日本著名陶艺家介绍
陶艺现已流传到世界各地，经过各国的改进，产生了不一样的陶艺文化。那么，现在我们来了解一下日本的陶艺文化吧!以下是有我为大家整理的日本的现代陶艺文化，希望能帮到你。
日本现代陶艺掠影
1992年3月-4月间，东邻扶桑——日本各地樱花烂漫盛开，人们载歌载舞，沉浸在赏花、唱花、与花同乐的气氛中，到处洋溢着节日的盛况。在这美丽的季节里，笔者进行了一次以考察日本现代陶艺为主要活动的访问。
在一个月的时间里，从南起九州岛的鹿儿岛到本州的东京，行程达一千多公里。经过日本的鹿儿岛、佐贺、长崎、山口、滋贺、冈山、岐阜、京都、名古屋及东京共十个县、府、都地区，参观考察了共52个单位，其中包括陶艺窑场13个。接触到许多颇有名气的大陶艺家，了解到日本现代陶艺家的创作与生产状况。还访问过5个陶研所与7个大型陶磁厂，并专访了8个陶磁博物馆、资料馆与陶磁文化馆。其中包括著名的京都、东京国立博物馆、出光美术馆。访问了经销陶艺制品的商店五家，包括日本最大连锁销售百货店之一的西武百货店。
此行感到收获最大的是有机会踏访了日本著名的陶磁产地，有唐津烧、荻烧、备前烧、信乐烧、织部烧、京烧、濑户烧、有田烧、锅岛烧、伊万里烧等日本历代名窑场，采访了许多著名陶艺家，收集了许多珍贵的信息资料和陶艺作品。这些对于研究日本陶磁与陶艺的历史、现状都是十分有意义的。尤其是日本陶艺制品，已深深渗透到普通日本国民的日常生活的各个方面，它与大工业生产相互促进，共同发展，达到将传统的民族陶艺与现代化生活的完美结合。这些情况为我国传统陶艺制品如何保存发展与进入人民日常生活中去，可以提供一定的借鉴与参考。鉴于此，笔者将此行的收获成文，今借《陶磁研究》杂志发表。
1.日本的陶艺流派与陶艺家
1.1 唐津烧与中里隆先生
日本著名影星中野良子谈到她婚后对烹调与陶磁器很感兴趣时，唐津烧陶艺家中里先生说：“美食强健人的体魄，美器赋予人心灵的力量只有将两者巧妙地结合，才能成为一个优秀的家庭主妇。”日本陶艺家紧紧将陶艺制作与美食、美化心灵结合，淋漓尽致地表达了陶艺文化的内容。在饮茶用器方面，日本的茶人有“一乐、二荻、三唐津”之说。
日本关东地区的人习惯将陶磁器叫做“濑户物”，关西人叫“唐津物”，这是因为关西陶磁产地主要在唐津。唐津地名是由于古代此地与中国贸易繁盛。“唐”指中国，“津”指港口之意。唐津烧古窑分布在九州佐贺县西南部与长崎县东北一带。唐津市现有7万人口，从事陶艺创作的陶艺家约60多人，且多为个体经营，产品有日用、陈设与建筑陶磁。
唐津烧的大发展始自400年前的文禄、庆长战争，当时日军侵朝失败，撤退时掳掠回大批陶磁工匠(据传有近万人)，这些被掳掠的朝鲜工匠促进了包括唐津在内的日本制陶业的发展，因此日本史学家称这次战争叫“陶磁战争”。
日本陶磁文化深受中国影响，但在工艺技术等具体方面，以“陶磁战争”为契机，受朝鲜影响更大些。现在唐津烧采用的脚踏陶轮及连体龙窑都传自朝鲜。
唐津烧使用的坯料为含砂粒的粘土如帆柱土、四屋土等及部分硬质粘土。釉料则使用土灰釉、长石釉、禾灰釉、铁釉及辰砂釉等。产品种类很多，有碗、盘、碟、钵、杯、酒瓶及茶罐、香炉等。装饰纹样有黑花、印花。黑花技法叫“绘唐津”，深受中国磁州窑白地黑花技法影响。唐津烧制品的碗是极富变幻，有圆形、椭圆形、豁口形、竹节形、轮花形及十字形等。作为唐津烧陶艺派系相传到今，中里姓的陶艺世家至今已有13代。12代的中里无庵首被授予国家级“人间国宝”荣誉称号，他本人有一座二层楼陶艺陈列馆，展示有古唐津作品与瓷片，现代陶艺品数十件。他的三个儿子也都继承陶艺事业，作为著名的陶艺家活跃在日本陶艺界。
陶艺家中里隆先生现年53岁，自小受父熏陶，研习陶艺，于20年前创建隆太窑，窑名由著名的古陶磁权威小山富士夫题字。中里隆热爱中国古陶磁，此前首往龙泉窑、磁州窑等地访问，并且特邀笔者等三人赴日专访。他的窑场建在远离城市的幽静山谷，四周绿树环绕，淙淙的泉水从陶房前流过。陶房四周植有橘树，挂满金黄的果实。建筑在山坡的登窑掩映在翠绿的树丛中。整个陶房看起来倒像一处独有风格的园林式建筑。
中里隆先生具有独特的人生观点和处世方式，他留有长长的虬髯，衣着朴素，不仅擅长陶艺，对烹饪也有研究。他认为陶磁器既然用于人们日常饮食生活，那么不懂烹调的人是不能成为优秀陶艺家的。他餐具上使用的陶磁器皿都是他亲手制成的陶艺品，以化妆白陶和黑花居多，而没有一件现代工艺产品。
中里隆先生的陶艺在日本享有盛誉，前几年他曾作为唐津烧的代表赴美国举行陶艺展和学术讲座。崇拜他的美国陶艺家首次来他的窑场交流。笔者此次作为中国的客人有幸在他的隆太窑参观访问并滞留数天，悉心考察，获取很多第一手的资料。
中里隆陶艺作品充满一种雄健，粗犷的氛围，也表达了作者放浪不羁的创作风格。在日本如果其陶艺作品没有明显的风格或追随大流，这样的陶艺家是无法存下去得。中里隆的作品碗、盘的售价一般为每件2000、4000、8000日元不等，作为日用器皿的价码是很高的了。售价更高的是陈设陶艺品，如瓶、坛等，价格标到70-80万日元。他最高一件作品曾卖到200万日元，按现在人民币与日元的汇率，大约有十万元人民币。中里隆认为唐津风格的陶艺作品，应该尽量保留原料原有的土性与窑火的火性，而尽量少加入人工修饰与雕琢，过多的装饰反而不美，不能成为真正的艺术。对于时装模特与演员的评述，他认为不宜多做化妆，化妆了反而不美。欧洲女性并不美，正是为了美她们才进行化妆。她们比不过中国的女性，不用化妆就很美。如果过多化妆反而不美了。他的这些观点深深反映到其作品意匠中。
唐津烧的作品主要有(1)粉引，即施白化妆的陶器(2)绘唐津：在不做白化妆的陶器商绘黑花纹样，呈灰地黑花(3)唐津南蛮：无釉陶器，胎色呈灰黑(4)朝鲜唐津:胎色上施一层很博得白化妆土,釉呈粉红色色调,釉下绘有黑花(5)毛刷纹:作品上用白化妆涂刷出毛刷纹样,粗犷而颇具力感(6)雕三岛:即灰釉印花。上述技法中许多受到中国古代名窑如磁州窑装饰技法的影响。
唐津烧作为日本九州地区的名窑系列，在中里氏陶艺家的积极推动下，在现代日本陶艺艺坛中仍属于一支重要的流派。
1.2 有田烧与柿右卫门(锅岛烧)
有田町是日本的瓷都，位于日本九州岛北端，这是一个以制精美瓷器而兴盛起来的城镇。通往有田町的公路要经过三条隧洞，隧洞的名称分别叫做“白磁”、“青华”(意即青花瓷)、“赤绘”(即红绿彩)。这种把珍贵名瓷的名称当作隧洞名称的做法，一下把人们带入陶艺氛围很浓的日本瓷都。町内还有一座桥，历史久远，桥两侧的栏杆上盛放着一件件装饰华美的五彩瓷瓶，罩在玻璃罩内。听人们说在这座面积不大的有田町竟有40多座富丽堂皇的瓷器商店在经销各种瓷器产品。目前有田町拥有约250家作坊式的陶磁厂，许多作坊保留了数百年前的样子。
有田町的发展与日本瓷器密切相关，400多年前从朝鲜被掳掠来的朝鲜陶磁工匠李参平在这里发现制瓷原料——泉山石，从而开启日本瓷器的历史。当地建有李参平发现磁矿的纪念碑，日本人是把李参平当作磁祖加以祭拜的。从此经过100多年的发展，九州的瓷器源源不断地输出到欧洲各国。而当时正值中国明、清王朝交迭之际，连年的战争造成的严重经济破坏削弱了中国瓷器在世界市场的霸主地位。日本人正是趁此时机，不断吸收中国瓷艺的精华，先是模仿，后是取代，逐渐取代了中国瓷器第一的位置。我们从20世纪90年代北京故宫博物院与日本出光美术馆联合举办的中日两国陶磁文化交流展展出的作品可以清楚地看出这一轨迹。许多日瓷模仿中国景德镇之逼真程度，令人惊叹。当时日本有田瓷器通过伊万港大量出口，故亦称伊万里瓷。
至今，有田町仍然是日本南部陶磁生产与贸易最集中的城市，这里瓷器商店林立，牌号众多，各种吸引人的看板琳琅满目，街旁高低不等的古建筑错落有致，到处洋溢着陶磁文化的气息，显示了瓷都的风范。笔者曾看到了一块大笔写有磁州窑的看板,原来是某瓷器商店借用“磁州窑”作为其商店的名称,禁不住请中里隆先生驻车,在蒙蒙小雨中扣动了相机按钮.
我们还参观了有田町陶磁团地窑业组合,这里有10家相互协作的股份制陶磁小厂,以产日用瓷为主.他们共同使用三条窑炉,烧成和彩烤不同风格的现代日用瓷产品.据老板介绍,为了在竞争激烈的陶磁市场取得生存与发展,他们只有采取发挥小型集团的力量,自愿组合,互相合作.不过他们各厂的产品各具风格,经济方面的帐也算得很细.产品多为仿植物的花卉、叶子的异形形状，采用压力注浆成型。每种产品的产量不大，经常改产。
今右卫门世家(锅岛烧)主要以生产传统的红绿彩彩绘瓷器为特色。目前已经传至地十三代传人。今右卫门善诏1926年出生，1949年毕业于东京艺术大学，后返乡继承祖业。他作为传统彩绘陶艺工艺家，多次参加各种展览会，推出许多具有新意的作品。1975年承袭十三代今右卫门称号。1976年创建《色锅岛今右卫门技术保存会》，接受了日本《重要无形文化财综合指定》称号。他精研彩绘技艺，开发出青花吹墨、薄墨吹墨等技法。先后获得了西日本文化奖、每日文化奖、紫绶褒章、日本陶磁协会金奖等。1989年又以“研究新型色绘瓷器技法，以优秀技法与意匠组合确立新型色绘表现”之成果，获得日本重要文化财《色绘瓷器》保持者即《人间国宝》称号。
笔者参观了他的陈列在两层楼上的收藏作品，几百年来日本彩瓷的发展及其在世界销售的过程，一目了然，尽在眼底。也看了他的工作作坊。只见在一古朴的老式木房建筑中，成排卧坐着许多男女老彩绘艺术家们，正在聚精会神进行瓷器彩绘操作。他们一边听着日本的古戏或抽着香烟，不慌不忙，不紧不慢地干活，好象很悠闲的样子。正应验了所谓“慢工出细活”的行话。也看到了技艺精湛的瓷器彩绘技艺在这里得到了很好的保存与发展。
1.3 荻烧与当地的陶艺家
荻市位于日本本州山口县西部沿海地区，这是一个海滨城市。日本庆长三年朝鲜陶工李匀光与李敬弟兄到此制陶，称之为古荻烧。宽文年间，三轮休雪始烧陶磁，又被称作本荻烧。荻市自古人杰地灵，这里一共诞生过五位日本首相大臣，如伊藤荣作、田中角荣等。
荻烧现拥有约50名陶艺家，其它从业制陶者有150人。现有28座窑场(包括山口市3家、长门市5家)。产品全部内销，其中日用陶磁占50%，茶道用具占45%，美术陶磁占5%。荻烧产品的特色是坯料使用大道土，泥料柔软，烧成后有一种暖调，器表釉彩经窑变而呈红调，时而发青、黄调。
荻烧陶艺家吉贺大眉先生，确立了将传统的白荻釉和黑釉在窑变中形成幽玄而凝重的艺术釉调风格。他主要生产花瓶，还有茶盏、水壶、花插、香炉等陶艺制品。他的作品曾荣获内阁大臣奖、日本艺术院奖、陶磁协会金奖等称号。
波多野善藏先生的荻烧作品主要是茶杯、水罐、茶罐、花插、钵等。他的作品继承有300年前的传统，古香古色，别有韵味。最近他又在郊外贷款购地建了一座烧窑场，因为当地政府不允许稍有污染的陶磁窑建在市内。他的陶艺创作与事业似乎展现出美好的前景。
三轮龙作属现代派陶艺作家，产品以现代派抽象雕塑为主。关于他的情况，笔者曾在北京中央工艺美院《工艺美术参考资料》1991.6期发表的《日本现代陶艺家三轮龙作其人其作》一文中作过介绍。近年来，他以表现日本卑弥呼女倭王(可见中国《三国志》记载)开启的日本历史这一题材出发，创作了“白岭展”、“金色皂弥呼展”等系列陶艺作品，来体现日本经济文化史的盛衰与发展。在中里隆先生的热心推荐下，笔者借机做了专访。他对中国古代灿烂的文化显得一往情深，崇拜不已，又谈到“红高粱”、“菊豆”等张艺谋导演的电影。笔者参观了他的被称之为现代超现实主义的陶艺作品。他对博大精深的中国文化的高度评价和对未来中国陶磁艺术的再度崛起的预言，给笔者留下很深影响。
1.4 备前烧
备前烧位于日本冈山县和气郡备前町。备前烧陶艺制品的特色是制品不上釉，也不做彩绘，仅依靠陶泥本身的造型变幻进行创作，也依靠窑火的窑变烧成。它直接表现得是土与火的艺术。一块泥机经手工、长时间加工揉成陶泥坯，再经一千多度的温度烧成，经受窑火的各种变化而形成一种自然的形状。许多人都说备前烧作品是自然与人结合而形成的世界。
备前烧历史悠久，自日本古坟时代这里已产出须惠器陶器。平安-镰仓时代始生产生活用品如碗、盘、碟及瓦。镰仓-室町时代大量生产壶、擂钵等，这时备前烧产品已形成其特有的褐红色胎。室町后期使用田土代替山土作原料，采用手拉坯造型，实现大批量生产，并使用半地上式窑炉。
森陶岳先生是一位有代表性的备前烧陶艺家，他的创作思想是“创作的作品全在自己的思想中，是在思想的晃动中产生的。”他善于用的创作手法将器形做成像用几大块几何体粘结起来的一样，种类有黑瓷、白瓷扁壶、多面壶、条纹壶。器型简单，但非常富于形的多样化与力感。他使用龙窑烧成，窑长25米。为了研习这一特长型龙窑的烧成技术，他曾向笔者表示想到中国的南方考察传统的龙窑。
1.5 信乐烧及其陶艺家
信乐烧位于滋贺县，是日本古代六大古窑之一，又是现代陶磁手工艺发达的地区。近年来，滋贺县以信乐陶艺为龙头来发展旅游与文化产业。譬如他们修建了占地面积很大的“世界陶艺之森”公园，并通过举办一年一度的世界陶艺节把信乐建成“国际工艺之都”、“陶艺之都”,都造成一种很浓的以陶艺兴县的气氛.
