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景德镇市粉彩非遗传承人 ——欧阳秋霞

秀丽的乌冬面
粗犷的台灯
2023-04-20 05:17:22

景德镇市粉彩非遗传承人 ——欧阳秋霞

最佳答案
潇洒的刺猬
从容的信封
2026-04-23 05:32:23

说起景德镇不得不提起四大名瓷,他们的诞生成就了景德镇千年美名,而这四大名瓷中粉彩瓷则以“粉润柔和,色彩丰富,画工细腻,风格迥异”的艺术特点至今都风靡中外,而对于粉彩瓷的工艺掌握,并不是一朝一夕就能练成的, 许多老师日复一日年复一年的坚守自己传统技艺。在景德镇有着这样一位女瓷艺人——欧阳秋霞,感受她对粉彩的执着与追求,和传承瓷艺的守望者! 艺人简介 欧阳秋霞 女,江西都昌人, 国家一级技师、景德镇市非物质文化遗产代表性传承人、中国书画艺术教育研究院江西分院副院长、景德镇学院陶瓷美术与设计学院客座教授、全国陶艺教育教学讲师团教师、景德镇市陶瓷商会常务理事 。受中国著名画家高士尊指导,师从老一辈艺术家范自魁学习装饰绘画一直乐此不疲。 20多年来对陶瓷艺术的创作始终不懈,被中国书画艺术研究院、中国三峡画院评为“中国陶瓷工艺美术大师”、高级工艺美术师、江西省高级技师,多件作品陈列全国政协接见厅,被北京中轻联文化传媒有限公司收藏并入选各种画刊,曾多次参加国内外陶瓷作品展,深受陶瓷艺术收藏家的青睐。 荣誉记录 2002年10月作品 600件粉彩缸《十二金钗》 获杭州西湖博览会第三届中国工艺美术大师作品暨国艺术 精品博览会金奖 。 2006年7月作品五尺 六寸粉彩瓷板《玉堂富贵》 获江西省陶瓷艺术大奖赛 金奖 。 2007年6月作品三尺 六寸粉彩瓷板《富贵图》 获香港回归十周年紫荆杯江西省陶瓷艺术大赛 银奖 。 2008年5月28日向江西省红十字会捐赠陶瓷作品 《春满乾坤》 拍卖的全部款项支援汶川地震灾区  。 2013年12月作品 二十六寸(双骏图) 荣获中国传统工艺美术精品展中“ 巧夺天工”金奖 。 2015年12月被评为江西省高级技师。 2017年被景德镇学院陶瓷美术与设计艺术学院聘任为客座教授并授予校外技能大师工作室。同时被景德镇特殊教育学院聘任为职训导师。 2018年7月,作品粉彩瓷板画 《游园惊梦》 荣获 江西省“陶瓷美术与设计艺术”大赛一等奖。 2019年6月,欧阳秋霞在庆祝中华人民共和国成立70周年 江西省非遗工艺美术优秀作品展中荣获“御瓷工匠”荣誉称号。 2019年被命名为 景德镇市非物质文化遗产代表性传承人 。 2019年10月经江西省教育学会陶艺教育专业委员会、江西省陶艺研学教育中心、景德镇市钟声教育中心、景德镇市钟声画院选举为常务理事,并担任副秘书长。同时, 被该组织聘任为全国陶艺教育教学讲师团教师。 2020年4月经中华人民共和国人力资源和社会保障部以及 中国轻工业职业技能鉴定指挥中心考核鉴定为国家一级技师。 