一般手绘陶瓷制作过程是怎样的

主要鉴别方法可从四方面入手
器型：形制上丰富多样，特别是用于陈设的各式大型器，如转颈瓶、转心瓶、天球瓶、扁瓶、多角瓶等甚为流行。
胎釉：乾隆早期瓷器的胎还是保持雍正时细润的特点，晚期由于督陶官的不力和经济原因，胎质不如唐英督陶的清早中期，但比晚清仍胜一筹。早期釉质莹润与雍正无太大差别，晚期渐糙。精致的粉彩瓷器釉面坚致，细润如脂似玉，光洁无瑕疵。一般粉彩瓷器釉面或莹润，或不够干净，釉面常有均匀似涟漪的小皱纹，以陶瓷板画表现最明显，但没有晚清时期釉面不平的波浪釉严重。
纹饰：乾隆粉彩器纹饰种类众多，有山水、人物故事、花鸟、婴戏、仕女、花果、花卉、题诗，均以当时名画家的绘画为蓝本，兼糅西方绘画技法，勾染皴擦，浓淡分水，清新明艳，立体感强。
彩绘：乾隆粉彩具有用色浓艳、装饰方法多样、富丽华缛的风格。乾隆官窑粉彩集压印、剔划、绘画、开光、色釉、堆塑、描金多种工艺于一体。有的陶瓷器物下部分为色地，腹部为白色或白地开光，开光内绘粉彩纹饰。

大自然中的花鸟不仅和人们的生活有着紧密的联系，而且以优美的品性和生动的形象给人以精神上的陶冶和美的享受。陶瓷花鸟画创作正是通过追求画外之情、象外之意的诗意性、内在意蕴，以细腻幽雅的技法表现以及感情色彩的建构，来形成情景交融、虚实相生、空灵悠远的艺术境界。
古人云：意造境生。艺术创作总是不同程度地包含着某些幻想的成分。重感情的幻想和浪漫在艺术创作中产生着巨大的作用。由于花鸟画对自然背景和环境的刻画多有诗意的注入，使得作品在揭示大自然美丽的同时，其形象变得鲜活律动、疏放空灵，达到“以气韵求其画”的效果，此时的艺术形象不仅是现实生活中真实形象的再现，同时也是艺术家理想世界的现实表达。创造绘画的意境，既要求“外师造化”的描绘，亦要求“中得心源”的抒情。自然界的生物本无精神可言，它只有自身的自然属性，而画家依据它们自然属性的特征、环境等特点，赋予它们以人格化的精神内涵，这样原有的自然植物在花鸟画家的笔下就不再是一般意义上的自然之物，而具有了一定的精神内涵和审美价值。也就是说一幅花鸟画的意境表现是花鸟画作品中画家的思想感情、审美情趣转化为艺术力量后所传达出来的意境美。这种美，源自生活，造化自然，情意发自主观。意境是意和境的有机结合，是情与景的水乳交融，是题材与思想感情的和谐统一。
意境既体现客观对象的真实性，也体现着主观意识的能动性和表现方法的多样性。意境的创造不是随心所欲，信手拈来，而是画家经过长期钻研、学习、体验、创造出来的，是艺术思维的结果。要创造鲜活动人的意境，首先要有与众不同的独特生活观察和体验，有所发现才能有所创造，才能有新的立意。人们在谈绘画的意境时，常常会从画有诗意、诗境的角度来谈论，这说明浓郁的诗情画意是中国画的特点。欣赏一件好的作品，会令你有在一种精神境界里神游的感觉，进而得到美的享受，这种美感形式即为意境，意境体现着“物我合一”的创造精神，意境深远才能耐人寻味。花鸟艺术作品的创作，较为明显的改变之一就是构图。粉彩花鸟画的构图主要分两类：一是折枝式，二是通景式(全景)式。这要根据陶瓷不同器型特点来进行构图。
1、瓷板、瓷盘类的构图：由于此类器型和国画一样均属二维空间，其构图方法与国画无异。国画花鸟中的折枝式构图，如：纵式、横式、斜式、垂式、团式、三角式等形式；国画花鸟全景式构图如：平远、高远、深远、综远等四种形式均适用于瓷板与瓷盘。
