有滋味，可卧游——河北省工艺美术大师卞哲甫山水瓷画赏析

当手机屏幕上的时间切换到北京时间八点，整所学校里只剩下没回家过节的同学和我这个外人。

我解下锁，锁？无非就是某个人的生日数字罢了。刚好看到数十条中秋问候。

青绿山水（金碧山水）

所谓青绿山水就是山水画有浓厚的青绿重彩，画面金碧辉映，富丽堂皇，典雅高贵，显示了盛唐艺术的辉煌气魄。代表人物就是李思训和李昭道父子。代表作《江帆搂阁图》。

水墨山水（墨笔山水）

笔墨质朴雄健，代表人物王维，代表作《雪溪图》

浅绛山水（淡着色山水）

“浅绛”原是中国画术语，指以水墨勾画轮廓并略加皴控，以淡赭（有时也加以花青等冷色彩）为主渲染而成的山水画。这种画法起源于元代（公元1271—1368年），其代表人物是黄公望（字子久）。而陶瓷界所说的“浅绛”，是专有名词，指晚清至民国初年流行的一种以浓淡相间的黑色釉上彩料，在白瓷胎上绘出花纹。代表作《天池石壁图》、《溪山雨意图》、《九峯雪霁图》、《富春山居图》、《富春大岭图》、《水阁清幽图》、《丹崖玉树图》等。

小青绿山水

李思训的儿子李昭道继承了他的大青绿方法，在此以后的朝代文人画家借鉴大青绿法，变化为小青绿山水。所以说李思训父子是青绿山水奠基人，对于后来的青绿山水发展影响极大。

没骨山水

“没骨”是中国画技法的名称，指不用墨线勾勒，直接以彩色描绘物景。用这种方法画出来的山水画，就称“没骨山水”。代表人物古人：张僧繇，杨升，董其昌等。代表作《寿苏室图》

瓷器、绘画这两种艺术大家很熟悉。

但大家有没有过这样的好奇：为什么同样的题材，画在瓷器上好像不如画在纸、绢上那么……好看了?

难道是因为没碰见好的瓷器吗?不是!等你见到好瓷器，拿出来与同题材的画作比，你还是会觉得瓷画不够档次。

珐琅彩雉鸡牡丹纹碗 北京故宫博物院藏

五代 黄荃《写生珍禽图》局部

对比黄荃的鸟来看，《珐琅彩雉鸡牡丹纹碗》明明代表的是雍正官窑的最高水平，为什么瓷上的鸟看起来却没有质感?

真相是，瓷画水平本来就不高。

之前我们在讲国画介绍小品时提过，小品有些原先可能是屏风或者纨扇上的装饰画，就因为太好看，才会被人“抠”下来另外装裱。

宋 刘松年 纨扇《秋窗读书图》

但从来没听说过有人会因为瓷器上的画太好看，而选择把瓷器毁掉单独收藏，这不光是因为毁掉瓷器有点多余，还因为在瓷器上画画先天就有很多缺陷。

画什么都变形

拿举世闻名的鬼谷子下山青花大罐来举例，这是迄今为止成交价最高的青花陶瓷的艺术品(暗戳戳地打个软广：它的主人埃斯卡纳齐是我们宝库汇的创始会员哦~)

鬼谷子青花大罐

但你知道这个天价大罐的完整纹饰是什么样吗?

鬼谷子大罐纹饰平面图

这就是瓷画的先天不足，瓷器是圆的(或方的)，一眼看过去只能看到局部，它无法像手卷一样慢慢展开，想看完全部内容只能围着它走一圈，且最大的困扰在于，通常你并不知道在哪开始在哪结束。