“世界陶艺之森”设有创作、展览、制作与研修等几部分。现代陶艺馆一般为一圆形顶的建筑，里面陈设有美国、日本、澳大利亚等许多国家的现代陶艺家入选的作品，这些陶艺作品表现的方式与内容都很奇特，用意非常大胆，在许多方面克服了过去人们概念中的陶艺，而是紧紧与现代西方美术思潮联系在一起的陶艺作品。热心的导游向我们赠送了许多现代陶艺作品集等资料。我们从这里看到现代陶艺在发展中的各种形态与演进过程。
屉山久保先生的陶艺作品表现出一种很浓厚的宗教气氛，他常用陶泥板粘结成板块形状，在陶板上用各种浓稠的色釉缀成一排夕红、绿、黄色的小球。不理解其创作意念的人看去很像一块块电子线路板。他本人讲，这一个个红黄绿交叉的小球是佛教中的曼陀琳花，代表了古代佛教文化对日本产生过的影响。他认为佛教中的小乘教与密教等教派对日本影响最重。他的陶艺作品选用这样的表现题材，是为了不断提醒人们不要忘记古代文化与历史。
他说，正当日本许多年轻人盲目崇拜西方文化，追求西方文化艺术时，他要从反映宗教题材的角度向人们敲一下警钟。当然他所表现的反叛情绪和思想感情，或许一时半时还难以为人们所理解，但他仍然毫不灰心，顽强地走下去。当然这种无使用价值的纯陶艺制品很难销售出去，尤其在日本国内。他将这番话时神情似乎有些悲凉。倒是欧洲一些人士很喜欢他的作品，购买过他的东西。除此之外，屉山久保还把这种具有浓厚宗教风格的表现题材，运用到大型陶制屏风创作方面上来，并开始打开销路。
1.6 织部烧和泷口喜兵尔
日本著名古陶磁专家小山富士夫先生曾经这样评述，日本在发展现代化时，并没有抛弃自己的传统，而是将传统文化与现代文化很巧妙地结合在一起。泷口喜兵尔先生是一位以制作织部烧陶艺作品而著名的陶艺家。
他原籍首都东京，30年前为了创立陶艺事业，他告别了喧嚣繁华的东京，孤身来到日本中部岐阜县可儿市一道山谷中，开始陶艺创作。刚来时，此地仅他一人、一房、一窑，奔流而去的山间河流走鱼儿很多，可随时打来食用。每当在河边就餐时，鱼儿自动围拢上来，很有一番情趣。美丽的自然风光和几乎与人隔绝的幽静环境给他提供了一个良好的陶艺创作氛围。他的陶房坐落在山脚一条清澈的小溪旁，穴窑建在坡势很陡的半山腰，加上巧妙码垛的松柴堆，望去很像悬挂在山腰的狩猎人小屋。每当完成成型、上釉、彩绘等工序时，他常一个人手端盛满板条的半成品，攀着陡急的蹬道，到半山腰的陶窑装烧陶艺品。
泷口先生的陶艺作品以织部绿釉提梁扇形菜碟及织部烧茶碗为主。织部绿釉为氧化焰烧成。织部黑釉则以鬼板(含氧化铁在60%的天然矿物颜料)50%，外加木灰50%做成黑釉,入窑还原焰烧成,在烧至最佳温度1250度时,再用铁钳快速将产品一件一件从打开的窑墙寇挟出来,置于水中，由此可获得纯还原焰效果，黑釉异常漆黑镌亮。据说这种烧黑釉的技术目前仅日本保留。织部黑茶碗系手工拉坯成型，造型变幻丰富，但它不追求完整无暇，而是留下手工制作的明显痕迹。有时在黑釉开光处点绘上黑、绿、褐等花纹。最近他又成功研制出黑釉红斑装饰方法，具有一种更独特的艺术表现风格。泷口先生拉坯使用的陶轮采用手拨式，木制陶轮直径为56.5厘米，木棒长20厘米。陶房的地面上放有一块很大的石块供修坯时用。在日本有句谚语叫“石上三年”，意思是说要学会一门技术，必须苦练，须在石头上坐够三年才行。他也确有一种为陶艺创作刻苦修炼的精神。当我们欣赏日本陶艺所达到的高度艺术美时，须知是有无数陶艺家这样精心苦练、勤奋工作才能达到的，这里是谈不上“艺术灵感”的.
泷口先生的陶艺作品驰名国内,曾先后在岐阜县、东京和京都举办了个人陶艺展。1971年他应邀赴美国巴蒙顿州马尔波罗进行技艺指导，从而成功地把包括织部烧陶艺代表的日本文化介绍到国际上。
1.7 京烧和陶艺家森冈嘉祥
森冈嘉祥先生介绍，到他这一代已是三代陶磁世家了。森冈的窑场在京都东山区郊外的一座山坡上。他的陶艺产品突出一个“博”字。除生产日本传统的陶艺外，他还生产朝鲜风格的雕三岛，毛刷纹及三彩釉等。近年来他对中国的磁州窑和钧窑甚感兴趣。森冈先生也是笔者一位老朋友，在1984-1985年曾三次来磁州窑做技术交流，这次老友重逢，感到格外高兴。
在森冈的窑炉上，安装有较现代化的消烟除尘设备，造价达几千万日元。作为日本著名的文化旅游城市-京都府不允许陶窑排放丝毫污染，因此窑炉都搬迁至郊外，并必须安装环保装置。森冈通常在位于市内的陶房(兼展销室)制坯、上釉、彩绘，然后运到郊外窑场烧成。近年来他的二女儿已学会拉坯，儿子高中虽尚未毕业，但一到假期也要到窑场帮忙。他的大女儿在大版大学中文系毕业后，在一家公司当职员，业余时间则担任她父亲的译员工作，参与日中间的陶艺文化交流。森冈先生热爱中国陶磁文化，多次表示要向中国这位陶磁祖先这里学习更多的东西。他的收藏室收藏有多件中国古陶磁，他平常总是悉心研究，学习技艺并尽力理解中国古代陶艺中所神韵的精神与气质。
森冈夫人掌管陶窑的整个财务收支，一般的日本人家庭也是这样，用他们的话来讲叫做“男人打天下，女人管男人”。这两口子经常哀叹日本税收重，虽然一年四季辛辛苦苦干活儿，但收入中很大一部分交纳了各种税收。尤其是日本的遗产税收很重。老一代陶艺家去世后，起义留下的财产有一半要作为遗产税交给国家。待到孙子再继承时，财产会所剩无几，有“富不过三代”之说。因此，作为后辈子孙不可能躺在祖辈的产业上清享现成。唯有不停的奋斗，才能生存下去。他们的这番话，使笔者认识到日本陶艺家生活的另一方面。
日本陶瓷艺术的启示
陶瓷艺术在世界上有两大源流，一是中国，一是西亚。中国古代文明成为周边各国文化的原点，以中国为主的中国、朝鲜、日本共同构成了东亚文化区，日本陶艺的源流在中国。中国的陶瓷文化是悠久而辉煌的，在数千年的历史进程中，从原始的彩陶到明清的彩瓷，不同历史时期均有不同的辉煌。而中国对日本在陶瓷发展方面的影响至关重要，自公元5世纪，就有辘轳成型和高温烧成的制陶技术传入日本公元8世纪，日本模仿中国的唐三彩烧制出了低温三彩釉公元12世纪，日本在中国宋代白瓷、青瓷、铁釉陶器的影响下烧出来独具特色的古濑户公元17世纪，陶工酒井田柿右卫门，以中国明末清初的釉上红彩为范本，创烧出日本彩绘瓷。日本陶瓷从中国吸取了不少的文化营养，但又根据自己民族的文化特点，建立了有自己特色的陶瓷文化体系。
日本在当今称得上是一个陶瓷文化发达的国家，他们重视陶瓷器物的式样和风格，注重陶瓷器物的审美价值和文化内涵，更重视陶瓷的实用价值。
日本陶瓷强调器物的功能效用与形式美感结合在一起，使一件陶瓷器物既是实用的又是美观的，使实用和美观相互融合，构成一个和谐的统一体。日本国民对陶瓷的喜爱不亚于中国，但对日本人来说，无论审美意义有多高，都与实用价值紧密联系在一起。品质优秀的茶碗、水罐、花器等实用器皿在日本具有相当高的收藏价值。日本陶艺比起中国陶瓷的精致和完美，更趋向于质朴、自然、温暖、柔和的情调。日本民众自古喜爱原始、古拙、残缺的自然美，日本所产的无釉、粗糙、歪扭的茶道具毫无花纹装饰，却凝固了茶道的温雅静寂之美。与中国陶瓷的技艺精湛、高超相对比，日本陶艺追求了温馨、柔和的情调。日本陶艺之美，不仅仅重视造型、纹样和色彩，更注重泥土的韵味、肌理的美妙，注重于火的强弱变化在器物上产生的偶然效果。
日本陶瓷艺术保持了自己的特点。在现代陶瓷创作设计中，西方的现代陶艺已经发展为纯粹的造型艺术，不再重视功能效用的设计而着重强调艺术表现日本的现代陶瓷设计依然坚持实用与审美相结合，在吸取和借鉴西方陶瓷艺术精华的同时，坚定地继承了传统陶瓷艺术的创作理念。日本陶瓷虽然曾经受中国和朝鲜陶瓷艺术和技术的影响，日本的彩绘技法和原料最初来自中国，朝鲜陶工及原料多次输入日本。然而，他们广泛吸收外来的文明营养，在吸收和消化中，根植于本土物质生活和精神文化的土壤，从外来文化的影响中摆脱出来，根据本民族的审美特征和工艺观念，保持着以本土文明为主体的思想，把学到的知识和技术加以利用，在不断应用中加以改造，使之推向更高阶段，发展和创造出了具有日本民族特点的陶瓷艺术。
参加日本国际陶艺教育交流会的过程中，我深深体会到日本人精益求精的精神，除了体现在他们的高科技电子产品上之外，也充分表现在陶艺方面。日本的陶艺作品无论是陶器还是瓷器，无论是传统的还是现代的，在工艺技术方面从来不含糊，方方面面体现着日本人的严肃、认真精神。不加任何装饰的优美曲线匀称规整，作品的每个局部都恰当表现着作者一丝不苟的精神。日本陶瓷尽管有时造型和装饰也很严谨规整，但与中国帝王用瓷的高贵豪华相对比，更倾向于平民化。其艺术形式和工艺处理对使用者来说很少产生心理上的距离感，给人的感觉充满着朴素、柔和、亲切。对陶瓷来说，首先是造型，然后是适应于造型的装饰。日本陶瓷装饰采用图案纹样的装饰形式，新颖别致，有的作品充满诗情画意，具有丰富的装饰表现力有的作品可以让人感受到作者用激情创作出了温润自然、柔和质朴的艺术心境有的作品则体现着刚健锐利的理性精神。在日本，陶瓷作品从辘轳拉坯、绘画装饰到入窑烧制，均由陶艺家个人独立完成。多数陶艺家不但精于陶艺，而且文学、书法、绘画等无不精通，所以，陶瓷在日本被看做是一门艺术。日本陶艺家认为，正是优雅的个性使一个真正的陶艺家与一个仅仅是制陶的人区别开来。陶艺家必须体验与分辨音乐、绘画、文学和哲学的东西，只有吸收了这些东西，方能将力量和个性贯穿于他用黏土所制之物。
了解日本陶瓷艺术的现状，是对学习过程的总结。如何将学来的知识运用在实践创作中，如何在繁乱的现代陶瓷艺术创作中坚定地找到自己，踏实地走出一条自己的陶瓷之路?日本陶艺家学习和融合外来文化的创造精神，对于我们今后的钧瓷艺术创作是一种深刻的启迪。
与其说是艺术本身，不如说是艺术家的生活更吸引我。因为艺术家的身份意味着可以自由表现，可以随性过自己喜爱的生活。
——博纳尔
皮埃尔·博纳尔(Pierre Bonnard)生于1867年，从他20岁进入巴黎朱利昂美术学院起，直至以80岁的高龄在法国坎内(Kanneh)去世，博纳尔经历了漫长的艺术生涯。世事沧桑，博纳尔目睹了艺术界在世纪交替前后各种艺术流派纷纷扰扰的风转云行。博纳尔与同时期许多艺术家的不同点在于，除早年与“纳比派(Nabis)”有短暂的接触外，他几乎在60年的艺术创作中一直静静地生活在他自己的艺术世界中。他似乎没有什么主张要向世人申述，也没有再在任何宣言上签过名，从没在艺术作品中提及任何政治事件，更不要要表达什么政治观点了。或博纳尔和我们一样有恐惧与厌恶，但在他作品中却了无痕迹。他的画室是他人生世界中的小天地，是他保持了60年的一方静土，在这里他创造出围绕着他家人特别是他夫人的令人倍感亲切的意象。而他自己温文尔雅戴着宽边眼镜的形象，则一直出现在他的绘画中，成为他作品中的重要标识。人们在博纳尔的作品中看到的是纯真，热情和原动力，他的画作不是幻想，而是内心的真实，他十分在意地、慢慢地捕捉这个真实，远离非我的侵袭。
关键词：纳比派，印象主义，用色
