常书鸿简介，对他（她）的作品进行分析，准备图片并作 文字说明，并以 powerpoint 课件的形式上交。 *1 和 3 作业可参考有关书籍资料和有关陶艺网站。 教师简介 姓名：龚旭萍 职称：副教授 工作单位：杭州师范大学 联系电话：13157112861??? 电子邮箱：gongxuping@163.com 研究方向:艺术设计学、现代陶艺设计、展示设计 科研成果： 1、论文《越窑茶具与古瓷尚青》《装饰》ISSN0412-3662、CN11-1392/J（核心期刊） 2、论文《越窑青瓷的功用与造型设计》《装饰》ISSN0412-3662、CN11-1392/J（核心期刊） 3、 论文 《行将消失的遗产—中国乡土建筑的价值与借鉴》 《装饰》 ISSN0412-3662、 CN11-1392/J （核心期刊） 4、论文《感受民间木雕艺术之美》《美术之友》BM6424、CN11-1414/J； 5、专著《平面构成》（浙江人民美术出版社出版 2005 年） 6、专著《图形设计》（浙江人民美术出版社出版 2006 年） 7、专著《工业产品设计与表达》（中国美术学院出版社出版 2003 年） 8、基础课题：陶艺教学促进学生发展（2006XBM03） 9、横向课题：《常书鸿美术馆藏品集》整体装帧设计（2005HSS052）已于 2006 年完成，由 浙江人民美术出版社出版发行。

10、作品《生灵》入选浙江省第十一届美展（浙江省宣传部、浙江省文化厅、浙江省美协） 11、获奖 ：《越窑茶具与古瓷尚青》荣获省教育厅高校科研成果三等奖. 12、获奖 ：陶艺作品“记忆”入选杭州市高校书画、摄影展，获特别作品奖。 13、获奖 ：《百年回眸----书画精品特辑》《画之大者》 获十四、十五届浙江树人出版奖（装 帧设计）（浙江新闻出版局） 3 专题简介: 内容提要： 陶艺是艺术设计和美学的重要分支和表达载体。 我国有着灿烂辉煌的陶瓷历史， 但由于种种原 因， 古老的陶瓷艺术在现代文明的今天却退化了， 而当下的我们的陶瓷艺术也在创新和继承之间 摇摆不定，踯躅不前，一片混沌。如同当代中国艺术思潮的境况一样，中国的当代陶艺创作和实 践也在渐渐削弱， 重新发掘中国传统文化的精髓， 让更多的人学习陶瓷艺术， 在陶艺所蕴涵的 “平 素”、“土气”、“高古”、“雅逸”中，领略陶艺“风”和“节”度的精神所在。本讲座通过陶艺基本技法 的讲解，掌握陶艺的基本学习和实践方法，并在此基础上对国内外优秀作品的欣赏。了解世界著 名陶艺家的作品和其创作风格，试图引发各位学员对现代陶艺的兴趣和思考。

学习目标： 1、 掌握现代陶艺技法及其基本的成型、装饰、铀色烧制的方法。 2、 现代陶艺设计理念的形成 3、 对于陶艺作品的欣赏和对陶艺作品蕴含的美学、技术、文化内涵的解读 4 第一讲 现代陶艺技法 第一章 陶 艺 概 述 陶艺是陶瓷艺术的简称，它既是物质的产品，又是精神的产物；既是一门古老的艺术，又是一门 现代的艺术。 它的发展是一个推陈出新的过程， 在这个过程中承先启后， 其文化内涵不断地扩充。 从原始彩陶到清代的粉古彩，不仅反映了陶瓷发展的过程，更凝结了华夏子孙的审美历程。 早在 8000 年前的新石器时代，华夏先民就已经会制造和使用陶器。他们把陶土掺水湿润后塑 成一定的形状，干燥后，用火加热到一定的温度烧成坚硬的陶器。陶器的发明，标志着新石器时 代的开始。由于地域的差异和各地区制陶原料的不同，陶器工艺的发展方向也不同。于是便有了 以素陶、彩陶与黑陶为代表的仰韶文化、马家窑文化、大汶口文化、龙山文化、河姆渡文化等， 这些集中反映了我国远古时期陶器艺术的辉煌成就。 古代陶瓷的造型之美、 装饰之妙至今令人叹 服。（图 1-仰韶文化人面纹盆，图 2-马家窑文化束腰罐） 5 由于陶窑的改进和新粘土的使用， 在商代便烧制了原始瓷器。

