木雕在室内设计中呈现什么样的色彩

书画扇主要有两大种类：一是团扇，二是折扇。

团扇。

团扇又称纨扇。“纨”是指一种细密的绢。扇形如一轮满月，因此称“团扇”。

团扇出现于羽扇之后、折扇之前，盛行于西汉至宋代的1000多年间。宋代以后，它又与折扇并驾齐驱，深受妃嫔仕女、文人雅士的喜爱。

团扇就造型而言，以圆似明月的居多，其他如六角形、八角形、瓜楞形、

蕉叶形、梧桐叶形、海棠形、马蹄形、梅花形等也较常见。

团扇的扇面通常是用白色细绢绷制，适宜于写字绘画。在团扇上题诗作画，最为兴盛是在唐宋时期。当时，富绅阶层人士为附庸风雅，能设法觅得一柄名人题诗或画扇，则引以为无上荣耀。若遇机会得与文学之士相聚，多有以扇求书画者。

折扇。

折扇又称“撒扇”、“纸扇”、“繖扇”、“掐扇”、“摺迭扇”、“折叠扇”、“聚头扇”。《南齐书?刘祥传》记载：“司徒褚渊入朝，以腰扇障日。”腰扇即折叠扇。

折扇本以男式为主，扇式较长，一般在30厘米左右，扇面纵长18厘米以上，展幅阔约55厘米。折扇的扇面一般以纸料为主，也有用绢和夹纱的。纸料以细腻牢韧、久用不裂为佳。较高档的扇面往往采用细洁绵韧的宣纸为面，牢固软熟的皮纸为衬，光滑细薄的竹料连史纸为芯。

折扇

陶瓷装饰艺术是中国工艺美术中的重要组成部份。从彩陶文化到汉代瓷器装饰，采用绘画、刻划等技法，以弦纹、水波纹、几何图形。唐宋时期开始，采用彩绘颜料在瓷器上装饰。景德镇陶瓷，从现在发现的古瓷资料中，已有定论的是五代时期的青瓷，以釉色为主要装饰。宋代出现了大量的刻、划、印、雕花装饰；元代青花瓷是景德镇陶瓷彩绘装饰的起源时期，历经明、清、近代，到现代陶瓷装饰，经过了漫长的历史长展阶段。千百年来，陶瓷艺人和陶瓷艺术家从装饰艺术实践中，创造出多彩多姿的装饰技巧，各种奇妙的表现手法如雨后春笋般层出不穷。

陶瓷装饰艺术，既是美化陶瓷的需要，反映人们的审美需求，也是人们追求理想，向往幸福生活的表达形式。用线条、色彩，表现人们的劳动生活、抒发心中的情感、寄托理想和情操。从原始社会的岩画、青铜器、砖雕石刻到居民建筑上的木雕壁画，从古代石窟造像到庙宇教堂的彩绘，都属于美化环境、创造美感的艺术行为。人们在观赏彩陶艺术、岩画石刻时，就会发现，远古时期的艺术表现是以装饰性的绘画表现的。粗犷、古朴的风格，产生出别致的情调。

随着人类社会的发展，陶瓷装饰也在不断提高，以丰富的内涵，多种风格的表现手法，呈现出新的艺术形式和内容。在民族艺术发展的进程中，陶瓷艺术作为其中的一种形式，体现了人们对真、善、美的崇尚追求，反映了人类的审美观念的变化，展现了丰富多彩的生活。

艺术表现手法，在陶瓷装饰上的发挥，显示出艺术家的艺术个性、文化修养，也显示出时代艺术的特色。景德镇陶瓷文化，以其丰富的内涵、悠久的历史，而给人们以审美情趣和生活需求的满足。博大精深的陶瓷文化艺术，经过千百年的不断发展，成为一门高深的学向，我们从事陶瓷艺术装饰工作，首先就要了解陶瓷文化史，懂得陶瓷装饰的来龙去脉，掌握装饰构图的基本法则。如果只停留在能画好瓷器的阶段上，是不够的。不了解陶瓷装饰的内涵、手法、技巧，绘画表现就很难达到较高的水平，也产生不了艺术个性，只能是依样画葫芦，亦步亦趋。

