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油画最基本的技法有三：

一是北欧尼德兰画派，以扬。凡。爱克为代表的透明薄涂画法；

二是南欧意大利画派以威尼斯提香为代表的不透明厚涂画法；

三是以佛兰德斯画家鲁本斯为代表的融合南北技法暗部透明薄涂、亮部不透明厚涂的折衷画法。

17世纪以后的画家，虽具有各自风格和独特技法，但都没有脱离开这三种基本的传统油画技法。

19世纪以前的画家大都采用这两种画法。制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。这个时期的油画其技法与今天我们所习惯运用的“直接画法”有很大的不同，它是一种以坦培拉或其他颜料完成对象的单色塑造之后再以油性颜料进行多层透明罩染的混合技巧，也称作油画的“间接画法”。此后欧洲油画三百年间的发展，经历百家，画派林立，如意大利的卡拉瓦乔（1573-1610）、荷兰的伦勃朗（1607-1669）和维米尔（1632-1675）、弗兰德斯的鲁本斯（1577-1640）和凡？代克（1599-1641）、西班牙的委拉斯贵支（1599-1660）、法国的德拉克洛瓦（1798-1863）等古典绘画大师，都属于这一技法范畴。

作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特的美──绘画性。

乳剂材料

乳剂材料是一种具有悠久历史的优秀传统材料，在现代得到了新的发展。乳剂型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料，两者的优点也兼而有之。各种坦培拉绘画材料如蛋彩、酪彩以及蜡质材料都是属于乳剂系列的。乳剂材料可用水稀释，干燥速度快，类似水性材料；可以作不透明厚涂，干后不溶于水，又具有油性材料的优点。各类现代的丙烯、乙烯合成颜料等既保留了传统乳剂材料的特点，又具备油性材料的长处，并且还有其它材料无法替代的效果，是有着很大发展前途的新型材料。

油性材料

使用油性材料以及天然树脂作为绘画媒介剂的主要画种是油画，它是由传统蛋彩和酿蛋白等乳剂型材料演变发展而来的。油性材料的特点是干燥缓慢、有光泽并可反复覆盖厚涂。油性材料具有强烈的表现力和丰富的技法效果，可以说几乎包容了所有其它材料和画种的技法特点。油性材料的特性允许深入细微地刻画对象的造型，可以表现出对象丰富逼真的色彩关系，从而符合了14世纪以来人们再现视觉真实的愿望，促进了西方绘画向写实发展的进程。油画诞生后一直在西方画坛占主要地位，并在全世界范围得到发展，这也证明了油性材料的优越性。从水性材料到油性材料的过渡是一个漫长的变革过程，几乎经历了数千年的时间，是绘画材料技法乃至艺术史上的重大突破。油与树脂的使用是使西方绘画材料技法区别于东方绘画材料技法的重要特征之一。

水性材料

人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的，它们取材方便，使用简单，这在东西方早期绘画中是一致的。今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的，其表现技法自由、流畅，可产生轻快、透明的效果，也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。

油画材料

油画材料可分为基底材料、油画颜料和媒介剂材料三大类。基底材料指承载绘画颜料层的依托材料和底子涂料。油画颜料是绘制时直接表达绘画的色彩和肌理效果的主要材料。媒介剂材料则是用于调整颜料性状并使其和基底材料结合在一起的各种稀释剂、结合剂和上光剂等。

古典油画技法是一种透明画法，有别于印象派的厚涂法。具体步骤为：

1、在细棉布或细麻布上用“油画底料”做底子，干透后再做一次，干透后磨去凸起的颗粒待用；

2、用铅笔仔细起稿，应详尽、准确；

3、用熟褐、培恩灰、锌白调成淡灰色勾轮廓，待干透；

4、用熟褐、培恩灰、生赭、锌白调成渐变色阶，画成一幅素描状的单色画，如同发黄的老照片，待干透后，用沙皮磨去凸起部分；

5、用去色调色油（整瓶油看上去不发黄，无色透明）调制油画色，至透明状。分层给单色画上色，一层干透后，磨平，再上一层，由暗至明，层层渲染。犹如给黑白照片上色。也可每次上色后用油画刀砑光，直至出现镜面效果；

6、全部干透后（一般6个月）上“上光油”，干透后再上一次。

刮

是油画刀的基本用途，刮的方法一般是用刀刃刮去画面上画得不理想的部分，也可用刀刮去不必要的细节或减弱过于强的关系，让显得紧张的画面关系松弛下来。长期作业在一天作业结束时往往需要把本画完的部分颜色用刀刮去以便及时干燥，待第二天接着画。颜色干后也可用画刀或剃须刀把高低不平处刮得平整一些。还可在未干的颜色层上用刀刮，使之露出底色从而显现各种肌理。

涂

如果说点画法和勾画法是形成油画点与线的手段的话，那么涂就是构成油画体决，即面的主要方法。涂的方法有平涂、厚涂和薄涂等，也有把印象派的点彩法称为散涂的。平涂是画大面积色块的主要方法，均匀的平涂也是装饰性油画的常用技法。厚涂则是油画区别于其它画种用笔的主要特征之～，可以使颜料产生一定的厚度并留下明显的笔触而形成肌理。用画刀把极厚的颜料刮到或直接将颜料挤到画布上，可称为堆涂。薄徐是用油将颜色稀释后薄薄地涂上画面，可产生透明或半透明的效果。散涂则使用笔显得灵活多变、气韵生动。结合揉扫的涂法也叫做晕涂。

摆

用笔将颜料直接放在画布上不作更多的改动称摆，摆也是油画基本的笔法之一。摆的方法常用在油画开始和结束时，以较肯定的颜色和准确的笔触来寻找色彩与形体关系，往往关键处只需几笔就能使画面改观，当然下笔前应先做到成竹在胸方可奏效。擦——擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使底层肌理更为明显