它为我国瓷器的发燕尾服奠定了 基础。 秦汉时代的陶塑艺术， 在中国陶瓷发展历史上写下了光辉一笔， 无论在其思想性和艺术性方面， 都开创了新的境界。（图 3-汉说唱俑） 6 随着生产力的发展、社会的进步，汉代陶瓷艺术的重大突破就是能够烧制成熟的青瓷，由原始 陶器发展为瓷器常书鸿简介，是在制瓷原料的工艺改革、窑炉结构的进步、釉的发明等条件下获得的，是我 国古代劳动人民长期生产实践的结果和聪明才智的结晶，是我国陶瓷发展史上的一个重要里程 碑，它为以后的瓷业发展奠定了坚实的基础。 魏晋南北朝时期， 青瓷得到迅速发展， 其中越窑青釉制品联名于世。 青瓷具有独特的艺术风韵， 苍古幽雅，质地如玉，色调泛青，是当时人们对陶瓷艺术品味追求的体现。在成型方法上，除轮 制技术提高外，还采用了折、印、镂、雕、堆等多种表现手法，因而能够制成各种新颖有越的器 物，装饰特点也颇受佛教文化的影响，（图 4-南朝青瓷莲花尊）与此同时，黑瓷和白瓷也相粥 出现。鸡头壶便是其中比较别致的黑釉造型，壶体变大，前塑鸡头，引颈高冠，安置圆股形把手， 上端粘接在器口，下端贴于上腹，器物造型非常优美、端庄。白瓷的出现，为后的各种彩绘瓷器 的生

1、陶瓷艺术是艺术与科学的结晶，每一件陶瓷作品都由陶瓷材质、造型和装饰三个基本要素有机统一组成的整体，具有物质和精神双重文化特征。

陶瓷器皿在实用的前提下，具有造型规整、装饰多样、内涵丰富的特点，陶瓷艺术装饰经过数千年的探索与实践已发展得相当完备，其装饰形式基本可以归纳为釉下彩、釉上彩、釉中彩、颜色釉和综合装饰五大类。

2、陶瓷艺术装饰以其精美的图案、丰富的色彩、独特的工艺、精湛的制作技艺、奇特的创意以及全新的观念，形成了独特的工艺绘画形式。形成了特有的陶瓷文化。陶瓷艺术装饰创作过程始终贯穿了整个艺术创作的审美发生、审美创造、审美接受三大环节。

在人类社会的文化艺术发展史与经济发展中，陶瓷艺术装饰占有极为重要的位置，陶瓷艺术博大精深，源远流长，陶瓷艺术品是陶瓷文化传播使者。陶瓷艺术装饰呈现给人们的是一种陶瓷文化精神。

人在劳动中创造了文化，文化又塑造人，陶瓷艺术不仅是物质产品，而且是一种精神产品，更是一种文化产品。陶瓷艺术装饰经过长期实践，形成了独特的陶瓷文化。

扩展资料

一般人认为，必须具备以下几条才能称之为瓷器：

1、瓷器的胎料必须是瓷土的。瓷土的成分主要是高岭土，并含有长石、石英石和莫来石成分；含铁量低。经过高温烧成之后，胎色白，具有透明或半透明性，胎体吸水率不足1%，或不吸水。

