谢楚余的油画作品《陶》表达个什么意思

很可能是《西班牙大水罐》：以蓝色和黑色绘制而成，高203毫米，创作于1954年。

凝固童趣和纯真的陶瓷作品

毕加索喜爱把女人和动物轮廓相结合，灵活而多变的视觉形象、神速而奇妙的嫁接转换应运而出的奇趣新造型，总是令人眼前一亮，仿佛是一种轮回和概括，将生命中最难忘的因素反复叠加，我们不得不佩服他那非凡而奇特的想象力。而生命的尽头，毕加索又回归到了最初非洲木雕艺术的灵感之下，开始关注原始艺术，这其中还包括了早期德兰非洲面具对他的启发。

毕加索的图形思索几乎从未真正意义上地离开过这片热情洋溢的地中海土地，在其最后的20年生命里，他对神话、民间传统、自然风景的理解和表现力日趋完美，自行设计了大量装饰风格的图形，对造型姿态、色彩上的尝试均有所创新和突破，继续玩味二维和三维世界里的组合的乐趣，进一步探寻个人和宇宙之间的联系和意义。

纵观毕加索一身的艺术成就来看，陶瓷艺术作为其一个重要的创作领域，具有很大的包容性和宽容度，是毕加索终身的、持久的领域。毕加索就是如此真诚而热情地拥抱着他的陶瓷艺术，他带着童趣和纯真，将零散的不系统的生活感悟，凝固于釉上。他又试图打破人们对陶瓷粘土的偏见，坚持认为自己所创造出来的陶艺产品应该被平价销售，要让普通民众都能用得起。

20世纪的西方艺坛大师毕加索92年的生活和创作旅程，堪称是一部绚丽而绵长的艺术传奇。相比毕加索那些充满情欲的油画和素描作品，晚年的陶瓷艺术其实是最能完整体现出他那与自然并驾齐驱的娴熟造型能力，具有极高的审美价值。

出生于1881年的西班牙南部城市马拉甘(Málaga)，父亲是位美术教师，幼年学习语言时，神奇得从他嘴巴里吐出来的第一个词是“piz，”他其实想说的是“lapis”，也就是西班牙语中“铅笔”的意思。从记事起，就开始以画作伴。童年就把鸽子主题画得惟妙惟肖令父亲惊叹不已14岁移居巴塞罗那，仅用一天时间就打破了隆哈美术学校需历时一个月完成静物写生的入学考试记录。证明了，有一种天赋叫做“与生俱来”。

1946年的夏天，65岁的他带着情人弗朗索瓦以及他们的两个孩子克劳德(Claude)和帕洛玛(Paloma)来到小镇瓦洛里斯度假，这是个美丽的、有着传统陶艺制作基地的海滨小镇。在偶然的机会中，朋友邀请他们去附近在手工艺市集小逛，毕加索有兴随意地在小摊上捏了几个小件，还有幸认识了当地著名的玛都拉(Madoura)陶艺工坊的拥有者──乔治和苏珊夫妻，他们让毕加索随意使用其陶艺设备。

毕加索陶艺创作的三阶段：

不知毕加索是因小镇的优美景色或是陶艺之魅力吸引，他在小镇一住就是25年。同时毕加索也进入了其陶瓷创作初期——“平面时期”。由于尚未经过陶瓷专业制作训练，起初他始终没能解决上釉和多重烧制的问题，于是就直接在结了块的粘土上塑造鸟、鸽子、猫头鹰的形态。他又找到了供应商提供西班牙浅口盘。五彩拉毛粉饰盘面替代了原先在的画布边框创作。他选了库存中的一些素烧碎片来装点，用来强调精致色彩和几何装饰感的盘器形态。在小型介质上创作，毕加索明显丢开了超现实主义时期画面的错综复杂感。在毕加索的陶艺作品中和绘画一样，常会出现梅塞德广场上成千上万只来去自由的鸽子、斗牛场等元素，这些元素均承载着毕加索对故乡的热爱和记忆。

在苏珊夫妇的帮助下，毕加索学习了一部分粘土基础知识，并得到了关于色彩、烧釉等方面的建议。他开始突破平面的图形表现，通过自由调整陶器的形态和比例，成功地将装饰趣味浓郁的元素植入壶，盘，花瓶等容器中，使之成为兼顾使用功能的陶瓷雕塑品。比如该场拍卖中以6万美元成交的《两只高手柄花瓶》，瓶身成了女人的身体，耐看的黑白配色，富有装饰趣味。