调色媒介剂

这里所指的调色媒介剂是以干性油或乳剂为主，作画时用于调合颜料, 使之稀释或增厚，增长可塑性或流平性,调剂透明度和笼罩力等性能的调色剂, 不是泛指包含颜料载色剂、挥发性溶剂和上光剂等的媒介剂。

调色媒介剂可分作纯油型、树脂型、凝胶型和乳剂型四种,按其成分来说不过乎干性油、树脂、粘合剂和挥发性溶剂等材料。根据不同类型的需要可在媒介剂中加入催干剂、乳化剂等帮助材料来转变其干燥速度, 加强粘结强度。

历史上各类型的油画媒介剂的配方不胜枚举, 都是为了使颜料适应不同的技法需要而发生的。有些陈腐的材料与方法已被淘汰, 其科学性也值得猜忌。但也有的国外厂家专门研讨挖掘古典文献记录的配方，生产传统的绘画媒介剂，如佛罗伦萨媒介剂、凡.爱克媒介剂、威尼斯媒介剂、德尔夫特媒介剂和巴洛克媒介剂等。

现代画材产业为画家供给了很多不同成分与功效的媒介剂, 足以满足各种技法的须要。除了上面先容的这些媒介剂外，近些年来，英国温莎.牛顿和曰本的荷尔拜因公司还研制出了与其新产品水调油画颜料配套，可用水溶解、清洗和稀释颜料的亚麻油媒介剂。

下面先容的是一些常用油画媒介剂的特征和基础的配制方式。要注意的是任何用于配制媒介剂的资料在应用前最好要经过实验,不同产地、不同批号或不同质量的同一类产品在性质上会有很大差别，因此机械地依据配方是有可能导致配制失败。在配制中，懂得各种材料的性能和作用，控制各种不同材料之间的公道平衡是极为主要的，如水和油的比例以及先后次序等。当一种材料的分量增添或减少时,热血传奇私服发布，就会引起其它材料作用的变更，转变全部配方的性质，产生不同的效果。当这种平衡完整失去把持时，就会产生严重的成果。

纯油型媒介剂

纯油型媒介剂指使用的是纯干性油如亚麻油、胡桃油和罂粟油等, 也包含经过加工但不加入树脂或其它成分的媒介剂。假如不是为了特别的效果或目的,纯油型的媒介剂是最安全和最简略的调色媒介剂。成品的纯油型媒介剂有生、熟亚麻油或其它干性油、精炼油、晒稠油和含催干剂的快干油等。加工纯油型媒介剂的办法有曰晒、加温熟化和加入催干剂等, 具体可见油的加工一节。

树脂型媒介剂

在干性油媒介剂中加入树脂可以增强色膜的硬度和粘结力、加速颜料的干燥并增添颜料的光泽。最常用的树脂型媒介剂是用挥发溶剂、干性油和树脂三者混合的三合油，也即前文所提及的绘画光油。制作三合油可用等量的松节油、达玛树脂光油和亚麻仁油混合而成。根据个人不同的习惯和绘画的层次，还可调剂三者的比例以转变媒介剂的含油量。但如果媒介剂中松节油过多，有可能会使颜料失去粘结力；树脂含量太高则会使颜料变得过火脆硬而缺乏柔韧性，并且也干燥得太快。

凝胶型媒介剂

凝胶调色媒介是含有树脂和干性油成分的膏状混合型媒介剂, 它具有如胶冻般的粘稠度, 故名之为凝胶媒介剂gel medium。在国外的技法专著中经常介绍的马格罗调色剂就是一种古老的凝胶媒介剂, 现已淘汰。凝胶媒介剂加入在油画颜料中可以进步颜料的透明度和干燥速度, 减低绘画的笔触, 产生平滑、光洁的表面效果, 实用于罩染透明色之用 。80年代末，法国画家伊维尔.先生来中国讲学时传授的玛蒂树脂透明调色膏就是一种用于古典油画技法的凝胶媒介剂，曾被当时对油画材料知之甚少的中国油画家奉为“秘方”。

现在成品的凝胶媒介剂多为合成树脂与油联合的材料，如醇酸树脂凝胶媒介剂等, 在丙烯材料里的凝胶媒介剂品种更多。凝胶媒介剂具有触变性质，使用前用笔协调或在瓶中摇摆即呈浓重液状。

透明调色膏

依维尔先生传授的透明调色膏是一种古老的油画用凝胶媒介剂, 其配制方法是把含铅催干剂的熟油和2：1的玛蒂树脂光油各一份等量混合, 搅匀后静置10?15分钟即可。使用时既可加入松节油稀释作润色光油, 也可直接调色作画或调制透明色用于罩染。据说这种媒介剂最接近凡.爱克作画使用的媒介剂。

乳剂型媒介剂

乳剂在化学中的名称为乳浊液, 指分布着很多渺小液滴（很多分子的凑集体）的乳白色或不透明的液体, 往往是两种不同性质的液体的悬混体,互相不能溶解, 但可通过乳化剂使之联合, 如牛奶、蛋黄等都是含有水份和油分的自然乳剂。乳剂中的水分在绘画颜料中具有加速干燥的功效, 而油分则能起胶粘作用。乳剂是各种坦培拉技法如蛋彩画、酪胶彩画和蜡彩画的调色媒介, 在油画的混杂技法中则多用于底层色彩以起到贫油和速干的目标。乳剂媒介剂在使用中可以用水稀释, 但干后却不溶于水。