2、瓷器的胎体必须经过1200℃～1300℃的高温焙烧，才具备瓷器的物理性能。各地瓷土不同，烧成温度也有差异，要以烧结为准。

3、瓷器表面所施的釉，必须是在高温之下和瓷器一道烧成的玻璃质釉。

4、瓷器烧成之后，胎体必须坚硬结实，组织细密，叩之能发出清脆悦耳的金属声。

参考资料来源：百度百科——陶瓷艺术

参考资料来源：百度百科——陶瓷文化

（一).“艺术价值是很重要的精神价值，其客观作用在于调节、改善、丰富和发展人的精神生活，提高人的精神素质（包括认知能力、情感能力和意志水平）。艺术的欣赏就是人对艺术品的价值进行发现和寻找，是欣赏者、创作者... ...之间的情感交流与情感共鸣。”可见艺术是主观的，一种高尚的精神产品，艺术是艺术家和欣赏者间的心灵互动。而陶瓷作品的艺术性就是陶瓷艺术家的心理活动、思想感情的体现，也是艺术家和陶瓷爱好者间精神上的交流。面对一件精美的工业化流水线生产出来的陶瓷工艺品，我们很难从中领悟或体会出什么真情实感，因为它只是商品，不是艺术品。那么陶瓷大师们、学院教授们的作品就一定是艺术品吗？我看未必。抛开作品工艺性标准，单说艺术性就有很多值得商榷的地方。这些年来，由于艺术瓷越来越为收藏者重视，其价格也水涨船高、逐年攀升。商家和相关政府部门在经济利益的促使下，挖空心思以各种名义组织大师和教授进行笔会。一时间，笔会作品满天飞。而大师和教授们本人对此也无可奈何，只能应付了事。可以想象，这种应酬之作其艺术含量能有多少！既然当代陶瓷作品的艺术性是主观的，在价值和审美情趣多元化的今天，我们该如何选择艺术性高的作品呢? 无论是中华民族的还是世界上其它民族的主流艺术都是弘扬真、善、美，鞭挞假、恶、丑。陶瓷作品的艺术性不是装腔作势、故弄玄虚，也不是卖弄技巧，更不是单纯对观者感官上的刺激。它是艺术家的真情流露，它是欣赏者内心泛起的层层涟漪，它是超越时空的心有灵犀。一件值得收藏的当代艺术陶瓷作品是工艺性和艺术性的完美结合。我们知道清末到民国初期的时候，由于一批文人介入到瓷上绘画，极大地提升了瓷画的艺术性。但是由于他们无法熟练掌握釉、彩以及烧成气氛、温度等工艺要求，所以浅绛彩作品的工艺性差，无法长久保存，极大地影响了其收藏价值。现在无论是收藏市场上的浅绛彩作品实物，还是网络上搜索到的浅绛彩图片资料都存在釉彩严重剥落的现象。后来民国时期出现的珠山八友作品，在工艺上克服了浅绛彩作品的工艺缺陷，达到了工艺与艺术的完美统一，成为收藏市场上炙手可热的收藏对象，拍卖价格也是屡创新高。无独有偶，在浅绛彩瓷出现一百年后的今天，大批国画、油画名家纷纷介入到瓷上绘画。遗憾的是，他们中的一些人的瓷上创作往往浅尝辄止，忽视陶瓷的材质美，我们也就不难判断其工艺水平的高低了。

（二）重视陶瓷艺术家本人的修养我们知道艺术是主观的，陶瓷作品的艺术性是作品本身所展示出来的艺术家的精神世界。我们在品评一件陶瓷作品的艺术性时通常会说该作品的格调是高还是低。“格调是指在作品中表现出来的美学品格和思想情操，是艺术家思想品格和艺术修养的总汇体现。”从创作角度来看，格调是艺术家思想境界和艺术境界的最高体现；从欣赏角度来看，它是艺术批评的重要标准之一。为什么我们如此关注艺术家个人的思想品格呢？每个民族的艺术审美标准和其传统文化密不可分。我们民族的艺术审美标准深深地植根于华夏民族灿烂悠久的传统文化。我们传统文化构建受到儒、释、道的影响，是多元的、复杂的。尽管儒、释、道各自教义不尽相同，但是它们也有重合的部分。从个人的修为角度看，儒家推崇品德，佛教宣扬功德，道家提倡道德，都是强调个人要有高尚的品格。艺术家是为人类创造高尚精神财富的工作者。难以想象艺术家的道德品质低劣，他的作品的格调会高雅.明代文徵明曾言：“人品不高者画品便见卑下。”我们中华民族历来重视高尚的品格。“富贵不能淫，贫贱不能移，威武不能屈，此之谓大丈夫。” 我国传统美学之追求，有“文如其人”、“画如其人”、“诗如其人”、“书如其人”之说。在绘画实践过程中，客观景物的品质由画家去反映表现，在这个表现过程中，画家本身的品质一直在起作用。画家只有本身品格不凡，才能使创作的作品具有不凡的艺术风格，画品是人品的表现，作品是性灵的流露。艺术作品的格调有雅俗之分。格调不仅取决于作者的思想境界，同时也取决于作者所能达到的艺术境界。高格调一般不仅要表现深刻的思想、健康的内容，还要求艺术家有精湛的艺术表现力，这与艺术家的学识修养、艺术修养息息相关。杜甫说“读书破万卷,下笔如有神。”明末画家董其昌的《画禅室随笔》中亦提到“读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内营，立成鄄鄂。随手写出，皆为山水传神矣。” 开卷有益，读书能让万里外之美景立于眼前，读书能跨越时空，让古今中外人的思想诉诸脑海；读书而有益，多读而博知，是一个万古不变的真理.中国工艺美术大师李菊生作为当代高温色釉瓷上绘画的领军人物，注重汲取中国传统文化精髓，挖掘现代文化内涵，突破传统工艺美术价值观念，借鉴中、西方绘画艺术技法，逐步形成了彰显个性审美趣味的艺术风格。李菊生的人物创作多取材于传统诗文。他通过刻画人物的瞬间情态，展示人物丰富的内心世界，表达他对历史、社会和人生的感悟。