为了解决这种看画太累的问题，瓷画艺人发明了一种开光，开光又称“开窗”，就是在瓷器上“开”一扇窗，效仿中国窗户里看过去的场景。

黄地开光粉彩三阳开泰纹碗

在瓷器这里，开光不是封建迷信，而是打开了一扇艺术的窗。

粉彩开光四季山水盖罐

开光出现之后，在一个瓷器上表现四季就显得容易的多，四个框栏对应四时风景，纹饰与整个瓷器相协调，展现出精妙绝伦的器物艺术形象。

粉彩开光四季山水盖罐

伴随着开光的出现，又衍生出另一个问题——瓶瓶罐罐本来就不大，再勾出一块，能看到的画面就更小了，也就是说，开光也没有解决在曲面上画画会变形的问题。

画成什么样靠天意

在瓷器上画画除了有器型这种客观问题外，还存在工艺本身的限制。

所有的瓷器里，青花是最接近水墨画的，青花颜料很粘，坯很涩，很难表现宣纸水墨的韵味，专业国画家画青花，也很难上手，至于粉彩、珐琅彩，就更麻烦了。

在入窑烧之前，青花是黑的，粉彩是暗的，最终成品是什么样全凭经验，而且釉有流动性，多多少少会影响画面的效果。

清光绪金品卿款浅绛彩人物盘

我们列举了瓷器先天的种种不足，并不是要彻底地否定瓷画，毕竟作为瓷器的装饰，这一点始终是国画、油画无法企及的，谈论它的装饰性，还是要回归“纹饰”本身。

瓷画是“纹”不是“画”

和国画一样，瓷器上也画山水花鸟、亭台楼榭，但受瓷器工艺限制，瓷画很难达到国画的艺术水平。

这一点做瓷器的人也心知肚明，所以陶瓷专业不把瓷画叫瓷画，叫“纹饰”，茶壶上画个山水，不叫山水画，叫山水纹。

早在唐代的长沙窑开始，瓷器纹饰就已经很发达了，比如磁州窑的白釉黑花、耀州窑的青釉刻花，但只在民间流行。

磁州窑白地黑花竹纹枕 故宫博物院藏

明清时期，文化开始世俗化，皇室也逐渐接受了带纹饰的瓷器，并发展出了五彩、斗彩、珐琅彩等等。

至雍正时期，粉彩发展成主流，以清新的花鸟题材为主体，各类花卉、虫蝶、动物纹表现较多，这与当时清宫没骨花鸟画盛行有关。

清雍正 粉彩牡丹纹盘口瓶

乾隆时期，随着宫廷山水画的再度兴起，粉彩山水题材亦迅速增多，进入繁荣时期。

乾隆粉彩山水瓷画类型丰富，装饰繁复，色彩艳丽，风格多样，与乾隆宫廷山水画风颇为接近。这是因为，受宫廷指派，不少画师参与到瓷器彩绘工作，他们把宫廷山水画风格运用到了粉彩山水瓷画的绘上。

从这个角度来看，清廷御窑厂的生产活动实际是宫廷工艺美术的延伸。

清乾隆 黄地开光粉彩山水人物纹四方茶壶

不过，从唐到清瓷画发展了这么些年，为什么从来没有出现象“清初四王”、“扬州八怪”那样引领时代风潮的画家呢?

归根结底还是因为作画的人身份不一样：中国古代画家，大都希望通过作品表现独立的思考，表达哲学或者政治见解，他们的作品多寓意深刻、情趣高雅。

而古代画瓷器的工匠大多文化水平不高，他们没有艺术家的理想，画瓷器时也不是想表达什么，往往是什么好卖画什么，是以市场为导向的，毕竟瓷画只是装饰作用。

所以结论是，瓷画是不具备欣赏价值呗?

不，那是从前!

翻身“瓷画”把歌唱

清王朝灭亡后，以官窑为代表的装饰标准化、程式化、工艺化、多工序合作、匠器型的景德镇瓷器生产体系也随之解体。

大量的文人画家聚集于景德镇，冲破传统瓷器造型和纹饰的束缚，适应新时代新兴市民阶层的审美需求，借鉴中国画诗书画印的优长，创造出清新又极具文化内涵的瓷画新风。

民国珠山八友粉彩瓷板

民国时期，王琦、徐仲南、邓碧珊、何许人、汪野亭、毕伯涛、王大凡、田鹤仙、程意亭、刘雨岑结社瓷坛，形成中国陶瓷史上第一个艺术流派——“珠山八友”。

他们主张画必有意，画风与书法款识多追求清中期“扬州八怪”的风格，戮力把诗、书、画、印与制瓷工艺完美地融为一体。

绘画韵致取代了装饰严谨工整、精巧富丽的审美意趣，瓷画呈现了新面貌!

从收藏角度来看，与纸质书画作品相比，一件成功的画瓷作品显然更为稀有，其画家风格、艺术性不仅没有失去，反而融入了更多的观赏性因素。

如今，越来越多书画名家开始了陶瓷绘画的艺术探索，其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强，从而推动瓷画的收藏热度不断升温。据拍卖市场统计，当代的“画家瓷”虽然进入市场的时间不长，但是价格已经涨了10倍左右。

如果有对瓷板画感兴趣的朋友，宝哥哥推荐大家去宝库匠心馆打卡中国工艺美术大师的瓷板画作品!