与纯油型媒介剂相比, 乳剂型媒介剂有如下长处：

（1）不容易发黄, 更合适协调白色和浅色。

（2）快干，干后不溶于水，可缩短作画时光。

（3）油性成分少，便于作油画的底层色。

（4）可用水稀释，可以画出流利过细的线条。

乳剂型媒介剂的种类繁多, 有油性、半油性、胶质和蜡质等。其成分、比例、性能与用处各异, 各种配方依据画家的不同须要差异往往很大。如利用得当, 乳剂型媒介剂在某些方面比纯油型媒介剂后果更好。乳剂型媒介剂配制比拟讲求，如不注意资料投放的先后或比例失控都可能使得油水分别而导致失败，因此要严厉按照配制方式，重复实践。以下是几种比拟常用的乳剂型媒介剂。

蛋油乳液媒介剂

蛋油乳液媒介剂是以鸡蛋和干性油及树脂等材料混合制成的。这里介绍的是全蛋型的蛋油乳剂,属半油半水性。假如用纯蛋黄则油性更大,粘协力强,但颜色较黄。如用纯蛋青虽色泽较浅但易坚韧度不如前者,要加入一些纤维素胶液或乳白胶增强粘协力。蛋油乳剂是蛋彩画的调色液,可直接调颜料粉作画,在油画中一般作为混合技法底层颜料的媒介剂,如果加大乳液中油分的比例做成偏油性的乳剂,就可以直接协调吸往过剩油分后的管装油画颜料，从而便利作画。

蛋油乳液（全蛋）媒介剂的配制

1） 将新颖鸡蛋打开让蛋青流入干净的容器后,细心肠在掌中或清洁的纱布上将蛋黄外的薄膜和胚点去除,然后将蛋黄和蛋青两者在容器中搅匀。

2） 以一个鸡蛋为1份来权衡，用半个鸡蛋壳依次量出各半份亚麻油和达玛油后将其混合在另一清洁容器内。然后逐渐把油滴入蛋液中并顺一个方向搅匀，如做色拉一样直至融会为一体。

3） 做好的蛋油乳剂可加入半份到一份半蒸馏水稀释, 也可于作画前加水, 水的比例可根据需要调剂。

4） 蛋油乳剂做好后假如不是很快用完的话, 最好参加几滴防腐剂如桂竹香油或薰衣草油。乳剂不用时要放进冰箱中保留。

酪蛋白乳液媒介

酪蛋白与蛋黄一样, 本身就是一种含有油和水的天然乳剂, 又是粘协力很强的胶粘剂。以酪蛋白配制乳剂型媒介剂与蛋油乳剂性质接近, 成分比例亦与上述蛋油乳剂配方类似, 只需以一份酪蛋白胶取代鸡蛋即可。酪蛋白胶的调制办法见本章底子涂料中酪蛋白胶底料一节。酪蛋白胶也轻易腐坏, 同样要加入防腐剂。时光放长了的酪蛋白乳剂中的水分和松节油会挥发掉, 使乳剂变稠, 可先加松节油搅匀, 然后按需要加入水搅拌稀释。

胶质乳剂媒介

各类合成胶粘剂也可取代鸡蛋和酪蛋白等天然乳剂作为配制乳剂型媒介剂的材料。法国巴黎高级美术学院的宾卡斯教授在来华讲学时介绍的各种胶质媒介剂有纤维素媒介剂、聚乙烯醇媒介剂、乙烯和丙烯媒介剂等，其性质也属半油半水型乳剂，制作办法和蛋油乳剂及酪蛋白媒介剂一样，只需把鸡蛋或酪蛋白胶液换成各类胶液就可以了。为增强粘结力可以在胶液中加少些乳白胶。水分的比例一般在胶液的半份到一份半左右, 各个品牌的胶的粘稠度和质量可能差别很大, 应重复实验, 控制确实比例, 不能拘泥于教条。

蜡乳液媒介剂

在各种乳剂型的媒介剂中, 蜡是一种比拟古老的特别材料。在古代埃及、希腊和罗马，蜡曾作为重要的绘画媒介剂。蜡的性质本属油脂类,分为动物蜡、植物蜡和矿物蜡三种。绘画使用的蜡是经过漂白的蜂蜡, 取自工蜂分泌出来用于构筑蜂巢的蜡。其它性能相似的有虫蜡、石蜡和微晶蜡等, 被用作蜂蜡的代用品。用蜡质媒介剂画的画具有比油和树脂更好的防潮性, 在油画颜料中加入蜡的成分可以作为稳固剂, 使颜料产生必定的稠度并增添可塑性。用蜡乳液媒介剂绘制的画还可以通过表面抛光处置取得特殊的亚光光泽，而在树脂光油中直接添加蜡则可打消上光剂过亮的光泽。蜡还是油画修复贴裱用胶粘剂的主要材料。在油画中用到的蜡质媒介剂重要是皂化蜡和乳化蜡。

皂化蜡与乳化蜡

以蜡作为绘画的媒介剂需以做成皂化蜡或乳化蜡, 前者是半蜡半油性的, 后者则为半蜡半水性的。在蜡乳剂媒介剂作的底层画上可用油性颜料接着笼罩,但乳化蜡不宜与干性油混合, 否则轻易使油水分别。

油画用光油

油画用光油包含各类油画制造时和完成后使用的上光剂, 是由自然树脂或合成树脂在挥发性溶剂中组成的溶液, 也有统称为上光油或发光油的。上光剂的基础作用有两个：一是同一画面的光泽, 使画面形成光明或亚光的均匀表层后果；二是给画面加上一个维护层, 使油画颜料与空气中的腐化性气体、灰尘及潮气隔断开来,]一个农民等于几分之几个城里人？(5)。除了普通的绘画上光油外, 油画光油还有润饰光油、隔离光油和其它特别用处的光油品种。