多件作品陈列全国政协接见厅,被北京中轻联文化传媒有限公司收藏并入选各种画刊。其作品曾多次参加国内外陶瓷作品展,深受陶瓷艺术收藏家的青睐。 20多年来对陶瓷艺术的创作始终不懈,集民间艺术之精粹和现代艺术只精神于一炉,已形成了风格神韵清丽,古朴典雅,故作品多次获奖。 人物经历 似乎从人类出现的那一刻起,或造物,或想象,人们的生活作息便开始离不开对美的描绘于向往,而发现美,与其说是一种能力,不如说是与自然触发的一种奇妙的缘分。 欧阳秋霞,自小就对色彩有着一种与生俱来的亲切感,她从小时候就觉得自己对构图、色调有种说不出道不明的渊缘,爱好涂鸦,且比较容易发现美好的事物。 但凡有所成就之功力,便都不是一蹴而就的。欧阳秋霞在学习陶瓷粉彩之前,有过一定的水墨画功底,但在瓷上画画儿,到底是需要花费时间功夫去磨练的。 虽然在各种机缘巧合之下她得以拜老艺术家范自魁老师学艺,可作为一个初来乍到的“门外汉”,欧阳秋霞在学艺的道路上未曾生出一分懈怠。 旧时候师父们教徒弟总是喜欢留着些后招,欧阳秋霞常趁着师父不注意的时候,去偷偷翻看师傅珍藏的书籍、笔记,只为了能够再多学点东西、多长点知识。 作品特点 多年的用心揣摩以及对外界景致的细心体察,使得欧阳秋霞的作品风格更加倾向在细腻的表达之上,作为现代粉彩艺术工作者, 欧阳秋霞在创作时根据粉彩技法的特点,使得粉彩艺术与国画艺术紧密结合,再根据陶瓷载体的特点,进行定位构图,按画面的组合规律和创作意境来衬托主题,极显功力,用笔细腻,且神态自然、活灵活现。 由于她熟练掌握水墨山水的笔墨规律,能将水墨和色彩两大要素巧妙地结合起来,也就是将“骨法用笔”和“随类赋彩”、“随意赋彩”相融合,以墨线为骨写形,以色助墨光,以墨显色辉,又辅以雪山、云气、水流之虚白,相互衬托,相互辉映,使作品格调鲜丽璀璨而又沉着典雅。 她综合运用层层加染、纸背拓染、勾皴提点、局部泼彩、以掌磨色等微妙的设色技法,达到厚而不滞、淡而不薄、艳而能雅、实而能虚,既明净清润又厚重凝练的艺术效果。他的画中还有一种特殊的光感。 当我们走进她的陶瓷粉彩作品时,宁静、雅致、明艳等视觉感受里,带着安静、空灵的禅意扑面而来,她的作品清新淡雅,使人看后感到内心格外柔软。 非遗文化的守望者 作为景德镇非物质文化遗产传承人,欧阳秋霞在粉彩瓷创作道路上一呆就是30年,这30年来执着追求,使得她的粉彩技艺不仅如火纯青,而在传承粉彩工艺上也颇有心得,每每对着学习粉彩的学生她总是悉心指导、倾囊相授。 欧阳秋霞有时会担心自己所讲的不够全面,时常将范自魁和熊理卿两位恩师请来,给学生们讲讲粉彩的历史, 让学生们更加了解粉彩这门技艺。小小的工作室,承载着学生们对粉彩大大的希望,他们中有在读的大学生,有闲赋在家的社会青年,报着对粉彩技艺的喜爱,在工作室中汲取陶瓷艺术的营养,在未来自己也将一直不断进步。创新让粉彩技艺发扬光大!