20世纪40年代末开始，毕加索进入陶瓷创作的成熟期，他开始用电动燃煤窑炉自行烧制陶瓷，终于能够尽兴地体验到自由烧制的乐趣了。猫头鹰是毕加索作品中常见的主题，这其中有一个小故事：

据说有一天晚上，毕加索和弗朗索瓦在回家路上发现一直受伤的猫头鹰，他们就顺便把它带回家治疗，痊愈后就一直留在了毕加索的家里。另一件作品──《猫头鹰女人》是一只形式对称的标准花瓶，通过在瓶背面中心位置增加一个裁剪不正的圆柱体，将其形状复杂化，这一有趣的细节设计为作品增添了令人喜出望外的装饰感，独特构成了“猫头鹰女人”的卷发。

《群神宴》

乔凡尼·贝尼尼创作于1509 年的油画《群神宴》，青花瓷和诸神待在一起，这是一种只有神才能使用的器物。安德雷·曼特拉的油画《东方三贤士朝圣》，三位来自东方的圣贤献给圣婴的礼物，是中国的青花茶具。

15世纪，龙泉青瓷和其他中国瓷器被当做礼品进献给意大利的贵族。有记录表明，1487年，埃及苏丹曾送给佛罗伦萨的贵族Lorenzo de Medici20件中国瓷器。1461年，埃及苏丹也曾将中国瓷器作为礼物送给威尼斯的贵族。在一幅东方三王朝见基督的油画中，我们看到这件青花小杯子，里面装满了金币，以进献给耶稣基督，足以显示中国瓷器的贵重。这幅画绘制于1495-1505年之间。对于这件青花瓷杯，有人认为是明早期永乐的样式或者嘉靖的样式，但是我们从15世纪晚期沉船出水的一件青花瓷杯来看，油画中的这件瓷器应该跟这件油画绘制的年代相去不远。同样在美国国家美术馆收藏的一件贝里尼于1514年绘制的《诸神之宴》油画作品中，也能看到中国青花瓷器。

二十多年来，主要是用宣纸、墨汁、国画颜料作画，也曾尝试用丙烯和油彩于纤维板、木板和布面上作画，均各有其趣；在陶和陶瓷上作画，则别有一番滋味。

回想起来，最早一次在陶坯上涂抹，大概是1992年在山东淄博一家陶瓷厂。当时厂家拿出一些盘坯，端出几个颜料罐，还指点了不同颜料的名称。但那些颜料都像泥汤水，无法辨认，又从未画过，涂沫之后即离去。过了些日子，待厂家上过釉烧制出来，只有一件还看得过去，其余几件真是一塌糊涂。第二次是1996年在河北唐山一家陶瓷厂，在已经烧制好的白光光亮晶晶的釉面瓷盘上画。在这里，事先还看到邵宇等几位老画家画出来已回过炉的盘子，不过，他们也像是初次尝试，效果皆不甚理想，也就是画面、色彩、意境，都不是很抓人。这一次，颜料色彩虽看得清，但因为是头一回，面对大白盘头脑里竟一片空白，没有呼之欲出的构思，还是只能随意涂抹，回炉烧出来一看，朦朦胧胧倒像是草原上一群牛羊。这是一种偶然效果，并不是既定的意图。

1997年，陪古巴女画家弗洛拉·冯（其父为华裔，广东人，姓邝，在西班牙语里，邝被读成了冯）到唐山，得便，与弗洛拉一起，既画了陶，又画了瓷。

当时，唐山有一家陶艺厂。他们的产品，不上釉，烧700来摄氏度，算低温。烧之前，按设计画图或涂色，供陈设与观赏。其强度也就是坚固性，不及上过釉并经1200-1300摄氏度高温再烧的瓷器。所谓陶和瓷的区别，就在于是否上釉和不同的温度。在这个陶艺厂，人家拿出几个罐子盘子让画。弗洛拉虽是很有成就的油画家，在这些新对象新材料面前，也只能试探而没有把握。但是，她比我胆大。我虽比她年长，按画龄她是“老”字辈。陶之外，朋友又从一瓷厂取来几个瓷盘，弗洛拉与我又各画几件。我家现在还有弗洛拉画的一个盘子。

