怎样写关于陶瓷的调查报告

关于现代瓷器绘画中的水墨语言

[摘要]中国瓷器是一项精美的陶瓷艺术，瓷器上的装饰和绘画也是历史上无与伦比的一项技术和艺术的结合体。瓷器向来有中国的第五大发明之称，在中国艺术史上有众多的艺术形式，陶瓷装饰艺术就是其中的佼佼者。尤其是现代瓷器绘画艺术中的水墨画以其画面精美、色彩丰富、工艺独特、创意奇特以及观念的创新，为传统的瓷器绘画增添了新的内涵，以独特的工艺和出色的绘画使陶瓷文化更加具有独特的魅力。本文从瓷器水墨画设计的特点着手，深入探讨了水墨设计风格在现代瓷器绘画中的应用价值及范围，并遥望了一下现代瓷器绘画中的水墨设计未来之发展。

[关键词]现代瓷器 水墨设计 绘画

一、现代瓷器绘画中水墨画的应用特点

陶瓷绘画水墨画装饰就其内容和技巧来看，归根结底还是中国画中水墨画的画法。两者之间有很强的联系，水墨画为陶瓷绘画提供技法和内容相反，陶瓷绘画又给水墨画提供了新的载体。两者相辅相成，互相渗透和发展。风格上，水墨画的点线面的特征和画法技巧都在陶瓷绘画中得到了充分的发挥，不论是气韵还是笔法，都一一借鉴了过来，流畅的线条、飞动的笔势还有水分莹澈和淋漓酣畅的艺术效果都在瓷器绘画中得到了意想不到的效应。形式和风格上，瓷器绘画以瓷器为载体、瓷釉为颜料，技法和风格完全运用水墨画的表现形式。

水墨画因为笔墨的动态，形成了洒脱豪放的风格，这也正是水墨画与工笔画的不同之处，以水墨的写意代替工笔的写形。由于水墨画的写意特点，所以画家们更喜欢这种绘画方式，用来表达自己的内心所想。而也正是由于画家的这种写意画法，更能体现绘画所表达的思想，更能体现出一种飘然的意境，所以水墨画也成为大家争相欣赏收藏的对象。

现代瓷绘即以瓷器本身作为画纸，以釉为水墨，并加入传统的青花等国画颜料作为点缀。瓷器釉彩和宣纸水墨的相似，所以造就了瓷器绘画这种艺术形式。由于瓷器上色可以烧制之前也可以烧制之后制作，所以为瓷器绘画增添了可塑性。既可以使用水墨的技法，也可以试用泼墨和泼彩的技法，除了瓷器本身的白色和水墨的黑色，还可以使用传统国画的五种色彩。其中有一种技法称为“意笔”，俗称为“粗笔”。即以极简练的笔调简单勾勒出事物的形态，而着重刻画所描绘事物的神态和韵味。水墨画中用笔有简有繁，有写形有写意，形简而意聚是水墨画所追求的境界，也是瓷器水墨绘画所追求的。釉彩的动势自由自在，刻画形象简练而不失神态，形乱而意境俱在，更能体现水墨画无拘无束的技法。

二、现代瓷器绘画中水墨的应用

水墨画属于传统中国画的一种表现形式，顾名思义就是以水和墨为绘画材料的一种画法。由于所用的水和墨比例不同，从而达到一种深浅层次各不相同的色调，进而表现出浓淡、焦清等各种不同的变化，以笔触表达作者的情感，具有独特的艺术效果。

瓷器绘画的本质特征是在瓷器烧制前后以釉彩为颜料进行绘画创作，其载体本身就是一种立体的有厚度的肌理。传统水墨画基本就是平面作品，所以在瓷器绘画中的水墨画是一种立体的，先有技术后有绘画的艺术。画家以自己独到的笔法和技巧表现自己的思想、人格和社会形态，笔触的轻重虚缓成为绘画的关键，而最为本质的特点就是以笔触和水墨传达精神。传统的哲学观念，如“实源于虚、有源于无”的思想，更是造就了水墨画写意而不写形的特征。瓷器绘画中的.水墨画技法借鉴了这种思想，对釉彩的虚实运用从而表现所要表达的作者情感。

瓷器绘画以瓷泥为载体，以釉彩为颜料，虽然在笔法和颜料运用上与传统的水墨画有所不同，但总体来讲还是遵循了水墨画的绘画技巧和形态神韵。可以说瓷器绘画是水墨绘画的一个重要变化形式，也可以说两者之间是一种相辅相承的技艺。两者都为彼此创造了更为丰富的绘画载体和多维化的表现形式。