绘画上光油通常是单纯的树脂和挥发性溶剂溶液,用于画面完成后的最后上光维护。自制上光油大多采取达玛树脂与玛蒂树脂两种天然树脂和松节油。为了到达消光和增柔的目标, 有时要在光油中加入蜡、硅粉和其它香酯等帮助材料做成亚光的上光油,下面介绍的是几种不同类型光油的配制方式。

亚光上光油

亚光上光油又叫做哑面上光油, 有暗色调或特定内容的油画作品不宜于采用光面上光油，所以根据需要在光油中加入不同比例克制光泽的材料如蜂蜡或合成消光材料来做成亚光油。亚光上光油可以发生从均匀如鸡蛋壳般悦目标亚光光泽直至几乎完整无光的效果。但根据拉尔夫. 梅耶的观点，他不倡导完整无光泽的油画表面,以为这不但违反了油性颜料和光油的特征,而且可能影响光油结膜的坚固性并导致开裂。

润饰光油

润色光油是为了在作画进程中在已干燥了的油画颜色层上作修正或持续作画时用的, 可以使干燥的颜色和画面吸油处暂时恢复湿时的状况, 加强色层间的接洽，也可用于作品展出前的临时上光。为了到达同样的目的，欧洲早期的画家曾用天然的材料来润色, 如无花果和大蒜的汁液等。也有把润色光油译作重画光油、补笔光油、中间上光油或临时上光油的, 不过从其重要用途来看还是称润色光油较为贴切。

现代润色光油的成分一般由自然树脂和挥发性溶液组成, 只不过树脂的含量很少,失败, 不会在画面表层形成显明的结膜和永久的光泽。也有的润饰光油含有少量干性油成分和其它帮助资料。传统的三合调色油和透明凝胶调色剂也可作为润色光油使用, 须要时可以再加些松节油稀释。应用时要尽可能地薄，并乘湿时作画。入口润色光油以采取丙烯酸树脂和溶剂汽油的为多,有瓶装的和喷罐装的两种，后者使用起来更为便利。

隔离光油

隔离光油的使用在国内较少, 据先容是用乙烯树脂和酒精等挥发性溶液制成的, 不溶于松节油和溶剂汽油。在已干燥的颜色层上喷上一遍稀薄的隔离光油后持续作画不轻易溶解底层颜料, 万一画坏后也可用松节油等溶剂把误笔擦往而不会破坏已干燥的色彩。在接收性过强的胶质底子上也可涂一薄层隔离光油以下降其接收性。

混合光油

混合光油是指其中含有光油和干性油等其它成分的速干溶液, 实在并不作为单独的上光用处, 而是用作颜料的媒介剂。如法国称之为绘画光油的三合油painting varnish。混杂光油作为绘画媒介可以下降颜料的含油量，加强粘结力和加快干燥。

仿古光油

国外有的画材公司生产的仿古光油是由上光油和胶构成双组份材料，应用“肥盖瘦”的原理反其道而行之。使用时将水性的胶液涂布于上光油之上，干后形成渺小的龟裂，再涂一层薄薄的光油固定裂痕。然后用软布蘸棕色油画颜料对裂痕着色，最后再罩上一次上光油。用这种材料可模拟古画表面的细裂纹后果，所以又称裂油，可用于制造仿古的商品画。

绘画上光油的配制

绘画上光油中树脂与松节油的比例为1:3, 大约相当于5磅油脂比的浓度，即1加仑的松节油加5磅的达玛树脂或玛蒂树脂。先将达玛或玛蒂树脂碾成粉末,倒入玻璃瓶中,记下刻度后再装进纱布袋或旧尼龙丝袜扎紧。在玻璃瓶中参加三倍的松节油,然后将装好的树脂浸入松节油内,注意把扎口的线头留出至瓶口以便提取或搅动,瓶口要盖紧以防松节油挥发,袋子应悬在溶液中以使树脂充足溶解。达玛树脂经过一昼夜即可溶解，取出袋子中剩余的杂质和不溶物后就成了绘画上光油。玛蒂树脂的溶解时光稍长些,如将树脂浸入后连松节油一起放入烧杯隔火加热可以加速溶化,但热溶的树脂光油的色彩较黄,所以应尽量采取冷溶的措施。自制的光油在上光前还可以依据需要再加入少量松节油以利涂刷流利,但要将溶液搅匀。

润色光油的配制

自制普通润色光油可在达玛树脂或玛蒂树脂光油中再加入二到三倍的松节油,其树脂与松节油总的比例大约在1:8至1:10左右。 下面是更为讲求的润色光油的配方。

达玛树脂光油 5份

丙酮或乙醇 0.5份

熟亚麻油 1份

松节油 13份

甲苯 0.5份

在溶液中加入甲苯、丙酮或乙醇是为了使光油中含有的蜡及其它的成分溶解得更彻底,在加入松节油之前可将溶液摇摆直至变得清澄。

乳化蜡的制作

材料：白蜂蜡25克 炭酸氨10克 乳白胶1份先将25克蜂蜡放入250ml的沸水中用温火烧煮,直至蜂蜡全体融化，接着把炭酸氨粉末用水溶解后加入溶化了的蜡中,此时会有白色泡沫冒出并有刺鼻的氨水气息,再煮一段时间后泡沫会自行消散,然后将其搅拌均匀成膏状即成乳化蜡。待冷却后倒入瓶子中保留,加过炭酸氨的蜡液耐久防腐。用乳化蜡作画时要加入乳白胶、酪蛋白胶、纤维素胶或其它胶粘剂混合后调颜料粉使用,比例是三份乳化蜡加一份胶。

皂化蜡的制作

材料：白蜂蜡1份 松节油1-3份 树脂光油1份 把蜂蜡和松节油装入玻璃瓶中,放在有冷水的锅里隔水蒸煮,直至融化为蜡溶液,冷却后即成半透明状的皂化蜡。注意在蒸煮时应把瓶盖拧紧以免松节油挥发或引起火灾。使用皂化蜡时需兑入等量的达玛树脂光油,然后与颜料粉混合,也可直接调油画颜料作画。皂化蜡同样也可以与各种胶液混杂成蜡质坦培拉乳剂。

亚光上光油的配制

亚光油的制造是在普通上光油中加进1/4到1/3的皂化蜡或适量的二氧化硅粉来发生光的散射,以减低或打消光油在油画表面产生的光泽。参加蜡后的亚光油呈半透明状，应用前要摇摆均匀或加温使沉淀下往的蜡等物资充足溶解，涂布在画面上并干燥后就会变得无色透明.