最新回答
可爱的高跟鞋
畅快的楼房
2026-04-23 05:32:23

瓷器、绘画这两种艺术大家很熟悉。

但大家有没有过这样的好奇:为什么同样的题材,画在瓷器上好像不如画在纸、绢上那么……好看了

难道是因为没碰见好的瓷器吗不是!等你见到好瓷器,拿出来与同题材的画作比,你还是会觉得瓷画不够档次。

珐琅彩雉鸡牡丹纹碗 北京故宫博物院藏

五代 黄荃《写生珍禽图》局部

对比黄荃的鸟来看,《珐琅彩雉鸡牡丹纹碗》明明代表的是雍正官窑的最高水平,为什么瓷上的鸟看起来却没有质感

真相是,瓷画水平本来就不高。

之前我们在讲国画介绍小品时提过,小品有些原先可能是屏风或者纨扇上的装饰画,就因为太好看,才会被人“抠”下来另外装裱。

宋 刘松年 纨扇《秋窗读书图》

但从来没听说过有人会因为瓷器上的画太好看,而选择把瓷器毁掉单独收藏,这不光是因为毁掉瓷器有点多余,还因为在瓷器上画画先天就有很多缺陷。

画什么都变形

拿举世闻名的鬼谷子下山青花大罐来举例,这是迄今为止成交价最高的青花陶瓷的艺术品(暗戳戳地打个软广:它的主人埃斯卡纳齐是我们宝库汇的创始会员哦~)

鬼谷子青花大罐

但你知道这个天价大罐的完整纹饰是什么样吗

鬼谷子大罐纹饰平面图

这就是瓷画的先天不足,瓷器是圆的(或方的),一眼看过去只能看到局部,它无法像手卷一样慢慢展开,想看完全部内容只能围着它走一圈,且最大的困扰在于,通常你并不知道在哪开始在哪结束。

为了解决这种看画太累的问题,瓷画艺人发明了一种开光,开光又称“开窗”,就是在瓷器上“开”一扇窗,效仿中国窗户里看过去的场景。

黄地开光粉彩三阳开泰纹碗

在瓷器这里,开光不是封建迷信,而是打开了一扇艺术的窗。

粉彩开光四季山水盖罐

开光出现之后,在一个瓷器上表现四季就显得容易的多,四个框栏对应四时风景,纹饰与整个瓷器相协调,展现出精妙绝伦的器物艺术形象。

粉彩开光四季山水盖罐

伴随着开光的出现,又衍生出另一个问题——瓶瓶罐罐本来就不大,再勾出一块,能看到的画面就更小了,也就是说,开光也没有解决在曲面上画画会变形的问题。

画成什么样靠天意

在瓷器上画画除了有器型这种客观问题外,还存在工艺本身的限制。

所有的瓷器里,青花是最接近水墨画的,青花颜料很粘,坯很涩,很难表现宣纸水墨的韵味,专业国画家画青花,也很难上手,至于粉彩、珐琅彩,就更麻烦了。

在入窑烧之前,青花是黑的,粉彩是暗的,最终成品是什么样全凭经验,而且釉有流动性,多多少少会影响画面的效果。

清光绪金品卿款浅绛彩人物盘

我们列举了瓷器先天的种种不足,并不是要彻底地否定瓷画,毕竟作为瓷器的装饰,这一点始终是国画、油画无法企及的,谈论它的装饰性,还是要回归“纹饰”本身。

瓷画是“纹”不是“画”

和国画一样,瓷器上也画山水花鸟、亭台楼榭,但受瓷器工艺限制,瓷画很难达到国画的艺术水平。

这一点做瓷器的人也心知肚明,所以陶瓷专业不把瓷画叫瓷画,叫“纹饰”,茶壶上画个山水,不叫山水画,叫山水纹。

早在唐代的长沙窑开始,瓷器纹饰就已经很发达了,比如磁州窑的白釉黑花、耀州窑的青釉刻花,但只在民间流行。

磁州窑白地黑花竹纹枕 故宫博物院藏

明清时期,文化开始世俗化,皇室也逐渐接受了带纹饰的瓷器,并发展出了五彩、斗彩、珐琅彩等等。

至雍正时期,粉彩发展成主流,以清新的花鸟题材为主体,各类花卉、虫蝶、动物纹表现较多,这与当时清宫没骨花鸟画盛行有关。

清雍正 粉彩牡丹纹盘口瓶

乾隆时期,随着宫廷山水画的再度兴起,粉彩山水题材亦迅速增多,进入繁荣时期。

乾隆粉彩山水瓷画类型丰富,装饰繁复,色彩艳丽,风格多样,与乾隆宫廷山水画风颇为接近。这是因为,受宫廷指派,不少画师参与到瓷器彩绘工作,他们把宫廷山水画风格运用到了粉彩山水瓷画的绘上。