我国有六千年的文明史，民间艺术丰富生动，反映了民间文化风俗，有很高的成就。陶瓷装饰中最早的是新石器时期的彩陶。陶器的彩绘装饰，不仅给后来的青铜器饰纹产生了影响，也影响了瓷器、玉器等器皿的装饰雕刻。彩陶，是用红彩、黑彩、白彩等颜料在陶器上装饰花纹的，最早发现于河南淹渑池的仰韶村， “仰韶文化”因此而天下闻名，彩陶器装饰图案有圆点、钩叶、三角、弧线等几何纹样，造型美观，线条匀称流畅，图案内容丰富多彩，具有较强的装饰性，有很高的艺术价值。

工艺美术品虽然种类繁多，表现手法不同，但是，归纳起来，不外乎造型、装饰、材质的各异。造型有两种，一种是器型设计，躬一种是装饰形式的绘画表现。器型的制造形态和装饰的手法形式，又分为立体形态和平面展开两种情况。造型、装饰，立体、平面，构成了工艺美术作品的基本要素。造型优美的花瓶、茶壶、瓷雕，如果不加以装饰，也可以出现材质、造型美，但是，比较单调，一览无余。陶瓷装饰就是利用造型的各个部位，进行协调的美化，和阶地把造型与画面装饰融为一体。并不是所有的装饰绘画都美，如果装饰形式、纹饰与器型不协调，一味以荒诞、古怪、散乱的色彩在陶瓷器型上涂划，不仅产生不了装饰特色，反而会破坏原有的材质、器型美。陶瓷装饰艺术就是讲究美的表现形式，科学、合理地装饰布局，通过艺术装饰来衬托材质美，给人以美的享受。

陶瓷装饰，分为图案装饰和纹样装饰两种基本形式。图案装饰以规整、概括、对称、对比等构成要素来美化陶瓷；纹样装饰则包括写意、抽象、变形夸张等多种形式的装饰形式。不论是图案还是纹饰，都有其装饰规律和表现形式，两者和谐地融为一体，展现了装饰图案和纹饰的创作手法。线条、细点、块面、图形等都是从现实生活中得到的。陶瓷装饰图案，是人们在长期的实践中，对周围各种事物经常接触、认识，经过形象思维和抽象思维而逐步描绘、创作出来的。大自然由，就有多种多样的形态。太阳、月亮的圆、缺，火焰的光茫，山的形状、水的波纹，鸟的飞翔等等，都给人留下深刻的印象，人们就把这些头脑中的印象变成图形，在陶瓷、木材、金属等载体上表现出来，成为美妙的图案、纹饰。

陶瓷装饰在漫长的发展、形成过程中，经过陶瓷艺人和陶瓷艺术家的艺术实践，不断提高了对美的形态的认识，从摹仿到写实，再由具象到意象、抽象的变化过程中，人们掌握了美的构成形成规律，发现了在装饰构图中的多种手法。

用变形、概括、均衡，协调等手法装饰陶瓷，已成为人们常用的形式，变形是把物象的形态加以改变，用放大、缩小、扭曲、夸张等方式来组成图案，集中体现了物象的形态特征。概括是对自然界的物象进行提炼，成为适合器型的装饰图样，产生出简洁、明快之感。均衡有对称的美感，协调中包括均衡、对称、和谐、整齐，体现了特定形式的法则。

追求丰富的构图形式、稳定均衡的画面感，是陶瓷装饰图案的主要特点，给人以丰满、舒畅、充实的印象。在构图方式上，常用重叠式、展开式，开光式这三种形式。

重叠式：画面布局以器型的中间部位为主题，以多层次的图案衬托主题画面，可以有六到八层。在元代青花瓷上，常用重叠式构图，画面层次繁多，层层重叠，多的达到十层。这种装饰形式往往把陶瓷从口沿到器底层层用图案装点， “密不通风”。其长处是布满图案，构图繁密，密而不乱。但是，也有闭塞感，没有空间。

展开式：以长卷式的构图方法，向器型左右延伸展开，适合表现丰富的内容，同时，也显示出主题情节的连贯。现代陶瓷装饰多用展开式构图，以国画表现形式的画法。可以使作者尽情地在作品展现出情感、才智，有更大的表现空间。