如果是画头像短期写生，直接画法，那只要遵循先瘦后肥的方法就行了（瘦：少用载色剂；肥则反之）。值得注意的是，管装的颜色本身就含有大量的油，有时甚至不用调色油便可以使用。。

注意透视和明暗.

学的还可以的时候就买静物书临摹.

觉得还可以了就写生.画画自己家里的瓶瓶罐罐.

等画好这些了.就去找个班跟着学.

但是一定要注意.一定要正确的.

有一些不好习惯,一旦养成,是很不好改的.

所以我劝你还是找个老师学.

打好基础了,在自己学.

素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他们寥寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握，于其背后的艰辛也自然不言而喻了。

下面谈谈本人对素描的理解，又或者可以说是十几年来教与学的体会。下面几部分有内容上的交叉，这是素描的综合性决定的，每一部分只是素描综合体中的一个理解侧面，它们的关系是分解与重组。

1. 理解多少就能表现多少

总体来讲，素描是很理性的，素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥，充实的理性显得尤为重要；眼睛偏感性，生动、鲜活，但常常出现片面与误差；手只是实现脑眼商量的结果的工具，只要听话就行了，属于技术类（当然还有其它工具）。所以大脑要不断地学习与思考，只有思考才会有创新，会思考是人区别于动物的最大特征。首先，要学美术史，了解美术的发展过程，了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达，经过不断评判思考后才能给自己正确地定位，促使自己更好地发展，从而避免茫然失措和重复浪费；学习素描就不能不学习达?芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫，仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素，而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握，比如：表现一个人，仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的；每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识，这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化，更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭，无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用，几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。照相机的发明、网络时代的来临使素描从客观的世界中解脱出来，从而更关注后工业化人的思想情感的无限空间，素描更呈现多元风貌。

显然，拥有如此丰厚的知识储备，你就要做个优秀的指挥家 ，而且要在直觉、激情中尽情地艺术表现。

2. 基础·能力·素质

素描是造型艺术的基础，素描学习训练的目的在于培养学习者正确的认识能力、观察能力、造型能力、表达能力和审美能力，宽厚扎实的基础已经成为进入艺术殿堂必备的素质，就如同高楼大厦的根基，厚实、深藏、无华；也像武术中的站桩功，站都站不稳，“功夫”也只是个花架子。初学者学习素描一定得沉住气耐住寂寞，要能吃苦，要有难度意识，冰冻三尺非一日之寒，古人百步穿杨、庖丁解牛也非一日之功。但光凭理头苦干是不行的，要有意识地培养自己正确的观察与表现能力。观察方法通常指整体与比较，如：眯着眼睛看大体，在整体中比。而细节特别是精彩的细节却要瞪大眼睛地近距离观察，而且你描绘的如是正面，最好从侧面或顶部来观察物象，这样多角度的立体考察对表现物象的结构、起伏、特征、转折是有帮助的；要能敏锐地判断感悟到表达对象独特的形象特征、精神气质，能从平凡中发现美的形式、美的韵味，并能迅速地选择相适应的又是自己的方法加以表现、处理。素描作为一种绘画形式，有其自身的艺术生命力，单凭“基础”两字已难以容纳素描的全部意义，它不单是打基础那么简单。有时，培养良好的审美素质，可以为一生的艺术活动奠定基础。

3. 基本功与创造力

基本功好，是不是就创造力强呢？不一定。事实上很多优秀的艺术家的基础功并不很“扎实”，特别在艺术走出现代派进入后现代的当今，创新观念成为主流。但在我国，那种只顾埋头拉车不抬头看路的纯技术“人才”还大有人在，这也可以说是我们基础教育的一大通病。我们之所以要搞素质教育，现在又要推进基础教育的课程改革，主要是针对我们人才的创造力的普遍低下这一致命问题的。我们不缺扎实的基本功，而且可以说世界领先，我们缺的是领引世界的原创力。所以，处理好基础教学与创造性思维的培养两者之间的关系就显得非常重要。现在，有必要更新我们的基础观，打基础不只是死记硬背、机械重复训练，也可以是广泛的阅读、欣赏、见识、交流、合作、讨论、调查、综合、比较、怀疑、探究、想象、创造、逆向思维、发散思维、打破常规等，在日常学习生活中逐渐培养创造力。打素描基本功与训练创造力应该是可以同步的，因为素描负载着全部有价值的艺术信息，也包含创造力，艺术的本质就是“创新”，回顾一下美术史就清楚∶只有具备创新价值的艺术家才能被记载。所以，要做个学艺上的有心人。

4. 关于主动性

学习素描的主动性，一是指行动上的积极实践，二是指思维上的勤于探索。二者合二为一，光说不练不行，光练不想也不行。我们常说某人学习很主动、作品很有想法，就有这意思。即使是初学素描，也不能纯客观地再现，一定要加入自己的主观感受、理性理解和主观处理。以通过学习素描来感受生活、认识艺术。要用自己的大脑来思考，要用自己的眼睛来看世界。主动性是一种学习状态，一种会自觉寻求各种方式获得知识、能力的方法，要珍惜利用书店、图书馆、网络、美术馆、博物馆等学习资源，不要太依赖你的教师，要能积极自修，勤于动脑，放眼世界，要会主动地对各种信息进行知识分类、归纳、批判、取舍。在多元中不迷失自己，在前进中不断学习。

