青花瓷与中国传统国画之间的关系
国画，又称“中国画”，主要指以毛笔、墨、国画颜料等在绢、宣纸、帛上通过水墨的韵味达到墨分五色的效果并加以装裱的卷轴画，青花瓷的作画工具与国画一样，都是用毛笔作画，唯一不同的就是所用的材料、颜料不同。
青花瓷是传统四大名瓷之一，与粉彩，玲珑，颜色釉并列为四大名瓷，素有“永不凋谢的青花之称”，被誉为“瓷国明珠”清秀素雅的颜色、妙趣天成的纹饰、不拘一格的构图，有很强的民族艺术特色，青花瓷艺术与中国传统的国画艺术非常接近，绘画创作时都是在单一的色彩中追求浓淡、阴阳、虚实、远近的变化和丰富的艺术效果，其较久的是笔法、意境和气韵，追求笔势飞扬，线条流畅，落笔生根达到了淋漓尽致的效果，使青花形成一种幽静，雅致的艺术风格，中国画艺术与陶瓷艺术是密不可分的，只有拥有深厚国画功底的艺术家才能在青花瓷上绘出自己所要表达的意境。
现代青花瓷不仅保留了传统青花的技法而且还吸取了国画中的“泼墨法”，在大面积的坯体上泼墨作画，青花大王王步就采用这种技法，在泼料前先用毛笔搅动料色，浓料在料水渗化时，立刻在坯体上泼倒，坯上就会出现奇妙的肌理，会产生酣畅淋漓的效果，用泼墨法作画，需要有扎实的功底，否则就适得其反了。
国画技法在青花瓷画中起着非常重要的作用，美轮美奂的青花艺术瓷实在令人赏心悦目。
唐代长沙窑瓷器的装饰开始引入国画艺术，由此瓷器装饰花纹的内容题材大大拓宽和丰富起来了。长沙窑釉下彩绘装饰的内容有人物、花草、动物、山水云气等多种题材，组成了生动活泼、自然逼真的装饰画面；长沙窑釉下彩花鸟画的表现，与当时画坛发展正盛行的花鸟画工笔宫廷绘画风格完全不同，用笔较率意奔放。例如“青釉山雀纹壶”，简练的几笔一气呵成，将鸟的眼、嘴、颈、腹等所有结构圈出，并用淡色料笔补足鸟的头、腹、尾等结构，有如宣纸的效果，是富有率性的创作。而唐代画坛工笔画风格则力求写真求实、精妙传神，画法勾线细幼工整而傅彩晕染精到。如唐人物画家阎立本的《职贡图》；线条刚劲有力，色彩古雅沉着，人物神态刻画细致。唐代花鸟画的代表人物有边鸾《花鸟图》、韩湟《五牛图》；是目前所见最早作于约上的中国画，纸质为麻料，作品造型生动准确，设色清淡古朴，浓淡渲染有别，画面层次丰富，达到形神兼备的境界。长沙窑釉下彩山水画深受当时宫廷山水画影响。例如“青釉山水纹瓷罐”所画的山，很容易让人联想到唐代李思训、李昭道父子的工笔青绿山水，线条刚硬山石质感、动挺有力，画面布局山峦重叠。
瓷器、绘画这两种艺术大家很熟悉。
但大家有没有过这样的好奇：为什么同样的题材，画在瓷器上好像不如画在纸、绢上那么……好看了?
难道是因为没碰见好的瓷器吗?不是!等你见到好瓷器，拿出来与同题材的画作比，你还是会觉得瓷画不够档次。
珐琅彩雉鸡牡丹纹碗 北京故宫博物院藏
五代 黄荃《写生珍禽图》局部
对比黄荃的鸟来看，《珐琅彩雉鸡牡丹纹碗》明明代表的是雍正官窑的最高水平，为什么瓷上的鸟看起来却没有质感?
真相是，瓷画水平本来就不高。
之前我们在讲国画介绍小品时提过，小品有些原先可能是屏风或者纨扇上的装饰画，就因为太好看，才会被人“抠”下来另外装裱。
宋 刘松年 纨扇《秋窗读书图》
但从来没听说过有人会因为瓷器上的画太好看，而选择把瓷器毁掉单独收藏，这不光是因为毁掉瓷器有点多余，还因为在瓷器上画画先天就有很多缺陷。
画什么都变形
拿举世闻名的鬼谷子下山青花大罐来举例，这是迄今为止成交价最高的青花陶瓷的艺术品(暗戳戳地打个软广：它的主人埃斯卡纳齐是我们宝库汇的创始会员哦~)
鬼谷子青花大罐
但你知道这个天价大罐的完整纹饰是什么样吗?