在巴黎朱利昂美术学院的同学塞鲁西叶(Paul Serusier)、德尼(Maurice Denis)、朗松(Ina Ranson)、伊贝尔(Ibels)与博纳尔共同创立了“纳比画派”。［1］作为象征主义绘画团体的“纳比画派”（希伯莱语为预言者），他们给自己制定了方针与目标及主要的美学思想，画家兼理论家德尼为此撰写文章陈述其艺术理论宗旨：“所谓绘画，在画出战马、裸妇或什么轶事之前，本质上只是依一定秩序组合的色彩覆盖与平面之上。”即主张装饰效果。
可以说，纳比派诞生原因正是印象主义的胜利以及文学上的象征主义和高更的直接影响，这些对艺术充满苛求又极富激情的年轻人“向往一种摆脱了大自然一切字面意义的伟大绘画”，既“客观变形”又“主观变形”，还有“平涂”和“装饰” ，宣称：艺术作品是艺术家把自己综合为个人的美喻和符号，从而获得最终的视觉传达。他们这些理论，为20世纪艺术奠定了基础。纳比派这种讲究艺术的主观综合，不受写实原则的束缚，追求感受、形式的创作理念，正式20世纪艺术所具备的特征。因而纳比派被称为20世纪现代艺术的先声。
塞鲁西叶和德尼是纳比派的“高尚理论家”，而博纳尔在纳比派中则有“日本纳比派”之称，一方面暗指他喜欢日本浮世绘，另一方面也指他常常欣赏浮世绘装饰性绘画的平涂技法及对日常生活主题的表现。作品《散步》是博纳尔在纳比派时期的杰作，这幅作品中所表现出来的装饰性是静止的，而对充满活力的生活的描绘是躁动的，这些都平衡于他精湛的艺术形式中。
1899年纳比派与部分象征主义画家联手举行最后一次展览后便告解散。
在上世纪前半叶成长起来的伟大的艺术家中，博纳尔热衷于反映自然界的光，他探索自然界中的色彩和色调之间永无止境的关系。他对色彩和色调的赞美远胜过其他现代主义大师。他把瞬间的模糊的感受和零星的感受当作他创作的主题，并无目的地进行一系列的创作尝试，采用多幅画面表现一个场景的方法，来描绘出不同的感觉范畴。同时，博纳尔与印象派画家相比走得更远，他不仅有意识地关注自然，而且关注记忆中的世界。在他的意识中，回忆本身就是使愿望得到一种满足，这种愿望也必定是诞生新思维的主旨。这种新思维成为博纳尔为上世纪的艺术所作出的贡献。
1900年开始，博纳尔更加轻松，他日常外出旅行，在法国北部和南部画了一系列表现莫测光色的田园景致，后来他在乡间过着简朴、近似隐居的生活，这便使他有更多的时间与心境去探求艺术的真谛，他发展了色彩语言，突破了印象主义过分依赖自然的不足，既而发展了一种偏离中心的、给人一种漫不经心感的构图形式，这使他能自由深入地表现生活中的熟悉题材，而在以前还没人这样做过。他的《男人和女人》、《午睡》、《逆光中的人体》等作品，都是这期间的代表作。《镜中映像》一画体现了博纳尔艺术语言的新突破，镜子与窗户开始成为他画面的新媒介，几何形、直线、圆形越来越多的出现在他的作品中，《早餐厅》、《从工作室看窗外景色》、《浴缸中的裸女》这些他后期的代表作最为出色、最为成熟，其中又以《浴缸中的裸女》尤为最，画面被一条直线一个圆形构成，珍珠色的裸女仰卧缸中，神秘的紫色与灿烂的黄色相交汇，蓝光黄光在幻动，女裸、浴缸、流水、窗户、马赛克地板、瓷片墙壁形成五光十色的充满韵律和谐的色彩交响曲，又像是神奇莫测的宝藏叫人神往，作品把博纳尔色彩魔术师的魅力发挥到了极至。
他始终以自己特有的真实作为出发点,去作时髦与理论的叛逆.我们拿他的风景,甚至他的静物与印象派大师们,特别是莫奈的发明比较一下,便可看到一种表面上的借鉴.印象派画家们通过有意忘却作为自己借口的现实,而重申着自己的主张.事实上,博纳尔的手法是完全不同的,它是缓慢地接近一种事实,一种并非作为幻想,而是作为内部确信的真实.他十分困难地、慢慢地捕捉住它.正如他的朋友维亚尔经常痛苦地感到技法上的无力,而不得不重新去发明它.［2］他同时画好些张不同的画,有时甚至一连几年不停顿地修改它们,以使它们臻于成熟.他象蜜蜂一般地停在一幅幅的画上,用笔端摆上一块块颜色,甚至到博物馆去修改自己展出的作品,使看守人惊惶失色.博纳尔以全新的视点点去透视事物的非凡张力是得益于他的实践，即他把绘画放在独特的视觉经验之中。［3］他不愿像印象主义画家那样从一个纯客观的角度去绘画，而乐意像他的同时代的又是他亲密朋友的马蒂斯那样，去接受直接的经验主义和印象主义体制范围的自由，尽管他反对他们对肤浅表象的依赖和在形式结构上的贫乏。他把印象主义的客体和象征主义对情感和文化记忆的肯定结合起来，利用“第一印象”——每个人进入一所房子内第一眼看到的东西，借助于室内结构与色彩的思考，能够将这些东西保存下来，并将情感倾注于画布之上，最终是获取梦幻般的、充满阳光的伊甸园。
如果说雷诺阿对阳光下的色彩变化找到一种合理的表达方式，那么勃纳尔对自然界中的色彩与调性的微妙关系做了更大胆的探索。［4］他的绘画作品传递给观者以无比斑斓多彩的艺术效果，这在很大程度上得力于他对色彩运动性的深刻感受。通过画面每个位置区域色彩的不同倾向组成一个色彩的场，这个场的作用要求每个部位的色彩都得起一定的视觉刺激力。不同明度、不同色相的颜色被组织在一个平面之中，各自占据一定的色彩位置，同时对视觉产生振动，色彩的强弱变化造成了视觉的吸引与间隔，而这些运动性是基于组成整个色调中的各个色彩给人的不同心理感受，在经过画的组合之后，像音乐一样形成节奏和韵律。早期的印象主义者一直喜欢研究经水折射后空气表层的一系列变化，而勃纳尔并没有局限于对瞬间表象的感知，他用属于个人的方式，以令人信服的力量把大胆的色彩表现与细腻的心理感受想结合（毕加索所说的“犹豫不决的大杂烩”），使对色彩运用的下意识行为满足了他的关注记忆中世界的目的，从而达到画面惊人的效果。在看他的画时，有一种经强调而复杂的混合才达到的将色彩与形状融合在一起的鲜艳明亮感和颤动感，让人意识到不仅仅是在看，更有和听觉、嗅觉、皮肤感觉的表象相复合，时而引人入胜，时而又拒人千里之外的奇异感受。
从1898年开始，或者更早些，博纳尔的油画逐渐放弃早期作品平稳、清晰的线条、色块，转向一种不稳定的，甚至迷乱、松散，带有一种很强的梦幻色彩效果，有时竟是一种气氛。［5］博纳尔很少用原色，以中间调为主，这种高级灰的表达方式却又不影响画面层次的强烈与丰富，花色表现更加倾向主观性，英国学者冈布里奇这样写他：使用新艺术运动的发明，以特殊的技术和敏感去表现光和色在画布上闪烁的感觉，使画布仿佛变成一块织锦，他画的很多参酌表现出他的怎样避免过度强调透视法和深度感，以便让我们欣赏一幅色彩绚丽的图案。
他在老年而非暮年时的构图也是一样：激昂的或者带有洞穴中那种暗兰色的浴女，令人难以置信的动物和人物，过于饱和的静物，面目全非的风景，以不透明的黑色画出的天空，以半透明的金色绘出的阴影，碧兰的水面，玫瑰色的田野，忽而我们又看到一种光滑的发出虹彩的内景，它的明亮透明与窗外毫无生气、始终灰暗的风景截然对立。在这样的画面中，人体和房间那样完美地融合在一起，以致我们很难说是它们给周围的空间带来了色彩，还是因接受周围空间的色彩而存在。他画的人体腿部都有着和美如奇迹的金发女郎相同的冰肌玉肤。浴女的背部成为金色的偶象，在墙壁之间飘荡着。人的躯干就是反光的汇合处，似乎在显现蔚兰色的伤疤、珠瑰色的斑痕。水果篮则笼罩着神奇的阴影。没有任何人唱出过这样美妙的夏日海滨沐浴之诗；也没有任何人把暖气、瓷砖、破椅子、壁炉、布罩、丝绸袍裙、堆满礼物和剩菜、杂以苹果、柑桔的桌布升华为如此仙境。
博纳尔所处的19世纪和20世纪上叶，正是艺术革命运动风起云涌，日新月异之时。早期受印象主义、象征主义、日本浮世绘影响，后来逐渐摆脱上述影响独立成体。一种何时何地一看便知的博纳尔的风格，几乎的60年如一日地锁定自己的绘画主题。他漫步于自然，关注着平淡无奇的生活，以其特有的直觉情感来感受周围世界，并儿童般纯真地倾诉在他作品中的每一笔触、每一块色上，他说过：画家要学会用眼睛去创造，这种观察方式是游动的、变幻不定的；感觉与对象并没有什么细微差别，如果你对眼前的事物很着迷，那么你就会很自然地把它表现在你的画里。博纳尔创作手法独特，决不照搬生活，而是凭记忆和草图来决定选题，可以说，他的每一幅画都承载着生命中的激动，体现着物我合一的亲切。博纳尔最拿手的还是对色彩的驾驭，他的色彩有客观的印记，更多的是主观的表达、个人的偏好，而且随心所欲，真正做到“似与不似之间”，他设色零碎、反复涂抹，效果却斑斓绚烂，把色彩的和谐性、对比性、音乐性、神秘性发挥到极点，仅凭这就足以让博纳尔屹立艺术之林。他对几何形、平面形的巧妙运用，也增添了博纳尔作品的现代味。博纳尔以敏锐的洞察力捕捉着周围生活与内心感触的形与色，一生如一地坚守自己的阵地，用一种适合自己独特的表达方式实现自我。他一高昂、从容的精神，知道自己该做什么不该做什么，他没像印象主义过分地描摹自然，却从中学小了色彩分析，也没模仿凡高气质的强烈运动色彩旋涡，却把色彩发挥得淋漓尽致，更没像高更借用遥远的太平洋神话，却一样可以任意安排主题和运用想象。当现代主义来临时，生性安静的博纳尔没有慌张地改弦易辙，由于他没有投身这场轰轰烈烈的艺术革命，被当时的评论家、画家误解，冠以“无精打采、意志薄弱”。而博纳尔却以无比的坚强一直顶着压力，坚持自己的艺术信念，这决不是保守而是保持一份自我的努力、一份清醒，事实上他一生不断潜心探求，他说：“我只是探寻自我，我不属于任何流派。”在那“旧貌换新颜”的年代，这样做需要何等毅力，正是这执著的坚持，完成了他的2200幅油画、众多版画、素描作品，才使博纳尔坦然步入20世纪艺术大师的行列。
近日，淄博65岁工艺美术师蒋秀梅用了45天的时候在盘上可出了一幅万里长城的图案。蒋秀梅老师家里祖祖辈辈都是做陶瓷的，蒋秀梅从小生活在这样的家庭中，对于刻瓷的手艺也是耳闻目染，蒋秀梅老师从十九岁就开始学习这门手艺，到现在已经过了四十多年，每天都要拿起刻盘工具在瓷盘上敲敲刻刻。
刻盘要求非常严格，要比用笔在纸上画画难上几分，每一刻都要求锤子敲下来的力度都不同，这样一件成品需要徐秀梅老师几十万次的敲打才能完成，用刻刀刻出来的作品跟用毛笔画出来的一样。刻瓷艺术吸收了绘画技艺之长，首先是定稿，先用笔设计出想要的画，接下来就是照图刻制，刻制好最后一步就是赋色，用到的颜色大致分为三种，油画颜料、发光油和陶瓷釉，根据画的需求颜色搭配协调。
刻瓷艺术起源渊源，根据文献以及各项证物表明，刻盘应该是清朝乾隆年间兴起的，目前北京博物馆中就有一件刻瓷艺术品，上面刻的就是乾隆皇帝的诗词。如果真是起源乾隆年间的话距今已经三百多年了，刻瓷艺术具有特别的艺术风格，刻瓷成品受到了国内外人们的喜欢。在七十年代初期，淄博从事刻瓷行业的工作人员非常少，只有在几个大型的陶瓷企业中工作，那时候的工作人员为了成品的严谨性，每天出品的成品数量非常少。
目前淄博从事刻瓷行业的工作者有三千多人左右，相对其他行业来说这些人数并不多、年轻人面对生活压力无法坐下来沉浸在这份宁静中，而蒋秀梅老师能够45年如一日的坚持自己的刻瓷手艺，这是值得大多数年轻人学习的。