开光式：传统陶瓷装饰中就常用“锦地开光”形式，现代陶艺装饰，又发展了“砂地开光”等新形式。开光的形式有圆形、方形、扇面形、菱形、瓷片形等多种。开光式构图往往把连续图案变成分散的局部，又把各个局部装饰图案连成完整的气势，统一的主题。采用“开光式”构图，可以灵活的利用错落有致、疏密结合的多种画面，来形成不同的节奏韵律，产生奇妙的表现效果。

运用这三种构图形式，可以打破时空的限制，突破常见的空间位置，把不同季节，不同空间的形态、物象，构成一个画面主题。采取散点透视法，根据作品的内容需要来组织、安排画面。把周围与中心结合、衬托，使不同的画面形成一个和谐的整体。

在陶瓷艺术创作中，我经过探索，学习、借鉴老一辈陶瓷艺术家的经验，有了一些体会。我喜欢画有装饰性的画面，在人物画中，常用带变形色彩的图案来装饰瓷艺作品，以穿插、对比、衬托、呼应、夸张的形式，来表现出有新意的艺术形象。

穿插：一件陶瓷艺术作品，往往具有较丰富的内涵，构图平板，就缺乏生命力。用穿插的形式构图，就能使画面生动，出现活力。在人物画中，以古代瓦当的形式组成的篆体书法、与天真可爱的儿童形象、山石、树枝等错落有致地穿插在一起，使画面动中有静，书画结合，有较强的环境烘托作用。在“童趣”这件作品中，我采用人物与景物，竖形与圆形，纹饰与文字穿插的构图方式，使画面显得比较别致，又有民间风俗文化的内涵。

对比：动与静、虚与实、疏与密、大与小、人物与动物、山峰与流水等不同形态、不同位置的对比，能给人以强烈的视觉反差印象，用对比法构图，既在意料之外，又是情理之中。花鸟画中，常用飞鸟、蝴蝶等动物与花卉组合在一起，形成动与静的对比，也就是使画面产生动感。不同的形态、不同的图案可以装饰在同一个画面，在对比中求统一。

衬托：与对比有相似之处，以环境衬托人物的身份、性格、心情，以块面衬托线条，以色彩衬托形象，以月亮衬托夜莺，可以起到强化主题的作用。浓墨与淡彩，勾线与晕染，局部与整体，都能起到衬托效果。

呼应：上下、左右、前后、横竖的不同角度的图案，有机地形成协调、平衡作用，就形成了呼应关系。在“荷韵”新彩瓷瓶中，我彩用式笔与写意、小鸟与花草，莲花与荷叶相呼应的方式构图。在色彩的安排上，把红艳的莲花与素雅的荷叶构成呼应对比，较好地表现了“韵”的主题。鸟的飞翔、呜叫产生声韵，花、叶的线条、色彩体现出雅韵，韵味是需要品赏、琢磨才能感觉到的。

夸张：变形处理的形象，扩大其局部结构，打破比例和常规和概念。用夸张的方式来表达作者的创作观念，不仅是现代陶艺的常用手法，古代工艺美术作品中也有。我喜欢在仕女画中，用夸张变形的形式来作为装饰。女性的特征是肩窄、腰细，把仕女画成宽肩、丰腰，也能成为一种美感。细颈、宽脸、樱桃小口，是我画仕女时常出现的变形。现实生活中的女性如果是这种形态，不会给人以美的印象。但是，在陶瓷装饰中，却不必拘泥于写实。在“闹花灯”这件陶艺作品中，虽然画的是传统仕女，人物的装饰中，采用了夸张变形手法，眼与鼻的距离拉长，手缩小，眼细长，衣纹简洁，以装饰性为主要特征。正月十五闹花灯，是民间传统文化风俗，有强烈的地域色彩。由于采用了夸张变形手法，传统题材中呈现出现代艺术意味。