5. 到位与拉开

“到位”的内容包括构图、结构、特征、形体、比例、朝向、节奏、力度等等，到位是一种基本功、一种能力，它同我们通常听到的“准确”、“逼真”的意思并不完全相同。“到位”更多地是指主观感受、艺术上的到位，层次要高一些，主观的发展空间也大些，就是“真实”也只是艺术上的真实。“拉开”则是一种人文素质，一种主观手段，“拉开”的内容包括∶艺术语言、形体特征、黑白灰、主次、虚实、强弱、刚柔、浓淡、曲直、前后、疏密等，是更高意义上的简化与归纳，它比“到位”又更加主观、自由，是艺术家个体主观能动性的精神表现，是一幅成功素描作品的重要指标，是风格的俗与雅、格调的高与低的主要区别所在。

“到位”与“拉开”，相当于客观与主观、描写与表现、丰富与简练的关系；它们对立统一、相互牵扯；过分的“到位”显得沉闷、平庸，需要“拉开”来注入生气与活力；过分的“拉开”又显得花、碎、简单，需要“到位”加以整合，难就难在如何掌握这个“度”，或者说“恰到好处”，适当的“过点”也并无坏处。齐白石的“似与不似之间”理论也有这一层意思。

6. “黑白灰”的重要性

这里强调“黑白灰”概念的重要性，完全是出于多年经验的明证，因为它的确给我及众多学生带来许多好处。将素描或者所有色彩的学习、设计、创作中导入“黑白灰”概括手法，特别对于初学者将有事半功倍好的效果。具体的操作是：将表达的物象，不管有多复杂、多凌乱，在明度上都把他（它）们概括归纳为画面黑白灰三大块，这是一种对宏观整体的主观把握和有序组织，而任何一块又包涵许多层次（调子、体面），只是它们必须在“黑”、“白”或者“灰”的绝对统治之下；一般“灰”块的层面较为丰富，“黑”块的层面较为简练，三大块各自的面积具体而定，但必须得有。这样就可以很容易地克服画面的“灰”、“乱”、“脏”等初学者常见毛病，从而使作品的画面结构更加有力、层次更加分明、组织更加有秩序。

“黑白灰”是一种对画面主动的整体把握与控制，它的意义可能还会更多。

7. 线条的意义

世上本无纯粹的线条，苏派只承认点的连续排列（面）。然而，艺术就是艺术，是人的精神产物，虽然有科学性，但绝不能等同于科学的“真”，一加一并非等于二，艺术里是没有标准答案的。线条是主客观世界反映在艺术家精神世界的产物，线条是视觉艺术最基本的语言，是一种概括和“抽象”，它既古老又现代，而且永远不会过时；所以在素描世界里艺术家与线条是形影不离的，一出手就是线，更可以根据主客观的需要尽情发挥。线条的艺术表现力是非常强的，我们至今无不被千年前的敦煌壁画中飞天飘逸的线、以及永乐宫壁画中大气恢弘的线条所折服。线条不仅表现物象的轮廓、区域、结构、特征、转折（形体或两色之间）、节奏等，还可以表达艺术家的主观情感，当时的冲动、激情，是一种主观的高度提炼，有时成为作品中的灵魂所在，于是就有了线的硬实有力、线的行云流水、线的运动及线的旋律等。线条的运用其实很讲究，既理性又感性，并非“外形线”那么简单，线条要注意表达出物象的来龙去脉：线的前后穿插、线的粗细强弱，哪里该用？哪里不该用？怎么贯气、怎么疏密对比？都有学问。仅一个边线，就有造型、特征、空间、虚实、强弱等内涵的体现。线条应该比调子（面）层次高，因为它是艺术家主观的产物，是一种“精神表现”。

8. 调子是服务者

要端正一个认识∶不要为调子而调子，调子只是形体结构的服务者。就是说，即使用调子要体现内在的结构、起伏，要围绕形体结构这一中心来进行，反对用似是而非、模棱两可或者重无用处的调子；调子最好配合线条来运用，线条是外轮廓的高手，调子是表现内形体积、质感、层次的强者；如果线条是建筑中的地基框架，那么调子则是内外装饰，两者相辅相成、相互补充、相互促进。以前盛行的苏派素描，把调子推到至高无尚的位置，什么只有一个高光不用涂调子其余全都要涂调子，什么没有实际存在的线只有看不见的面啦，这种过于物理、刻板的教学理论体系，使得当时神州一片灰暗、软弱、无力。在艺术上，过度求科学的真就丧失自己本应有的许多特有的优势。

不过，调子还有一种功效：可以渲染背景气氛、调节画面节奏，使画面浑然一体，更加美整。

9. 强调“特征”的意义

在初学素描就导入“特征”概念，会有一种走捷径的感觉。“特征”包括在所表现的物象中，也包括作者所表达的艺术语言、风格。首先，形体结构与特征结合起来，就可生产“象什么”的第一印象，如某人看起来像苹果、像冬瓜、像剪刀，成语中“骨瘦如材”，还有俗称的“月儿眉”、“三角眼”、“大蒜鼻”、“樱桃嘴”等等；还可以用“外形特征”和“内形特征”来描述；“外形特征”可借鉴剪纸艺术某些技巧；其它的，如画面阴影、空白、发须、衣领、布纹等，总之，你认为值得描述的对象及细节，都可以有意挖掘其特征美；抓特征美就是人为的主观突出对象某些与众不同的特点，或重视某些画面可视的形，“宁过勿不及”，这样“严重”地对待，促使画面远看有视、近看有“形”，大的整体、小的局部都会显得耐看，有分量。“特征”的概念，在素描表现中应该是贯彻始终的。