2007年作品《南梅冬放喜如春》入选广州美术展

2007年作品《鼎湖飞瀑》《杏花飘香》入选中国美协主办2007年第21届全国新人新作展获评优秀作品

2007年作品《泽润南沙》入选广东慈善大展（被专家定价为10万元、并被拍卖成功）

2007年由广东省美协、广州市美协联合主办“胡明德山水画展”在佛山展览中心举行

2007年由广东省美协、广州市美协联合主办“胡明德山水画展”在佛山展览中心举行

2008年作品《秋硕》入选广东省第五届中国画大展

2008年作品《夜走太行》入选中国改革开放三十周年广州美术大展并获优秀奖

2008年作品《润泽岭南》入选全国改革开放三十周年广东美展

2008年作品《报春图》入选中国美协主办2008年全国中国画大展（作品被组委会收藏）

2009年作品《秋实》入选中国美协主办2009年全国中国画大展（作品被组委会收藏）

2009年作品《春天如歌》入选建国60周年广东省美术大展。

2009年作品《月满鹭鸣》入选建国60周年广州美术大展获“银奖”。

2009年德采堂举办《胡明德山水画展》

2009年在广州市越秀图书馆举办《胡明德山水画展》

2009年在东莞市东田艺廊举办《胡明德山水画精品展》

2009年在佳士得博览中心举办《大象无形--胡明德山水画展》

2010年作品《润物无声》入选中国美协主办“迎亚运” 全国中国画展并获优秀作品奖（最高奖）

2010年在广州市小洲艺术区举办《心意--大地--胡明德山水画展》

2011年作品《春天如歌》获中国画学会提名首届全国中国画节参展作品

2011年元月在顺德陈村锦园画廊举办《胡明德山水画展》

2012年多幅作品参展中国画学会主办的全国第二届中国画节学术展

2012年作品《渔歌鸟唱》入选中国美协主办“翰墨新象”全国中国画作品展并获得优秀奖（本次最高奖）

2012年12月在北京举办《江山之约》五人展(卢禹舜、胡明德等)

2013年作品《江路春风夹岸花》入选中国画学会全国首届学术展

2013年中国美协主办“纪念毛泽东诞辰一百二十周年”全国邀请展

2013年参展文化部主办中华两岸艺术交流展

2013年8月在东莞岭南美术馆举办《江山之约》六人展(龙瑞、卢禹舜、胡明德等)

2014-年1月广州德采堂举办《胡明德山水画展》

2014年3月在东莞高埗唯美陶瓷博物馆举办《回家--胡明德山水画巡回展》

2014年4月在顺德德胜美术馆举办《山川质趣-胡明德山水画展》

2014年11月在东莞艺展中心举办《回家--胡明德山水画巡回展-第二回展》

2015年1月在山东青州举办《胡明德山水画展》

2015年3月在澳门陆军俱乐部举办《胡明德山水画展——暨濠江苍澜百米长卷创作启动澳门发布会》

2015年作品参加“全国名家盛世青绿提名展”

2016年作品参加“全国名家青绿山水邀请展

2017年马来西亚“胡明德马六甲印象写生展”

2017年“一带一路-盛世青绿” 马来西亚全国名家邀请展

2018年雅趣艺术馆《岭南欢歌.胡明德山水迎春展》

2018年11月中国画美术馆《自然为师-胡明德山水写生创作展》

2019年6月参加中国画创作研究院、中国画美术馆联合主办“固本薪传·中国画创作研究院导师作品展”

2019年7月《自然为师胡明德写生创作世界巡回展》(纽约站)