这样与陶瓷有过几次碰撞之后，对在瓷器上作画，不仅兴趣大增，也多少有了一些所谓经验的感觉。于是，在1997年下半年或1998年上半年，还认真画了一二十件大瓷盘。十年过去，2009年，蒙董陶窑主人邀请游玩，在他的车间里，和几个青年朋友又兴味盎然地动笔绘彩。

一个瓷盘、一把瓷壶、一个瓷罐，它本身已经是人类智慧的结晶，如果我们想到旧石器时代晚期的粗陶、新石器时代盛期的彩陶，今日的瓷器更是人类漫长历史的结晶。它们本身不仅有实用价值，更有艺术性——它们的各种造型，细想想，其实都来之不易，不寻常。如今，我们在它们这种几乎成为人们的潜意识的美感上，被人们不自觉淡忘的界面上，超越批量性，超越范式性，画上自己有个性、有意境、不可重复的图画，岂不是让它们成为一种新的当代艺术品了吗。

国内国外，早有人画陶刻陶，画瓷刻瓷，这里，我只谈自己的感受——瓷画，有另一种美感，真的很有趣。

（1）”构“也就是构图，当一幅油画作品进入观众眼帘的时候，首先看到的是一幅画的总体布局和构图。构图作为一种最重要的绘画形式语言之一，对作品的成败起到关键的作用。一幅作品构图要符合审美要求和哲学原理。在满足观众审美需求的同时，也传递着某种思想，欣赏者可以从不同的构图中得到平静、稳定、倾斜、压抑或惊喜之不同感受。

（2）”内“即内容，是一幅作品所要表达和传递的信息。这也是欣赏者和画家最直接交流的一条途径。按照画面刻画的是什么、刻画得逼真否、画中形象要传达什么寓意等，很容易就能体会到画家的喜怒哀乐。

（3）“形”就是主体物体的物理形状，写实主义作品尤其注重画面主体物体的形状造型。这是写实油画的基本功，也是比较难的一个环节。太多的画家绘画几十年，都没有能够掌握“形”的基本功。要成为一名优秀的画家，就要练好造型的基本功。

（4）“色”就是色彩。由于油画艺术作品的色彩极具丰富性，故被称为是“绘画中的交响乐。所以一幅好油画对色彩的运用，就像好一首好曲能引起观众的共鸣，它能把人带入一个神秘的境界—或典雅、或庄严、或压抑、或兴奋等。尤其印象派油画大师们更加关注画面色彩的变化。但所有的变化一定是科学客观的真实的变化，绝非有些画家凭自己的任意想象来作画，结果使得画面杂乱无章。

图8、法国印象派画家莫奈的《午餐》局部， 特点：注重丰富的暗部的色彩变化

(5)“光”就是光线，油画作品对光线的安排要求较高。一幅好的油画作品，其画面中的光线运用，一定有其独到之处。

（6）“笔”即 笔触。笔触述说着画家的情感和对美学偏好，并能敏锐地显现着不同时代审美趣味。油画家的艺术造诣正是体现在油画的笔触之中。这是一个长期的积累和修炼过程，不可能一蹶而就。

（7）”质”就是质感，也就是画面中物体的材质。相同颜色不同材质的物体在同一个画面中出现时，主要是靠物体的材质

陈国富，中国陶瓷美术艺术大师，中国高级工艺美术师，景德镇中青年陶艺家、现任景德镇昌南红画院副院长、景德镇高级画师，中国工艺美术家协会会员，景德镇紫莲花网络有限公司合作艺术家、景德镇市美术家协会会员，景德镇陶瓷商会会员。

中文名陈国富

国籍中国

职业工艺美术师

代表作品海之恋

陈国富简介

陈国富1953年生于景德镇陶瓷世家，自幼酷爱艺术，70年代初在福州军区从事美术创作和评论工作，在部队受过中央美院、浙江美院和福建省美术大师的授课和精心指点，打下了扎实的油画功底，曾荣获部队多次嘉奖。陈国富自部队回到景德镇后经过长期的摸索，把油画的特点结合到陶瓷绘画上，自创一种新的泼色陶瓷油画，其画面写实又抽象、色彩丰富、耐人寻味，让观赏者产生无限的遐想，每件[1]作品都是孤品，任何人都无法仿制，它具有极高的艺术观赏性和收藏价值。作品曾多次参加国内外艺术巡展，先后多次获得各项大奖。作品分别被国内外艺术美术馆收藏。在2010年上海世博会上作品《牵手》与《海之恋》都获得金奖。