鬼谷子大罐纹饰平面图
这就是瓷画的先天不足，瓷器是圆的(或方的)，一眼看过去只能看到局部，它无法像手卷一样慢慢展开，想看完全部内容只能围着它走一圈，且最大的困扰在于，通常你并不知道在哪开始在哪结束。
为了解决这种看画太累的问题，瓷画艺人发明了一种开光，开光又称“开窗”，就是在瓷器上“开”一扇窗，效仿中国窗户里看过去的场景。
黄地开光粉彩三阳开泰纹碗
在瓷器这里，开光不是封建迷信，而是打开了一扇艺术的窗。
粉彩开光四季山水盖罐
开光出现之后，在一个瓷器上表现四季就显得容易的多，四个框栏对应四时风景，纹饰与整个瓷器相协调，展现出精妙绝伦的器物艺术形象。
粉彩开光四季山水盖罐
伴随着开光的出现，又衍生出另一个问题——瓶瓶罐罐本来就不大，再勾出一块，能看到的画面就更小了，也就是说，开光也没有解决在曲面上画画会变形的问题。
画成什么样靠天意
在瓷器上画画除了有器型这种客观问题外，还存在工艺本身的限制。
所有的瓷器里，青花是最接近水墨画的，青花颜料很粘，坯很涩，很难表现宣纸水墨的韵味，专业国画家画青花，也很难上手，至于粉彩、珐琅彩，就更麻烦了。
在入窑烧之前，青花是黑的，粉彩是暗的，最终成品是什么样全凭经验，而且釉有流动性，多多少少会影响画面的效果。
清光绪金品卿款浅绛彩人物盘
我们列举了瓷器先天的种种不足，并不是要彻底地否定瓷画，毕竟作为瓷器的装饰，这一点始终是国画、油画无法企及的，谈论它的装饰性，还是要回归“纹饰”本身。
瓷画是“纹”不是“画”
和国画一样，瓷器上也画山水花鸟、亭台楼榭，但受瓷器工艺限制，瓷画很难达到国画的艺术水平。
这一点做瓷器的人也心知肚明，所以陶瓷专业不把瓷画叫瓷画，叫“纹饰”，茶壶上画个山水，不叫山水画，叫山水纹。
早在唐代的长沙窑开始，瓷器纹饰就已经很发达了，比如磁州窑的白釉黑花、耀州窑的青釉刻花，但只在民间流行。
磁州窑白地黑花竹纹枕 故宫博物院藏
明清时期，文化开始世俗化，皇室也逐渐接受了带纹饰的瓷器，并发展出了五彩、斗彩、珐琅彩等等。
至雍正时期，粉彩发展成主流，以清新的花鸟题材为主体，各类花卉、虫蝶、动物纹表现较多，这与当时清宫没骨花鸟画盛行有关。
清雍正 粉彩牡丹纹盘口瓶
乾隆时期，随着宫廷山水画的再度兴起，粉彩山水题材亦迅速增多，进入繁荣时期。
乾隆粉彩山水瓷画类型丰富，装饰繁复，色彩艳丽，风格多样，与乾隆宫廷山水画风颇为接近。这是因为，受宫廷指派，不少画师参与到瓷器彩绘工作，他们把宫廷山水画风格运用到了粉彩山水瓷画的绘上。
从这个角度来看，清廷御窑厂的生产活动实际是宫廷工艺美术的延伸。
清乾隆 黄地开光粉彩山水人物纹四方茶壶
不过，从唐到清瓷画发展了这么些年，为什么从来没有出现象“清初四王”、“扬州八怪”那样引领时代风潮的画家呢?
归根结底还是因为作画的人身份不一样：中国古代画家，大都希望通过作品表现独立的思考，表达哲学或者政治见解，他们的作品多寓意深刻、情趣高雅。
而古代画瓷器的工匠大多文化水平不高，他们没有艺术家的理想，画瓷器时也不是想表达什么，往往是什么好卖画什么，是以市场为导向的，毕竟瓷画只是装饰作用。
所以结论是，瓷画是不具备欣赏价值呗?
不，那是从前!
翻身“瓷画”把歌唱
清王朝灭亡后，以官窑为代表的装饰标准化、程式化、工艺化、多工序合作、匠器型的景德镇瓷器生产体系也随之解体。
大量的文人画家聚集于景德镇，冲破传统瓷器造型和纹饰的束缚，适应新时代新兴市民阶层的审美需求，借鉴中国画诗书画印的优长，创造出清新又极具文化内涵的瓷画新风。
民国珠山八友粉彩瓷板
民国时期，王琦、徐仲南、邓碧珊、何许人、汪野亭、毕伯涛、王大凡、田鹤仙、程意亭、刘雨岑结社瓷坛，形成中国陶瓷史上第一个艺术流派——“珠山八友”。
他们主张画必有意，画风与书法款识多追求清中期“扬州八怪”的风格，戮力把诗、书、画、印与制瓷工艺完美地融为一体。
绘画韵致取代了装饰严谨工整、精巧富丽的审美意趣，瓷画呈现了新面貌!
从收藏角度来看，与纸质书画作品相比，一件成功的画瓷作品显然更为稀有，其画家风格、艺术性不仅没有失去，反而融入了更多的观赏性因素。
如今，越来越多书画名家开始了陶瓷绘画的艺术探索，其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强，从而推动瓷画的收藏热度不断升温。据拍卖市场统计，当代的“画家瓷”虽然进入市场的时间不长，但是价格已经涨了10倍左右。
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外国的，当然不能算是国画。
世界上陶瓷上比较有名的，
中国的，阿拉伯国家的，希腊国家的。这些都喜欢在陶瓷上做画。
钱币相对来说赝品好分别一点。而且要求资金不大。几千块就可以入行了。
陶瓷是我国古代劳动人民的一项伟大发明,中国也是世界上著名的陶瓷古国,早在新石器时代时期,我国的先民就开始会制造和使用陶器。东汉时期,原始陶瓷已发展为瓷器,以后各代随着瓷业生产的发展和制瓷工艺的进步,陶瓷质量不断得到提高。