清代瓷板画有青花、五彩几种，产品比明代要多，从实物资料来看，青花、粉彩、五彩出现并驾齐驱的局面。康熙朝是景德镇瓷板画生产蓬勃向上的时期，画面以梅雀、翠鸟、花卉、历史人物故事和刀马人题材为多。附属于家具和其他生活用具之上的瓷板画以五彩、斗彩为多，其中康熙朝用于木制床三面围栏的五彩、斗彩瓷板画是具有代表性的，以下三幅可见一斑：清康熙《加官图五彩双面瓷板画》正面描绘人物，表现出学而取仕，加官进爵的世俗思想。画中君主端坐案前，左右各立一位文官，受官武将气宇轩昂，侍从捧官袍立于一旁，人物姿面简洁，形式活跃，色彩浓丽凝厚。“加官图”为康熙时期床用镶嵌瓷板画之常绘题材。 康熙五彩床用镶嵌瓷板画以历史故事画面为多背面一般都饰春桃、夏莲、秋菊、冬梅等花鸟图案，画工精湛，有时代特征。康熙五彩以华贵深凝为特色，它的特点是运用了釉上蓝彩和黑彩，形成了红、绿、黄、黑、赭、蓝等多种颜色的搭配运用，使色彩对比更加和谐、沉稳。《饮流斋说姿》云：“清代彩瓷变化繁迹，几乎不可方物，康熙硬彩，雍正软彩。硬彩者，谓彩色甚浓，釉敷其上，微微凸出。”“硬彩、青花均以康熙为极轨。”

康熙五彩改变了明代嘉靖、万历时的粗率画风，形成了热烈而不浮躁、沉稳而不娇艳的风格。康熙釉上五彩与明代嘉靖、万历五彩相比较有着鲜明的区别。嘉靖五彩突出红彩的运用，而康熙釉上五彩是红、绿、黄、兰、赭、黑等多种色彩的应用，富于变化。五彩以康熙为极轨，康熙五彩板画一是形式多样，二是绘画成就较高。康熙五彩瓷板画画技虽高，但不落作者款名，不书写制作年月，五彩作品偶尔见到一两方图形章，其目的也是装饰之用。这正是康熙五彩瓷画的显著特点。

雍正朝瓷板画的生产工艺日趋精进，除胎质纯净、釉色晶莹外，器表更加平整，并进一步创烧了粉彩瓷板画。雍正粉彩俊秀逸丽，它改变了传统五彩用笔古硬和料色浓重的画风，笔法精妙入微，敷色细腻，呈现出娇美柔丽、秀逸俊雅的艺术风格。纹饰以花卉虫蝶为多，其次是人物故事、动物、山水画等。其画法有多种，如平涂、渲染、没骨法、洗、皴、点等，工笔、写意俱全，富有中国画风韵。瓷板画的山水、人物、花鸟，无不刻画得精细入微。严谨的彩绘工艺程序和娴熟的彩绘工艺技巧，配合多变的绘画笔法及丰富的色彩，给人以生动典雅的美感。

乾隆朝瓷板得到广泛应用，烧造尢多，除同于康、雍正时镶嵌在床、几、桌、椅等器物之上外，更多镶于插屏、挂屏、多扇围屏。彩绘内容为翎毛花卉、名山风景、人物故事。瓷板的工艺特征为瓷面平整，薄而坚致，修胎规矩，釉面洁白或稍显青白，突出的一点是釉面多有均匀细小的皱纹。乾隆朝还风行漆地瓷板画，这种瓷板画与螺钿的制作工艺相类似。即用瓷板作纹饰，再镶嵌于漆板上。乾隆时期以这种工艺制作的瓷字对联也较多，这表现出乾隆朝陶瓷工艺追求奇思妙想、鬼斧神工、精妙绝伦的风格。乾隆朝的瓷画艺术品种多样，内容丰富，构思新奇，纹饰繁丽，形象逼真，笔法严谨。嘉庆以后陶瓷生产每况愈下，但瓷板画依然受人崇尚，品种却是更多，长方形、圆形、椭圆形、菱形、横条、扇形等形式无一不有，且瓷板画面积更大。虽然瓷画艺术日趋僵硬，繁缛华丽，生动不足，但继之而起的浅绛彩又使清末瓷板画在绘画形式上得到了新的发展。

汪野亭 (1884—1942)，名平，字鉴，号平山、平生、老平、垂钓子，亦号传芳居士，平山草堂主人，斋名平山草堂，江西省乐平县人，近现代著名绘瓷艺家。为瓷都景德镇20世纪20年代形成的珠山八友大师之一，工画花鸟、山水。在绘瓷技法上，采用油料，以水粉敷色，作品别具一格。汪野亭是20世纪前期景德镇陶瓷美术革故鼎新的著名陶瓷艺术家。他的山水画，一直为后人所仰重、仿效，足足影响了半个多世纪。他从艺30多年从未离开过景德镇，创作了许多代表那个时代的精美作品，受到了世界收藏家的青睐并争相收购。