10. 重视“修改”

这里的“修改”类似于一般意义上的调整，所不同的是：调整大都基于常规的循序渐进，而“修改”则是基于主动表现中的果敢、直干；因为敢画、敢错，才有“修改”的必要；而每一次的“修改”都是一次思索、进步的过程，有时大刀阔斧的“修改”竟是一种升华、或是一种起死回生。因此，不用怕脏、不用过分地小心谨慎，要敢做敢为；不用担心留有改过的痕迹，这痕迹应该是前进的足迹。

“修改”是一种脚踏实地的学习态度，一种自信进取的学习探索。初学者常常一错就重来，总想立竿见影、急功近利、一鸣惊人，却不知是一种浮躁的表现。

以上诸言，虽然本人屡试屡灵，但也只是一家之言，难免片面、失准；不过也算是肺腑之言，自以为在多元化能够并存的今天应该还有它的位置，因为，有关素描教学的讨论永远也不会结束。

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初学美术正规训练范画速写

很多初学绘画者，包括有些已经进行过一些素描训练的学画青少年想画速写，总感到无从下手。在与这些初学绘画者的接触中，我总是尽量告诉他们一些速写方面的训练方法，但是有更多同样需要这方面知识和技法的初学绘画者，我无法接触到。他们中有许多人由于学习条件所限，没有机会接触这方面的老师。为此，我想借这次出版机会，将自己十几年来的一些速写教学心得和方法整理编写出来，献给那些有志于学画的青少年，为他们的学习助一臂之力，使他们在速写学习的过程中少走弯路，掌握正确的学习方法，接受到较为科学的速写正规训练指导。

学画难吗？美术教育家徐悲鸿先生曾说过，有中等以上智力的人，通过努力，都能学好绘画。看来只要肯努力，钻进去，逐渐摸到规律，原来感到难的问题也就变得不难了。在初学绘画的青少年中，有的人儿童时代就画过儿童画，有的临摹过卡通画、连环画等，有的虽然没有动手画过速写，但一直对速写很感兴趣。这些都是通向速写专业训练的良好开端。

速写是在较短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画形式，它具有收集绘画素材、训练造型能力两大方面的功能。速写最能表现出绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受，画面生动感人，是速写的一个显著特征。因作画时间短，在描绘对象时，放笔直取，它可随时描绘我们周围生活中的任何物象，特别擅长描写运动中的对象和转瞬即逝的动态。速写描绘的题材远远超出课堂上素描练习内容的范围。所以，常画速写能使我们养成注意观察周围生活的良好习惯。长期坚持画速写，可为日后搞美术创作和美术设计积累下丰富的艺术素材。速写又是一种锻炼动手能力的良好训练方法。我们提倡从学画阶段开始就养成画速写的良好习惯。有些内容的速写训练又可以理解为素描的短期作业形式，在进行相对长时间的素描训练的同时，多画速写，做到长、短期作业穿插进行，是绘画基础训练的一种良好方法，因此，速写又是一种对素描训练的辅助练习形式。

有些绘画大师，如十七世纪荷兰画家伦勃朗、十八世纪英国画家荷加斯、十九世纪德国画家门采尔等都是速写方面的高手，我国许多著名画家在速写领域也取得了很高成就，形成了独特的个人风格。如叶浅予、阿老、黄胄、刘文西、周思聪等。他们中间有的从没有机会进入正规美术院校学习，而是以速写作为绘画训练的基本形式走上成功之路的。有志于学习绘画的青少年，只要肯努力，保持高度热情，勤学苦练，多动脑筋，方法得当，持之以恒，就一定能画好速写，为绘画学习打下坚实的基础。

速写要求在较短的时间内画出所需要表现的对象。所以，以线条形式来描绘形象，是速写表现中最直截了当的一种方法。线条除了具有描绘对象形体的功能外，其自身还具有艺术表现功能，它可体现出丰富的内涵，如力量、轻松、凝重、飘逸等美感特征。作者在画速写的时候，会不知不觉将自己的艺术个性，通过线条的运用而流露出来。以线造型是速写中最常用的表现形式。除此之外，线面结合也是常见的形式之一。有时在结构转折处衬些明暗调子，能增加速写艺术的表现力，使画面的气氛更加变幻丰富。除以上两种形式外，纯明暗的速写较少见。当然有些画家因追求自己画风的需要而作这样的形式探索也是有的。但这不能成为初学速写者训练过程中追求的目标。

本书主要讲授速写的一些基本知识和训练方法，试图在初学者对绘画的一般兴趣和写实造型规律之间架设一座桥梁，愿大家一起走进绘画学习的专业训练阶段。

速写的工具与材料

速写用的笔，初学者可选用2B型号的铅笔或炭笔，因这两种笔在速写训练过程中较易掌握，待有一定基础后也可用钢笔和毛笔作画。

速写用纸没有什么特别讲究，70克左右的普通白纸即可，也可用新闻纸（印报纸用的纸），新闻纸适宜用炭笔作画。初学者可利用各种零散纸练习。现在一些美术品商店出售专门的速写本，这为速写练习提供了更多的方便。

另外，外出画速写时，应准备一个小画板或小画夹。

绘画是一种将长、宽、深三维空间中的立体物画到长、宽二维平面的纸面上，但又要产生准确、真实的立体感的表现形式，因而绘画艺术离不开透视知识的运用。

一般来说，透视形式主要有两种，即平行透视和成角透视。平行透视是指所画立方体的某一立面与画面相互平行，这个面不发生透视消失现象；成角透视是指立方体的相互垂直的两个立面都与画面成一定的角度，在画面上，两个立面都发生透视消失现象。