2、立体陶瓷的构图：如瓶、罐、缸、简等。因为是三维空间，其构图方法有的可采用国画构图，有的必须有所变通。应根据器型特点灵活运用。
①镶器的构图：此类器型是由数个平面相接而成，其单个平面与国画的构图一样，可以每个平面各画一景物，如四个面的镶器可分别画梅、兰、竹、菊。如画紫藤等花卉便可采用全景(通景)式构图，四面连续延伸组成一幅通景画面。
②瓶类立体陶瓷的构图：艺术陈设瓷中，此类器型居多。其构图方法也可采用折枝式。虽然此类器型是非平面的，但可从底部或上沿部下笔进入画面。瓶类另一种构图是通景式。所谓通景(全景)式，要求不论从哪个角度去看，都成画面。画中景物的布局要有参差变化、错落有致，富有层次感、纵深感。国画构图法则中关于主宾、疏密、开合、藏露、虚实、呼应等关系，同样要妥善处理。如果从器型中部入画，可利用岩石、假山等物将花木的根部隐于其后，或者在花木的根部以石头、小草、苔藓等表示地面。总之不能给人产生无根之木、凭空而来的感觉，而且要注意画面的连贯性和点线面的关系。花木鸟虫等物的大小比例要协调。此外景物构图还应根据表现的对象及其精神气质来选择器型，或根据不同的器型来选择所画的对象。
粉彩花鸟是借鉴、吸收国画写意花鸟的特征和技法，结合陶瓷材质的特点而发展起来的一种陶瓷装饰。粉彩写意花鸟在技法上脱去了粉彩工笔花鸟那种线条勾勒轮廓，层层洗染的工序以及工致、细腻的刻求，拓展、发挥了笔触、料色痕迹的表现力，强化了笔触和料色在运转流动中所自然体现出来的韵致，并吸收了书法的用笔，融书画于一体。在形象刻画上重简洁、提炼，重神韵意向，而且易于抒发作者的思想情感，表现作者的艺术个性。
1、粉彩花鸟的创作要做到胸有成竹、意在笔先。因为粉彩花鸟具有国画的特点，要求形象高度概括，笔法洗练，追求神似和韵味，所以一般不打轮廓，做到心中有数，从画主体开始，大胆果断下笔，每画一个局部都必须顾及到整体效果，边画边看，统筹兼顾，逐步完幅，最后细心收拾，臻于完善。
2、粉彩花鸟的水点技法。粉彩花鸟水点法以水来调和颜料，这样可以较好地表现笔角和料色的韵致。一般用玻璃白打底，画花朵时往往在笔毫上先蘸较淡的料色，笔尖上蘸少许浓料色，使料色产生由深及浅的色阶，然后进行描绘，自然分出层次，犹如国画中的没骨法。这样画出来的花瓣色彩层次丰富、滋润鲜活。所画的枝干也富有立体感，再以羊毫笔稍加皴擦，便产生出丰富的肌理效果。画叶一般用油性颜料，叶片不先勾线，先勾线的缺点是上料时容易被樟脑油渗开。
3、粉彩花鸟是指整体而言，并不排斥在某些局部采取近似工笔的装饰。总体上是形象简约概括，笔法洗练洒脱，料色酣畅淋漓，但某些局部可画得精致一点，以形成强烈对照。这样的画面才饶有情趣和韵味。一般情况下，枝干花叶为写意，而其中的鸟、虫可画工笔。艺术大师齐白石的大写意国画《红叶蟋蟀图》中，红叶与枝干是疏笔大墨大色，色泽酣畅淋漓，而蟋蟀则工细入微，整个画面生气盎然，耐人寻味。
此外花鸟作品讲究静中有动，动静结合，讲究映照、呼应，情景交融，以获得神形兼备、气韵生动的艺术效果和审美情趣。
意境的创造，是艺术思维的创造结果，它除了自然、生活、情意这些基本条件之外，还需要构思、构图能力、笔墨造型技巧，以及对诗、词、歌、赋种种艺术的广泛吸收，我们只有真诚地对待生活和艺术，执着地追求，才能在艺术实践中创造出更多的充满诗情画意，为广大人民群众所喜爱的花鸟画作品。

（一）中国画对陶瓷装饰的影响