水墨画的笔法和技巧与瓷器绘画的笔法和技巧，就像一种交响乐一样，“纵横变用，在乎笔也”。传统的国画理念和瓷器的制作技巧的结合、社会大众的审美观念，也推动了两者之间的融合与发展。瓷器绘画为水墨画提供的优良载体，水墨画为瓷器绘画提供的高超技法都对瓷器绘画创造了丰富的应用，相似的意趣为艺术的天地增添了浓重的一笔。

三、水墨画设计在瓷器上的运用和发展

瓷器上的水墨画风格和传统作用上的水墨画既有联系也有区别：一是材质上的不同，相同点在于表现方式。瓷器作为一种工艺品，水墨画技法是其主要的绘画表现形式，由于瓷器烧制工艺的特殊性，使瓷器上的水墨画形式和国画中的宣纸水墨形式又有了很大的区别。宣纸水墨形式在表现时材质比较单调，所以要从宣纸的挑选和笔墨的使用上多用心。水墨的颜色一是表现在施工材料的厚度上，另一方面表现在窑的变化上，水墨技术比国画的宣纸水墨表现有很大的发展空间，这是瓷器的艺术魅力的表现点。

综合瓷器水墨风格绘画的未来前景，它可以集国画宣纸的一些成功之处，又能运用自身的优势来发展新的空间形式。在水墨画上有研究的人士颇多，因为瓷器水墨形式和中国画是有异曲同工之妙的，瓷器水墨画形式主要是以中国画的水墨形式为模板，用水墨的效果来表达瓷器绘画艺术的效果。所以，瓷器水墨画一要努力地吸收和模仿中国画水墨的笔法表现形式，还要注重本身材质的优缺点。融合东西方多种多样的水墨艺术技法和风格，尽力地去体现当代水墨画的文化风貌，给忙碌的人们带去一种轻松惬意的艺术享受。

瓷器艺术和中国水墨画艺术继承着中国上下五千年的文化底蕴，是中国人精神生活的象征，这两种艺术表现形式相互交融和渗透，成为了具有本民族特色的世界性的语言行业词汇。

唐代长沙窑瓷器的装饰开始引入国画艺术，由此瓷器装饰花纹的内容题材大大拓宽和丰富起来了。长沙窑釉下彩绘装饰的内容有人物、花草、动物、山水云气等多种题材，组成了生动活泼、自然逼真的装饰画面；长沙窑釉下彩花鸟画的表现，与当时画坛发展正盛行的花鸟画工笔宫廷绘画风格完全不同，用笔较率意奔放。例如“青釉山雀纹壶”，简练的几笔一气呵成，将鸟的眼、嘴、颈、腹等所有结构圈出，并用淡色料笔补足鸟的头、腹、尾等结构，有如宣纸的效果，是富有率性的创作。而唐代画坛工笔画风格则力求写真求实、精妙传神，画法勾线细幼工整而傅彩晕染精到。如唐人物画家阎立本的《职贡图》；线条刚劲有力，色彩古雅沉着，人物神态刻画细致。唐代花鸟画的代表人物有边鸾《花鸟图》、韩湟《五牛图》；是目前所见最早作于约上的中国画，纸质为麻料，作品造型生动准确，设色清淡古朴，浓淡渲染有别，画面层次丰富，达到形神兼备的境界。长沙窑釉下彩山水画深受当时宫廷山水画影响。例如“青釉山水纹瓷罐”所画的山，很容易让人联想到唐代李思训、李昭道父子的工笔青绿山水，线条刚硬山石质感、动挺有力，画面布局山峦重叠。