（三）选择资深当代艺术陶瓷经纪人收藏者面对众多的艺术陶瓷作品，很多时候会有手足无措之感。一方面有收藏者自身的原因，但是更主要的是当前艺术陶瓷收藏没有一个客观、公正和科学的指导标准，更没有一个权威的机构来引导、规范和监督这个市场。收藏者在这种情况下选择专业、可靠、资深的经纪人比自己直接选择作品更为安全、保险。李菊生当代陶瓷艺术品经纪人大概出现于上个世纪90年代。经过近二十年的大浪淘沙，真正可以一直活跃在收藏一级市场而屹立不到的人可谓凤毛麟角。这些资深的经纪人经过市场多年的洗礼和检验，视信誉为生命，不为眼前的小利所诱惑，以严格的职业操守呵护、捍卫当代艺术陶瓷收藏市场。通常，艺术品收藏被认为是精英文化。收藏高品质的当代艺术陶瓷作品不仅需要收藏者有一定的资金实力，更需要收藏者不断学习，具备一定的文化修养和鉴赏水平。

这是一场青瓷与旗袍的美丽邂逅。世间纵有千般美丽，也无法描述当青瓷遇见旗袍，两种艺术形式碰撞出的美感。 这又怎能叫人不满心期待呢。

青年艺术家张娜立足本土辽瓷，致力于当代青瓷艺术的发展与传播。多年来，张娜往返沈阳与龙泉，接受学院和民间传统工艺的滋养，吸取中国南北方文化之精髓，融汇成兼具艺术性和实用性的“娜瓷”作品。此次展览除了以多元化视角展示张娜近十年来的青瓷代表作品、概览青瓷制作工艺外，还在辽瓷和龙泉青瓷的研究上做了有意义的探索。活动当天举行同期研讨会，特邀海派旗袍文化专家解小秢诠释“旗袍与青瓷”艺术中凝结的综合美感和人生哲学，同时提供一个匠心文化交流切磋的平台。

解小秢是海派旗袍文化的热情传播者，她认为龙泉青瓷与海派旗袍都是匠心独运之作，是这个时代里，人们对于“匠心”的坚守。可以说，旗袍对于每一个东方女子都是诱惑无限的，因为旗袍让东方女子的静，雅，美，淋漓尽致地展现。身着优雅旗袍的风韵女子，无论走到哪里，永远都是一道靓丽的风景。 

在本次青瓷展中，不少作品都是表现女性主题的作品，一组身着旗袍的青瓷人偶，灵动活泼，很好的体现了“青瓷与旗袍”的文化融合。  她表示，“我的创作，都是赞美生命，用植物代表人的生命过程，我将它们拟人化了。不管是什么题材和类型，这些作品里都是我的情感符号，都是我的生命轨迹。”张娜深知艺术道路以及人生道路之坎坷。但她一直坚持了下去，她的作品中都带有她对于传统文化的理解和积极的创造精神  。