明天启以后的民窑瓷器上诗配写意画面，是明代文人山水画对瓷器装饰的直接影响。例明末清初民窑青花瓷器上的写意，兽、鱼、虫其绘画风格与当时著名画家八大山人的风格有惊人的相似之处。
康熙青花，五彩山石画法，习惯用“斧劈皴”而雍正时期则逐改用“披麻皴”。《中国陶瓷史》第十章，清代的陶瓷，有关中国画对陶瓷装饰方面的记载：“康熙时期人物画内容，除了习惯‘婴戏图’，‘八仙祝寿’、‘四妃十六子’等外，戏曲人物故事特别盛行。”例：“西厢记”、“水浒”中故事以及“钱塘梦”等等，在风格上这时期人物因受陈老莲画派的影响。中国绘画艺术真正在陶瓷装饰中运用是随着社会的发展和知识的传播，陶瓷装饰者在怎样处理上，大部分由匠人味逐渐变成文人味装饰风格。
到了清末民初，一批有国画修养的文人、墨客进入景德镇艺坛。如擅人物的王少维、山水程雪笠父子、花鸟程声和、潘陶宇等人，均以清新的国画技法大大影响了当时的传统画风，继起的“珠山八友”在他们的影响下也走上了这条路，为祖国的艺术宝库增添了光辉。
如绘画神技王奇、落地粉彩王大凡、水点碧桃花的刘雨岑先生，在传统的基础上，为了使瓷器上能达到象国画在宣纸上作画晕染的艺术效果，吸收了清代画家恽南田、任颐的没骨花鸟画的技法运用到陶瓷粉彩上，一直到现在。
当代“青花大王”王步先生运用中国画水墨画的表现方法来画青花，像国画一样墨分五色，他将青花料水也分五色，力求水墨韵味。着意研究清代八大山人、黄慎等人笔墨。以豪迈沉郁的风格简朴、雄浑的笔墨为花鸟传神，运用到陶瓷青花艺术上，在景德镇陶瓷艺术上别具一格。
以画虎著名的毕渊明，擅长金石、书法、诗词、绘画。年轻时候学习画虎名家四川张善子先生和广东岭南画派的高其峰先生等画家的佳作。在画面构图，运笔、设色、布景等方面继承中国画的优秀传统。先生的虎即有张先生的画风工整笔力，又有南派画风的神韵。
高级工艺美术大师陆如是以擅长陶瓷装饰设计和国画花鸟享誉瓷艺和画坛的。运用国画技法装饰陶瓷而获盛誉。他创作的新彩“枇杷图挂盘”、“夏熟”是运用中国画技法进行陶瓷装饰，也是先生成功的作品之一。景德镇还有许多美术家如：老一辈画家，历经磨练，底子厚，功力深，艺术造诣较高，作品境界各具特色。胡献雅老先生的苍劲雄健，毕老的巍然雄据，余翰青先生的清丽秀健，马毓桂的苍老朴实，余文襄先生的静穆精深，徐天梅的苍劲深婉，及解放后成长起来的中青年画家坚持走“师造化”、“师自然”的道路，刻苦学习，勤奋笔耕，富有朝气，勇于创造。他们的作品既有传统的艺术色彩，又吸收了外来姊妹艺术的养料，显示出强烈的时代感和浓郁的生活气息。有的奔放流畅，有的高雅飘逸，有的严谨细腻，有的笔触娴静，有的意态潇洒 ……许多作品都充满着耐人寻味的笔墨情趣。
中国画在景德镇为什么如此风行？陶瓷美术工作者如此厚爱？这主要因为陶瓷装饰的表现形式，以构图到立意，以艺术形式到技法，都和工艺材料的不同而有区别。把国画借鉴到陶瓷装饰上来，因其许多艺术手法适合多种陶瓷不同器型装饰需要，国画与陶瓷互相渗透艺术手法和精美的陶瓷材质揉和生辉就形成陶瓷装饰的独特语言。
（二）陶瓷装饰吸收了中国画的表现手法
（1）运用散点透视的手法构图
中国画运用散点透视构图，这才出现了古代长卷《清明上河图》和现代中国美术学院教授、王时敏、姚耕云、卓鹤君等等最近创作的《长江三峡长卷》等等。如果按西洋画运用的焦点透视就没有办法画那么长的画。
在各种陶瓷造型器皿上如不采用中国画的散点透视构图，也就根本没有办法绘制通景山水、人物等。