每一种新材料新工具的试用和使用，对绘画人都是新诱惑新挑战，同时也是新的审美和表现美的乐趣；近来 ，偶然机会，又在北京“董陶窑”画了十几件陶瓷画，便又有此种体会。

二十多年来，主要是用宣纸、墨汁、国画颜料作画，也曾尝试用丙烯和油彩于纤维板、木板和布面上作画，均各有其趣；在陶和陶瓷上作画，则别有一番滋味。

回想起来，最早一次在陶坯上涂抹，大概是1992年在山东淄博一家陶瓷厂。当时厂家拿出一些盘坯，端出几个颜料罐，还指点了不同颜料的名称。但那些颜料都像泥汤水，无法辨认，又从未画过，涂沫之后即离去。过了些日子，待厂家上过釉烧制出来，只有一件还看得过去，其余几件真是一塌糊涂。第二次是1996年在河北唐山一家陶瓷厂，在已经烧制好的白光光亮晶晶的釉面瓷盘上画。在这里，事先还看到邵宇等几位老画家画出来已回过炉的盘子，不过，他们也像是初次尝试，效果皆不甚理想，也就是画面、色彩、意境，都不是很抓人。这一次，颜料色彩虽看得清，但因为是头一回，面对大白盘头脑里竟一片空白，没有呼之欲出的构思，还是只能随意涂抹，回炉烧出来一看，朦朦胧胧倒像是草原上一群牛羊。这是一种偶然效果，并不是既定的意图。

1997年，陪古巴女画家弗洛拉·冯（其父为华裔，广东人，姓邝，在西班牙语里，邝被读成了冯）到唐山，得便，与弗洛拉一起，既画了陶，又画了瓷。

当时，唐山有一家陶艺厂。他们的产品，不上釉，烧700来摄氏度，算低温。烧之前，按设计画图或涂色，供陈设与观赏。其强度也就是坚固性，不及上过釉并经1200-1300摄氏度高温再烧的瓷器。所谓陶和瓷的区别，就在于是否上釉和不同的温度。在这个陶艺厂，人家拿出几个罐子盘子让画。弗洛拉虽是很有成就的油画家，在这些新对象新材料面前，也只能试探而没有把握。但是，她比我胆大。我虽比她年长，按画龄她是“老”字辈。陶之外，朋友又从一瓷厂取来几个瓷盘，弗洛拉与我又各画几件。我家现在还有弗洛拉画的一个盘子。

这样与陶瓷有过几次碰撞之后，对在瓷器上作画，不仅兴趣大增，也多少有了一些所谓经验的感觉。于是，在1997年下半年或1998年上半年，还认真画了一二十件大瓷盘。十年过去，2009年，蒙董陶窑主人邀请游玩，在他的车间里，和几个青年朋友又兴味盎然地动笔绘彩。

一个瓷盘、一把瓷壶、一个瓷罐，它本身已经是人类智慧的结晶，如果我们想到旧石器时代晚期的粗陶、新石器时代盛期的彩陶，今日的瓷器更是人类漫长历史的结晶。它们本身不仅有实用价值，更有艺术性——它们的各种造型，细想想，其实都来之不易，不寻常。如今，我们在它们这种几乎成为人们的潜意识的美感上，被人们不自觉淡忘的界面上，超越批量性，超越范式性，画上自己有个性、有意境、不可重复的图画，岂不是让它们成为一种新的当代艺术品了吗。

国内国外，早有人画陶刻陶，画瓷刻瓷，这里，我只谈自己的感受——瓷画，有另一种美感，真的很有趣。

瓷器、绘画这两种艺术大家很熟悉。

但大家有没有过这样的好奇：为什么同样的题材，画在瓷器上好像不如画在纸、绢上那么……好看了?

难道是因为没碰见好的瓷器吗?不是!等你见到好瓷器，拿出来与同题材的画作比，你还是会觉得瓷画不够档次。

珐琅彩雉鸡牡丹纹碗 北京故宫博物院藏

五代 黄荃《写生珍禽图》局部

对比黄荃的鸟来看，《珐琅彩雉鸡牡丹纹碗》明明代表的是雍正官窑的最高水平，为什么瓷上的鸟看起来却没有质感?

真相是，瓷画水平本来就不高。

之前我们在讲国画介绍小品时提过，小品有些原先可能是屏风或者纨扇上的装饰画，就因为太好看，才会被人“抠”下来另外装裱。

宋 刘松年 纨扇《秋窗读书图》

但从来没听说过有人会因为瓷器上的画太好看，而选择把瓷器毁掉单独收藏，这不光是因为毁掉瓷器有点多余，还因为在瓷器上画画先天就有很多缺陷。

画什么都变形

拿举世闻名的鬼谷子下山青花大罐来举例，这是迄今为止成交价最高的青花陶瓷的艺术品(暗戳戳地打个软广：它的主人埃斯卡纳齐是我们宝库汇的创始会员哦~)

鬼谷子青花大罐

但你知道这个天价大罐的完整纹饰是什么样吗?