视平线是指与人的眼睛等高的那条水平线。心点是指作画者垂直于画面上的那一点。

速写训练的基本方法

速写训练是对学画者观察能力、分析能力、理解能力和表现能力的全面训练。速写训练中对观察力的训练，不仅要训练眼睛看得准，还要训练在作画时有正确的观察方法。什么是正确的观察方法？一般说来，以我们平时看东西的习惯来作画，往往是看到哪里画到哪里，这是一种局部的观察方法，用这种看一点画一点的观察方法作画，不能做到表现对象的本质关系。我们要画好速写，就要改变这种局部观察的习惯，学会整体观察的方法，养成整体观察对象各种造型结构关系的习惯。这种整体观察方法要求在作画时观察对象要有整体意识，在画某一点、某一局部时，不要只盯着一点看，而是要将所画的这一点、这一局部与其他部位相互比较，对所要画的局部与其他部位的上下左右关系及它们之间的内在结构关系做到心中有数，从整体关系下笔。这种比较的过程，实际上就是整体分析和理解对象的认知过程。正确的观察方法，只有通过大量的练习，才能逐步真正掌握。速写训练是练眼、练脑同时又是练手的过程。绘画是一门技艺性很强的艺术，下面就速写训练的一般顺序及一些学习方法和作画步骤进行阐述。

一、由简到繁

初画速写，可先从较简单的描绘对象入手。如一个小木凳，一双随便摆放的雨靴，一件挂在墙上的衣服。作画时先画对象外形轮廓的大关系，用直线画出基本形，注意线条的长度比例及各线条的倾斜度。在此之后，再充实些细节。例如画一张凳子，凳面与凳腿的关系是大关系，而榫头及局部特征等都是细节，这些细节可在进一步深入阶段逐渐画完。

“繁”的物象是指结构关系较复杂的对象。如：枝叶茂盛的大树、衣纹繁多的人物等，作画方法也和画“简”的东西一样，先从大的方面入手，确定了大的关系后，再充实细部。要将复杂的物体理解为是由各种简单部分组成的，然后将各简单部分画在复杂的大关系之内，这样完成起来就有条不紊。画复杂物象较难处理的一点，就是整体与局部的关系。画各个细部时，要注意到它们各部分之间的关系，同时还要照顾到整体的大关系，不要因描绘细部而使整体显得琐碎。只要我们把握好先画大关系，后充实细部的原则，画“繁”的对象便不会感到困难。

由简到繁的训练从大的题材上讲，可先画花卉，后画树木风景，最后画人物。

二、由静到动

初画速写，应先从静止的对象画起，稍熟练之后，再描写处于运动状态下的物象。静止的物体或处于不动状态下的人，有利于初学速写者在作画时能从容地观察对象，反复比较所描绘对象的各种结构关系，使初学速写者能在认真研究描绘对象各种结构关系的基础上下笔。作画时用线要肯定，线条是为了表达对象的形体关系，交待清楚结构造型而画的。线条的来龙去脉要有根据，这个根据就是被描绘物的结构。

初学速写者在作画时应将所画的速写与描绘对象进行反复比较，从而纠正画得不准确的部位。速写造型练习的最佳描绘对象就是静止的物象和不动的人物。我们看到许多速写范画，一个轮廓有时有几根复线。这就是对作品进行矫正而产生的痕迹。

画动的物象，如动态人物、动物等，需要在掌握一定的静态速写的基本功后再结合结构规律、运动规律加以训练，这样画起来就容易得心应手了。有关动态速写的注意事项及作画步骤，在后面的有关部分将会阐述。

三、由慢到快

画速写并不像我们有些初学者所想象的那样，下笔如写草书，一挥而就。因为画速写的过程，是一个对形体观察、理解、表现的造型过程。这一过程，初学者须仔细体会，扎实描画。逐渐熟练了，画速写的速度就会快起来。初学者应先画慢些，如人物速写每幅可在45分钟至1个小时左右完成，以后可逐步过渡到半小时画一张或一刻钟画一张。并且在训练过程中还要不时的将慢、快训练方法穿插进行，这样才能在速写训练中既得到扎实的练习，又掌握到速写的一些方式方法。

四、从描绘有规律的对象到描绘无规律的对象

初学速写者首先要画一些有规律的对象，这样有利于把握造型的准确性，并掌握速写的一些技巧。描绘有规律的对象，可先画一些基本形明确的花卉和重复出现的有规律的人物动态。在掌握了一些速写基本技法之后，再画一些无规律的对象，如杂乱无章的灌木丛，转瞬即逝的不规则的人物动态。有规律的对象较易把握，通过中轴对称性原则，可以获得较准确的轮廓。而规律感不强的对象，则较难把握，需要有一定速写基础后，方可对之速写。

五、临摹与速写相结合

学画速写的过程，应该是临摹优秀速写范画与对着对象写生相交替进行训练的过程。临摹的目的是为了学习前人的技法，如对形象的概括、取舍、交待结构以及一些用笔用线的技巧等等，尽可能在临摹中获得体会。另外，类似速写形式的优秀的线描画、连环画都可以临摹。通过临摹可以学到一些概括形体、处理衣纹、疏密穿插等方面的速写技法。另外在初学速写的过程中还要多临摹优秀的艺用人体解剖图谱，以求在临习的过程中掌握人体的基本结构知识。要做到临摹与速写反复交替进行，这样临摹才能有体会，才能将临摹中学到的东西运用到速写中去，真正变为自己的东西.

还有就是,你喜欢服装设计,.就要好好的练习速写.

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松华国际贸易(上海)有限公司，创立于1973年台湾，以生产制造聚酯胶合板和胶合板的二次加工为主要产品的企业

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爱克树脂贸易(上海)有限公司，创立于1936年日本，专注于以树脂技术优势为核心的多方位产品研发与生产，大型环保型装饰材料企业