（2）“计白当黑”
“空白”是中国画形式中特有的重要表现方法。中国画强调着眼处白，下笔处黑。虚实关系，“知白守黑”这一国画艺术法则，基本上和陶瓷装饰一致。
（3）“写意传神”
中国画强调“似与不似之间”是齐白石先生对写意花鸟画经验的总结。“神在形似之外”、“形在神气之中”这是中国绘画艺术独特之处。特别是景德镇的明代民间青花，像“八大山人”的写意画，廖廖数笔，出神入化。如画人，一个圆圈是头，一撒是发，两点是眼，重笔撇成，倒转人字是舞动的双手，再随着画两条下窄长宽的长线，这便是身躯和脚，这是“婴戏图”中全部用笔，如现代画家关良、高马德等戏剧人物是那样的传神，相比之下，明代民间青花中的人物却更宁静、天真、流畅、秀美，且富于装饰效果。
中国画的表现形式和艺术特点都可以在陶瓷装饰中找到。两者相互影响、渗透。如“粉彩”中的人物、花鸟画法都与中国画工笔重彩人物，花鸟类同。
剖析一下粉彩装饰方法就可以看到，陶瓷装饰和中国画历来就结下了不解之缘。中国画表现形式主要有工笔重彩、淡彩、工兼写，没骨写意，泼黑等等技法。主要讲究骨法用笔。白描勾勒、皴擦点染、设色渲染。一般采用散点透视，不受时空局限。构图上注意章法，讲究空白，追求立意及读书画印的巧妙结合等。这都是中国画独特的表现形式，中国画讲究个“意”字即写意。不单是画法工整和笔法放纵的水墨写意之分，这个意则是中国画神气魄。中国画在造型艺术形象中要求以形写神，形神兼备，把讲求立意和气韵生动作为它们的最高标准。
而陶瓷装饰的表现形式，从主题到立意，从艺术形式到技法都和国画有许多相同点，只是由于工艺特点、工具、材料的不同而有区别。
如粉彩用笔一般采用中锋为主，略加侧锋，基本用皴擦法，由于瓷胎质地光滑，不如宣纸吸墨，要擦出的飞白效果而彩取原料的方法来分明暗。粉彩中设色上除无渲染着色外，（但有洗染、接色法）其中打底、罩色、填色等都与国画中的工笔重彩设色方法类同。
中国画特别强调线条的作用，国画线描技法积累了许多丰富经验，如人物“十八描”等，都是陶瓷装饰上所运用和借鉴的线描技法，无论古彩、粉彩、新彩、青花都离不开线条的运用。这点对陶瓷装饰都至关重要。
例如，古彩，一般以中锋勾线，线条钢劲有力，是古彩最基本、最重要的造型手段，古彩不似粉彩运用设色，洗染手法，只靠单线平涂，全靠线条功力来表现各种人物、花、鸟、山、水等形象。
线条表现在青花中最大，勾线分水要求青花料线画得凸起来，使分水控制在线条以内。不越过所刻画形象的线条以外。
（三）陶瓷装饰与中国画艺术互相渗透
中国画是画在宣纸上的，而陶瓷装饰的“国画”是吸收了中国画的表现手法来装饰陶瓷的。所以中国画和陶瓷装饰的“国画”是不能互相代替的两种艺术，只能互相影响，互相启发。一般来说工艺美术品种都很精细，誉有“巧夺天工”的赞誉。瓷器上装饰国画多适宜工笔重彩，使画面显得很精美。
中国画艺术在革新，陶瓷装饰在力求工艺材料和装饰技法上的创新才能更好的把中国画艺术运用到陶瓷装饰中，才能创作出不愧为我们伟大的时代陶瓷艺术珍品。

景德镇女孩学习陶瓷画应该从学习陶瓷基础知识开始，比如陶瓷的历史、陶瓷的制作工艺、陶瓷的颜色、陶瓷的结构等。然后，要学习陶瓷画的基本技巧，比如绘画技巧、色彩搭配技巧、技巧等。最后，要学习陶瓷画的设计理念，比如绘画的构图、色彩的搭配、线条的运用等。学习陶瓷画，需要结合实践，多加练习，才能掌握技巧，提高自己的水平。