其实仔细推敲会发现问题的根源所在。中世纪那些受过行会训练，有教养的工匠阶层在所谓的“理性时代”被一扫而光，导致所有产品的外观造型都交给了那些缺乏教养的制造商来胡乱处理。然而这些粗俗的产品由于非常廉价，反而受到广大群众的青睐。而这些群众没有受过良好教育，他们要么有钱没时间，要么既没钱又没时间。这就将导致大众的艺术品位受到严重的污染。而此时的大部分艺术家受席勒（Schiller）的艺术哲学以及浪漫主义思想的影响，轻视实用价值和广大公众，他们把自己禁锢起来，远离时代的真实生活，退居到他圣神的小圈子里，创造为艺术的艺术，为艺术家自己享用的艺术。
事实上，这次展览的组织者当中的艺术团队亨利·科尔(Henry Cole,1808-1882)、欧文·琼斯(Owen Jones,1809-1874年)、马修·迪格比·怀亚特(Matthew Digby Wyatt,1820-1877 )和理查德·雷德格雷夫（Richard Redgrave，1804-1888）都十分重视上面的问题，想通过这个展览尝试对美学方面进行一次改革。
在1849年，科尔创立了一本名为《设计与制造学报》杂志。这本杂志所推崇的理念就是“装饰……与被装饰物相比必须是次要的，”“装饰对被装饰物而言必须是适当的”。而这些都来自于，几年前普金创立的信条。普金(August W. N. Pugin)在他的著作《尖拱顶或基督教的真实原则》中开宗明义“设计的两大原则……其一，去掉与建筑的方便性、可建设性和适用性无益的特征，”“其二，所有的装饰都应是建筑的精华浓缩而成”①。普金出生于法国移民家庭，后来信奉罗马天主教。他以维多利亚建筑史上哥特风格复兴先驱而著称于世，同时倡导设计与制造业的诚实和直率。他的这些思想在很大程度上影响了英国艺术理论家和散文作家约翰·拉斯金(John Ruskin,1819-1900)。
作为一位社会主义者的拉斯金，他的设计理论具有很强的民主色彩，他认为真正艺术必须为人民创作的，否定造型艺术——所谓大艺术（纯艺术）与被称为小艺术的手工艺、室内装饰等之间存在着什么差别。主张艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合。
普金对中世纪艺术的道德内容的倡导也对拉斯金产生了重要的影响。拉斯金同样反对装饰的过度，认为装饰应当适当并且真实。他在1849年所著的《建筑的七盏明灯》的第二盏就是真实，对拉斯金来说，真实就是用手去制作，而且必须是愉快的去做。如果像希腊以及埃及的工匠那样，那还是卑屈的不真实的，因为“这儿的工匠地位低微，他们的技术和能力完全受上司意志的支配”。只有中世纪时期的手工制作才是真实的、美的，特别是基督教装饰“彻底摆脱了这种奴颜婢膝，因为基督教不管在大事还是小事上，都认识到个人的价值。但他除了承认这种价值外，还承认这种价值是不完善的，因为这种价值认为只有承认微不足道的事才具有尊严……哥特学派中最值得羡慕的也许是它们接受低等人的劳动成果,指出其中不完善的地方,宽容地树起一座完整、庄严而又无可指责的艺术之宫。”②，他在题为“生命之灯”这章中也写到“最宝贵的正是那些生命的迹象”。
拉斯金在装饰上推崇自然主义，反对维多利亚的繁琐矫饰的装饰。他认为“不是源于自然界的形式必定是丑的”③。他对机器的否定，他把机器产生的单调看成是死亡的东西，而把手工制作的东西看成是生命的表现。
拉斯金的这些理论思想最后成为英国工艺美术运动的主导思想。而将他的理论付诸实践的是英国工艺美术运动的倡导者、设计家、画家、诗人和社会改革家威廉·莫里斯(William Morris,1834-1896)。
莫里斯的家庭很富裕，家里也非常重视他的教育，使得他能够在牛津大学建筑系学习。在大学期间莫里斯听过拉斯金的讲课并深受普金影响，也读过拉斯金的著作《威尼斯的石头》。他对此书非常痴迷，并对哥特式建筑产生了兴趣。曾在一个暑假和大学同学也是他后来的合伙人爱德华·伯恩·琼斯(Burne Jones,1833-1898)一起到法国旅游，目的是调查哥特式建筑。这次旅游让他们大开眼界，也是他们毕生热衷于哥特复兴的设计活动的开始。毕业后莫里斯进入专门从事哥特风格建筑设计的乔治·斯特里特设计事务所（George Edmund Street）研究建筑。后来在好友但丁·罗西蒂（Dante Gabriel Rossetti）（拉斐尔前派的发起人之一）的竭力劝说于1857年离开了斯特里特工作室，来到伦敦，开始他的设计生涯及拉斯金理论的实践。
1859年莫里斯在布置他的新婚住房时，因为市面上找不到理想的住宅，和像样的桌子与椅子。家庭富裕的他又是学建筑出身。于是冒出了自己动手设计住房及家具的想法。他请他的朋友、也是斯特里特工作室的同事菲利普·韦伯（Philip Webb,1831-1915）为自己设计房屋。起初韦伯画了一个对称结构的房子图纸给莫里斯看。由于莫里斯深受拉斯金的影响，以及他自己的反叛思想，硬是把它改成不对称的结构。也正是他这种反叛思想，在韦伯想要给房子墙面粉饰时遭到阻止。直接就把红墙露在外面。这就是艺术史上至今依然赫赫有名的“红屋”（图1）整个红屋完全没有学院派的清规戒律；从背面规划，把建筑的正面作为次要的考虑；同时整个建筑的内部结构完全展示出来了，建筑与环境达到完美的结合与统一。与此同时，他们在设计屋子里的炉壁时，甚至将各种风格混在一起。莫里斯还动手设计了家具及壁纸，窗帘，帷幔的图案，并且由莫里斯的妻子珍妮亲手刺绣完成，风格上都追求哥特式的统一。红屋的设计可以说是对拉斯金理论的首次尝试性的实践，为后面的工艺美术运动打开了通道，也成为新艺术运动的早期样板。
莫里斯考虑到社会上还有很多人也同样需要一个像“红屋”一样的住宅，同时也为了实现和发展拉斯金的理论思想，1861年他与好友马歇尔（Marshall）和福克纳（Faulkner）及工艺美术工匠们成立了一个制造和装饰公司（简称MMF）。公司的业务分五大类：绘画、雕刻、家具、铁件制造。真正实现了拉斯金的“艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合”的理想，充分显示了“艺术应取之于民，用之于民”的观点。这也标准着西方艺术新纪元的开始
1874年左右，公司由于财政问题，莫里斯将其他两个两个合伙人的股份买了下来，单独经营，改名为“莫里斯公司，并扩大了公司的规模。同时莫里斯自己在设计上也获得了国际名声。然而当他要想艺术能有更广泛的大众化的市场，他却失败了，因为他和拉斯金一样否定机械，也就不能批量生产，而通过艺术家手工制造的产品必定是贵的，也就不能更广泛的服务于大众。因此他的产品也还是只能服务与那些有钱的人。
19世纪70年代，莫里斯为了艺术能更广泛服务于大众，并提高和引导大众的艺术品位。他开始慢慢转向政治活动，“他以公开从事当时已精神失常的拉斯金的社会主义和文物保护事业为己任。”并于1877年成立了古建筑保护协会。1883年他开始阅读卡尔·马克思的著作，并在同年加入社会民主同盟，1887年社会民主联盟解散后，和马克思的女儿艾琳娜在埃夫林和巴克斯的帮助下成立了社会主义联盟，同时担任联盟机关报《公共福利》杂志的主编。他在该杂志上发表了很多有关于艺术和社会问题的文章，其中包括他那本带有空想社会主义色彩的小说《乌有乡消息》。他早年在受拉斯金理论影响下形成的民主思想，以及后来的社会主义思想得到了清晰的阐述，而在阐述的同时，形成了他关于工艺美术的理论体系。
在他1877年至1894年间发表的35篇讲演中，逐渐将艺术问题扩展到社会科学的领域中去了。他对艺术家们所谓的个人情感，和创作上的灵感感到厌恶。“说什么‘灵感’完全是胡扯”，说“根本没有这回事，有的仅仅是技术。”④他痛恨艺术家们脱离现实的日常生活，“用希腊和意大利之梦把自己紧紧地包裹起来……对于这些东西只有极少数人还在假装受到感动，或不懂装懂”⑤。莫里斯告诉我们“如果不是人人都能享受的艺术，那艺术跟我们有何相干？”⑥在论述大艺术（纯艺术）与小艺术（手工艺）的关系时，他和拉斯金的观点（前面已经提过）几乎是一样的，他说“我们没有办法区分所谓的大艺术和小艺术，把艺术如此区分，小艺术就会显得是毫无价值的、机械的、没有理智的东西……失去小艺术的支持，大艺术就会失去了为大众服务的价值，而成为毫无意义的附庸，成为有钱人的玩物。”真正的艺术必须是“为人民所创造，又为人民服务的”⑦。他的希望是“想起了野蛮主义能再度泛滥全球，使世界能再次变得既美丽动人而有富于戏剧性效果”⑧。
在莫里斯的影响下，一批年轻的艺术家开始组织自己的公司，称之为行会。从而掀起了一场复兴手工艺的艺术运动——工艺美术运动。其中有五个行会在当时非常著名：1882年阿瑟·海盖特·麦克默杜（A.H.Mackmurdo）成立的“世纪行会”、1884年成立的“艺术工作者行会”、同年成立的“家庭艺术与工业协会”、1888年莫里斯的学生查尔斯·罗伯特·阿什比(Charles Robert Ashbee )组织的“手工艺行会”以及同年的“工艺美术展览协会”，工艺美术运动便由这个协会而得名。
工艺美术运动在轰轰烈烈地进行的同时也孕育了另外一场运动。在工艺美术运动打下的基础上以及日本和中国产品的引进。艺术家正处在一个艺术革命的年代，他们所面临的是一个在艺术领域需要全面改造和设计的社会，包括建筑、家具、工艺、珠宝设计、平面设计等等。艺术家们为了争夺他们在不同领域的席位，个个标新立异。甚至一个人占据好几个席位。这就是从19世纪80年代一直延续到第一次世界大战，波及整个欧洲和北美的新艺术运动。可以说这场运动的主导思想继承了工艺美术运动的思想。以反传统、反维多利亚的繁琐矫饰装饰风格为主，但比工艺美术运动更加强调自然主义和东方风格
国际上公认的新艺术运动的第一件作品就是“世纪行会”的创始人麦克默杜于1883年为《雷恩城市教堂》一书设计的封面（图2）。画面中充满了不对称的、细长的曲线，画面两边分别立着一只细长的公鸡，这正是新艺术运动中的一种普遍风格，但这本书的诉求不是新艺术运动。在英国北部的苏格兰的一位插图画家对新艺术运动的发展起到很大作用。他就是比亚兹莱(Beardsley,1872-1898)。算得上个传奇人物，他七岁就被确诊患有肺结核，26岁就死了。但是他在插图画上的影响却是无人可比。他仅仅在艺术夜校受过两个月的正式训练，完全靠自学；在他20岁到22岁这两年与拉斐尔前派有过接触。他的插图画中，完全看不出学院派的教条“他把世上一切不一致的事物聚在一起，以他自己的模式来使他们织成一致”。从他的画中也可以看到很多东方与西方相结合的痕迹。比亚兹莱所处的时期正是新艺术运动的“摇篮时代”，而当新艺术运动进入繁盛时期时，英国却从我们的视野中消失了。