鬼谷子大罐纹饰平面图

这就是瓷画的先天不足，瓷器是圆的(或方的)，一眼看过去只能看到局部，它无法像手卷一样慢慢展开，想看完全部内容只能围着它走一圈，且最大的困扰在于，通常你并不知道在哪开始在哪结束。

为了解决这种看画太累的问题，瓷画艺人发明了一种开光，开光又称“开窗”，就是在瓷器上“开”一扇窗，效仿中国窗户里看过去的场景。

黄地开光粉彩三阳开泰纹碗

在瓷器这里，开光不是封建迷信，而是打开了一扇艺术的窗。

粉彩开光四季山水盖罐

开光出现之后，在一个瓷器上表现四季就显得容易的多，四个框栏对应四时风景，纹饰与整个瓷器相协调，展现出精妙绝伦的器物艺术形象。

粉彩开光四季山水盖罐

伴随着开光的出现，又衍生出另一个问题——瓶瓶罐罐本来就不大，再勾出一块，能看到的画面就更小了，也就是说，开光也没有解决在曲面上画画会变形的问题。

画成什么样靠天意

在瓷器上画画除了有器型这种客观问题外，还存在工艺本身的限制。

所有的瓷器里，青花是最接近水墨画的，青花颜料很粘，坯很涩，很难表现宣纸水墨的韵味，专业国画家画青花，也很难上手，至于粉彩、珐琅彩，就更麻烦了。

在入窑烧之前，青花是黑的，粉彩是暗的，最终成品是什么样全凭经验，而且釉有流动性，多多少少会影响画面的效果。

清光绪金品卿款浅绛彩人物盘

我们列举了瓷器先天的种种不足，并不是要彻底地否定瓷画，毕竟作为瓷器的装饰，这一点始终是国画、油画无法企及的，谈论它的装饰性，还是要回归“纹饰”本身。

瓷画是“纹”不是“画”

和国画一样，瓷器上也画山水花鸟、亭台楼榭，但受瓷器工艺限制，瓷画很难达到国画的艺术水平。

这一点做瓷器的人也心知肚明，所以陶瓷专业不把瓷画叫瓷画，叫“纹饰”，茶壶上画个山水，不叫山水画，叫山水纹。

早在唐代的长沙窑开始，瓷器纹饰就已经很发达了，比如磁州窑的白釉黑花、耀州窑的青釉刻花，但只在民间流行。

磁州窑白地黑花竹纹枕 故宫博物院藏

明清时期，文化开始世俗化，皇室也逐渐接受了带纹饰的瓷器，并发展出了五彩、斗彩、珐琅彩等等。

至雍正时期，粉彩发展成主流，以清新的花鸟题材为主体，各类花卉、虫蝶、动物纹表现较多，这与当时清宫没骨花鸟画盛行有关。

清雍正 粉彩牡丹纹盘口瓶

乾隆时期，随着宫廷山水画的再度兴起，粉彩山水题材亦迅速增多，进入繁荣时期。

乾隆粉彩山水瓷画类型丰富，装饰繁复，色彩艳丽，风格多样，与乾隆宫廷山水画风颇为接近。这是因为，受宫廷指派，不少画师参与到瓷器彩绘工作，他们把宫廷山水画风格运用到了粉彩山水瓷画的绘上。

从这个角度来看，清廷御窑厂的生产活动实际是宫廷工艺美术的延伸。

清乾隆 黄地开光粉彩山水人物纹四方茶壶

不过，从唐到清瓷画发展了这么些年，为什么从来没有出现象“清初四王”、“扬州八怪”那样引领时代风潮的画家呢?

归根结底还是因为作画的人身份不一样：中国古代画家，大都希望通过作品表现独立的思考，表达哲学或者政治见解，他们的作品多寓意深刻、情趣高雅。

而古代画瓷器的工匠大多文化水平不高，他们没有艺术家的理想，画瓷器时也不是想表达什么，往往是什么好卖画什么，是以市场为导向的，毕竟瓷画只是装饰作用。

所以结论是，瓷画是不具备欣赏价值呗?

不，那是从前!

翻身“瓷画”把歌唱

清王朝灭亡后，以官窑为代表的装饰标准化、程式化、工艺化、多工序合作、匠器型的景德镇瓷器生产体系也随之解体。

大量的文人画家聚集于景德镇，冲破传统瓷器造型和纹饰的束缚，适应新时代新兴市民阶层的审美需求，借鉴中国画诗书画印的优长，创造出清新又极具文化内涵的瓷画新风。

民国珠山八友粉彩瓷板

民国时期，王琦、徐仲南、邓碧珊、何许人、汪野亭、毕伯涛、王大凡、田鹤仙、程意亭、刘雨岑结社瓷坛，形成中国陶瓷史上第一个艺术流派——“珠山八友”。

他们主张画必有意，画风与书法款识多追求清中期“扬州八怪”的风格，戮力把诗、书、画、印与制瓷工艺完美地融为一体。

绘画韵致取代了装饰严谨工整、精巧富丽的审美意趣，瓷画呈现了新面貌!