从这个角度来看,清廷御窑厂的生产活动实际是宫廷工艺美术的延伸。

清乾隆 黄地开光粉彩山水人物纹四方茶壶

不过,从唐到清瓷画发展了这么些年,为什么从来没有出现象“清初四王”、“扬州八怪”那样引领时代风潮的画家呢

归根结底还是因为作画的人身份不一样:中国古代画家,大都希望通过作品表现独立的思考,表达哲学或者政治见解,他们的作品多寓意深刻、情趣高雅。

而古代画瓷器的工匠大多文化水平不高,他们没有艺术家的理想,画瓷器时也不是想表达什么,往往是什么好卖画什么,是以市场为导向的,毕竟瓷画只是装饰作用。

所以结论是,瓷画是不具备欣赏价值呗

不,那是从前!

翻身“瓷画”把歌唱

清王朝灭亡后,以官窑为代表的装饰标准化、程式化、工艺化、多工序合作、匠器型的景德镇瓷器生产体系也随之解体。

大量的文人画家聚集于景德镇,冲破传统瓷器造型和纹饰的束缚,适应新时代新兴市民阶层的审美需求,借鉴中国画诗书画印的优长,创造出清新又极具文化内涵的瓷画新风。

民国珠山八友粉彩瓷板

民国时期,王琦、徐仲南、邓碧珊、何许人、汪野亭、毕伯涛、王大凡、田鹤仙、程意亭、刘雨岑结社瓷坛,形成中国陶瓷史上第一个艺术流派——“珠山八友”。

他们主张画必有意,画风与书法款识多追求清中期“扬州八怪”的风格,戮力把诗、书、画、印与制瓷工艺完美地融为一体。

绘画韵致取代了装饰严谨工整、精巧富丽的审美意趣,瓷画呈现了新面貌!

从收藏角度来看,与纸质书画作品相比,一件成功的画瓷作品显然更为稀有,其画家风格、艺术性不仅没有失去,反而融入了更多的观赏性因素。

如今,越来越多书画名家开始了陶瓷绘画的艺术探索,其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强,从而推动瓷画的收藏热度不断升温。据拍卖市场统计,当代的“画家瓷”虽然进入市场的时间不长,但是价格已经涨了10倍左右。

如果有对瓷板画感兴趣的朋友,宝哥哥推荐大家去宝库匠心馆打卡中国工艺美术大师的瓷板画作品!