新艺术运动的发祥地是在法国。19世纪末，法国艺术家已经开始对当时的维多利亚式风格的感到厌烦。1900年的巴黎世界博览会新艺术开始崭露头角。当时参加展览的一位法国南斯市的设计师埃米尔·加莱(Emile Galle,1846-1904)，早在1884年就开始展现一种完全不是维多利亚的造型雅致、色彩奇妙的玻璃制品。他的设计思想具有强烈的自然主义倾向，他深信大自然是获得灵感的唯一来源。1893年美国设计师路易·蒂凡尼(Louis Comfort Tiffany)开始生产他的玻璃制品。蒂凡尼是美国新艺术运动大本营的蒂凡尼百货公司的奠基人，他把工业生产和艺术表现结合起来的做法给萨穆尔·宾很大的启发。萨穆尔·宾(Samuel Bing)是一个出版商、贸易商，曾于1875年赴远东游历，对日本艺术产生了浓厚的兴趣。在1888年出版了一份杂志《日本艺术》，他自己也被公认为日本艺术鉴赏家。之后1895年在巴黎普罗旺斯路开了一家“新艺术商店”，目的是“为那些渴望展出他们带有现代倾向的作品的热情的年轻人和所有渴望看到我们时代艺术中蕴涵的能量的艺术爱好者们提供一个聚会的场所。”⑨在商店开业时，展出了伯纳尔、劳特雷克、比亚兹莱、加莱等一些具有强烈自然主义的作品。在巴黎世界博览会上“新艺术宾”展厅展出了新艺术商店的展品，在当时引起了广泛的关注，报刊也开始用“新艺术”来代表这种新的风格。
1896年巴黎成立了一个“六人团”也同样推崇“新艺术”风格。其中最为出名也最为有趣的就是建筑师赫克托·吉马德(Hector Plumet)，他直截了当地将新艺术运动的风格运用于巴黎地铁入口建筑（图3）。充分发挥了自然主义的特点，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚还有意地采用海贝的形状来处理。
比利时的一位著名建筑师霍尔塔(Horta,1861-1947,比利时新艺术运动的代表人之一），在1892年设计建造的布鲁塞尔保尔·艾米利·占森路6号即原来的都灵路12号住宅（图4）。比起吉马德则更完美地将新艺术运动的风格运用于建筑当中，也是建筑史上的首次尝试。新艺术中的细长曲线、模仿自然中的藤蔓等风格在他这里得到了完美呈现。整个建筑风格统一，屋内也显得非常透亮、唯美。霍尔塔是于1894年成立“自由美学社”的重要领导人之一。自由美学社的前身是于1884年成立的“二十人团”。当时该组织主要介绍先锋派艺术家的绘画作品，比如劳特雷克、高更、塞尚、梵高等。到1891年左右受霍尔塔的好友凡·德·维尔德(Van de Velde)的影响，开始介绍英国工艺美术运动的作品，慢慢放弃绘画走向适用美术，并于1894改名为自由美学社。展览的内容变得更加丰富，包括比亚兹莱、莫里斯、阿什比等等。那么维尔德是个什么人物呢？他在比利时就类似于英国的莫里斯。维尔德早期是个画家，1891年左右开始注意到英国的工艺美术运动。于是放弃绘画从事设计工作。他和莫里斯一样是个社会主义与民主主义者。维尔德在设计上强调理性思维，装饰上在对自然形态的吸取时，必须要经过选择、分析和概括，最后变成一种抽象形态的过程。“根据理性结构原理所创造出来的完全实用的设计，才能够真正实现美的第一要素，同时也才能取得美的本质”⑩。他的这种理性使他注意到莫里斯学说的不足之处，因此他不反对机器，对机器持肯定的态度。这也使得他成为现代设计史上最重要的奠基人，他的影响远远超出了比利时的国界，在欧洲各国，特别是在德国有很深刻的影响。
1895年，德国著名艺术评论家格拉夫（Meier-Graefe）创办了一份介绍德国当代艺术与文学的杂志《潘》，同年格拉夫与萨穆尔·宾一起发现了维尔德自己设计的住宅，他们都十分欣赏。1897年维尔德的室内设计作品在德累斯顿实用艺术展上展出，他设计的家具上富有创造力的曲线更是深受格拉夫的推崇。与此同时，一些怀有与维尔德相似的改造艺术的目的的青年艺术家，在慕尼黑成立了“艺术和手工艺联合工厂”。这些人当中包括奥布里斯特(Hermann Obrist,1863-1927)、奥古斯特·恩德尔(August Endell)、彼得·贝伦斯(Peter Behrens)等。他们同样不反对机器，相反希望能通过机器来生产艺术作品。设计风格也开始转变为一种更加抽象和几何化的风格。同样奥地利维也纳的一批前卫艺术家和建筑家共19人，也组织了一个自称“分离派”的团体（主创人员包括：克里姆特，约瑟·霍夫曼(Jose Hoffmann,1870-1956)、约瑟夫·玛利亚·奥尔布里奇(Joseph Maria Oibrich)和科罗曼·莫泽(Koloman Moser)）。思想上和德国非常相似，不过分离派受建筑师奥拓·华格纳(Otto Wagner,1841-1918)的影响。设计上更加强调功能性，而把装饰放在次要的位子，形态开始摆脱新艺术运动的曲线风格。分离派定期的举办展览来推动他们的学说。1900年，英国设计师查尔斯·雷尼·麦金托什(Charles Rennie Mackintosh,1868-1928)的作品通过分离派的展览被介绍到奥地利。引起了强烈反响。麦金托什的设计完全放弃了新艺术运动中的自然主义装饰风格，采用简单的几何图形，特别是以纵横的直线为基础结构，色彩上以黑白为主（图5）。
而在西班牙的一个建筑师与麦金托什正好相反，他是将新艺术运动的曲线风格发展到极致。他就是安东尼奥·高迪(Antoni Gaudi,1852-1926)，他的建筑充满了想象，他使用破碎的瓷片和杯、碟当作装饰材料让人感到不可思议。高迪成熟期的建筑更是体现了他对自然的崇拜，他对自然有机形态的模仿已经达到了疯狂的地步。他的一生在不断的求新，不断的创造个性。坚决反对对传统模仿。这也使得他的建筑很少获得官方的认可。甚至到群众都无法忍受的地步。但是，有一个人非常欣赏他，就是长期支持和赞助他的一个企业家古埃尔(Guell,古埃尔家族是卡塔兰地区的新权贵），这个因素对他的建筑生涯是非常重要的。
高迪早期是一个高度个性化的哥特复兴主义者，这从他的1878年设计巴塞罗那文森公寓就可以看得出来。直到1883正式为古埃尔家族设计建筑后，开始出现一些有机形态，比如古埃尔别墅的入口处大胆而任性的曲线。到了1900年为古埃尔设计庄园，他的创作已经步入成熟阶段，完全抛弃了哥特式的影子，他成功地将大自然与建筑有机地结合成一个完美的整体。这里的一切——小桥、道路和镶嵌着彩色瓷片的长椅，都充满了新艺术运动蜿蜒曲折的风格，甚至很多随意处理的地方都已经超出了新艺术运动的范畴。
而于1910年建成的米拉公寓（图6）的风格已经达到了新艺术运动的极端。是高迪自己认为最好的一座房子。整个建筑内外，包括里面所有的家具和装饰完全采用有机形态。连墙面都是弯曲凹凸不平的。这种极端的做法引起了巴塞罗那市民的愤怒。报纸上以“蠕虫”“大黄蜂的巣”等字眼来形容他的建筑。
圣家族教堂（图7）是高迪从1884年接手直到他死后的今天都未完成的建筑，高迪一生建筑风格的转变几乎都显现在这座未完成的教堂上。他做建筑有个特点，就是没有工程图纸、没有预算、没有设计方案。完全不把建筑当项目来做而是当艺术作品来做，随意性非常大。工匠们被鼓励将工作做得粗糙大意，以至于很多地方他都要亲力亲为。这个建筑以及上面介绍的古埃尔庄园和米拉公寓在1984年被联合国教科文组织宣布为世界文化遗产，这在世界建筑史上都是十分罕见的。
从总体上来看，英国是工业革命的发源地，他们是第一个面临工业化带来的危机，面临如何处理艺术与工业的关系、艺术与人的关系、艺术与社会发展的关系等问题。他们选择了艺术改革，于是就有了工艺美术运动。而改革后之后在艺术领域必然会带来许多空位（前面已经介绍过）。比如英国工艺美术运动就出现了莫里斯、韦伯、比亚兹莱等大师。而随后欧洲大陆以及美国也同样面临大工业化。他们的目的和选择都是一致的，他们从工艺美术运动中吸取经验。对艺术进行改革，进行新艺术运动。这也是为什么新艺术运动在英国没有产生强烈的反应，因为英国已经改革过了，大师已经出现了，而麦金托什只能算是新艺术运动到现代主义运动的过度人物。
①.《现代设计的先驱者》第二章25页
②.《威尼斯的石头》第十章189页
③.《秩序感》第二章45页
④.Mackail,op.cit.,i,p.186
⑤.The Collected Works of William Morris,London,1915,xxiii,p.147
⑥.Mackail,op.cit.,ii,p.99
⑦.Ibid.,xxii,pp.47
⑧.Ibid.,p.144I,p.305
⑨.Mario Amaya,Art Nouveau,The Herbert Press Limited,1985
⑩.《世界现代设计史》第三章71页
参考书目：
《现代设计的先驱者——从威廉·莫里斯到格罗皮乌斯》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，王申 王晓京译 中国建筑工业出版社2004年版
《现代建筑与设计的源泉》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，殷凌云译，范景中校，生活·读书·新知三联书店，2001年12月北京第1版
《欧洲19世纪美术》下，吴敢著，中国人民大学出版社，2004年版
《世界现代设计史》王受之著，中国青年出版社，2002年9月北京第1版
《秩序感》，[英]贡布里希，译者：范景中等，湖南科学技术出版社，2000年1月第1版
瓷片就是我们平时见到的瓷砖和瓷器，瓷片是组成瓷砖和瓷器的主要原材料。瓷片的款式设计和种类是有很多的，不同的瓷片制作出来的产品又不一样的视觉效果和质感，选择不同的瓷片品牌会有不同的体验。那么瓷片有哪些比较优秀的品牌呢?下面，我们来了解一下瓷片的十大品牌的排行榜。大家可以通过瓷片的十大品牌排行榜了解一下国内的瓷片品牌。
瓷片十大品牌：
1、陶城陶瓷
(仿古砖至尊、中国驰名商标、广东省名牌产品、中国建筑瓷砖知名品牌、中国最具价值品牌500强、瓷片十大品牌)
2、百和陶瓷
(中国瓷砖十大影响力品牌、广东省著名商标、广东省名牌产品、瓷砖行业名牌产品、中国轻工业瓷砖十强企业、全国用户满意产品、中国瓷砖一线品牌)
3、合美陶瓷
(中国著名品牌、中国瓷砖行业名牌、中国建筑瓷砖知名品牌、广东省著名商标、国家高新科技企业、中国最具价值品牌500强、陶瓷一线品牌)
4、金舵瓷砖
(中国抛光砖鼻祖、中国驰名商标、广东省著名商标、中国名牌产品、中国轻工业瓷砖十强企业、中国瓷砖行业名牌产品、中国建材百强企业、中国瓷砖十大品牌)
5、欧神诺瓷砖
(中国驰名商标、广东省名牌、广东省著名商标、国家重点高新技术企业、瓷砖十大品牌)
6、协进瓷砖
(中国驰名商标、中国质量500强、中国瓷砖行业名牌产品、中国建筑瓷砖知名品牌、瓷砖优质产品认证、中国瓷砖十大品牌)
7、将军瓷砖
(中国著名品牌、国际知名品牌、全国工程建材首选品牌100家、中国建筑瓷砖十大品牌、瓷片十大品牌)
8、东鹏瓷砖
(中国名牌产品、广东省著名商标、 中国建材市场最具竞争力十大品牌、中国最具价值品牌500强、瓷砖十大品牌)
9、新明珠瓷砖
(中国驰名商标、广东省著名商标、广东省用户满意产品、广东省诚信示范企业、瓷砖十大品牌)
10、新中源瓷砖
(中国驰名商标、广东省著名商标、中国环保产品、亚洲品牌500强、瓷砖十大品牌)