在青花瓷绘制时，很讲究虚实关系，要求画面与空白的位置要协调，这就是“水路均匀”。陶瓷的空白“水路”，往往是画面的组成。经验丰富的陶瓷艺术家，能很熟练地把空白与画面相联系。虚、实相生，疏密有致。在“荷塘飞雀”作品中，采用了疏朗的构图，瓶体的上部，仅点缀了几只展翅飞跃的山雀，大面积的空白处理，展现了“海阔天空”的浩茫无垠。与莲花、荷叶相呼应的瓶体下面，以空白显示出水塘，其间勾画出几条游鱼，这样，就使画面出现了盎然生机。通过空白处理，不仅给人以想象的空间，而且体现出材质美。通过材质与装饰相衬托，较好地体现了装饰的美感，恰到好处地把握了画面与空白的关系。

①绘画。其中包括版画、年画、建筑彩画、壁画、灯笼画、扇面画等。

② 雕塑。有彩塑（ 奇观彩塑 、 小型泥人）、建筑石雕、金属铸雕、木雕、砖刻、面塑、琉璃建筑饰件等。

③玩具。包括泥玩具、陶瓷玩具、布玩具、竹制玩具、铁制玩具、纸玩具、蜡玩具、活动玩具等。

④刺绣染织。包括蜡染、印花布、土布、织锦、刺绣、挑花、补花等。

⑤服饰。包括民族服装、儿童服装、嫁衣、绣花荷包、鞋垫、首饰、绒花绢花等。

⑥家具器皿。包括日用陶器、日用瓷器 、木器 、竹器 、漆器、铜器及革制品、车马具等带有装饰及艺术价值者等。

“杭州雅扇”自古有名。尤其是南宋迁都临安(即杭州)后，制扇工艺更为发达，形成了许多的著名商号，如“徐茂之”、“青茂”、“陈家”、“周家”等品牌。自南宋以后，杭州制扇业极为发达，与丝绸、茶叶齐名，被视为“杭产三绝”。

素有“扇子总汇”之称的杭州王星记扇庄(现杭州王星记扇厂的前身)创办于清光绪元年，创始人名王星斋，故名“王星斋扇庄”。王星斋的祖父和父亲都是扇业工匠，其手艺也是娴熟精湛，以制作高级黑纸花扇著称。杭州王星记扇子共15大类，400多个品种，3000多种花色，尤以黑纸扇和檀香扇最负盛名。

制作黑纸扇需经86道工序，工艺十分精湛。扇骨既有毛竹、棕竹、湘妃竹、梅鹿竹等竹类制作，也有象牙、檀香、玳瑁、或镶白骨，风格别具，珍贵尔雅。扇面用质地绵韧的纯桑皮纸制成，两面又刷上几层高山柿漆，故此，扇面极为牢固。

现在，王星记扇子制作工艺保留传统的制作手法，又不断创新，扇面装饰有自描的珍禽虫鱼，也有写意的名花异卉，人物风景极尽华丽，扇面的真金蝇头小楷也极具特色。王星记扇子由于其工艺的精美，装饰的考究，而形成具有文化品味的工艺品。

宁波朱金木雕

宁波朱金木雕大约有1000余年历史。汉唐以来，随着木结构建筑的发展，出现了彩漆和贴金并用的装饰建筑木雕。公元759年，唐代高僧鉴真和他的弟子，在日本建造了招提寺，就采用了很多朱金木雕装饰，其中的讲经殿、舍利殿等朱金镂雕风格与现存国内的宁波阿育王寺的木雕装饰十分接近。据说是因为鉴真和尚在东渡之前曾在宁波阿育王寺居留考察了相当长时间，阿育王寺的木雕装饰风格受到鉴真的欣赏并带至日本。

朱金木雕的人物题材多取自戏曲京剧人物的服饰、姿态、称之谓“京班体”。据传宁波曾出现过众多的朱金木雕的高手，其中有一位徐莜照师傅，大可雕超过1丈，小可造1寸的人物。可见其木雕手艺极为娴熟。朱金木雕的“京班体”构图格局，均采用立视体，将近景、中景和远景处理在同一画面平面上，前景不档后景，充实饱满，井然有序。与传统中国画的“丈山、尺树、寸马、分人”的比例概念相反，人马大于房屋建筑。石头长树代表山，长草代表石，有鸟有云即为天空，有景为陆地，有船为江河，颇有装饰性。诸如“武士无颈、美女无肩，老爷凸肚，武士挺胸”，这些程式化的民间表现手法，使宁波的传统朱金木雕妙趣无穷。