烂漫的发夹
落后的鸵鸟
2026-04-23 05:32:23
熟悉景德镇历史的人都知道,景德镇故称“昌南镇”,在宋真宗景德元年(1004年)时,因镇产青白瓷质地优良,遂以皇帝年号为名置景德镇,一直沿用至今,景德镇人对此无不感到骄傲自豪。近日,山东籍“新京派”山水画家谭钢应朋友邀请来到景德镇,从他多年研究甲骨文的心得出发,给景德镇做了一个新解: “一日当空为瓷京,一路坚持为瓷德”,见解掷地有声,颇为耐人寻味。
1958年出生的谭钢祖籍山东,自幼便酷爱绘画,一方面他师从山东名士陈玉圃学习了水墨山水画技法,另一方面又将水粉画与水墨画进行了难能可贵的融解与重生,故而一些业内人士开始称他的画为“新京派艺术”。谭钢自己并不在意是哪一种称呼,他喜欢去探究文化的根源,喜欢带着思考生活,就像这次他来到景德镇一样。
他是带着朝圣的心情来的。“我在广州、广西等地待过很多年,实际上全国各地都有玩瓷器的,都有烧窑的,但哪里都不能和景德镇比,”谭钢说,“只有这里,是中国瓷文化的中心,是瓷的首都,唯有置身其中,才能感受到陶瓷文化中心的气息吐纳,这跟书本上是完全不一样的。”因此,当谭钢与失联多年的景德镇朋友 重新取得联系时,他第一时间踏上了奔赴瓷都的旅程。
景德镇对他来说,既是熟悉的,又是陌生的。“感触最深的是泥性。当我第一眼看到师傅用粘满泥水的手在做坯料时,那种深刻的感情一下子就迸发出来了。中国人是有泥性的,前阵子我在一个节目中看到,一个外国徒弟学了整整一年,也没有学好拉坯,可中国的学徒仅仅用了几个月,就已经做得不错。中国的文化是柔性的,外国文化是刚性的,因此中国人讲感觉,外国人讲逻辑,中国的文化是有厚度的,正所谓‘厚德载物’,我们要深深地去体会这一点” 谭钢说。
没有积累,就没有厚。第一次来景德镇,谭钢一方面很喜欢景德镇的瓷器,但也感慨景德镇的城市面貌与他想象的有些差距。谭钢认真地说:“发展中千万不要破坏传统的东西,要认清什么才是自己的传统,像是北京的四合院,拆掉了想再找出来就不可能了,中国的文化,有一部分根在景德镇,而景德镇的文化,有一部分就在‘相’中,没有陶瓷古镇的‘相’,景德镇就产生不了未来的大师,这是一件很严肃的事。”因此,一向对甲骨文很有研究的谭钢这样来看景德镇的“景德”两个字,“‘景’字,一日当空的京城,这是景,是瓷京的景,再看‘德’字,甲骨文中的‘德’原本是没有‘心’的, 这是后来添上去的,原本是一条岔路,一只大眼睛盯着这条岔路,意思就是说,一路走到底,这就叫德,上古人类是很会用象形来表达意思的,所以说,这个‘德’字应该解为,一路走到底,别走岔路,你看‘景德’这两个字多么伟大。一座楼可以起可以倒,一场战役再轰轰烈烈也会被人遗忘,唯有精神,精神是软实力,会永存而不倒,我相信景德镇人真正明白了‘景德’这两个字,就拥有了这种软实力。”在景德镇留下几件瓷器之后,谭钢匆匆而去,但这趟处女行已经给谭钢留下了难以磨灭的印象,他说:“经过这次,我对这座城市更加着迷了,我会经常来。”