以上，就是国内的瓷片的十大品牌的排行榜，大家看完对我国瓷片行业有所了解了吗?瓷片在我国是最先使用的，最初是为了制作皿器，后来渐渐的演变成了一种文化艺术，用于制作各种摆设。随着时代的进步和瓷片的演变，现在我们生活中的方方面面都会使用到瓷片。我们使用的地板砖一般是使用瓷片制作的，一些建筑的墙壁也会使用瓷片，瓷片在建筑行业的运用比较广。
马赛克，译自MOSAIC，原意是用镶嵌方式拼接而成的细致装饰。早期居住在洞穴里的人们，为了让地板更加坚固耐用，采用各种大理石铺设地面，最早的马赛克就是在这一基础上衍生发展起来的。
马赛克最早是一种镶嵌艺术，以小石子、贝壳、磁砖、玻璃等有色嵌片应用在墙壁面或地板上的绘制图案来表现的一种艺术。
马赛克成为装饰材料，最早被发现使用在建筑装饰上的马赛克是苏美人的神殿墙，在横贯欧洲的两河流域的美索不达米亚平原的神殿墙上有马赛克镶嵌的装饰图案，据说苏美人的太阳狗的镶嵌图案是发现很多最早的马赛克拼画。而考古发现最多的是古希腊时代，古希腊人的大理石马赛克铺石应用很普遍，当时最常用的形式是用黑色与白色相互搭配而成的铺石马赛克，当时只有权威的统治者及有钱的富人才请得起工匠和购得起材料，用马赛克镶嵌成各种各样的图案装饰自己住的地方。用马赛克作装饰表现当时是奢侈的艺术，发展到古希腊晚期时，一些能工巧匠和艺术家为了更多元化地丰富其建筑装饰作品，开始使用更细小的碎石片，并用自己手工切割的小石片通过各种颜色的搭配，组合来完成一幅幅马赛克镶嵌作品，铺贴在建筑物的墙上、地上、圆柱上，其原始、粗犷的艺术表现形式，是马赛克历史和文化的宝贵财富。
到了古罗马时期，马赛克已经发展得很普遍了，一般的民宅及公共建筑的墙面和地板、圆柱、台面，家具等都使用马赛克来装饰，也许有人看过大片《角斗士》就会知道古罗马时期是多么富裕，罗马柱、罗马殿堂建筑，罗马拱型建筑，罗马雕塑和马赛克装饰和拼图无处不在，古罗马建筑艺术的确豪华到不可思议的地步，乃至近代、现代的一些经典的建筑艺术作品，都在应用古罗马建筑风格，在我国的近代建筑艺术史上，上海外滩、北京东郊民巷、广州沙面、青岛的万国村、大连的小洋楼、哈尔滨的西洋楼街、武汉江边的西洋建筑群等，大多都是古罗马建筑风格的建筑，建筑体内外都有使用马赛克和马赛克拼图的痕迹，其中上海外滩的汇丰银行大楼、邮政局大楼更是保留着极为珍贵和经典的马赛克拼画和马赛克装饰，闻名世界的建筑——南京中山陵中伟人孙中山的寝陵拱形顶上的国民党党徽，就是一幅珍贵的马赛克拼图。
古罗马时期马赛克的盛行得益于早期基督教徒摩西分开大海把犹太人带到罗马时受到当地的贵族的打击和迫害，在极大的社会压力下，艺术成为基督教徒的表达信仰的最佳方式，他们在地下室和地下通道中聚会，由于他们大多数民众都不识字，他们把基督教徒的故事和传说在地下室的通道墙壁上做成马赛克拼图画，用于传播基督教徒文化，于是这些聚集基督教徒和民众的地下室和通道存着很多描述耶稣基督的故事的马赛克壁画。因此，很多经典的马赛克壁画，都还与基督教的传说和故事有关，罗马皇帝君士坦丁大帝登基后使基督教合法化并加以大力宣传，于是君士坦丁堡（拜占庭）的教堂都用大量的马赛克和马赛克拼画来装饰美化，使用的色彩愈来愈多。罗马贵族们为了炫耀其令人瞠目结舌的财富，把金箔烧制于透明的玻璃上来使用，西西里的马赛克的特色大多都是金底的，金箔马赛克最早是古罗马时期的西西里出现的。因此拜占庭时期的艺术几乎要与马赛克一词划上等号，罗马时期的马赛克作为一门贵族常用的艺术表现无处不在，因此，罗马时期的马赛克是马赛克历史的黄金时期，也是马赛克艺术的最经典时期。
15世纪，土耳其人征服了君士坦丁堡，古老的君士坦丁堡城市的大小教堂被土耳其人改为清真寺，虔诚的基督教徒为了保存和捍卫基督教文化和艺术，用白色的涂料把马赛克盖住，经过历史的变迁，基督教在当地再度崇尚时，虔诚的基督教徒把改为清真寺的教堂中的马赛克拼画的白色涂料清洗掉，充满基督教神秘、繁复而又美丽的马赛克拼画又重现世间，其重现世间的一刹那，激发了人民对马赛克的无限向往，马赛克历史又进入了一个更加绚丽的发展时期。 16世纪，玻璃制造家发现了如何制造很多不同色调的玻璃，因此当时有些马赛克制作作坊制造出了多达万种不同色调的马赛克，他们开始用马赛克拼画形式模仿画家作画或临摹名画，使得马赛克艺术变得高度细节化和复杂化，给世间留下了很多很多经典的马赛克拼画艺术作品。
欧洲文艺复兴时期，画家的应用透视法强调空间结构，形成了绘画平面的突破，在平面中追求立体感，这时马赛克这样的嵌画材料本身不适于这样的立体表现，马赛克作为绘画艺术要走向写实很不容易，马赛克所特有的戏剧化僵硬形式，使从事马赛克创作的艺术家们忘了它们的功能，反而被马赛克大大牵制。随着文艺复兴而来的是对细节的复杂追求，文艺复兴时期油画艺术的兴起，多种艺术材料的选择以及建筑形态，建筑风格的改变都加速马赛克的衰落，导致欧洲文明在近几个世纪中，无法引发人们对马赛克这一古老艺术的兴趣，马赛克艺术历史一度进入了低迷发展时期，但文艺复兴时期的一些大画师由于颜料、画技和作画工具等各种因素制约，使其绘画作品难以保存，于是皇室或一些达显贵族命令工匠搜集不同颜色、质感的天然石料，切割打磨成一小块、一小块的粒子，根据艺术家的一些原画逐一铺贴在墙上，这样就可令大师的画作和一些名画内容得到永恒保存。马赛克艺术保存画等艺术品独一无二的永久性技法，也使得马赛克成为文艺复兴时期一颗耀眼的明星。
当马赛克艺术在文艺复兴时期由于其它艺术表现形式不断兴起而变得衰落的时候，在西半球的印加，马雅和阿兹特克的文明中，产生了混合马赛克及镶嵌技巧来装饰手饰和小件物品，用金土和土耳其玉、石榴石和黑曜石等制造出复杂的人体和几何图形等艺术表现形式，而迪奥提瓦康人则利用绿松石，贝壳或黑曜石等装饰做成面具，马赛克艺术得以延续。
19世纪末期的西班牙，安东尼高地开始把马赛克融入建筑艺术，他在巴赛罗那的古埃尔公园所作的回旋靠背马赛克座椅，是马赛克在建筑艺术上的一个经典力作，他用这全新的处理方法，把强而有力的抽象力在建筑艺术淋漓尽致地表现出来，把马赛克艺术结合应用于迁徊弯曲的建筑构造物中，体现了马赛克最精于细节改造的特性。
再后来，一些早期的基督教文化的马赛克的作品，因为基督教的重新传播而再度现世，使马赛克古老艺术的魅力不断提高和征服着近代艺术家的思维，结果引起了一些绘画艺术家和陶艺家开始用马赛克作画和装饰艺术品。现代马赛克由于生产力的进步，生产工艺技术水平的不断提高，装饰材料的不断产生和被应用，马赛克很快突破了传统马赛克所使用材料的范围。如陶艺、云母、木头、彩色玻璃片、金属片交替使用，形成了更具质感和色彩冲击力的马赛克艺术。 马赛克最古老的形式可追溯到希腊的铜器时代(西元前1600年到前1000年)，当时用经水磨损的小鹅卵石来装饰地板。约西元前800年时，出现了使用各种颜色小石头铺出图形的道路，然而这些图形都还不是很有结构性。直到约西元前四百年，希腊人才将拼贴小鹅卵石的技术提升至艺术层次。其图案有精致的几何图形也有细致的人或动物画面。
西元前两百年，镶嵌图被用在需描绘更多细节和色彩范围的作品上。因为这些小镶嵌片(tesserae)可细小至几公厘大小，所以能够仿造出图画的样子。这都是罗马人从希腊人那学习马赛克技巧，并在罗马帝国时期将此艺术发扬光大的结果。典型的罗马主题有庆祝众神的场景、家庭事物的描绘以及几何图案的设计，最具代表性的例子就是希腊罗马时期庞贝古城的”小心恶犬”图。 19世纪--20世纪
然而，当绘画在14世纪以降发展时，人们却对马赛克兴趣缺缺。因此，马赛克的制作技巧和构想都渐渐地遗失掉，虽然仍有些拼砖图还可见於修道院中。
19世纪末期的西班牙，高地(Antoni Gaudi )开始把马赛克融入建筑艺术，他在巴赛罗那的古埃尔公园所作的回旋靠背马赛克座椅是马赛克在建筑艺术上的一个经典力作，他用这全新的处理方法，把强而有力的抽象力在建筑艺术淋漓尽致地表现出来，把马赛克艺术结合应用于迁徊弯曲的建筑构造物中，体现了马赛克最精于细节改造的特性。
20世纪初，高地(Antoni Gaudi )和约瑟夫(Josep Maria Jujol)在巴塞罗那合作设计的桂尔公园(Guell Park)也有片令人惊喜的马赛克装饰墙。 如今，能用来制作马赛克的材料更多、更有弹性了。从沿用传统的大理石、小鹅卵石、玻璃砖、陶片、瓷片和珐琅等等，到任何生活中你可以使用的材料如钮扣、餐具或文具皆可。在今天这个高工业技术的时代，用金和银做出的玻璃状镶嵌片也可以大量生产。
现在引申为遮挡重要部位，例如媒体不方便曝光某个人是就把他的脸遮起来，看起来模模糊糊。
马赛克由于其在视觉文化中的地位和特殊含义，被学术界重视，例如专门的视觉文化研究网站：马赛克视觉文化研究网.到了二十世纪五十年代，艺术界被再次重现的壮丽拜占庭马赛克所鼓舞，加上新的材料如玻璃纤维和塑料等的出现，为现代马赛克镶嵌家们提供了一个能够再次创造独特的、引人注目的艺术作品的崭新机会。作为一种传统而有震撼力的装饰手段，马赛克成为现代装饰中极具表现力的艺术形式。成立于1956年的著名意大利制造商BISSAZA的玻璃马赛克重现了马赛克的艺术光辉，同时也使马赛克走进了工业化道路；1987年成立的SICIS公司则是意大利最优秀的马赛克生产商，以设计理念著称，将精细的人物花鸟和历史题材演绎得淋漓尽致。
诞生于1993年的成都磊富艺术石业有限公司则彻底地改变了马赛克的世界格局，打破了高档内装饰及设计行业为意大利人一家独霸的局面。经过14年超过了意大利的那些著名公司。磊富公司具有强大的产品开发及配套能力，独立开发的以Miracle Lava及Glass Magic为代表的高新技术第六代马赛克产品，一经推出，在国际市场上就引起了巨大的轰动和追捧，在整个马赛克市场上可谓首屈一指，产品一直供不应求，成功地把现代马赛克由装饰行业里的附属品提升到了展示建筑物高贵品质与独特审美风范的高度，进而成为了指引整个装饰行业发展的风向标。
中国是世界上最早发明和制造陶瓷的国家，中国瓷器在世界上享有崇高的荣誉。英语里面的中国(CHINA)的含义就是“瓷器”。中国早已被认为是“瓷器之国”，这就展示了中国陶瓷文化(包括德化陶瓷文化)在世界文化和工艺的发展史上具有重要的地位。德化陶瓷文化首先是在国内陶瓷文化发展的基础上建立和发展起来的。德化地处福建中南部，离泉州港不远。当时大宗出口的浙江龙泉青瓷与江西景德镇的影青瓷都是经过泉州港出口的，因而它们对德化瓷器生产的影响很大。德化制瓷工艺最早是由闽北建瓯传入。德化瓷器在宋、元时代就已经名著于世。《安平志》曾称：“白瓷出德化，元时上供”。德化白瓷在明代取得了辉煌的成就，它“是氧化焰烧成的，……而且釉的光泽度好，往往有呈现珍珠光彩的”， “中国白”(BLANC DE CHINE)是法国人对明代德化白瓷的赞誉，他们认为这是“中国瓷器之上品”。