从收藏角度来看，与纸质书画作品相比，一件成功的画瓷作品显然更为稀有，其画家风格、艺术性不仅没有失去，反而融入了更多的观赏性因素。

如今，越来越多书画名家开始了陶瓷绘画的艺术探索，其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强，从而推动瓷画的收藏热度不断升温。据拍卖市场统计，当代的“画家瓷”虽然进入市场的时间不长，但是价格已经涨了10倍左右。

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景德镇的陶瓷绘画是一种具有内涵的艺术创作，艺术家在陶瓷绘画作品中不仅有艺术内容的再现，能足够表达出艺术家内心的思想感情。景德镇陶瓷绘画是色彩、造型、线条、技法等结合起来的艺术性实践。每个陶瓷绘画艺术家都有自己的创作风格，所表现出来的陶瓷绘画作品也有差异，都是艺术家的代表。瓷器绘画也就是中国画的另一种表现形式在瓷器绘画中的艺术体现。王掌柜为你介绍景德镇瓷器绘画的五种表现手法。

一、粉彩

粉彩是陶瓷绘画表现手法之一，又称为“软彩”，色彩丰富、色柔雅致、光泽亮丽。粉彩绘画技法分为两种：粉彩陶瓷填色技法和绘画技法，称为釉上彩的粉彩是在烧制的瓷釉上进行彩绘，入窑经过高温烘烤而形成的。以含砷颜色作为粉底，再用干净的毛笔将颜色进行晕开，使得图案的颜色由明到暗的渐渐过度，让画面更加有层次感，在含砷的乳浊作用下产生粉化效果。因为颜色的量不一样，产生出来的粉化颜色深浅也不一样，展现出不同的画面效果。这种画面感给人带来柔和感，粉彩简单率直、富贵豪华、浓笔艳抹而别具一格。之所以称之为“粉彩”。

二、古彩

古彩是一种传统的陶瓷釉上工艺装饰，颜色鲜明透亮，包括素三彩和五彩。古彩主要是采用玻璃状的红、黄、蓝、绿等颜色釉。金属着色剂是古彩的主要颜色发色成分，在瓷胎上用钒红、生料进行勾线，单线的平涂技法，在800～900℃进行烘烤。古彩颜色烧制后色彩透彻，十分艳丽，富有装饰感。古彩在画面上构图严谨、用笔刚劲有力，所谓的骨法用笔，形象概括夸张，古彩的颜色坚硬，矾红彩料时间越长越红亮。　

三、青花

青花瓷是传统的一种彩瓷，也俗称青花，属于釉下彩，在刚烧制好的泥坯上进行彩绘，青花料分为“平等青、珠明料、石子青、回青四种”。青花纹饰丰富多彩，如动物纹、人物、花鸟、植物等。青花通过高温烧制后的釉下彩装饰，呈现出素雅恬静之美感。当代青花工艺主要是夸张变形、水墨写意、装饰，根据不断创新的青花工艺技法，具有色彩明亮、发色鲜艳、烧制成率高效、呈色稳定的特点。当代青花技法表现出的画面富以豪放、雄浑、富丽、层次繁多。

四、新彩

新彩是近现代出现主要的一种釉上彩装饰，新彩具有一种西方风格，又被称为洋彩。新彩颜色色相丰富、发色稳定，具有直观性。新彩工艺不仅颜色丰富多彩，工艺形式得到艺术界的认可。新彩工艺融合中西结合的手法，结合中国画风格，创造出属于中西方文化的中国瓷器作品。

五、颜色釉

颜色釉属于一种釉色陶瓷，是瓷釉的一种，以其纯净典雅。颜色釉瓷是通过釉水的色彩来装饰出瓷器的效果的，需要通过高温烧制色彩才能鲜艳明亮，才能够展现出瓷的光彩夺目、绚丽无比、纹理舒畅的特色。颜色釉瓷通常是在釉料中调整各种微量元素的含量，加入铁、铜、锰、钴等氧化金属，然后再加以适当的烧制条件，就能达到改变釉色的目的，釉面就会呈现青、褐、红、蓝等各种色泽。

希望能帮到你，望采纳，谢谢