娇气的镜子
精明的日记本
2026-04-23 05:32:23
在中国绘画中,工笔画拥有悠久的历史。早在新石器时代,勾线填色的彩陶纹样就显露出工笔画的雏形。工笔画以其结构工整严谨,造型传神到位,设色清丽典雅以及独特的绘画语言,在中国乃至世界画坛大放异彩。工笔花鸟画具有悠久历史的中国画种,已有数千年历史,其风格与样式多种多样,以描绘花鸟、鱼虫、蔬果、走兽、花卉为对象。美不胜收,是中国画的瑰宝。
由于题材不同可分为花鸟画、山水画、走兽画和人物画。而工笔花鸟画,在唐代就已经形成为单一的画种,花鸟画的发展是从工笔开始的,随后又出现了写意画法。经过长期的历史发展,工笔花鸟画已经具有很高的艺术成就了,成为中国画中一支独特的奇葩。工笔花鸟画风格、形式多样。根据技法的不同又有“白描”、“工笔淡彩”、“工笔重彩”和“没骨”画法之分。陶瓷工笔花鸟画就是在传统工笔画的基础上发展起来,并随着陶瓷装饰材料的发展而发展。目前,从装饰材料上来分类,陶瓷花鸟画可分为粉彩工笔花鸟画、新彩工笔花鸟画、古彩工笔花鸟画、青花工笔花鸟画和青花斗彩工笔花鸟画。在景德镇的陶瓷艺术创作队伍中,从事陶瓷工笔花鸟画人数较多,这对陶瓷工笔花鸟画的发展是很有利的。要使这一画种更具发展潜力,必须进一步加强作者的全面修养,特别对提高他们审美观和审美水平,是至关重要的。
陶瓷艺术作品,有三种艺术风格:写实、写意、抽象。其中,抽象画由于形象模糊,很难使人接受,从事这种画风的人相对较少。陶瓷艺术作品以工笔和意笔为主要表现形式,釉上新彩、粉彩、古彩瓷画,以工笔写实为主。
釉上彩工笔瓷画,看似容易操作,而实际上却需要经过较长时间的艺术实践,才能创作出精美的力作。在表现形式上,工笔瓷画以复杂的工艺绘制。线条,是艺术造型的重要媒介,以线造型是国画、瓷画的表现手段,工笔瓷画所采用的线条,有多种形式,即有国画“十八描”中的铁线描、游丝描、琴弦描,也有图案画的纤细线条,还有用细点组合而成的线条。线描的主要组合形式有两类:一是对物象的轮廓线经过取舍后,用简约的线条,表现物象的体积、质感动态。二是用夸张变形的线条来装饰绘画物象,线条的节奏感强。工笔瓷画线条的排列组合十分讲究,线条的长短、疏密、转折,必须与形象密切结合,给人以流畅自如的印象。
釉上花鸟画的萌芽时期是作为装饰图形应用于彩陶、青铜器及丝织品,至唐代得以独立。两宋时期是花鸟画最为兴盛的时期。北宋在拓展山水画领域的同时,以花鸟画作为宫廷绘画的主动脉,从而形成了院体画风格。北宋花鸟画最奇妙之处,就在于它能够赋予那千千万万个不存在生命的绘画形态以鲜活的生命感。这一惟妙惟肖的功夫,是世界美术史上难以破解的奇迹。而南宋花鸟画“在‘宣和体’成就的基础上仍有所发展和进步。南宋宫廷花鸟画家,虽然没有太显赫的名字,但从总体上说,无论从表现物态的气韵、刻画之精工、设色之�丽,都不低于北宋画家的水平,在某些方面仍有所超越。”工笔花鸟画经过五代至两宋的鼎盛时期,盛极而衰,随着审美的转移,材料的变化,文人画的兴起,辉煌的时代一去不返。花鸟画进入明代与清代,各大家放弃传统,创造新画法使花鸟画从形式、内容到欣赏角度,都发生了相当大的变化,逐渐摒弃两宋花鸟画的某些精华,在笔墨上开辟了新的出路。
工笔花鸟画的绘画特征:内容题材比较规范,作品形态富有高贵和超现实的美感,还有深刻的美学内涵、优雅的意趣和欣赏价值,以及成熟的人文积淀。正因为工笔花鸟画绘画特征中的内容题材的规范和作品形态富有高贵和超现实的美感,在当代花鸟画的创作中,仍能与传统相辅相成,在时代变革的形式下保持着相对的稳定性和持续性。
工笔花鸟画时常把画家的审美意识与自然物象融为一体。也就是寄情于景,是自然环境与作者精神的结合,是“天人合一”的美的化身。这同时也是心灵与自然的融合,是个人理想和精神追求的自我表达。在这个瞬息万变的时代,面对五花八门的艺术现象,我们在创作中,难免会在形式及技法上花费大量心思,而不能顾及花鸟画创作内涵。在此情况下,有一个问题不得不引起我们的思考,那就是花鸟画这一精美的画种有可能在不断的重复中,渐渐走向庸俗、走向没落,最后变为一门装饰性手艺。所以,重新审视和领会经典花鸟画的内涵,提升当代工笔花鸟画创作的气质和品位,就显得非常重要。
各种釉上绘画艺术,各具特色和长处。随着时代的进步、经济的发展,不少陶瓷艺术家大胆探索、开发出各种釉上装饰,从而得到优势互补,增强审美韵味,提高作品的档次,例如粉彩与新彩结合,有的粉彩又与墨彩相结合。
综上所述,陶瓷釉上花鸟画装饰发展总的趋势是既有传统继承,又有开拓创新,呈现出多元化、高档化,中西创作元素结合,多种装饰技法融汇的发展姿态。随着时代不断进步、必将有更多更好的精品佳作问世。