此外，德化陶瓷工艺注意窑炉的改造，窑床结构的完善，通风设备的改进，温度的掌握，氧化物的含量，原料的化学组成，致使瓷胎密度高，透光度好，这是它工业发展、技术不断进步的显著特色，这就使德化陶瓷产品能占住世界极重要的地位的主要原因。
然而德化陶瓷的发展与宋、元时期的海外交通和对外贸易是分不开的。泉州很早就是我国南方的大港，它使德化陶瓷从此走向世界。吴自牧在《梦梁录·江海船舰》中说：“若欲船泛外国买卖，泉州使可出洋。”因此，德化陶瓷大量传到国外后，立刻引起世界的轰动。尤其是白瓷器“从大约十六世纪起，介绍到欧洲以后……立刻……得到全欧洲贵族阶层的欣赏和欢迎，并接受无限的定货” 日本上田恭辅的《支那陶器时代的研究》一书中说：“德化窑在明朝时代的产品白釉瓷，确定是白瓷中的白眉，甚至胜于白玉。……德化白瓷的艺术性瓷塑一开始就具有独特的技巧。特别是观音塑像最为出色”。英国的波西尔在其所著的《中国艺术》一书中曾说：“福建德化窑……其窑之特品为白瓷，昔日法人呼之为：‘不兰克蒂支那’(中国之白也)，乃中国瓷器之上品也”。吴仁敬、辛安潮在《中国瓷器史》中亦称赞德化窑“以善制佛像著名……明季由宁波流入日本，日本富人，不惜以万金争购之，足见其精美矣”。
在菲律宾、泰国、马来西亚、印度尼西亚和日本等国大量发现北宋晚期到元代的德化窑产品，表明德化窑在对外贸易中是数量较大的输出品。 在菲律宾的遗址与墓葬中发现了数以千件较完整或能复原的德化窑瓷器。出土器物中有壶、罐、瓶、盖盒、碗、碟、高足杯，还有一种“军持”等，这些器物的造型与纹饰，均与德化窑基内的出土物的造型、纹饰基本相符。德化瓷器在印尼的西里伯斯和爪哇也出土过不少。在东马来西亚的沙捞越地方，也曾发现过大量的德化窑瓷器。 为德化陶瓷文化在世界提供了实物的例证和确凿的年代依据。
在海外瓷器交易中，部分虽以国际交往的礼品形式来体现的，但实质上是属于货物交换。明朝建立两年后，明太祖即派使团先后在九年中访问了占城(在越南南部)、爪哇(今属印尼)、三佛齐(今印尼的巨港)、渤泥(今文莱)等国。1383年(洪武十六年)各以瓷器一万九千件赠与占城及真腊(今柬埔寨)，以表示睦邻友好关系。明永乐年间郑和下西洋宣扬国威，装载大量的瓷器多是福建的产品，他们道经泉州，也带走不少泉州青瓷出国，泉州青瓷中，德化产品最为精美。 每到一处，都宣读明朝皇帝的书信招谕，赠送礼物中必然有大批德化瓷器，这是顺理成章之事，其目的是为了表示建立友好关系，招待各国使臣朝贡，扩大海外贸易，进行货物交换。客观上也加强了与各国人民的经济文化的交流和友好往来。 中国陶瓷(包括著名的德化陶瓷)未传到东南亚及非洲之前，当地人民多以植物的叶子作为食具来装饭、盛菜。自从中国陶瓷输入之后，他们盛饭可以用中国瓦盆，盛水可用瓦器，作羹饮酒可以用钵，陶器进入了他们的日常生活。富贵之家则用中国输入的瓷器。有些国家还把中国陶瓷当作馈赠品、装饰品、殉葬品、宴会上的接待品，菲律宾人甚至把家中拥有中国陶瓷器多少作为估量个人财富和声望的主要标准。阿拉伯一些国家，还用中国陶瓷器作为炫耀高雅和富有的装饰材料而装饰在屋子里。
1223年(宋嘉定十六年)，日本天皇派加藤四郎等到德化学习制瓷，回国后就在濑户地方烧制一种乌釉瓷，所以日本称瓷器为濑户物，而且奉加藤四郎为日本“陶祖”。
宋、元时代，伊拉克和波斯(今伊朗)也相继学习中国制瓷技术。宋代埃及人赛尔德仿造宋瓷，还传授了许多徒弟以后大批地制造起来。其造型和花纹都模仿中国式样，这从埃及开罗古城发掘出来的实物可以得到证实。 十一世纪时，中国造瓷技法传到了波斯，经过长期改进，技术逐渐提高。1221年以前的波斯瓷器就有了很多中国的凤凰图案。十六世纪初，中国陶瓷工人来到波斯，直接为他们烧造瓷器。中国的造瓷技术传到波斯以后又传到阿拉伯各国。 在十一、二世纪时，伊拉克的拉加地方的瓷器，还保留着极浓厚的中国风格。不久土耳其也学到了中国造瓷技法，他们的瓷也保持着中国的风格。叙利亚的大马士革十六世纪的瓷器，如花鸟盘之类，也深受中国的影响。
欧洲人仿制中国瓷器的技术是由阿拉伯人传去的。阿拉伯人得到中国造瓷技法以后，于1470年传播到意大利。1627年皮萨工人造出了软瓷青花碗，使意大利人能比较容易地购到向往已久的青花瓷。意大利得到了中国瓷器技法后不久又传到荷兰的德尔夫，德尔夫陶窑学会了制造中国软瓷的方法，引起了德尔夫染色瓷器工场的各种试验仿效，取得了一定的成果，使之装饰艺术逐渐有了进步，但各种瓷器色彩，均以中国为模样，画着中国的锦绣花纹，迷人风景，各种神像和一些奇花怪鸟。这种青花装饰艺术一直影响着世界各国瓷器的装饰。 1708年法国开始仿制德化窑白釉瓷和孔雀绿釉瓷，但早期因火候不够，仍属软瓷。1725年尚第里和门尼西两个瓷厂成立，出品质量产量才有所提高。当时在仿造中国青花瓷的风格和式样的同时，也都热中于仿造德化象牙白的欧洲人瓷像及带有拱形柄的梅枝浮雕瓶和果子形的茶壶。可以看出我国陶瓷文化，深为世界人民所珍视。
古印度瓷器“军持”传入后，对中国产生影响。在德化屈斗宫陶瓷窑发掘中，出土了一种水瓶，叫做“军持”、“君持”，梵语叫做“据稚迦”，它的意思是“水瓶”。这种器物最初出于印度，为佛教僧侣随身携带用于饮水或洗手之物，我国晋代僧人法显由印度回国时，曾带有此物。它是先由古印度输入我国，再由我国仿制后外销。宋代开始至元代，大批阿拉伯、波斯的穆斯林客商至泉州贸易，伊斯兰教伴随贸易传入了泉州，其教徒每天用水次数很多，“军持”正是他们旅行中储水器皿，德化仿制的青白花瓷军持正适合他们生活习惯上的需要，因此不断外销，这种“军持”，在东南亚各地都有发现，在我国陶瓷交流史上占有一定的地位。
中国虽然是世界上发明陶瓷最早的国家，但陶瓷上有些造型和装饰，是源于外来文化的影响。如葡萄、石榴都是外来传入中国种植，五色的鹦鹉是唐太宗时从占城输入，狮子则来自菲律宾等，这些外来的动植物逐步得到了人们的喜爱，因此许多珍稀动植物也就一一成为陶瓷艺术上常用的装饰题材。福建一些地方出土的陶俑有阿拉伯人的形象，印花瓷碟上有十分惹人喜爱的鹦鹉图案。瓷器上常见的莲花、姿态各异的遨游太空的少女“飞天”、“兽面”、“蟠龙”，还有卷草、缠枝、云气以及宝相等都受佛教文化或外来文化的影响。
中国陶瓷工艺技术还不断借鉴外来陶瓷先进的工艺技术。中国金彩装饰工艺始于宋代，但金彩工艺，耗金量大，手续繁，后来德国人居恩发明了抹金水工艺，其优点是耗金量低，使用方便，外观又比金彩更显富丽堂皇。这项工艺经过我国陶瓷工艺家的努力，金色的附着力、描绘、涂刷性能等，都达到了较高的水平。
瓷器装饰中的贴花工艺，原由英国陶瓷工艺家汉科克第一次使用，通过瑞典传播到欧洲大陆，到十九世纪上半叶风行全世界，中国陶瓷工艺家不久也掌握了此项工艺。青花釉下贴花研制成功，为发展中国青花传统装饰工艺闯出了一条新路。德化贴花、印花、堆花、刻花、透雕等生产技法，无不尽有。使各种杯、洗、炉、鼎等富有艺术性和时代特色的产品相继出现。 德化陶瓷艺术家还善于从借鉴外来文化的实践中，发展自己的艺术表现力。
总之，德化陶瓷大量输出，不仅对世界人民的物质生活起了重要的作用，而且对世界文化的发展，也产生了深远的影响，特别是对世界陶瓷工业的发展，作出了重大的贡献。中外交流总是双向的，德化陶瓷文化一方面对世界的物质文化和精神文化，作出了不可磨灭的贡献；另一方面，德化陶瓷文化的民族风格的形成和发展，又与中国陶瓷艺术家，善于融汇外来文化中的有益营养是分不开的。 福建省德化县制瓷的历史与规模仅次于景德镇。它在国内的名声不够大是因为德化瓷宋元明清通过泉州港多销往海外，换句话说，德化当时属于外向型企业，所以中国人了解德化瓷还不如外国人普及。
德化最著名的瓷莫过于德化白瓷。德化白瓷在欧洲有中国白之称，可见其影响力。这种瓷化程度高、白度大的优质白瓷，曾让欧洲人叹为观止，赋予许多极富诗意的名字，如鹅绒白，象牙白，猪油白，葱心白，几百年前，当欧洲还不知烧瓷工艺时，中国人的白瓷堂而皇之在欧洲宫廷及贵族生活中露脸，博得他们的青睐。
我（马未都）早就想去德化看看，2010年才得机会成行。站在文物保护遗址屈斗宫德化窑址前，参观着长达50多米的龙窑，我缓步登上龙窑上端，想像着当年熊熊窑火，真不知如何表心情。我们聪慧的先人就是在这样简陋的条件创造出举世闻名的陶瓷，并让远在大洋彼岸的国度了解了神秘的东方文明。
德化白瓷有极强的可塑性和良好的透光性，化柔软为坚硬，堪称一绝。德化白瓷造像无论宗教人物还是世俗人物都惟妙惟肖地展现了肌肤的细腻，衣褶的飘逸。让柔软可塑的瓷土在烈焰中逐渐坚硬起来，继而让坚硬再表现柔软，无人能出其右。
我在遗址旁边的农舍意外地发现嵌入土墙的瓷片，满墙密布，令人惊异。我们今天看到的历史其实也都是碎片，掺杂在土中任人重新涂抹，为我所用，关健是你是否能在碎片中找出规律，再去还原真正的历史。
导言：近期，艺术家陈彧凡在今格空间的个展呈现了他的12 件绘画和装置作品。作品形态的丰富性，展览借用回转、游离、溯源的叙述方式把如此丰富的作品形态以舒展清新的观展体验呈现出来。这些作品是从艺术家近六年的创作中精选而出，以“陈彧凡”个人的地理轨迹、身份认识和形式过渡为主轴，试图勾勒出陈彧凡近几年艺术创作中，观念内在的融合和表达途径的多样。每件作品的创作意图到展陈效果都是艺术家经过精心考量的。那么，这些作品背后的创作意图是怎样的?作品与作品间的关系如何?艺术家在整体展览中的思考线索是怎样的?雅昌艺术网就这些问题采访了艺术家陈彧凡。
被采访者：艺术家 陈彧凡
采访者：裴刚
现场制作
雅昌艺术网：这次的作品与之前的“木兰溪”是否有关联?
陈彧凡：我和我弟弟合作的作品《木兰溪》的装置是从2007年开始的，这次是我个人的作品，但个人肯定不会完全和之前的创作割裂开，创作思维上有一定的关联。这次的作品《源》、《浮木》与“木兰溪”的移民、身份等关心的问题都有一定的关系。这次一进门就可以看到的第一件作品是在画廊现场创作的，这次的是2米×3米的画框，就像我平常在工作室工作的时候一样，以丙烯材料滴洒在这个框子上面，达到30遍、40遍有一定的厚度，在上面做各种肌理，会留下自然的痕迹，就像是种田一样的工作状态。这次我展览的时候主要是把我工作的状态搬到画廊来，我在画廊工作了十几天的时间。
另外，这件现场的作品也代表了一块块田，有耕种才有收获，也是跟《木兰溪》有关联的。比如说在我福建老家乡下的农村。小时候就是在这样的环境中长大的。为什么有“木兰溪”这个项目，‘乡愁’或者其他的情感也好，牵涉在一块，我想一开始的时候有这么一个形式自然呈现出来。这个“田”的排列方式也像南方的建筑格局。首先，进入一个大门，两边有厢房，类似这样一个中轴对称的房子，最后进去是一个大堂，然后台子上有相续不断的“火把”，像一个厅堂里面会供有神像、祖宗牌位在里面，我就按照这样的形式来布展。
艺术家现场创作 如传统的四合院结构的作品中有时间、历史、族群等复杂的含义
艺术家现场创作局部
艺术家现场创作与《源》
源》，水泥、霓虹灯、铁版，100×100×235cm，2016
源》
雅昌艺术网：展览整个是一个项目?《源》、《浮木》这两件作品是一组作品吗?