“三分雕刻，七分漆匠”这句话，是朱金木雕艺人的经验总结。朱金木雕的特色主要在于漆而不在雕。依靠贴金箔和漆朱红来进行装饰。因此雕刻并不十分精细，而漆工的修磨、刮填、上彩、贴金、描花却十分讲究。正是这种工艺使朱金木雕产生了富丽堂皇、金光灿烂的效果。

朱金木雕从明清以来普遍应用于民间日常生活，如日用陈设、佛像雕刻、家具装饰，特别是与民众生活关系密切的婚娶喜事中的床和轿。宁波人有句俗语：“一世做人，半事在床”，所以对木床的雕饰特别讲究。现今，有富人家流传下来的“千工床”，做工极为奢华，费工浩大，床内床外犹如一座亭台楼阁，而且梳妆台、马桶箱、点心盒、文具箱等等生活用具一应俱全。床内四周有雕刻绘画、床外层层楼阁贴金朱漆极其富丽。

除“千工床”、“百工轿”等较典型的朱金木雕家具外，还有用以迎神、赛会、灯会的雕花朱金木船、鼓亭、台阁等也都称得上绝妙的民间工艺精品。

宁波的朱金木雕随着民间习俗的改变，已随岁月远去。现今，民间依然保留这和工艺手法，主要是仿古家具，但毕竟维系着这一民间工艺的承传。

宁波泥金彩漆

“泥金”工艺最早可以追溯至商周。宁波位于东南沿海，这里物产富饶，能工巧匠辈出。漆艺工艺在这里极负盛名。传世的宁波古代泥金彩漆不多见，但从保存下来的宁波明代泥金漆工艺品、描金漆器工艺品的制作风格来看，与《韩非子》中所写的“禹作祭器、黑染其外，朱画其内”的格式类同。从宁波泥金彩漆的制作手法上可以看到汉墓出土的内朱红髹漆、外黑漆描金的木胎漆器有共同之处。在7000年前的河姆渡遗址出土红色的木胎漆碗也有相似之处。宁波泥金彩漆在历史上有正式记载的是在明代。《浙江通志》云：“大明宣德年间宁波泥金彩漆、描金漆器闻名中外”。从中可以知道，泥金彩漆在明宣德年间已形成了制作的鼎盛时期，明宣德距今已有550多年。

唐代高僧鉴真也从宁波带去了佛像、生活用具、建筑漆饰等泥金作品，对日本的民间漆艺的发展起了重大的影响。

宁波泥金彩漆以中国生漆为主要原料。生漆又名大漆、真漆，国外称它为漆中之王，老漆工说生漆是“白如雪、红似血、黑似铁”。天然漆液呈乳白色，遇到空气后成为血红色，最后结成黑色的漆膜，达到耐磨，耐蚀，越陈越亮的特性，因此用生漆制成的工艺品历千百年寒暑仍不失其光彩。

泥金彩漆的制作技法可分为“浮花”、“平花”、“沉花”三种。在用生漆髹漆的漆膜上，堆塑各种山水、花鸟、人物、楼阁、构图布局古拙大方，颇有汉唐石刻铜雕遗风。称为“浮花”，是采用朱红色的油泥堆塑花纹，外表近似北京和扬州的雕漆，但京、扬两地是用刀剔去漆膜而成花纹，称“剔红”。宁波用的是逐层堆塑，称为“堆红”，如果油泥不加红粉，则为黑灰色。用于堆塑的油泥用桐油、粘土或面粉、壳灰或石灰按一定的比例捣制而成，以手揉而不粘、压而不散为上品，堆塑后的面形，经数天数月以后逐渐坚硬如石，不走形、不开裂，还可贴金上彩，而且这种堆塑还可用陶和木制模，不仅省工，而且很富装饰趣味。所谓“平花”指的是在透明的漆膜下面绘制的花纹，“平花”和“沉花”的工艺手法有贴金、上彩、罩漆、推光、描金、沥粉、拔朱、饰云母罗甸、雨雪、砂金、碾金、泥金、细金等。

宁波泥金彩漆，不仅继承了我国古代漆器工艺优秀传统，并且发展了自己的漆艺工艺，形成具有风格鲜明的民间漆艺工艺。