陈彧凡：其实，这个现场的装置就是一个项目。这两件也可以说是一组，也可以是独立的。我的空间概念是在“院子”中间有像《源》这样的篝火，在燃烧的状态。我为什么选择霓红灯，因为里面燃烧的气体(或者是氖气)，通过水银雾化激发里面的荧光，很有能量感，带有能量传递的过程。不像LED，是冰冷的冷光源。我特别喜欢霓红灯的感觉，但选择霓红灯可能会担心万一灭掉怎么办，其实火把、篝火到了一定的程度也总会熄灭的。它慢慢的随着能量的衰变还原到自然的状态。
浮木》的灯箱我选择的木头都是老家的桂圆木，是我们老家特有的龙眼树。我把这些木头堆在一块，象征家族的“合影”或者一种传承，并用绳子捆绑，象征他们之间有一定的纽带关系，也是挣扎的一种状态，在这堆柴火下面是一个老镜子。老镜子在中国的传统的文化里，有把人的灵魂吸进去的传说，也有修改时间的概念。所以他们之间有时空交错的感觉。而“地毯”那件作品跟“桂圆木”这件是形成一种对应的关系，随着地毯上的镜子被砸破，过去的历史变成一个个碎片，镜子有实用性，可能也是舶来品。可能今天在这个地方，明天在那个地方，我就把碎片粘在毯子上面，还是还是探讨移民的关系。
比如，我老家是福建，现在我家在杭州，而我现在工作又在上海。在上海的时候，上海跟北京的状态是一样的，如果没有交够五年的养老保险是没有资格买房子的。所以，有的时候觉得很奇怪，我明明是中国人为什么不能买房子住?而且有一种漂泊感，好像一直不稳定的感觉。形成另外一种时空。所以，这是我想要表达的感觉。
浮木》，综合材料，尺寸可变、灯箱装置：180×120cm，2016
浮木》局部 综合材料，尺寸可变、灯箱装置 2016
浮木》局部 综合材料，尺寸可变、装置 2016
浮木》局部 综合材料，尺寸可变、装置 2016
影子》，布面丙烯综合材料，104×243×35cm，2016
影子》局部
影子》
雅昌艺术网：《影子》这件作品，好像是很多个颜料滴成的“小椎体”组合成的人像或者“佛像”，如何形成的这件作品?
陈彧凡：《影子》的创作是有一年夏天，我回到老家，南方的建筑里面都有走廊，我坐着乘凉。然后，有一个微弱的光源照过来投到墙上面，拉的很长，这个可以作为我的自画像也好，或者是精神的一种信仰也好。因为我把整个作品的框做成像庙宇一样空荡荡的，中间有一个像佛像一样的作品，但不一定是佛，只是一个影子，或者一种精神上的信仰。
这个“影子”的制作方法，是在我在画布上的颜料，平放着会顺着边框流下来，等长到一定的程度，就剪掉，再移到这个作品上面。就像那边的“田”慢慢浇水、耕耘，慢慢作品长成这个样子，形成自然生长的过程。慢慢的他自己长成。这个“影子”的形是我自己的影子，整个是拉长的。因为，我不想做成非常具象的东西，要有一种形态在里边，我刚才说可以说像一个精神的寄托也好，或者代表一种比较有力量感的象征物，所以有这个的作品。
雅昌艺术网：展览中的这张老照片中的人是谁?什么时候拍的?这张照片在展览中的意义是什么?
陈彧凡：这是我的父辈跟我的祖父、祖母这一辈在1961年拍的。为什么说要把这个照片放在这边?首先，是跟“木兰溪”有一定的关联性，并不是只有那部分，还有另外一部分。我自己的这部分，跟和我弟弟合作的那部分怎么放在一起?必须有这些物品串联在一起，而不是简单用嘴巴来说，这张照片就是其中的纽带之一。
艺术家工作室一角挪入今格空间的底层展厅
底层展厅艺术家工作室一角 局部
展览现场 艺术家陈彧凡（左）与朋友们
艺术家工作室的一角
雅昌艺术网：这个展览还呈现了你的工作室状态?
陈彧凡：是把我工作室一角的现场还原在展厅中，可能有些人对艺术家创作状态感兴趣的时候，可以看到艺术家的生活是这样的，作品里面肯定有生活的一面。比如你在创作、思考什么?用到哪些材料?也会有一些我这次做展览的手稿。
雅昌艺术网：呈现了一部分工作方法?
陈彧凡：可以这么说，但只是一个角落。这是很小的一部分材料。
化一》 布面丙烯综合材料 165×165cm×2 2015-2016
化一》布面丙烯综合材料 局部
化一》，纸上综合技法，200×107cm，2009
化一》
雅昌艺术网：这个工作室的一角就好像是整个展览的一个转折，从一楼展厅走下来看到“工作室的一角”。接着有一些是过去的作品。
陈彧凡：对，《化一》是2009年系列的纸上作品，通过一种机械式的打孔方式，慢慢把图像消解，形成抽象的存在。最早的一个作品，我一开始的想法是中国有句老话“烧香拜佛”。我就拿香在纸上烫了很多的小孔，形成一个佛像。从这个开始的，我选择的佛像是藏传佛教中金刚的像，当然我要做的作品其实跟佛教没有多大关系，慢慢的图像就被抽象消解了，变成纯粹没有的没有形像了，最后是一个平面作品。我的方法是悬空像写毛笔字一样，一点一点往下打孔，不一定有规律，根据画面的需要，根据我情绪的需要，是一种凭空的想象，和我自身的节奏感有关。
雅昌艺术网：另外一件《化一》系列是布上的作品，和纸上打孔的形式完全不同?
陈彧凡：这是平面的作品，但也是在平面上一遍一遍的刷颜料，这件作品是白底，黑的颜料刷了几十遍，在表面刷一张白的，烫出来呈现黑的颜色出来。反过来里面是白的，表面是黑的，所以呈现的这种状态是不一样的。按照这个图形就是一黑一白。另外一个有点儿像阴阳的关系，一个正，一个负的关系。
把它抛向空中》，布面丙烯综合技法、铜片、陶瓷、霓虹灯，尺寸可变，铜：90×60cm，布面：200×300cm×2，霓虹灯：150×20×14cm，2015-2016
把它抛向空中》局部 以破碎瓷片为原型
把它抛向空中》局部
把它抛向空中》局部 金属部分
把它抛向空中》局部 破碎瓷片原型以及布面作品
把它抛向空中》布面架上作品局部
把它抛向空中》局部 霓虹灯管
把它抛向空中》
雅昌艺术网：《把它抛向空中》是由五个单件的作品组合在一起，之间的关系是怎样的?
陈彧凡：《把它抛向空中》这件作品就是把一个瓷片抛出去，扔出去以后所有的结果交给地心引力来决定。我去掉我自己的思考方式，当然要探讨一种必然性和偶然性的关系，必然性的东西是我可以决定抛在空中，但掉下来之后我决定不了，是偶然性的，但是我可以决定的是我可能砸的不好看，能重新再砸一遍。
这些砸碎后的瓷片，形成了不同的形状，我用五中方式形成了整件作品。我用激光切割了紫铜板，每一颗瓷片的形状相对应的在铜板上切割出同样的形状，组合成一个六边形。把这些切割下来的铜片组合成一个圆形。然后，是在画布上画出这些不同的形，也是刷了几十遍颜色，刷完以后我用切割下来紫铜片烧红了以后在上面烫出来，有凹凸的关系，再用十几种颜色铺上去，一层一层往上填补，形成一张布面的作品。这种方法是一种新的创作，跟原来的形态不一样，但是整个创作的思路是一样的。
这四个部分都是从碎瓷片来的。呈现出艺术家创作的来源和作品之间的关系，为什么有这样的一张画这样的一个雕塑这样的装置用这样的方式把整个系统呈现出来。
雅昌艺术网：因这些瓷片的形状或者是一个行为，衍生出了多种的可能性?
陈彧凡：就是把创作的思路打开，会有更多的可能性。
不确切的风景》，布面丙烯综合材料，250×200cm×5，2015-2016
不确切的风景》
雅昌艺术网：展览中有一件很大的布面作品《不确切的风景》，很像一件抽象绘画，和其他的作品是怎样的关系?
陈彧凡：因为今格画廊空间特别大，这件作品我是为了这个空间定做的10米×2.5米，和这个展览的其他作品共同的也是探讨一种必然性和偶然性。这种平面作品绘画在创作的时候，现在我基本上都不用画笔了，是让颜料自然地流淌的过程，让颜料一遍一遍自然往下流，流出很多层次，流下去的颜料会接收了重新再流，一直重复这个过程。
我选择这些颜料就是中国画青绿山水的一些颜色。流很多遍之后，侧面看有很多凹凸之间的关系，有一些鼓出来，有一些塌进去，我会把收集的颜色重新把凹进去的部分填进去，不停的循环。方法还是与整体的创作系统相对应的。
底层展厅作品《不确切的风景》和《衍生物》
衍生物》（粉蓝） 布面丙烯综合材料，165×165×39cm，2015-2016
衍生物》（粉红）布面丙烯综合材料，163×163×30cm 2015-2016
衍生物》（粉红）和《衍生物》（粉蓝）
衍生物》
雅昌艺术网：有一组作品，是把人们对布面作品的经验进行了新的改变，现在是一件装置作品了。
陈彧凡：这个作品是一个系列的作品叫《衍生物》。
雅昌艺术网：是三个部分形成了一组的作品。
陈彧凡：在这个展览中变成一组，《衍生物》是过去物体的“物的衍生物”。另外的一个衍生，是平面的作品如何形成二维的空间出来，不管怎样已经走到了一个尽头了。现在我直接改变了观看它的方式，通过物体整个的扭曲状态，产生一种物的改变的过程，这个物体介于架上和装置之间。我是把它当成一个物体来看待，而不是纯粹的一张画的概念。
1、2、1、1、3......》，布面综合技法，机械装置，250x120cmx2，39×39×100cm，2015
1、2、1、1、3......》局部 打字机部分
1、2、1、1、3......》
雅昌艺术网：从一进门的那件现场制作的作品和《不确切的风景》都可以看到一种仪式感，那么，展览的最后一件装置作品《1、2、1、1、3......》中的拱门和自下而上的灯光都形成了一种庄重的仪式，这件作品中的打字机还在不停的工作，发出声音，你的创作。图是什么?
陈彧凡：这件作品应该是在2010年左右，在德国有一个展览，这个展览的展厅在一个地下室，所以我想创作跟这个空间产生关系的作品。所以我选择用一个德国产的老打字机。我想如果我走了以后这个作品能够代表我的思想在那里继续地工作，就像我还在那边继续的工作，所以有了这样的一种想法。我在这个打字机里面设定了程序，按照一定的节奏在工作，包括可以控制灯工作到一定程度断掉了，打字机不工作，灯也灭了，就像我在休息，所以有这样互动的感觉。我这次布展有更加浓厚的仪式感。很强的仪式感，我去欧洲的时候他们也会问“你为什么用这种拱门”。他们认为这种拱门是很欧式的，其实南方的建筑里边是非常多的拱门。老的房子里面也有很多的拱门。
雅昌艺术网：整个展览的作品从楼上到楼下的线索你有没有设计?
陈彧凡：这次展览我们选择的作品不是太多，因为他的空间也比较大，所以我不想用一个填充式的方式把整个空间填满，我选择怎么样把不同系列作品通过各种纽带有机地联系在一起，形成好玩一点的效果。
一开始呈现一种和原来“木兰溪”之间表达的血缘关系，或移民关系，这是一个大的关系。另外，是在平时生活中对生活的思考，想探索生活中非常简单的一些问题，所以，也没有刻意要把某个事情弄得那么清楚，但之间是互相渗透的关系。
雅昌艺术网：从大的时空背景到与个人的关系，并延展出多种的可能性。
陈彧凡：对，这里面有几件是过去的作品，包括纸上的作品是过去的，但这些作品之间都是有关联的。还有其他形态的作品，因为跟这次展览没有特别的关联性，所以我就没有展出。我选择的作品都是能够代表这个阶段我所思考的问题。
这个阶段主要关注两条线索，一条线索是移民的问题，另外是我在探讨研究平面领域里所谓抽象绘画的问题，我想把以往观看的方式，怎样以我自己的方式重新呈现出来。
结语
展览整体的视觉印象丰富而清新，用策展人崔灿灿的话说是“设计成开合迂回、回转的关系，就是为了呈现一个艺术家的丰富性。”陈彧凡作品给人留下深刻印象的是，他对物质与形态之间关系的拓展。他说很多评论家自己的作品归为抽象，但他并不认为自己是抽象艺术家。他认为是不是抽象或者是不是具象都没关系，关键的是要表达思想，以及用什么形态来表达。
